¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
La nueva serie original de Disney+ es Ladrones: la tiara de santa Águeda, dirigida por Inma Torrente y protagonizada por Álex González, Silvia Alonso y Asier Etxeandia. La serie se estrenará en exclusiva el 13 de junio en Disney+ y está producida en colaboración con Plano a Plano (El príncipe, Allí abajo, Valeria, Un cuento perfecto).
La serie de 6 episodios presenta a Amber (Silvia Alonso) una de las más brillantes ladronas del mundo que, después de un robo fallido en Las Vegas, prepara su próximo golpe. Esta vez será en Isla Esperanza, un paradisíaco lugar perdido en mitad del Pacífico. Su objetivo es la tiara de santa Águeda, una joya valorada en 240 millones de dólares, que portará durante su boda la hija del magnate Emilio Villegas (Asier Etxeandia). Para preparar el robo, Amber lleva tres años infiltrada en la familia Villegas como institutriz. Pero su milimétrico plan salta por los aires cuando aparece en la isla Rui (Álex González), un ladrón descarado y misterioso, con el que tuvo una complicada relación en Las Vegas durante un espectacular golpe.
Rodado en diferentes localizaciones de República Dominicana, Málaga y Madrid, Ladrones: la tiara de santa Águeda es un thriller que combina acción, aventura y romance en una isla de ensueño de la que será imposible escapar sin ser descubiertos. Álex González (Desde el mañana, Operación Marea Negra, El Príncipe, Vivir sin permiso), Silvia Alonso (Sin instrucciones, Fuerza de Paz, Eres tú) y Asier Etxeandia (Dolor y gloria, La Novia, Velvet, La línea invisible) encabezan el reparto que completan Antonio Pagudo, Olga Hueso, Albert Baró, Alicia Jaziz, Jan Buxaderas, Eduardo Gómez, Cumelén Sanz, Oliver Ruano, Milena Radulovic, Saibon Wang y Ainhoa Santamaría, entre otros.
Ladrones: la tiara de santa Águeda está dirigida por Inma Torrente (Valeria, Los enviados), con Alejandro Bazzano (Mar de plástico, La casa de papel, Cicatriz) como director de dos episodios. Los creadores son los guionistas Verónica Marzá (Mar de plástico, Cicatriz), Pablo Roa (Vis a vis, La casa de papel, Cicatriz) y Fernando Sancristóbal (La casa de papel, Tierra de lobos). El actor Álex González junto con Verónica Marzá, Pablo Roa, César Benítez y Ángel Armada son los productores ejecutivos.
Madfer Films y Filmin han adquirido Resurrection, de Bi Gan, para su próximo estreno en España. La película, que ha formado parte de la Sección Oficial del Festival de Cannes, se ha convertido ya en uno de los títulos mejor valorados, consiguiendo el Premio Especial en dicha sección.
Se trata de la segunda vez que el director chino participa en el certamen francés. Su anterior y segundo largometraje, Largo viaje hacia la noche, pudo verse en 2018 en Un Certain Regard. Shu Qi (La asesina de Hou Hsiao-hsien) y Jackson Yee (La leyenda del río rojo de Zhang Yimou), encabezan el elenco de la que ha sido una de las incorporaciones de última hora y más esperadas en esta edición del Festival.
Las ventas internacionales corren a cargo de Films Du Losange.
Sinopsis: En un mundo donde los humanos han perdido la capacidad de soñar, una mujer descubre un ser misterioso capaz aún de experimentarlos. Ella consigue adentrarse en sus sueños en busca de la verdad…
LA PRENSA HA DICHO…
“Monumental, tierno, cruel y exageradamente bello. Bello de doler.” - EL MUNDO
“Un ejercicio impresionante de cine total y ambición artística” - DIARI ARA
"Un recordatorio de los placeres singularmente paradójicos de la inmersión y la rendición: una lección deslumbrantemente cineliteraria sobre el arte perdido de dejarse llevar" - VARIETY
"Una película que trata tanto de la maravilla de los sueños como del propio cine, y en la que el director se adentra en lugares aún más apasionantes y nuevos, al tiempo que pone el mismo empeño en su oficio" - THE PLAYLIST
"Atrevida y ambiciosa, visualmente asombrosa, psicodélica y vertiginosa en su apuesta por la alucinación y el significado exacerbado de lo irreal y lo onírico (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" - THE GUARDIAN
SOBRE BI GAN
Bi Gan es un director de cine, guionista, poeta y fotógrafo chino. Su primer largometraje, Kaili Blues, se estrenó en 2015 y ganó el premio al Mejor Director Novel en la 52 edición de los Golden Horse Awards y el premio a la Mejor Ópera prima en el 68 Festival de Cine de Locarno.
En 2017, escribió y dirigió su segundo largometraje Largo viaje hacia la noche, protagonizado por Tang Wei, Huang Jue, Sylvia Chang y Lee Hong-chi. La película participó en Un Certain Regard y en Zabaltegui-Tabakalera del Festival de San Sebastián, además de obtener numerosas nominaciones en festivales internacionales.
Su obra sigue explorando los límites del tiempo y la memoria, a menudo con secuencias oníricas y narraciones poéticas. Bi Gan también es conocido por su interés por la poesía y la fotografía e incorpora a menudo lenguaje poético e imágenes visuales, reflejo de sus diversos intereses artísticos.
MADFER FILMS Y FILMIN ESTRENARÁN RESURRECTION PRÓXIMAMENTE
El pasado viernes 23 de mayo se estrenó en cines Hombres Íntegros, el segundo largometraje del cineasta mexicano Alejandro Andrade Pease (Cuernavaca) con banda sonora de la cantautora española Christina Rosenvinge. Está protagonizada por el premiado Andrés Revo, María Aura (Y tu mamá también) y Tomás Rojas (La dictadura perfecta).
Tuvo suestreno en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de Morelia (México)donde su actor protagonista,Andrés Revo, se alzó con elPremio a Mejor Actor Revelación. Además, la película también se ha mostrado en otros festivales mexicanos, como elFestival de Cine de Tequiladonde obtuvo el Premio a Mejor Guion y Premio a Mejor Actor.
