SOLOS
Solos es una adaptación cinematográfica de la obra homónima de Paloma Bravo. La película traslada a la pantalla una historia centrada en una cena entre cuatro amigos que deriva en una revisión de sus vidas.
Dirigida por Guillermo Ríos, y con guion de Manuel Gancedo, la trama aborda cuestiones como la amistad, el trabajo, la pareja, el miedo y la muerte a partir de confesiones y reproches que emergen durante el encuentro. Temas que, de una forma u otra, moldean lo que significa para cada uno estar o sentirse solo.
El reparto está integrado por Kira Miró ("Todos lo hacen", Machos Alfa", "Crimen Ferpecto"), Salva Reina (Goya al Mejor Actor de Reparto por "El 47", "La Isla Mínima"), Carlos Santos ("El Refugio Atómico", "Los hombres de Paco, "Lo dejo cuando quiera"), y Elia Galera ("Pan de limón con semillas de amapola").
Sinopsis: Cuatro amigos se reúnen en una agradable cena con el único fin de disfrutar de su vida, acompañados de una copa de vino y alejados de los problemas personales. Sin embargo, las insatisfacciones llegan según avanza la noche y surgen temas que les inquietan: el miedo, la pareja, la amistad, el sexo, el trabajo, la complicidad o la muerte. Una historia en la que se habla de todo en minúsculas; con humor, ternura y mucha empatía. Así, entre el dolor y la carcajada, los cuatro protagonistas de Solos intentan enfrentarse a sus miedos y a sus decepciones, recuperar la esperanza y, sobre todo, aprender a reírse de sí mismos.
Solos está producida por Secuoya Studios, Álamo Producciones y A Contracorriente Films.
LA BUENA HIJA
La segunda película de la directora catalana participó en la Sección Oficial del Festival de Málaga y fue estrenada mundialmente en el Festival de Cine Black Nights (PÖFF) de Tallin (Estonia), donde se alzó con el Gran Premio del jurado a Mejor Película en Selección Oficial; así como el Premio del Público y a Mejor Actriz para su protagonista, Kiara Arancibia. Formó parte de la Competición Internacional del Festival de Göteborg (Suecia) y en el Festival de Oostende (Bélgica).
Este drama familiar cuenta con guion de Júlia De Paz y Núria Dunjó. Kiara Arancibia encabeza un reparto completado por Julián Villagrán (Tratamos demasiado bien a las mujeres), Janet Novas (O Corno) y con la colaboración especial de Petra Martínez (La vida era eso).
Está basada en el cortometraje Harta de la propia directora, ganador del Premio Gaudí y de tres Biznagas de Plata (Mejor Actor, Mejor Actriz y Premio de Público) en el Festival de Málaga, entre otros reconocimientos.
La buena hija se acerca, desde la mirada íntima y sensible de una adolescente, a las huellas que dejan los conflictos familiares. La película explora cómo los menores pueden verse afectados cuando el entorno se vuelve tenso o desigual, poniendo el acento en sus emociones, su confusión y también en su capacidad para encontrar luz y refugio incluso en los momentos difíciles.
La buena hija nace de la necesidad de dejar de mirar hacia otro lado y poner el foco en una violencia profunda y silenciosa: la que atraviesan los hijos e hijas de mujeres víctimas y supervivientes de la violencia machista, cuyas voces siguen siendo poco escuchadas y reconocidas. La película se pregunta qué entendemos por violencia, quién define sus límites y qué ocurre con todo aquello que queda fuera de las definiciones oficiales, invitando a mirarlo sin ignorarlo. La historia se cuenta a través de Carmela, una adolescente que despierta emocionalmente mientras enfrenta una realidad familiar compleja, y cuyo recorrido íntimo refleja los silencios, las lealtades divididas y las verdades a medias con las que crecen muchas jóvenes. Acompañarla es también un gesto colectivo: reconocer, nombrar y no seguir invisibilizando aquello que duele pero no siempre se ve.
Desde una mirada intergeneracional —a través de la abuela, la madre y Carmela— la película reflexiona sobre la herencia de la feminidad, el amor y la culpa, y sobre cómo cada una responde al conflicto desde su pasado y sus posibilidades presentes. El relato busca un equilibrio entre la oscuridad y la luz, reclamando el derecho de niños y niñas a no ser definidos únicamente por la violencia que atraviesan, sino a vivir como tales. La red de amigas de Carmela se convierte en refugio y espacio de luz, mostrando esos momentos en los que puede olvidarse de su carga y dejarse llevar, frente a una infancia marcada por la necesidad de madurar demasiado pronto. El amor —fraternal, incondicional, adolescente y entre mujeres— atraviesa toda la película, en diálogo constante con el no-amor y el mal querer, como motor de resistencia y posibilidad de cambio. Júlia de Paz
Sinopsis: Tras la separación de sus padres, Carmela y su madre se mudan a casa de su abuela. Mientras trata de adaptarse a su nueva situación, Carmela anhela pasar más tiempo en casa de su padre, un artista plástico a quien admira e idolatra. La sombra de este llevará a las tres generaciones de mujeres de la familia a decidir el futuro que merecen.
