LA FAMILIA BENETÓN +2
La película, con argumento de Curro Velázquez y guion de Curro Velázquez y Benjamín Herranz, está protagonizada una vez más por Leo Harlem y El Langui junto a los niños Alí Dia, Diego Montejo, Gala Bichir, Meilin Chen y Kamsiyochi Ngene. Además, en esta nueva entrega repiten Pepe Viyuela, Llum Barrera e Iñaki Miramón y cuenta con las incorporaciones de Enrique Villén y Anabel Alonso y la colaboración especial de los MASAKA KIDS.
El rodaje de La familia Benetón +2 se llevó a cabo en diversas localizaciones de Madrid y Canarias.
En palabras de su director Joaquín Mazón: “Hacer una segunda parte de una película que fue un éxito es un reto importante, pero nos hemos propuesto hacer honor a su título y La familia Benetón +2 va a ser el doble de divertida, el doble de caótica y el doble de emotiva. Nos espera una película que superará la expectativa, ya de por sí alta”.
La familia Benetón +2 es una producción de ATRESMEDIA CINE, FAMILIA BENETON 2 AIE, BOWFINGER INTERNATIONAL PICTURES, ESTO TAMBIÉN PASARÁ y GLOW en coproducción con SDB FILMS con la participación de ATRESMEDIA, NETFLIX, MOGAMBO y CREA SGR, en asociación con FILMFACTORY y con el apoyo del ICAA. Llega a los cines de la mano de BETA FICTION SPAIN.
Sinopsis: Cuando Toni Benetón (Leo Harlem) cree que tiene todo bajo control en su entrañable y divertida familia multicultural, la llegada de dos nuevos bebés pondrá patas arriba la casa y a toda la familia. Los problemas crecen por partida doble pero las aventuras también.
CALCINACIÓN
Calcinación aborda el tema de las patologías mentales y busca entender estos trastornos que, afortunadamente, cada vez tienen más visibilidad en nuestra sociedad.
En palabras del director Calcinación, es ante todo una película honesta y visceral. Es un guión que se fue construyendo mediante la desnudez psicológica del autor, volcando todas las obsesiones más profundas y los temores más oscuros en una historia.
Calcinación, ofrece un punto de encuentro para cualquier persona que necesite sentirse comprendida y acompañada, en estos procesos cada vez más comunes, que a veces nos da tanto miedo verbalizar. Así, es un relato que enfatiza la emoción de la manera más honesta y cercana posible, y a la vez engancha en su propio universo.
Sinopsis: La vida de Álvaro ha perdido sentido, diluyéndose en una apatía que lo mantiene a la deriva. Cuando una chica irrumpe en su vida y parece devolverle la esperanza, una inquietante tensión comienza a crecer a su alrededor.
La película narra el proceso de una depresión, y pretende ir más allá, transmitiendo mediante imágenes y música una serie de síntomas que normalmente es casi imposible describir con palabras.
El thriller/drama, psicológico esta producido por Timber Films y distribuida por Puntal Films.
Calcinación arranca su recorrido en festivales en noviembre de 2025, con proyecciones en el Festival Internacional de Cine de Almería, Algeciras Fantastika, Independent Days, Indie Film Showcase y Cittador Film Festival, en el que ganó el premio a Best Arthouse Film.
Luis Navarrete ha dirigido y guionizado proyectos en publicidad, formato cortometraje, como "Queridísimo papá" (2018, 27 selecciones en festivales y 3 premios) y "Dirigido por Lola" (2019, 13 selecciones), y videoclips como “La rara eres tú”.
En 2021, lanzó en cines su primer largometraje, "El Fantasma de la Sauna", una película musical protagonizada por Antonia San Juan, acumulando más de 30 selecciones y 10 premios en festivales de cine internacionales.
Miguel Ángel Abuja funda Timber Films junto a Pablo Gregorio y Sergio Abuja comenzando un viaje que les llevará a terminar rodando paralelamente entre Sevilla, Barcelona y Los Ángeles.
En distintos ámbitos del medio, la productora ha realizado proyectos para compañías como Disney Plus, Movistar e Intel, para artistas de la talla de Enrique Bunbury, Raphael y Juanma Bajo-Ulloa, y ha sumado una nominación a los Latin Grammy con la ficción "Licenciado Cantinas".