La película reflexiona, desde las propias experiencias personales de su director y co-guionista Armando López Muñoz, sobre temas tan universales como la identidad y el miedo a ser uno mismo con el trasfondo del machismo, la homofobia y el clasismo.
“Vivimos en una sociedad donde el machismo prospera sin control, desde pequeñas acciones cotidianas hasta crímenes atroces. Todos somos parte del problema porque muchas veces hacemos la vista gorda. El objetivo principal de la película es incitar a los espectadores a reflexionar sobre este tema y sobre cómo hemos llegado a normalizar su impunidad”, afirma el director Alejandro Andrade Pease.
Se trata de una coproducción entre México y España. Las productoras mexicanas son Pisito Trece Producciones, Home Films, Alameda Films y Zamora Films; y la productora española es Malvalanda (con María del Puy Alvarado como productora española), con la participación de RTVE.
Sinopsis: Alf es un adolescente privilegiado que regresa a estudiar a su escuela católica después de estar un año fuera. Ahora, ya no se identifica más con sus amigos de siempre, deportistas y populares, sino que empieza a sentir atracción por Oliver, un alumno nuevo y totalmente diferente al resto de los chicos. Cuando Alf trata de besar a Oliver y éste lo rechaza, se siente incómodo y se aleja de su nuevo amigo. Alf tratará de acallar cualquier rumor sobre su orientación, aliándose con sus antiguos amigos. Juntos, en sus excesos y prepotencia, terminarán convirtiéndose en criminales.
Malvalanda es una empresa dedicada a la producción audiovisual con más de 18 años de experiencia. Ha sido nominada siete veces a los Goya, recogiendo el premio a Mejor Cortometraje de Ficción en 2017 por Madre, de Rodrigo Sorogoyen. También ha recibido dos nominaciones a los Premios Oscars.
Entre sus trabajos más recientes destacan El Agente Topo de Maite Alberdi presentado en el Festival de Sundance, Premio Europeo del Público - Perlas del Festival de Cine de San Sebastián y nominado a los Premios Oscars o la última película de Carlos Saura, Las Paredes Hablan, Goya de Honor 2023, presentada en el Festival de Cine de San Sebastián y en el Festival de Sevilla y con un gran recorrido internacional.
En 2025 ha estrenado Miocardio de José Manuel Carrasco, con una gran acogida por parte de la crítica especializada y del público general, y ha sido nominada a los Premios Goya por el cortometraje Cuarentena de Celia de Molina. El pasado año 2024 estrenó en cines La primera mirada de Luis E. Parés, presentado en el Festival de Cine de Valladolid Seminci 2023.
Gracias a nuestrxs amigxs de Flamingo Comunicación hemos podido entrevistar al director de la cinta, Alejandro Andrade Pease. Éste es el resultado de la entrevista, que os ofrecemos en nuestra colaboración con MagaZinema:
En 2017 Lino Escalera presentaba en el Festival de Málaga No sé decir adiós, consiguiendo varias Biznagas, además del Premio Especial del Jurado. Ahora, Lino Escalera ha regresado a ese mismo certamen para presentar su segundo largometraje, Hamburgo, que llega a nuestros cines este viernes.
Protagonizada por Jaime Lorente, Roger Casamajor y la exitosa actriz rumana Ioana Bugarin, la película discurre, en clave de thriller, por el oscuro mundo de las mafias de trata de mujeres, contada desde el punto de vista de dos personajes que persiguen objetivos muy diferentes, pero que a la vez comparten el mismo deseo: escapar del pozo donde están metidos y encontrar una vida mejor.
Con claros guiños al cine negro, y el telón de fondo de las organizaciones criminales que prostituyen a miles de mujeres que son engañadas y secuestradas en sus países de origen para trabajar como esclavas, nos encontramos ante una historia “sobre personajes que no paran de tomar decisiones equivocadas y que acaban acorralados, intentando de manera suicida encontrar una salida a ese callejón en el que ellos mismos se han metido. Pobres tipos condenados a que nada les salga nunca bien, marcados por la fatalidad.” explica el propio Escalera, quien escribió el guion junto a Daniel Remón (Ganador del Goya a mejor guion adaptado por Intemperie y autor de títulos como Casual Day o Cinco metros cuadrados) y Roberto Martín Maiztegui (creador de series como La Ruta o La Valla), tras una exhaustiva documentación sobre el tema.
“Esta aproximación al género era completamente necesaria a la hora de trabajar con un universo tan complicado como el de la trata. Creo que la película mantiene un delicado equilibrio entre la pulsión narrativa del género y una mirada más sosegada, que pretende mostrar no solo la realidad de un mundo extremadamente cruel, sino también el fondo de unos personajes muy complejos, con muchas aristas.” Afirma el director.
Jaime Lorente (La Casa de Papel, Cristo & Rey, Élite) encabeza el reparto de Hamburgo interpretando a Germán, un conductor que trabaja para una mafia de trata en la Costa del Sol. Un personaje para el que Lorente se ha preparado especialmente y ha adaptado su físico, con una imagen impactante y dura. Junto a él, como coprotagonistas, Roger Casamajor (premiado por sus trabajos en Pa negre, La isla del holandés o El vientre del mar y nominado a los Feroz por La Mesías) y la exitosa actriz rumana Ioana Bugarin, (Dos veces nominada a los premios Gopo – los Goya del cine rumano- y cuyos trabajos en la película Milagro y la serie de HBO Ruxx la han dado a conocer a nivel mundial), se mete en la piel de una de las chicas que trabaja esclavizada en un club.
El reparto lo completan actores de gran registro como Asia Ortega (El Internado: Las cumbres) y los andaluces Mona Martínez (nominada al Goya por Adiós), Tamara Casellas (Biznaga de plata por su personaje en Ama y nominada a los Feroz por El hijo zurdo), Manolo Caro (Entrevías) y el oscense Antonio Buil (Al otro barrio, Los renglones torcidos de Dios, Un año, una noche).