Júlia de Paz (Barcelona, 1995) es graduada en dirección cinematográfica en la Universidad de Cine y Medios Audiovisuales de Cataluña (ESCAC).
Como trabajo final de carrera realizó el cortometraje Ama, semilla de su primer largometraje: Ama (2021), estrenado en el Festival de Málaga (Biznaga de Plata a Mejor Actriz Protagonista y el Premio Feroz Puerta Oscura a Mejor Película).
En 2021, Variety nombra a Júlia de Paz como uno de los diez talentos españoles a tener en cuenta.
Su cortometraje Harta participó en Clermont Ferrand, el Festival de Málaga (Biznaga de Plata a Mejor actriz, la Biznaga de Plata a Mejor actor y el Premio del Público), Medina del Campo, Abycine, Alcine (Premio a mejor actriz y Premio del público), Concurso Iberoamericano de Versión Española (Premio a Mejor Actriz y a Mejor Actor), fue preseleccionado a los Goya 2023 y recibió el Gaudí.
Ha codirigido la serie para Disney+ Las largas sombras con Clara Roquet.
En 2024, participó en la creación y en el guión de la serie Querer, de Alauda Ruiz de Azúa, ganadora de 3 Premios Feroz, 3 Premios Forqué y 2 Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos.
La buena hija es una producción de Sergio Grobas, Stefan Schmitz, en coproducción con Maarten D’Hollander y Tim Marteens con la producción ejecutiva de Emilia Fort. Producen Astra Pictures, Avalon y Krater Films con el apoyo de ICAA, ICEC, Eurimages, RTVE, TV3, y Movistar+.
El guión lo firma Júlia de Paz junto a Núria Dunjó. La película fue seleccionada en los laboratorios de Residencias de la Academia del Cine Español, EAVE Producers Workshop, Industry Village - Les ARCS - Coproduction Village y en el Script Station de Berlinale 2023.
La buena hija fue galardonada con el segundo premio de LA MESETA, impulsado por el Ayuntamiento de Valladolid y la Junta de Castilla y León, entregado en la clausura del Mercado de Cine Independiente - MERCI en el marco de la 70 SEMINCI.
La buena hija es la primera producción que ha integrado un Departamento de Sostenibilidad desde el desarrollo del proyecto, con el objetivo de alinear los procesos de producción y las políticas y criterios de sostenibilidad vigentes así como obtener el Green Film Certificate, no solamente para reducir su huella de carbono, sino para fomentar la pedagogía y concienciación dentro del equipo. El departamento apuesta por la investigación y el desarrollo para tejer una red intersectorial que cuente con proveedores que compartan su misma visión. El objetivo final es mantener la industria cinematográfica competitiva y responsable en su impacto ambiental para que no quede obsoleta en el camino hacia el desarrollo sostenible. La buena hija ha obtenido el Green Film Certificate, con una de las puntuaciones más altas de Europa. Ha sido la primera producción cinematográfica catalana en obtenerlo.
BOULEVARD
La película, protagonizada por Eve Ryan y Mikel Niso, promete emocionar a una generación que creció con la historia de Hasley, una chica con una lista de sueños sin cumplir, y Luke, un chico complejo y vulnerable marcado por un pasado trágico. Entre nuevas amistades y un triángulo amoroso que complica su relación, ambos encuentran en el boulevard un refugio donde descubrir si el amor puede vencerlo todo.
La directora gallega Sonia Méndez (As Neves) dirige este drama juvenil producido por Anxo Rodríguez y escrito por Javier Ruescas, uno de los referentes actuales de la literatura juvenil de habla hispana, con Paula Cobo como productora ejecutiva.
Completan el reparto Biel Antón, Enzo Oliver, Christian Checa, Ainara Helguera, Najwa Khliwa, Jon Lukas, Brian Vilche y Claudia Roset, entre otros, con la colaboración especial de Luis Zahera, Esther Acebo y Pepe Barroso.
La cantante Mafalda Cardenal, interpreta la canción original de la película "Suenan como tú", ya disponible en todas las plataformas.