PRIME CRIME: A TRUE STORY
El reconocido cineasta estadounidense, que cuenta con dos nominaciones a los Oscar y una Palma de Oro en el Festival de Cannes, entre otros galardones, se adentra en un territorio inusual dentro de su filmografía: el thriller. Está escrita por el guionista debutante Austin Kolodney.
En Prime Crime: A True Story, Gus Van Sant reconstruye uno de los episodios más perturbadores de la crónica estadounidense de los años 70. Esta adaptación de una historia real está basada en un suceso que conmocionó a todo Estados Unidos al convertirse en el primero retransmitido en directo por todas las cadenas de televisión norteamericanas. Una historia tan delirante como auténtica que ya fue abordada en el documental Dead Man’s Line de Alan Berry y Mark Enochs.
Bill Skarsgård (It, Nosferatu) protagoniza la película acompañado por Colman Domingo (Las vidas de Sing Sing, Rustin), el veterano Al Pacino (El padrino, Scarface), Dacre Montgomery (Went Up the Hill, Elvis) y Cary Elwes (Saw, Misión imposible: sentencia mortal). Juntos conforman el reparto de una obra que explora la desesperación, la humillación y la violencia latente bajo la superficie del sueño americano.
Sinopsis: Tras ser estafado por un banco, Tony Kiritsis se presenta en sus oficinas y secuestra al hijo del presidente de la compañía atándole al cuello un dispositivo mortal con un alambre conectado al gatillo de una escopeta. Exige que le devuelvan su dinero y una cuantiosa indemnización, además de una disculpa pública que será retransmitida por televisión y vista por millones de estadounidenses en prime time.
LA MOMIA DE LEE CRONIN
La joven hija de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro—ocho años más tarde, la familia rota se conmociona cuando ella es devuelta a ellos, y lo que debiera haber sido una reunión jubilosa se convierte en una auténtica pesadilla.
La película está protagonizada por Jack Reynor, Laia Costa, May Calamawy, Natalie Grace, con Veronica Falcón. La película está escrita y dirigida por Cronin, y producida por James Wan, Jason Blum y John Keville. Los productores ejecutivos son Michael Clear, Judson Scott, Macdara Kelleher y Lee Cronin.
Detrás de la cámara a Cronin le apoya un equipo de destacados artesanos cinematográficos, incluyendo al director de fotografía Dave Garbett, el diseñador de producción Nick Bassett, el director del montaje Bryan Shaw, la diseñadora del vestuario Joanna Eatwell, con música de Stephen McKeon y casting de Terri Taylor y Sarah Domeier Lindo.
New Line Cinema, Atomic Monster y Blumhouse presentan una producción de Wicked/Good Production, una película de Lee Cronin: La Momia de Lee Cronin. La película se distribuye a nivel mundial por Warner Bros. Pictures.
LA MUJER MÁS RICA DEL MUNDO
La gran dama del cine francés regresa por todo lo alto con un personaje inspirado libremente en la figura de la famosa empresaria francesa Liliane Bettencourt, la que fue la mujer más rica del mundo como heredera de un gigante cosmético.
La mujer más rica del mundo, que celebró su premier mundial en el Festival de Cannes (Sección Oficial Fuera de Concurso), nos sumerge en uno de los escándalos más célebres y extravagantes de Francia. Un gran enredo sentimental y financiero que llenó páginas de las revistas del corazón, acaparó titulares de todo tipo y terminó en los tribunales.
La mujer más rica del mundo: su belleza, su inteligencia, su poder. Un fotógrafo: su ambición, su audacia, su locura. Un amor a primera vista que los arrastra. Una heredera desconfiada que lucha por ser amada. Un mayordomo vigilante que sabe más de lo que dice. Secretos de familia. Donaciones astronómicas. Una guerra en la que todo vale. Historia inspirada en el escándalo de la familia Bettencourt.
Una fascinante y perversa farsa a partir de una rocambolesca historia real, en la que Huppert ejerce de dama todopoderosa en un universo de lujo y de excesos.
Le acompañan Laurent Lafitte (El conde de Montecristo), ganador del Premio César al Mejor Actor Protagonista, Marina Foïs (As bestas), Raphaël Personnaz (Una nueva amiga), André Marcon (Bonnard, el pintor y su musa) y Mathieu Demy (Club Zero), entre otros.
El cineasta francés Thierry Klifa disecciona las relaciones personales y familiares de una dinastía multimillonaria a través de esta mordaz sátira envuelta de glamour y sorpresas, en un ambiente tan elegante y exclusivo como el vestuario creado para la ocasión por los diseñadores Jürgen Doering y Laure Villemer.