Sinopsis: Germán (Jaime Lorente) no es un conductor normal y corriente: es el encargado del traslado de mujeres que trabajan como esclavas en clubes de alterne en la Costa del Sol. Arruinado y completamente perdido, trata de salir adelante trabajando para Cacho (Roger Casamajor), un viejo amigo de la juventud que administra varios de estos locales para una mafia local, hasta que una noche, se encuentra con la oportunidad de dejar todo eso atrás y decide robar la recaudación del club. Lo que parece una ocasión para cambiar de vida le pondrá más en peligro que nunca. Solo le quedará una opción, la misma en la que piensan las chicas que, como Alina (Iona Bugarin), cada noche lleva de un lado para otro: conseguir escapar.
Rodada en Súper 16mm, en una clara apuesta estética con una fotografía dura y contrastada y una textura “ideal para retratar un mundo tan sucio y oscuro como el de la trata”, la película discurre en diversos escenarios de los clubs de alterne de las zonas deprimidas de la Costa del Sol, iluminados por neones y revestidos de terciopelo barato.
Producida por Zeta Cinema, que cuenta con Antonio Asensio y Paloma Molina como productores y Miriam Rodríguez como productora ejecutiva, responsables de títulos como Te estoy amando locamente, Superlópez, El hombre de las mil caras o A tres metros sobre el cielo; Icónica Producciones, la productora con la que José Nolla ha impulsado grandes títulos de autor como El muerto y se feliz o El Autor; y Tandem Films, con Cristina Zumárraga y el argentino Pablo Bossi, productores del gran título de esta temporada, Cerrar los ojos, y otros éxitos como La boda de Rosa. Junto a ellos, coproduce también la compañía andaluza Pecado Films, de los productores Jose Alba y Odile Antonio-Baez, que en 2023 han estrenado Cerrar los ojos, Mamacruz y De perdidos a Río, y la productora rumana Cinelabs.
La película cuenta con la financiación del ICAA, la Junta de Andalucía y la Comunidad de Madrid, y la participación de Netflix y Canal Sur. Por su parte, Film Factory es la compañía encargada de las ventas internacionales. Se estrena en cines de la mano de Filmax.
LA TRAMA FENICIA
Este viernes Universal Pictures estrena exclusivamente en cines La Trama Fenicia, la nueva película del director Wes Anderson que ha participado en la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes. La cinta está protagonizada por Benicio del Toro, Mia Threapleton y Michael Cera, a los que acompañan un espectacular reparto coral en el que encontramos nombres como Riz Ahmed, Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Jeffrey Wright, Scarlett Johansson, Richard Ayoade, Benedict Cumberbatch, Rupert Friend y Hope Davis.
Sinopsis: 1950. Anatole «Zsa-zsa» Korda (Benicio del Toro), enigmático empresario y uno de los hombres más ricos de Europa, sobrevive a un intento de asesinato más (su sexto accidente aéreo). Las variopintas, ultracomplejas y despiadadas prácticas empresariales de Korda lo han convertido en enemigo no solo de compañías rivales, sino también de gobiernos de todo tipo de ideologías a lo largo y ancho del mundo, amén de en objetivo de multitud de asesinos. Ahora que se encuentra en las últimas fases de un importantísimo proyecto desarrollado a lo largo de décadas (el Plan Fenicio de Infraestructura Terrestre y Marítima Korda), la expansiva explotación de una región infrautilizada y con un inmenso potencial de riqueza. El riesgo para su capital personal es inestimable. Las amenazas contra su vida son continuas. Por eso, decide que es el momento ideal para designar y preparar a un sucesor: su hija de veinte años Liesl, de la que lleva distanciado mucho tiempo y que, en la actualidad, es monja.
ÉRASE UNA VEZ MI MADRE
Érase una vez mi madre se estrena en cines de la mano de A Contracorriente Films. El film es una de las sensaciones de la taquilla francesa, donde acumula más de 1,5 millones de espectadores tras nueve semanas en cartel. La película se estrenó el 19 de marzo, de la mano de Gaumont, desplazando en pocos días a “Blancanieves” del primer puesto de la taquilla. Desde entonces se ha mantenido en el Top 5 durante seis semanas consecutivas, multiplicando por cinco su recaudación inicial. Su première española fue en la Sección Oficial del BCN Film Fest 2025.
Ken Scott (De la India a París en un armario de Ikea, Starbuck, La gran seducción) adapta a la pantalla y dirige esta increíble historia de amor y optimismo basada en hechos reales. Érase una vez mi madre está protagonizada por la ganadora del César Leïla Bekhti (Un profeta) junto al nominado al César Jonathan Cohen (Un año difícil), la ganadora del César Jeanne Balibar (Las ilusiones perdidas) y la nominada al César Joséphine Japy (Eugénie Grandet).
Divertida y conmovedora, Érase una vez mi madre está basada en la historia real del abogado y tertuliano de radio y televisión Roland Perez. Su best seller autobiográfico 'Mi madre, Dios y Sylvie Vartan', adaptado ahora a la gran pantalla, cuenta cómo la madre de Roland luchó para que su hijo, el menor de seis hermanos y nacido con un problema motriz, pudiera caminar con normalidad. Hasta el punto de sacarlo de la escuela y enseñarle a leer y escribir en casa con la ayuda de las canciones de Sylvie Vartan. La película cuenta con la participación excepcional de la célebre cantante pop y actriz Sylvie Vartan, interpretándose a sí misma.
Sinopsis: París, 1963. Roland, el menor de una familia de seis hermanos, sufre una malformación en un pie. Según los médicos nunca podrá caminar, pero su testaruda madre, Esther, simplemente se niega a aceptarlo. Mediante una combinación de fe inquebrantable y negación excepcional, la mujer está decidida a desafiar cualquier adversidad para conseguir que su hijo sea feliz.
BLINDADO
Sinopsis: Cuando Eddie (Bill Skarsgård) se cuela en un todoterreno de lujo para robarlo, cae en una trampa mortal tendida por William (Anthony Hopkins), el dueño del vehículo que ha decidido tomar la justicia por su mano y controla remotamente el vehículo. Sin posibilidad de escape, Eddie debe luchar por sobrevivir esta venganza mortal.
Blindado es un remake de la película argentina 4×4. Esta película que mezcla terror y thriller, está dirigida por David Yarovesky, con Bill Skarsgård y Anthony Hopkins en los papeles principales.
Llega a nuestras pantallas de la mano de Beta Fiction Spain.