Sinopsis: Cuando Hasley (Eve Ryan) se muda a una nueva ciudad con su madre, lo último que espera es cruzarse con Luke (Mikel Niso), un joven envuelto en un aura peligrosa y un pasado trágico. Atrapado en sus propios demonios, Luke es todo lo que Hasley debería temer... pero a lo que se siente irremediablemente atraída. A pesar de las sombras que lo rodean, Hasley descubre en Luke una vulnerabilidad y un mundo interior apasionante. Juntos, crearán su propio boulevard: un refugio escondido donde poder ser ellos mismos, cumplir sueños imposibles, atreverse a amar a pesar de los prejuicios, el dolor y las cicatrices que arrastran, y demostrar que el amor es capaz de florecer incluso en los corazones más insospechados.
Boulevard es una producción de Espotlight Media, Maitemindua Zinema, Amets Kalea A.I.E. y Lightbox Animation Studios, en asociación con Sony Pictures Entertainment Iberia y WEBTOON Productions, con la participación de Prime Video y la Diputación Foral de Vizcaya, y con el apoyo del ICAA.
Sony Pictures Entertainment Iberia distribuye Boulevard. Tras su paso por salas y home entertainment, la película estará disponible en Prime Video.
A UNA ISLA DE TI
Esta producción, que convierte las islas Canarias en un idílico escenario de amor y enredos, está protagonizada por Freddie Dennis ("Queen Charlotte: Una historia de Los Bridgerton") y Jaime Zataraín (El Reino, "Rapa"), junto a Julia Martínez (Subsuelo, "La Promesa") y la colaboración especial de Toni Acosta ("4 Estrellas", Padre no hay más que uno). El reparto principal se completa con Carlos González ("Maricón perdido", "Mariliendre") y la joven actriz debutante Alba Goya.
Esta historia escrita por Fernando Pérez y Paula López Cuervo llega a los cines de la mano de DeAPlaneta.
La cinta narra las desventuras de Harry, un chef algo estirado que, tras sufrir un plantón en el altar, se deja convencer por su mejor amiga para pasar unas vacaciones en su tierra natal, Gran Canaria. Allí, Harry no solo se enamora de la isla, su gente y su gastronomía, sino que protagoniza un giro inesperado al enamorarse del padre de su mejor amiga. Con un tono fresco y actual, la película celebra la libertad de amar sin etiquetas y evoca la nostalgia de las grandes comedias románticas clásicas.
El director, Alexis Morante, destaca la singularidad del proyecto, describiéndolo como una "fábula moderna" con toques de realismo mágico donde el entorno natural no es un simple decorado, sino un personaje más. Según el director, “la propuesta de Morena Films e IPG Mediabrands Entertainment de abordar una historia de amor entre dos hombres en las islas Canarias fue una oportunidad perfecta para emocionar y divertir a partes iguales, rindiendo homenaje al género romántico de los años 90”.
A una isla de ti es una coproducción de Morena Films e IPG Mediabrands Entertainment, con María Soler y Juanjo Marrero como productores respectivos, y De isla en isla AIE, contando además con el apoyo de Turismo de Islas Canarias y la participación de HBO Max. DeAPlaneta estrenará la película en las salas de cine de España.
Sinopsis: Harry es un chef algo estirado al que le acaban de romper el corazón en el altar, por lo que se deja convencer por Yaiza, su mejor amiga, para pasar unas vacaciones en su tierra natal, Gran Canaria. Allí, Harry se enamora de la isla, de su gente, de sus playas y de su comida… pero lo que no esperaba era enamorarse de Iván, el padre de su amiga.
KILL BILL: THE WHOLE BLOODY AFFAIR
Tras más de dos décadas de espera, el Volumen 1 y el Volumen 2 en una única película, presentada tal y como Quentin Tarantino la concibió desde el principio, con una nueva secuencia de anime nunca antes vista.
Uma Thurman interpreta a La Novia, dada por muerta después de que su antiguo jefe y amante, Bill, organizase una masacre durante el ensayo de su boda, disparándole en la cabeza y arrebatándole a su hija nonata. Al despertar del coma, emprende una implacable venganza contra los miembros del Escuadrón de Asesinato de las Víboras Mortales, decidida a ajustar cuentas uno a uno hasta llegar al propio Bill.
Con su desbordante estilo y brutalidad, Kill Bill: The Whole Bloody Affair se erige como una de las grandes sagas de venganza, y de las más icónicas, en la historia del cine.
Más de veinte años después, llega por fin a las salas como fue pensada desde el inicio. Su silbido resuena y su sangre salpica desde la gran pantalla: por primera vez en su versión íntegra.
Kill Bill fue concebida, rodada y montada inicialmente como un solo largometraje. Ante su duración y ambición, el proyecto se dividió en dos partes para su estreno en 2003 y 2004. Desde entonces, el montaje completo se convirtió en una obra casi mítica, reclamada durante años por los seguidores del director y rara vez exhibida en su forma íntegra.