EL CHICO DE LOS PANTALONES ROSAS
Sinopsis: Andrea Spezzacatena tiene 15 años y necesita encajar en su nueva escuela. Unos pantalones rojos que se vuelven rosas tras un error de lavado son el detonante de una espiral de acoso que lo condena a un aislamiento silencioso. Basada en una historia real que conmocionó a Italia en 2012, la película muestra la vulnerabilidad adolescente, el primer amor y el peso de la mirada ajena.
Transformar el duelo en compromiso. La voz de Teresa Manes, madre de Andrea y autora del libro que da origen a la película, Andrea oltre il ragazzo dai pantaloni rosa, nace del dolor para transformarse en una poderosa herramienta de cambio. Desde 2012, ha recorrido centros educativos de toda Italia compartiendo la historia de su hijo y alertando sobre las consecuencias devastadoras del acoso y el silencio. Su testimonio ha contribuido a generar conciencia colectiva ya impulsar cambios en la manera en que escuelas y sociedad abordan el bullying y, especialmente, el ciberacoso y la violencia por motivos de identidad. Manes presentará la película en España del 14 al 17 de abril junto a Roberto Proia, productor, guionista e impulsor del proyecto.
Marguerita Ferri. Tras dirigir diversos documentales, Margherita Ferri debutó en el largometraje con Zen sul ghiaccio sottile (2018), estrenado en la 75ª Mostra de Venecia. Como guionista, recibió una mención especial en el Premio Tonino Guerra (Festival de Cine de Locarno) por The Nest (2019). Il ragazzo dai pantaloni rosa es su segundo largometraje, a partir del guión de Roberto Proia, impulsor del proyecto, y con el joven Samuele Carrino como protagonista.
LA HABITACIÓN DE MARIANA
Repite por tercera vez con la icónica actriz francesa Mélanie Thierry (Un día perfecto, Babylon A.D., Teorema Zero) como protagonista, que tras ratificar con Finkiel un tándem de éxito y confianza mutua con las aclamadas Un hombre decente y Marguerite Duras. París 1944 (Sección Oficial en el Festival de San Sebastián) se mete en la piel de Mariana, una prostituta que sortea el horror de la guerra en un burdel de la ciudad de Chernivtsí, al suroeste de la actual Ucrania. Allí tendrá que cobijar y proteger a Hugo, el hijo de su amiga.
Su interpretación, que ha reconocido la actriz haber sido "uno de los desafíos más intensos y apasionantes de su carrera" le ha traído no solo grandes elogios de público y crítica, sino también la quinta nominación a los Premios César. Para dar vida a Mariana, Thierry estuvo preparándose durante más dos años, aprendiendo a hablar ucraniano, idioma en el que se ha rodado íntegramente el film. Fruto de este esfuerzo, la crítica internacional ha reconocido en Thierry un trabajo "descarnado, impresionante, de una humanidad salvaje".
Admite el director que "el libro de Appelfeld toca temas que son muy personales, vinculados a mi propia historia familiar. Mariana es una especie de representación simbólica de la niñera que me crió, pero fue mientras trabajaba en la adaptación que, poco a poco, el personaje central de la novela, el joven Hugo, se fue asemejando al de mi propio padre, un adolescente que se quedó huérfano tras la guerra y marcado para siempre. Para aquel niño de repente surge un sol en la figura de Mariana, una vitalidad. Appelfeld convierte a este personaje en la encarnación misma de la posibilidad de la voluntad de vivir. Y eso es precisamente lo que impulsó mi deseo de hacer esta película: este don que Mariana le lega a este niño, la voluntad de seguir viviendo. Una vía de escape mental".
Después de haber cosechado un gran éxito en Francia con más de 200.000 espectadores y unas críticas que colocan la última obra de Finkiel como su mejor trabajo hasta la fecha, la distribuidora Surtsey Films estrena la película en salas de España este viernes.
Sinopsis: 1942, Ucrania. Hugo tiene 12 años cuando el nazismo ocupa su tierra. Para salvarlo de la deportación, su madre lo confía a su amiga de la infancia, Mariana, una prostituta que vive en un burdel en las afueras de la ciudad. Escondido en el armario de la habitación de Mariana, toda su existencia está suspendida de los ruidos que lo rodean y de las escenas que adivina a través del armario. Mientras la guerra continúa fuera Hugo y Mariana forjan un vínculo íntimo y complejo de amor, lealtad y devoción mutua, que cambiará sus vidas para siempre.