EL JOCKEY
El Jockey, la nueva película del cineasta Luis Ortega que Caramel Films estrená en cines este viernes, está protagonizada por Nahuel Pérez Biscayart (120 pulsaciones por minuto, El Prófugo), Úrsula Corberó (El árbol de la sangre, La casa de papel) y Daniel Giménez Cacho (Bardo, Zama, La mala educación). La película tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de Venecia.
El Jockeyfue uno de los títulos favoritos de los PREMIOS PLATINO 2025, con un total de 9 nominaciones, llevándose el premio a Mejor interpretación masculina de reparto.
Imaginativo, radical y con un gran sentido del humor, el nuevo largometraje de Ortega, se alzó con el premio Horizontes latinos en el Festival de San Sebastián, fue seleccionado para competir por los Oscar por Argentina además de a competir por el Goya en la categoría de Mejor Película Iberoamericana.
Sinopsis: Remo Manfredini es una leyenda de las carreras de caballos, pero su comportamiento autodestructivo empieza a eclipsar su talento y a amenazar su relación con Abril, jinete y pareja de Remo. Ambos trabajan para Sirena, un poderoso empresario. En la carrera más importante de su vida, Remo sufre un grave accidente y desaparece del hospital sin dejar rastro. Sirena le está buscando y Abril tendrá que encontrarlo antes de que sea demasiado tarde.
La película es una coproducción entre Argentina, España, México, Dinamarca y Estados Unidos. Producida por Rei Pictures (El Rapto, Los Colonos, Zama), El Despacho, Infinity Hill (Puan, Argentina 1985), Warner Music Entertainment y Exile. En coproducción con Piano, El Estudio, Snowglobe, Jacinto Films y Barraca Producciones. En asociación con VIX, junto a Dim Films y Fundación Ernesto Sábato. Cuenta además con la participación de Benicio del Toro entre sus productores ejecutivos.
El filme recibió el apoyo del INCAA y del Cash Rebate del Buenos Aires Film Comission - Ministerio de Cultura de la Ciudad, Participación Cultural GCBA - Ley de Mecenazgo, EFICINE y el Danish Film Institute.
Luis Ortega nació en Buenos Aires en 1980. Con tan solo 19 años dirigió su primera película, 'Caja Negra' (1999), la cual recibió múltiples premios internacionales y lo catapultó como uno de los cineastas más prometedores de Argentina. Desde entonces, ha desarrollado una filmografía con una visión única. su anterior película, 'El Ángel' (2018), se estrenó con gran éxito en Cannes (Un Certain Regard) y se convirtió en la película más taquillera del año en Argentina.
ALMAS MARCADAS: RULE + SHAW
Almas Marcadas. Rule + Shaw reúne a un increíble reparto en una historia de amor salvaje, apasionada y sincera. Basada en la exitosa serie de novelas juveniles de Jay Crownover y dirigida por Nick Cassevetes (El diario de Noa; Alpha Dog), la película está protagonizada por Chase Stokes (Outer Banks, Los Feos) y Sydney Taylor (Chino Americano) como Rule Archer y Shaw Landon, amigos desde hace mucho tiempo que por fuera parecen no encajar... pero que podrían ser perfectos el uno para el otro.
Hace años que Shaw está secretamente enamorada de Rule pero, para él, ella siempre ha sido “Casper”, un apodo burlón de la infancia por su tez pálida. Sin embargo, su amistad cambia después de que una noche de descontrol los obliga a enfrentarse a emociones que ya no pueden ignorar, desdibujando la línea que separa la amistad del amor. Rule dirige MARKED, un estudio de tatuajes que comparte con sus amigos, un grupo muy unido de marginados que priorizan la libertad sobre el compromiso. Todavía atormentado por la muerte de su hermano gemelo, Remy, Rule teme que dejar entrar a Shaw sólo conducirá a más angustias. Mientras tanto, Shaw lucha por reconciliar sus sentimientos por Rule con las presiones de sus adinerados padres, que la empujan hacia Gabe (Michael Bradway), su controlador exnovio. Ambos deben luchar contra demonios internos y presiones externas. El miedo a la vulnerabilidad de Rule lo mantiene emocionalmente distante, convencido de que abrirse a Shaw significa arriesgarse a sentir el mismo dolor que sintió con la pérdida de Remy. Shaw, por su parte, se debate entre su amor por Rule y las altas expectativas de su familia; debe decidir si vale la pena seguir a su corazón. Sus marcadas diferencias, la aventurera espontaneidad de él y el deseo de estabilidad de ella, amenazan con separarlos a cada paso. A medida que su relación se profundiza, los celos, las inseguridades y el dolor no superado ponen a prueba su frágil vínculo. Juntos deberán decidir: ¿podrá sobrevivir el amor entre dos personas de mundos tan diferentes o se autodestruirá incluso antes de empezar?
Su protagonista, Chase Stoke, define la película como una versión romántica del mundo cinematográfico de Marvel. Por su parte, Sydney Taylor, la resume como la historia de amor entre dos personas que a simple vista no tienen nada en común, pero que internamente son iguales y con personalidades muy complejas. Ambos nos hablan de cómo es enamorarse de alguien con quien se supone es mejor no hacerlo, pero... cuando esa sensación te atrapa, acabas regalando un pedazo de ti a la otra persona y la vida te cambia para siempre.
Sinopsis: Shaw es una inocente estudiante de medicina que está enamorada de Rule, un tatuador rebelde y problemático. A pesar de que la tensión sexual entre ambos fue siempre evidente, nunca consiguió que él la viera como algo más que una hermana. Sin embargo, en una noche de fiesta y alcohol, terminan acostándose y ahora tendrán que decidir si pueden estar juntos sin arruinar su relación.
Almas Marcadas. Rule + Shaw llega a nuestras pantallas de la mano de Diamond Films.
LAS CUATRO FANTÁSTICAS
Sinopsis: Si tres son multitud, ¡cuatro son una fiesta! Las cuatro fantásticas es una divertidísima comedia sobre un grupo de amigas de toda la vida (Susan Sarandon, Megan Mullally y Sheryl Lee Ralph) que viajan a Key West, Florida, para ser damas de honor en la boda sorpresa de su mejor amiga de la universidad, Marilyn (Bette Midler). En el transcurso de un viaje escandaloso, las hermandades se reavivan, el pasado resurge y hay suficientes chispas, picardía y romance para cambiar todas sus vidas de manera inesperada.