Kill Bill: The Whole Bloody Affair integra por completo los dos volúmenes de "KILL BILL" en un único relato continuo, recuperando la estructura narrativa original concebida por Quentin Tarantino. Esta versión incluye además una secuencia de animación ampliada que profundiza en el pasado de O-Ren Ishii (Lucy Liu), así como la legendaria escena de la Casa de las Hojas Azules presentada íntegramente y a color. En su estreno original, esta secuencia fue parcialmente recortada y mostrada en blanco y negro para evitar una calificación +17 en Estados Unidos debido a su violencia gráfica. Kill Bill: The Whole Bloody Affair restituye ahora su intensidad visual y narrativa tal y como fue concebida originalmente.
BUENA SUERTE, PÁSALO BIEN, NO MUERAS
Buena suerte, pásalo bien, no mueras es una aventura cómica, dinámica, alocada y apocalíptica como ninguna otra y ya se ha convertido en una de las películas más esperadas de 2026. Está protagonizada por el ganador de un Oscar y Globo de Oro Sam Rockwell (Argylle, Tres anuncios en las afueras), Haley Lu Richardson (A dos metros de ti, Operación final) y Michael Peña (A Working Man, Moonfall).
Completan el reparto de esta sátira sobre nuestra relación con la tecnología Zazie Beetz (Joker: Folie à Deux, Bullet Train), Asim Chaudhry (Una navidad diferente, Barbie) y Juno Temple (Roofman: Un ladrón en el tejado, Ted Lasso)
Tras pasar por el Fantastic Fest, Beyond Fest o el Festival internacional de Palm Springs, la película de Verbinski se convirtió en un éxito instantáneo entre los críticos obteniendo críticas muy positivas y un 94% en Rotten Tomatoes.
La premiere europea tuvo lugar en el 76 Festival de Berlín donde la película formó parte de la sección Berlinale Special.
Sinopsis: Una noche oscura. Un restaurante abarrotado. Un hombre con un detonador (Sam Rockwell) irrumpe proclamando que viene del futuro. Es la 117.ª vez que regresa con la misma misión. Antes de que se acabe el tiempo, debe reclutar a un grupo de clientes del restaurante claramente no cualificados (Haley Lu Richardson, Michael Peña, Zazie Beetz, Asim Chaudhry y Juno Temple) para detener el inminente apocalipsis de la inteligencia artificial y salvar a la humanidad de los peligros de las redes sociales. ¿El problema? Todo está en su contra, desde extraños escépticos y adolescentes con el cerebro podrido hasta monstruosidades algorítmicas que escapan a su control. Pero si este improbable grupo lo consigue, el mundo podría salir adelante. ¿O no?
Buena suerte, pásalo bien, no mueras llega a los cines españoles el 10 de abril gracias a Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel Media.
La producción de Buena suerte, pásalo bien, no mueras comenzó en Sudáfrica en mayo de 2024. El guion es obra de Matthew Robinson (De amor y monstruos, Dora y la ciudad perdida) y la producción corre a cargo de Robert Kulzer (A pesar de ti, Resident Evil: Venganza), Gore Verbinski (La vida secreta de Walter Mitty El llanero solitario) y Erwin Stoff (Al filo del mañana Invencible).
NO TE OLVIDARÉ
Sinopsis
Había habido un antes de ti y un durante. Pero por algún motivo nunca pensé que habría un después de ti.
El fenómeno literario de la autora best seller del New York Times Colleen Hoover se convierte en una película transformadora sobre la maternidad, el perdón y el poder del amor para superar hasta el error más terrible.
Tras una quedada perfecta con su novio, Kenna (Maika Monroe; La mano que mece la cuna, Longlegs) comete un error imperdonable que la acaba enviando a la cárcel. Siete años después, Kenna vuelve a su pueblo en Wyoming con la esperanza de reconstruir su vida para reunirse con su hija pequeña, Diem, a la que no conoce.
Cuando los abuelos y tutores de Diem se niegan categóricamente a permitir que la vea, Kenna descubre una compasión inesperada seguida de un sentimiento más profundo y real con Ledger (Tyriq Withers; El mejor, Sé lo que hicisteis el último verano), exjugador de la NFL y propietario de un bar local. A medida que su romance secreto va cobrando forma, surgen problemas para los dos, lo que llevará a Kenna a una situación sentimental desoladora y, en último término, a reavivar la esperanza de una segunda oportunidad.
La película cuenta además con leyendas de la pantalla de la talla de Lauren Graham (Las chicas Gilmore, La extraordinaria playlist de Zoey) y el ganador de tres Emmy Bradley Whitford (Déjame salir, El cuento de la criada) interpretando a los abuelos de Diem, Grace y Patrick; Rudy Pankow (Outer Banks, Uncharted) dando vida a Scotty, el padre de Diem; y la ganadora de un Grammy y estrella de la música country Lainey Wilson (Yellowstone) como Amy, amiga y compañera de trabajo de Kenna.
Completan el reparto Jennifer Robertson (Schitt’s Creek) en el papel de la casera de Kenna, Zoe Kosovic (The Smashing Machine) como la hija de Kenna, Hilary Jardine (Holidazed) y Nicholas Duvernay (The White Lotus) como empleados del bar de Ledger y, debutando en la gran pantalla, Monika Myers en el papel de la vecina de Kenna, Diana.
Al frente de un equipo de cineastas formado exclusivamente por mujeres, Vanessa Caswill (La probabilidad estadística del amor a primera vista, la miniserie Mujercitas) dirige No te olvidaré a partir de un guion de Colleen Hoover y Lauren Levine basado en una novela de la primera. La película está producida por la propia Colleen Hoover (productora ejecutiva de Romper el círculo, A pesar de ti), Lauren Levine (productora ejecutiva de Un puente hacia Terabithia, la serie Confess) y Gina Matthews (¿No es romántico?, El sueño de mi vida). La producción ejecutiva corre a cargo de Robin Mulcahy Fisichella.
Universal Pictures presenta No te olvidaré, una producción de Heartbones Entertainment y Little Engine.
Publicada originalmente en 2022, la novela No te olvidaré ha vendido más de 6 millones de copias en Estados Unidos y se ha traducido a 45 idiomas. Hoover es la autora best seller de numerosos libros superventas, como Romper el círculo, Volver a empezar, Layla, Primer amor, Confess y Verity. La sombra de un engaño.
ATRAPANDO A UN MONSTRUO
La película de Bryan Fuller ha recibido cinco nominaciones de la Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Terror de Estados Unidos. Antes de llegar a nuestros cines, Atrapando a un monstruo ya se ha hecho un hueco entre las películas independientes más destacadas de ciencia ficción. Así, en la 53ª edición de los Premios Saturn, la película recibió nominaciones en varias categorías clave:
- Mejor Película Independiente
- Mejor Actor de Reparto: Mads Mikkelsen
- Mejor Actriz de Reparto: Sigourney Weaver
- Mejor Intérprete Joven: Sophie Sloan
- Mejor guion cinematográfico: Bryan Fuller
Sinopsis: Aurora, una niña de 10 años, está convencida de que el monstruo que vive bajo su cama se ha comido a su familia. Cuando descubre que su vecino (Mads Mikkelsen) es un asesino a sueldo, decide contratarlo para cazar a la criatura. Para protegerla, el sicario tendrá que abrirse paso entre una oleada de matones liderados por Sigourney Weaver y asumir que, a veces, los monstruos existen de verdad.
INCONTROLABLE
Dirigida por Kirk Jones (Despertando a Ned, Qué esperar cuando estás esperando, La Niñera Mágica, Todos Están Bien, Mi Gran Boda Griega 2), Incontrolable cuenta en su reparto con Robert Aramayo (El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder, Juego de Tronos), Maxine Peake (La Teoría del Todo), Shirley Henderson (Trainspotting, Star Wars: El Ascenso de Skywalker, Bridget Jones: Loca por él) y Peter Mullan (En el Nombre de Dios, Mi Nombre es Joe).
Incontrolable llega a nuestras pantallas a de la mano de Selecta Vision.
ESPEJOS No 3
Protagonizada por su emblemática Paula Beer, Espejos n.º 3 supone un nuevo capítulo en la larga colaboración entre el director y la actriz, después de “En tránsito”, “Ondina” o “El cielo rojo” (disponibles en Filmin).
Sinopsis
Laura (Paula Beer), una joven estudiante de piano de Berlín, sobrevive milagrosamente a un accidente de coche en el que fallece su novio. Aunque sale físicamente ilesa, el impacto emocional del suceso la deja profundamente conmocionada.
Una mujer que presenció el accidente decide acogerla en su casa y cuidarla durante unos días. Poco a poco, Laura comienza a integrarse en la vida de esta familia –formada por la mujer, su marido y su hijo adulto– y entre ellos surge una extraña intimidad doméstica. Pero bajo esa aparente calma empiezan a aflorar heridas del pasado y secretos que alterarán el frágil equilibrio del hogar.
El reencantamiento. Figura central de la llamada Escuela de Berlín, Petzold continúa explorando relatos íntimos atravesados por el misterio, la memoria y las identidades en tránsito. El propio cineasta lo ha explicado así: “Me dije a mí mismo que las tres próximas películas que quería hacer –”Ondina”, “El cielo rojo” y esta– tratarían sobre el reencantamiento. No es difícil hacer una historia de amor situada en París, pero es muy difícil hacer una historia de amor en Alemania, por ejemplo en noviembre, en las afueras de una ciudad. Así que intenté reencantar el mundo con la ayuda de los cuentos, las canciones de cuna y la historia del cine”.