Dirigida por Jocelyn Moorhouse, la película cuenta con un reparto espectacular: Susan Sarandon, Bette Midler, Megan Mullally y Sheryl Lee Ralph. Llega a nuestras carteleras de la mano de Tripictures.
SUS HIJOS DESPUÉS DE ELLOS
La esperada adaptación cinematográfica de la aclamada novela de Nicolas Mathieu, galardonada con el Premio Goncourt, llega a los cines este viernes bajo la dirección de los hermanos Ludovic y Zoran Boukherma (El hombre de arcilla, ¡Tiburón a la vista!, Teddy), de la mano de Adso Films.
Sus hijos después de ellos es una historia íntima y universal sobre el despertar emocional y político de una generación atrapada entre la desindustrialización y la búsqueda de identidad.
Sus hijos después de ellos ha sido reconocida con el prestigioso Giraldillo de Oro a la Mejor Película en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, consolidándose como una de las grandes revelaciones del cine francés reciente. Además, el joven actor Paul Kircher fue galardonado con el Premio al Mejor Actor por su interpretación introspectiva y conmovedora de Anthony, el protagonista de esta historia de iniciación marcada por el deseo, la rabia y la transformación. En el Festival Internacional de Cine de Venecia, el joven actor Paul Kircher fue galardonado con el Premio Marcello Mastroianni al Mejor Actor Emergente, consolidando su proyección como una de las grandes promesas del cine europeo. En los Premios Lumiere obtuvo tres nominaciones a Mejor Actor (Paul Kircher), Mejor actor revelación (Sayyid El Alami) y Mejor Música.
El reparto de Sus hijos después de ellos está encabezado por el talentoso Paul Kircher en el papel de Anthony, acompañado por Sayyid El Alami, Gilles Lellouche, Ludivine Sagnier y Anouk Villemin, quienes dan vida a personajes complejos y profundamente humanos. Completan el elenco Clémence Durupt, Raphaël Quenard, Lounès Tazairt, Brice Fournier y Anaïs Tellenne, en una interpretación coral que refleja con autenticidad la diversidad emocional y social de una generación marcada por el cambio.
Ambientada en una pequeña ciudad del noreste de Francia durante los veranos de 1992 a 1998, la película sigue a Anthony, un adolescente que navega entre el deseo, la rabia y la frustración, mientras el mundo adulto se desmorona a su alrededor. A través de su mirada, los Boukherma capturan con sensibilidad y crudeza la transformación de una juventud marcada por la incertidumbre, el amor y la pérdida.
“Queríamos hacer una película que hablara de la adolescencia sin nostalgia, con toda su violencia, su belleza y su confusión. Sus hijos después de ellos es una historia sobre crecer en un mundo que ya no promete nada.” – Ludovic y Zoran Boukherma
Sinopsis: Agosto de 1992. Anthony, un adolescente de 14 años, y su primo matan el aburrimiento al borde del lago. Una tarde sofocante cambia todo cuando conoce a Steph que desencadenará el primer amor, el final de la infancia y la llegada de la edad adulta. Pero el joven Hacine, rebelde y lleno de frustración, irrumpe en su mundo alterando sus vidas de forma inesperada. A lo largo de cuatro veranos cruciales, los destinos de Anthony, Steph y Hacine se cruzan, chocan y entrelazan. En este torbellino de confusión adolescente, el amor intenta abrirse camino.
SI YO PUDIERA HIBERNAR (HASTA QUE TODO PASE)
Una joya inédita del cine mongol que hizo historia en Cannes
Si yo pudiera hibernar, ópera prima de la directora Zoljargal Purevdash, llega a los cines españoles como un verdadero acontecimiento cultural y cinematográfico. La película marcó un hito al convertirse en la primera producción mongola seleccionada en la historia del Festival de Cannes, compitiendo en la sección Una Cierta Mirada. Además, ha sido la representante oficial de Mongolia en los Premios Oscar 2025, dentro de la categoría de Mejor Película Internacional.
Ambientada en los barrios más humildes de Ulán Bator, esta historia protagonizada por un adolescente con sueños de superación brilla por su autenticidad, calidez y humanidad. Un retrato íntimo y profundamente social, que ha sido descrito por la crítica como “una maravilla” (Variety) y “un debut increíblemente sólido” (Time Out).
La película ya se ha estrenado en otros países como en Francia, donde logró una sorprendente acogida en salas francesas, con más de 70.000 espectadores en su recorrido comercial. Algo completamente inédito para una película Mongolia. Esta cifra confirma su poder de conexión con el público europeo.
Reconocida como una de las mejores óperas primas de Asia Oriental, Si yo pudiera hibernar ha pasado por más de una decena de festivales internacionales de prestigio (Cannes, Sevilla, Karlovy Vary, Göteborg, Hong Kong, São Paulo, entre otros), y llega a las pantallas españolas distribuida por Surtsey Films. Una historia poderosa sobre la pobreza, la educación y la esperanza, contada desde un lugar raramente representado en el cine global.
Sinopsis: Ulzii, un adolescente pobre pero orgulloso, está decidido a ganar un concurso de Física para conseguir una beca; pero su madre, analfabeta, encuentra un trabajo en el campo y le deja con sus hermanos en pleno invierno.
DOÑANA, DONDE EL AGUA ES SAGRADA
La nueva película de los creadores de Guadalquivir, Dehesa y Cantábrico.
Producida por José María Morales, dirigida por Carmen Rodríguez, filmada por Joaquín Gutiérrez Acha y narrada por Odile Rodríguez de la Fuente, Doñana, donde el agua es sagrada es la nueva gran obra de cine de naturaleza que retrata, como hasta ahora nadie lo ha hecho, el humedal más grande de Europa. Doñana, donde el agua es sagrada, se estrena solo en cines, en más de 60 salas, de la mano de Wanda Visión.