Ambientada en el paisaje rural alemán, “Espejos n.º 3 construye un delicado relato sobre la fragilidad de los vínculos humanos y la posibilidad de reparar las heridas del pasado, siguiendo así el hilo del concepto “reencantamiento”: A partir del encuentro entre dos mujeres marcadas por la pérdida, Petzold compone una historia donde el duelo se transforma en una inesperada forma de convivencia y reconstrucción emocional. El director explica: “Cuando empecé a pensar en esta película, sabía que trataba sobre personas traumatizadas, que han perdido sus sentidos. Las personas deprimidas, como Laura, ya no tienen una ventana abierta al mundo. Sus sentidos están muertos. Nada entra, su mente es una cárcel. Esta película trata de volver a abrir esas ventanas. De que los sentidos vuelvan a funcionar”.
Entre Kleist y Ravel. El título original “Miroirs No. 3” procede de una pieza para piano de Maurice Ravel que Petzold escuchaba mientras escribía el guion: “Es un tema que oía durante la escritura. Lleva como subtítulo Une barque sur l’océan, y esa imagen se me quedó grabada”, explica el director, señalando que esa idea visual influyó incluso en la escena inicial de la película. La música, de hecho, forma parte de la lógica interna del film y aparece vinculada siempre a gestos y espacios concretos, no como simple acompañamiento.
Durante el proceso creativo, Petzold también compartió con el reparto textos del filósofo Werner Hamacher sobre el escritor romántico alemán Heinrich von Kleist, que le sirvieron para pensar sobre la fragilidad de las relaciones humanas. “La literatura –decía ese texto sobre Kleist– es como vivir bajo una bóveda frágil que podría derrumbarse en cualquier momento”, recuerda el cineasta. Para Petzold, esa imagen resume también la idea de comunidad que atraviesa “Espejos n.º 3”: un grupo de personas que conviven bajo un equilibrio precario, donde todo podría romperse, pero donde aun así algo consigue sostenerse.
UYARIY (ESCUCHAR)
Tras su paso por el certamen malagueño, UYARIY (escuchar) se ha estrenado solo en cines este jueves 9 de abril.
Coproducida entre Perú y España, UYARIY —’escuchar’ en quechua— aborda las masacres de 2022 y 2023 en Perú, que dejaron 50 civiles muertos durante la represión de protestas antigubernamentales. Su estreno en el país andino estuvo marcado por denuncias de censura, cancelaciones de funciones y horarios restrictivos.
La situación alcanzó tal dimensión que el propio Corcuera denunció públicamente la retirada de la película de varias carteleras y la asignación de horarios inaccesibles. La agencia EFE recogió sus declaraciones, en las que el director alertaba sobre formas de censura “solapada” y solicitaba la restitución de las proyecciones por respeto a las víctimas y al público.
Lo que comenzó con apenas cuatro salas y sin promoción terminó convirtiéndose en un fenómeno de movilización ciudadana: en menos de una semana pasó de cuatro proyecciones a 116 horarios en 14 ciudades, tras la presión pública y el apoyo de colectivos de víctimas.
Reconocida con el Premio APRECI a Mejor Película Peruana 2025, concedido por la prensa cinematográfica del país, la película construye un testimonio inmediato a partir de las voces directas de los familiares. Bajo la fotografía de Mariano Agudo y con la música de Edith Ramos, Corcuera articula un relato donde la denuncia convive con la memoria y la poesía popular.
Ganador de un Goya, una Biznaga de Plata en el Festival de Málaga y reconocido en certámenes como San Sebastián, el Festival de Lima o In-Edit Barcelona, Javier Corcuera regresó al certamen malagueño tras presentar el pasado año Mariem.
Sinopsis: Tras el estallido social en Perú y la matanza del 9 de enero de 2023 en Juliaca, artistas del ande peruano recorren con su música la región de Puno y su memoria histórica. Un territorio marcado por la represión y las revueltas indígenas donde las heridas siguen abiertas. A través de las voces de los familiares de las víctimas, UYARIY convierte el duelo en testimonio y la memoria en denuncia.
Corcuera ha señalado: “UYARIY (escuchar), mi último largometraje documental, es una historia que transcurre en territorios quechuas y aymaras del Perú, una historia de violación de los derechos humanos que podría estar ocurriendo en cualquier lugar del mundo, en esta era que vivimos, donde ya no existen límites, donde los genocidios están permitidos, apoyados y financiados ante los ojos del mundo y donde la impunidad cada vez es mayor.”
El director subraya además el enfoque del filme: “Es una película contada desde la música popular y la poesía de la calle, que va relatando los acontecimientos y hace un viaje de memoria de 200 años de república en esos territorios quechuas y aymaras.”
UYARIY (escuchar) es una coproducción entre España y Perú impulsada por Intermedia Producciones, Quechua Films, La Mula Producciones, Tamboura Films y el Instituto de Cine de Madrid.
Escrito y dirigido por Javier Corcuera junto a Ana Praga, la película se construye a partir de testimonios directos recogidos en territorios quechuas y aymaras. La fotografía de Mariano Agudo coloca la cámara frente a los rostros y el paisaje, dejando que la palabra tenga el peso.
La música, con la participación de Edith Ramos y composición original de Pedro Rodríguez Chirinos, forma parte del relato.
Con una duración de 95 minutos, el documental recoge las voces de Milagros Santillán Sanga, Asunta Jumpiri Olbea, Yovana Apaza Cutisaca, Elba Mamani Añamuro, Rosa Luque Mamani, Julia Mamani de Luque y Demetrio Aroquipa Mamani, que sostienen la historia con sus propias experiencias.
“Era importante que el equipo trabajara desde la precisión y el respeto al material recogido”, ha señalado Corcuera sobre el proceso de producción.
Javier Corcuera Andrino es uno de los documentalistas más relevantes del ámbito iberoamericano. A lo largo de su trayectoria ha recibido, entre otros reconocimientos, el Premio Goya de la Academia de Cine, el Premio FIPRESCI en el Festival de San Sebastián, la Biznaga de Plata del Festival de Málaga y el galardón a Mejor Película Documental en el Festival de Cine Latinoamericano de Lima.
El año pasado presentó su cortometraje Mariem en el Festival de Málaga, donde inició su recorrido antes de obtener el premio a Mejor Cortometraje Documental Musical en el Festival IN-EDIT.
Su último largometraje, UYARIY (Escuchar), ha sido reconocido como Mejor Película Peruana por la Prensa Cinematográfica del Perú.
En su filmografía figuran títulos como La espalda del mundo, Invierno en Bagdad, La guerrilla de la memoria, En el mundo a cada rato, Invisibles, Sigo siendo, El viaje de Javier Heraud y No somos nada.
THE DESIGNER IS DEAD
Basado en la trayectoria del visionario e innovador diseñador mallorquín Miguel Adrover, el documental es un original de Filmin producido por Little Spain y dirigido por Gonzalo Hergueta.
La película ya se presentó en la pasada edición del Atlàntida Mallorca Film Fest, donde ganó el premio del público, y clausuró la sección Made in Spain del Festival de San Sebastián. Recientemente ha conseguido ganar el premio a Mejor Documental en Moritz Feed Doc, Festival Internacional de Cine y Moda de Barcelona, el único festival nacional dedicado a crear un diálogo entre cine y moda.
A través de materiales de archivo inéditos, testimonios clave y sus icónicos desfiles, el documental es un retrato íntimo de un creador que conquistó Nueva York, desafió las reglas del sistema de la moda y eligió la coherencia antes que la complacencia. Un relato sobre el precio del éxito, la fragilidad de la fama, la identidad y la integridad moral y creativa en una industria voraz.
Célebre por sus innovadoras contribuciones al multiculturalismo, la sostenibilidad y la expresión social y política, Adrover fue considerado en su momento el futuro de la moda. Sin embargo, tan solo unos años después de su meteórico ascenso, cayó en el olvido y se retiró a un pequeño pueblo de la isla de Mallorca, donde buscó nueva inspiración.
Este documental explora su última década basada en años de introspección y exploración creativa a través de la ropa, los maniquíes y la fotografía, a la vez que rememora su excéntrico e influyente pasado. Incluye testimonios de Jennifer Hoffman, colaboradora cercana de Adrover, y de Robin Givhan, crítico de moda ganador del premio Pulitzer.
Dirigido por Gonzalo Hergueta y producido por Little Spain, responsable de proyectos audiovisuales que han redefinido el diálogo entre música, cine y cultura contemporánea como Esta ambición desmedida o La guitarra flamenca de Yeray Cortés (ganadora del Goya a Mejor documental y Mejor canción). La productora fue fundada de forma colectiva por Antón Álvarez (C. Tangana), Santos Bacana, Cris Trenas y Rogelio Gonzalez. El proyecto es un Filmin Original.
Sinopsis: The Designer is Dead no es solo una historia sobre moda, es una historia sobre libertad creativa, sobre lo que ocurre cuando el talento decide no negociar. A finales de los años 90, la irrupción de Miguel Adrover fue tan inesperada como imparable. De Mallorca a la élite neoyorquina, fue aclamado por figuras como la mítica jefa de redacción de Vogue, Anna Wintour, y reconocido con el prestigioso CFDA Fashion Awards. Su visión radical, política y profundamente contemporánea lo convirtió en uno de los diseñadores más influyentes de su generación. Pero cuando decidió tensar los límites del propio sistema con su controvertido desfile Utopia, todo cambió.