Probablemente ninguna de las películas anteriores ha supuesto un desafío tan grande como Doñana en el terreno cinematográfico y logístico. La sequía extrema de los dos primeros años de rodaje debido a las condiciones climáticas y a la explotación abusiva de los recursos naturales del espacio condicionó definitivamente el rumbo de este trabajo. A pesar de todas las dificultades, Doñana, donde el agua es sagrada es una película diferente y necesaria. Diferente porque hemos tenido la oportunidad de prestar atención a una fauna oculta y poco conocida que nos ayuda en la película a configurar un universo más amplio más allá de la Doñana popularmente conocida. Y necesaria porque creemos que llega en un momento donde Doñana necesita todo y a todos para salir adelante.
"Nuestra pequeña aportación para ayudar a su conservación no es otra que poder mostrarle al mundo que Doñana, aún mal herida, quiere seguir viviendo, que sus diferentes ecosistemas y su tremenda biodiversidad siguen allí, aunque sus poblaciones se hayan reducido considerablemente". Carmen Rodríguez, directora de Doñana, donde el agua es sagrada.
Doñana, donde el agua es sagrada va a cautivar a la gente con las maravillas de este lugar. Los espectadores serán testigos de momentos únicos donde las criaturas de Doñana protagonizan secuencias de altísimo interés biológico, de gran espectacularidad y en algunas ocasiones sobrecogedoras o nunca antes filmadas. Las cámaras de alta velocidad recogen las violentas capturas de la synclisis cazando bajo la arena, los latigazos de la lengua del camaleón, las zambullidas de las águilas pescadoras o los ataques de los milanos negros sobre las orugas endémicas de la mariposa Saturnia Josephinae. Vemos florecer, con la técnica del time lapse, a los jaguarzos blancos y los moriscos o los lirios peregrinos que nos anuncian que la llegada de los peregrinos del Rocío está próxima.
Pero, aunque la belleza, la conducta animal y los rincones espectaculares van por delante en todas nuestras películas, no podemos eludir el gran problema que atraviesa Doñana, es por ello que sus creadores le han dedicado toda una secuencia donde se evidencian las causas de su declive. El agua en Doñana es un agua reservada, es un agua que no se toca, es un agua sagrada y solo así Doñana pervivirá en el futuro.
Queremos que esta película sea una llamada a la reflexión para todas aquellas personas, instituciones, formaciones políticas y gobiernos, para que todos dejando sus diferencias, se unan para salvar probablemente el paraíso y reservorio de vida más importante de Europa.
En 2017 Lino Escalera presentaba en el Festival de Málaga No sé decir adiós, consiguiendo varias Biznagas, además del Premio Especial del Jurado. Ahora, Lino Escalera ha regresado a ese mismo certamen para presentar su segundo largometraje, Hamburgo, que llega a nuestros cines este viernes.
Protagonizada porJaime Lorente,Roger Casamajory la exitosa actriz rumanaIoana Bugarin, la película discurre, en clave dethriller, por el oscuro mundo de las mafias de trata de mujeres, contada desde el punto de vista dedos personajesque persiguen objetivos muy diferentes, pero que a la vezcomparten el mismo deseo: escapardel pozo donde están metidos y encontrar una vida mejor.
Con claros guiños al cine negro, y el telón de fondo de las organizaciones criminales que prostituyen a miles de mujeres que son engañadas y secuestradas en sus países de origen para trabajar como esclavas, nos encontramos ante una historia “sobre personajes que no paran de tomar decisiones equivocadas y que acaban acorralados, intentando de manera suicida encontrar una salida a ese callejón en el que ellos mismos se han metido. Pobres tipos condenados a que nada les salga nunca bien, marcados por la fatalidad.” explica el propio Escalera, quien escribió el guion junto a Daniel Remón (Ganador del Goya a mejor guion adaptado por Intemperie y autor de títulos como Casual Day o Cinco metros cuadrados) y Roberto Martín Maiztegui (creador de series como La Ruta o La Valla), tras una exhaustiva documentación sobre el tema.
“Esta aproximación al género era completamente necesaria a la hora de trabajar con un universo tan complicado como el de la trata. Creo que la película mantiene un delicado equilibrio entre la pulsión narrativa del género y una mirada más sosegada, que pretende mostrar no solo la realidad de un mundo extremadamente cruel, sino también el fondo de unos personajes muy complejos, con muchas aristas.” Afirma el director.
Foto: Emilio Pereda
Jaime Lorente (La Casa de Papel, Cristo & Rey, Élite) encabeza el reparto de Hamburgo interpretando a Germán, un conductor que trabaja para una mafia de trata en la Costa del Sol. Un personaje para el que Lorente se ha preparado especialmente y ha adaptado su físico, con una imagen impactante y dura. Junto a él, como coprotagonistas, Roger Casamajor (premiado por sus trabajos en Pa negre, La isla del holandés o El vientre del mar y nominado a los Feroz por La Mesías) y la exitosa actriz rumana Ioana Bugarin, (Dos veces nominada a los premios Gopo – los Goya del cine rumano- y cuyos trabajos en la película Milagro y la serie de HBO Ruxx la han dado a conocer a nivel mundial), se mete en la piel de una de las chicas que trabaja esclavizada en un club.
El reparto lo completan actores de gran registro como Asia Ortega (El Internado: Las cumbres) y los andaluces Mona Martínez (nominada al Goya por Adiós), Tamara Casellas (Biznaga de plata por su personaje en Ama y nominada a los Feroz por El hijo zurdo), Manolo Caro (Entrevías) y el oscense Antonio Buil (Al otro barrio, Los renglones torcidos de Dios, Un año, una noche).
Sinopsis: Germán (Jaime Lorente) no es un conductor normal y corriente: es el encargado del traslado de mujeres que trabajan como esclavas en clubes de alterne en la Costa del Sol. Arruinado y completamente perdido, trata de salir adelante trabajando para Cacho (Roger Casamajor), un viejo amigo de la juventud que administra varios de estos locales para una mafia local, hasta que una noche, se encuentra con la oportunidad de dejar todo eso atrás y decide robar la recaudación del club. Lo que parece una ocasión para cambiar de vida le pondrá más en peligro que nunca. Solo le quedará una opción, la misma en la que piensan las chicas que, como Alina (Iona Bugarin), cada noche lleva de un lado para otro: conseguir escapar.
Rodada en Súper 16mm, en una clara apuesta estética con una fotografía dura y contrastada y una textura “ideal para retratar un mundo tan sucio y oscuro como el de la trata”, la película discurre en diversos escenarios de los clubs de alterne de las zonas deprimidas de la Costa del Sol, iluminados por neones y revestidos de terciopelo barato.
Foto: Emilio Pereda
Producida por Zeta Cinema, que cuenta con Antonio Asensio y Paloma Molina como productores y Miriam Rodríguez como productora ejecutiva, responsables de títulos como Te estoy amando locamente, Superlópez, El hombre de las mil caras o A tres metros sobre el cielo; Icónica Producciones, la productora con la que José Nolla ha impulsado grandes títulos de autor como El muerto y se feliz o El Autor; y Tandem Films, con Cristina Zumárraga y el argentino Pablo Bossi, productores del gran título de esta temporada, Cerrar los ojos, y otros éxitos como La boda de Rosa. Junto a ellos, coproduce también la compañía andaluza Pecado Films, de los productores Jose Alba y Odile Antonio-Baez, que en 2023 han estrenado Cerrar los ojos, Mamacruz y De perdidos a Río, y la productora rumana Cinelabs.
La película cuenta con la financiación del ICAA, la Junta de Andalucía y la Comunidad de Madrid, y la participación de Netflix y Canal Sur. Por su parte, Film Factory es la compañía encargada de las ventas internacionales. Se estrena en cines de la mano de Filmax.
Gracias a nuestras amigas del Relabel Comunicación hemos podido entrevistar al director de la cinta, Lino Escalera. Éste es el resultado de la entrevista, que os ofrecemos en nuestra colaboración con MagaZinema:
Lilo y Stitches la divertidísima y conmovedora historia de una niña hawaiana solitaria y un extraterrestre o fugitivo que la ayuda a recomponer su familia rota. Lilo y Stitch, una nueva versión de acción real del clásico animado de Disney, está dirigida por Dean Fleischer Camp, el realizador nominado al Oscar por la película animada Marcel, la concha con zapatos, y está protagonizada por Sydney Elizebeth Agudong, Billy Magnussen, Tia Carrere, Hannah Waddingham, Chris Sanders, con Courtney B. Vance y Zach Galifianakis, y la debutante Maia Kealoha.
El guion es obra deChris Kekaniokalani BrightyMike Van Waes, y la película está producida por Jonathan Eirich, p.g.a. y Dan Lin, con Tom Peitzman, Ryan Halprin, Louie Provost y Thomas Schumacher como productores ejecutivos.
La historia
Lilo Pelekai es una niña de 6 años que vive en Hawái y sueña con tener un mejor amigo. Después de la trágica pérdida de sus padres, ella y su hermana mayor Nani, de 18 años, se ven obligadas a seguir adelante solas. A pesar de las circunstancias, Lilo sigue siendo una niña increíblemente optimista. Su vecina Tūtū le permite visitar el refugio local de animales (donde le encanta pasar el tiempo dando caramelos a los perros callejeros) y en una de sus visitas, Lilo se lleva a casa una criatura salvaje e impulsiva que parece decidida a causar problemas. Mientras que para Nani es un problema, Lilo está convencida de que sus plegarias han sido escuchadas y de que por fin ha encontrado a su mejor amigo.
Por desgracia, su nueva mascota, a la que llama Stitch, es en realidad un extraterrestre, el Experimento 626, que ha huido del planeta Turo, y que dos representantes de la Federación Galáctica Unida, Pleakley y Jumba, han infiltrado en la raza humana y al que persiguen sin descanso. Mientras Lilo lucha por controlar a la adorable pero traviesa criatura, Nani se enfrenta a la presión de conservar un trabajo y cuidar de su hermana pequeña. Pero los servicios sociales están preocupados porque está fracasando estrepitosamente. Stitch se embarca en una aventura en la que pasa de ser un extraterrestre marginado a un miembro querido de la familia. De este modo, se reafirma la importancia del ‘ohana que quiere decir que una familia puede estar formada por parientes no consanguíneos y que no se abandona a nadie.
Sobre la película
La versión live-action de Lilo y Stitch ha logrado un hito importante en la reciente trayectoria de Disney, especialmente en lo que respecta a la recreación de su vibrante universo. Desde el primer instante, el mundo extraterrestre de Stitch, con sus naves espaciales, personajes alienígenas de diversas formas y tamaños, y la tecnología futurista, se siente sorprendentemente real y tangible. Los efectos visuales están a la altura, permitiendo que la fantasía se integre de manera orgánica con el entorno hawaiano, y que personajes como el Dr. Jumba Jookiba y Pleakley, aunque adaptados en su diseño, conserven su esencia cómica y sus personalidades distintivas. Es un testimonio de cómo la atención al detalle puede elevar una adaptación, sumergiéndonos de lleno en la peculiar dinámica del "Ohana".
El diseño de Stitch en esta adaptación es, sin duda, uno de sus mayores triunfos. Conserva a la perfección esa dualidad que lo hace tan entrañable: la de ser una criatura genéticamente modificada con una inclinación natural por el caos y, al mismo tiempo, un ser vulnerable y necesitado de amor. Su expresividad facial y corporal está increíblemente lograda, permitiéndole transmitir una amplia gama de emociones sin necesidad de palabras. Verlo destrozar una casa con una inocencia casi infantil para luego acurrucarse tiernamente junto a Lilo, es un recordatorio constante de por qué este personaje ha cautivado a generaciones. Es una combinación magistral de travesura y ternura que lo mantiene como el corazón de la historia.
Las actuaciones son un pilar fundamental en el éxito de esta película. Maia Kealoha encarna a Lilo con una autenticidad asombrosa, capturando su espíritu indomable, su imaginación desbordante y su profunda vulnerabilidad ante la pérdida. Es una interpretación conmovedora que te conecta con su viaje emocional. Sydney Elizebeth Agudongaporta una nueva dimensión a Nani, mostrando la carga de la responsabilidad que lleva sobre sus hombros, su amor incondicional por Lilo y su lucha por mantener unida a su familia. La química entre ambas es palpable y el núcleo emocional de la película. Por su parte, Zach Galifianakis como el Dr. Jumba Jookiba, aunque con un enfoque más humano, logra mantener la excentricidad y el humor del personaje original, aportando un toque de comedia bienvenido que equilibra los momentos más emotivos.