Sobre el realizador. Gonzalo Hergueta es un director de documentales español afincado en Nueva York. Como diseñador y creativo, ha sido ampliamente galardonado (Cannes Lions, Clios, AD&AD y TDC), habiendo trabajado con marcas como NASA, Adidas, Nike, Prada, y artistas como Young Thug, ARCa, C. Tangana, Judeline o Bad Gyal. The Designer is Dead es su primer largometraje, tras una serie de cortos como Hidden Glances (Best of Nowness) o Chromascope (Vimeo Staff Pick).
Sobre Silencio Cinema. Silencio Cinema es una distribuidora de cine independiente integrada por Miguel Molina (productor en Jaibo Films), Araceli Pérez Rastrilla, (productora en La Vida) y Ana Torres (distribución de cine, anteriormente en Golem y Elástica).
Con Balearic de Ion de Sosa (nominada a los Goya como mejor dirección novel) como primer estreno, Silencio nace con el objetivo de contribuir a la difusión de películas arriesgadas y poco convencionales. A su catálogo se han sumado películas como Manas de Marianna Brennand (nominada a los Goya como mejor película iberoamericana), Oca de Karla Badillo y Dos días de Gonzaga Manso, ambas presentadas y premiadas en el Festival de Málaga.
Sobre Filmin. Es la plataforma de streaming de referencia para los amantes del cine en España y Portugal. Fundada en nuestro país en 2007, se ha consolidado como un referente del sector audiovisual, manteniendo una posición diferenciada por su forma de editorializar los contenidos, su amplio y variado catálogo o la producción de sus propias películas y series originales.
MI ROBOT FAVORITO
Basada en su propia novela gráfica publicada en 2011, la película tuvo su estreno mundial en la sección Generation Kplus de la Berlinale 2025 y posteriormente pasó por festivales como el prestigioso Annecy –donde compitió en la sección Contrechamp– y Toronto, consolidándose como una de las propuestas animadas más destacadas de la temporada.
Sinopsis
Robot, un Guardianbot de primera generación, ha criado a Celeste para convertirla en una brillante astronauta. Cuando ella parte en su primera misión en solitario, él se queda atrás en la Tierra. A medida que pasan los días, la soledad empieza a afectarle y sus envejecidos sistemas tecnológicos comienzan a deteriorarse. Mientras intenta adaptarse a un mundo que ha cambiado, Robot encuentra consuelo revisitando los recuerdos de los momentos felices y divertidos que compartió con Celeste.
Mientras tanto, en la inmensidad del espacio, la aventura de Celeste está llena de maravillosos descubrimientos científicos, hasta que peligros inesperados la dejan varada en un planeta lejano. Mientras lucha por superar estos nuevos obstáculos y escapar de ese terreno traicionero, los recuerdos de su infancia iluminan su camino. Finalmente, necesitará valentía, amor y su propio ingenio como ingeniera para encontrar el camino de regreso a casa.
La música como lenguaje. Fiel al espíritu de la novela gráfica original, la película prescinde de diálogos y construye su narración a través de la música y la expresión visual. Como explica Kid Koala, “sabía que era posible crear obras profundamente emotivas sin diálogo”, una idea que conecta con el recuerdo de infancia que le marcó al descubrir “Tiempos modernos” de Charlie Chaplin junto a su familia. Para el director, las historias sin palabras generan una relación distinta con el espectador: “la gente se relaciona con las obras sin diálogo de otra manera; es como un pequeño puzzle en el que el público recurre a sus propias experiencias para imaginar lo que sienten los personajes”.
La presencia central de la música no es casual: la novela gráfica original de Space Cadet, publicada en 2011, ya incluía un CD con una banda sonora compuesta por el propio Kid Koala, concebida como una “still picture score” pensada para acompañar cada escena del libro. El largometraje amplía esa idea y la traslada al cine, apoyándose en una partitura que guía la emoción de la historia y sustituye a las palabras como principal vehículo narrativo.
Una historia sobre la pérdida. Aunque Mi robot favorito se presenta como una aventura espacial, el origen del proyecto es profundamente personal. Kid Koala comenzó a desarrollar la historia tras atravesar un momento vital marcado por la muerte de su abuela y, al mismo tiempo, por el nacimiento de su hija, dos acontecimientos que le llevaron a reflexionar sobre el paso del tiempo y la transmisión entre generaciones.
La novela gráfica en la que se basa la película nació de ese proceso: “Escribir el libro se convirtió en una manera de afrontar todas esas emociones”, recuerda el director. Esa dimensión emocional atraviesa toda la película: la relación entre Robot y Celeste funciona como una metáfora del acompañamiento y de la necesidad de encontrar nuestro lugar en el mundo, incluso cuando las personas que nos guiaron ya no están.
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