Uno de los mayores logros de esta adaptación es su capacidad para atraer a un público diverso. El público infantil actual, acostumbrado a las narrativas modernas, encontrará en ella una historia divertida, llena de acción y con personajes visualmente atractivos. Aquellos que crecieron con la película animada original, hoy adultos, sentirán una ola de nostalgia y apreciarán cómo se honra la esencia de la historia que tanto amaron. Además, su temática universal de familia y pertenencia la convierte en una opción ideal para el público juvenil y familiar en general, ofreciendo algo para cada miembro del hogar, desde el humor hasta los mensajes profundos.
La historia de Lilo y Stitch siempre ha estado arraigada en valores profundos y universales, y esta versión live-action los realza con una claridad conmovedora. El concepto de "Ohana significa familia, y familia significa que nadie se queda atrás ni se olvida" es el corazón palpitante de la película. Se exploran temas como la importancia de la aceptación, la superación del duelo, la búsqueda de un lugar al que pertenecer y la idea de que la familia no siempre es de sangre, sino que se forma a través del amor y el apoyo mutuo. Estos mensajes son presentados de una manera accesible y emocional, resonando con el público de todas las edades.
La película también aborda la complejidad de las relaciones familiares y los desafíos que surgen al intentar mantenerlas unidas. La lucha de Nani por ser una tutora responsable mientras lidia con sus propias aspiraciones y la soledad de Lilo son elementos clave que le dan profundidad a la trama. Stitch, a su vez, representa el "forastero" que encuentra su propósito y su familia en el lugar menos esperado, lo que subraya el mensaje de que todos merecen amor y un hogar, independientemente de su origen o apariencia.
Considerando el historial reciente de Disney con sus adaptaciones live-action, Lilo y Stitch la posiciono como una de las mejores. A diferencia de otras, sobre las que parte del público criticaba que carecían de alma o de un propósito claro más allá del económicio, esta película irradia autenticidad. Se siente como una labor donde se ha respetado el material original sin sacrificar la oportunidad de añadir nuevas capas y matices. Logra equilibrar el homenaje a la película animada con una propuesta fresca y relevante para la actualidad.
En resumen, la versión live-action de Lilo y Stitch no es solo una simple recreación, sino una expansión sentida de un clásico animado. Con su excelente recreación del mundo de Stitch, un diseño de personaje entrañable, actuaciones convincentes y la reafirmación de sus valores fundamentales, la película consigue cautivar a una audiencia diversa y dejar una huella duradera. Es una clara indicación de que las adaptaciones live-action de Disney pueden ser verdaderamente mágicas.
'Sirât', la película original Movistar Plus+ dirigida por Oliver Laxe confirma su estatus de favorita en la Sección Oficial de la 78ª edición del Festival de Cannes, que la ha encumbrado con el Premio del Jurado, exaequo con con la alemana 'Sound of falling' de Mascha Schilinski.
Oliver Laxe ha dedicado elogios al Festival de Cannes en su discurso de agradecimiento: "Creo que eso es lo que hace el Festival de Cannes. Nos reúne aquí, venimos de diferentes latitudes culturales, en este espejo maravilloso que es el cine, para ver todo con nuevos ojos, como si fuera la primera vez. Así que, viva la diferencia, vivan las culturas y viva el Festival de Cannes".
Con este Premio del Jurado,Oliver Laxe se convierte en el único cineasta español premiado en todas sus participaciones en el Festival de Cannes. El de hoy, es un reconocimiento del más alto nivel, que la cinematografía española no lograba en la cita gala desde 'Viridiana' (1961) de Luis Buñuel.
'Sirât' se presentó en el Festival de Cannes el pasado 15 de mayo en una proyección seguida de una ovación cerrada y el acuerdo de la crítica especializada que la describió como "brillante", "arriesgada" e "impactante".
'Sirât' es el cuarto largometraje del cineasta gallego, que ha participado con todos sus anteriores filmes en el Festival de Cannes y ha sido premiado en todas las ocasiones: 'O que arde' (Premio del Jurado de la sección Un Certain Regard), 'Mimosas' (Gran Premio de la Semana de la Crítica) y 'Todos vós sodes capitáns' (su primera película, que le valió el Premio FIPRESCI de la Quincena de Realizadores).
El filme está escrito por Oliver Laxe y Santiago Fillol (co-guionista también junto a Laxe de ‘O que arde’ y ‘Mimosas’), y protagonizado por Sergi López (Premio César a Mejor Actor y Premio del Cine Europeo a Mejor Actor Europeo por ‘Harry, un amigo que os quiere’) y por el joven Bruno Núñez (‘La Mesías’) junto a Stefania Gadda, Joshua Liam Herderson, Tonin Javier, Jade Ouki y Richard Bellamyun, un grupo de actores que se han enfrentado a su primera experiencia cinematográfica, algo habitual en el cine de Laxe.
El equipo técnico de la película está formado por profesionales reconocidos como Oriol Maymó (‘La línea invisible’, ‘Quien a hierro mata’, ‘La propera pell’) en la dirección de producción, Mauro Herce en la dirección de fotografía (Premio Goya a Mejor Fotografía por ‘O que arde’), Laia Ateca (‘Mantícora’, ‘Vida Perfecta’, ‘La abuela’) en la dirección de arte, Nadia Acimi (‘O que arde’, ‘Mis hermanos y yo’, ‘Mimosas’) en el diseño de vestuario y el músico Kangding Ray, como compositor de la banda sonora.
La película, que llegará a los cines el 6 de junio de la mano de Bteam Pictures, es una producción de Movistar Plus+ en colaboración con Filmes Da Ermida, El Deseo, Uri Films y 4A4 Productions. Las ventas internacionales corren a cargo de The Match Factory
Sinopsis
Un hombre (Sergi López) y su hijo (Bruno Núñez) llegan a una rave perdida en medio de las montañas del sur de Marruecos. Buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto una y otra vez rodeados de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen. Allí deciden seguir a un grupo de raveros en la búsqueda de una última fiesta que se celebrará en el desierto, donde esperan encontrar a la joven desaparecida.
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