RENOIR
Tras el fenómeno de Plan 75 en Cannes, Chie Hayakawa se consagra con Renoir. Una joya impresionista sobre el duelo y la adolescencia que, apoyada en la magistral luz de Hideho Urata, confirma a Hayakawa como la voz más lúcida y humanista del cine japonés actual.
El corazón del film es la joven Yui Suzuki, cuyo magnetismo ya asombró en Touch. A sus 11 años, lidera un reparto de lujo junto al icónico Lily Franky (habitual de Kore-eda), quien aporta su habitual precisión emocional, y la veterana Hikari Ishida en el papel de una madre compleja y desbordada.
Sinopsis: Tokio, 1987. Mientras su madre sostiene el hogar y su padre lucha contra la enfermedad, Fuki, una niña de 11 años con una imaginación desbordante, vive un verano marcado por una curiosidad inmensa por el mundo que la rodea. Entre juegos, fantasías y pequeños descubrimientos, emprende un viaje íntimo y luminoso para comprender la realidad cambiante que se despliega ante ella.
UN POETA
Nominada a Mejor Película Iberoamericana en los Premios Goya y estrenada mundialmente en el Festival de Cannes, ha conquistado a crítica y público: obtuvo el Premio Especial del Jurado en Un Certain Regard y en septiembre recibió el Premio Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián. Su estreno en Colombia, el pasado 28 de agosto, se convirtió en todo un fenómeno superando los 200.000 espectadores en los primeros dos meses en cartelera y con más de $1.500 millones en taquilla.
Un Poeta ha sido además premiada en el Festival de Munich y recibió 4 premios en el Festival de Lima: Premio APRECI a la Mejor Película, Premio del Jurado, Mejor Fotografía y Mejor Actor (Ubeimar Ríos)
La película nos presenta las penurias y las desventuras de su protagonista Óscar Restrepo, un humilde y desafortunado poeta que, a pesar de los vaivenes a los que la vida le tiene sometido, persiste en creer en un mundo benevolente.
Mesa Soto apostó por actores naturales para dar vida a los personajes de Un Poeta. Ubeimar Rios interpreta a Óscar, en su primer papel protagónico en cine y Rebeca Andrade da vida a Yurlady.
Sinopsis: Óscar Restrepo, el poeta del título, no ha sido capaz de estar a la altura de sus prometedores inicios en la literatura y sobrevive como puede mientras cuida de su madre. Óscar encuentra un espíritu afín en su estudiante Yurlady, una adolescente a la que ve como un diamante en bruto de la poesía.
Simón Mesa Soto es un director y guionista colombiano nacido en Medellín, reconocido por su enfoque sensible y social en el cine. Se dio a conocer internacionalmente en 2014 cuando ganó la Palma de Oro al Mejor Cortometraje en el Festival de Cannes con Leidi, una historia ambientada en los barrios populares de Medellín. Posteriormente, continuó explorando temas de juventud, marginalidad y violencia en obras como Madre (2016) y su primer largometraje Amparo (2021), estrenado en la Semana de la Crítica de Cannes, donde recibió elogios por su estilo íntimo y realista. Mesa Soto se ha consolidado como una de las voces más prometedoras del cine colombiano contemporáneo.
LANDA
Se trata de una producción de Plano Subjetivo, Baleuko e Ipar eta Hego AIE, que cuenta con la participación de RTVE, Movistar Plus+, el Gobierno Vasco y la Diputación Foral de Vizcaya.
Landa se centra en la personalidad y las virtudes interpretativas de un actor que fue capaz de dar nombre a un género propio: el «landismo». Este retrato íntimo ofrece una mirada profunda que permite conocer su método actoral, su ámbito personal y su impacto histórico, rescatando incluso hechos relevantes de la etapa final de su carrera. Todo ello cuando se cumplen 50 años del rodaje de ‘El puente’, película que cambió su trayectoria como actor.
El filme incorpora intervenciones del propio Alfredo Landa y de voces autorizadas de familiares, amigos, críticos, directores y compañeros de profesión. Su estructura narrativa busca conectar tanto con las generaciones que crecieron con sus películas como con el público joven. "No hay ningún caso como el de Alfredo, que aúna el cariño del público con los reconocimientos de la crítica y la profesión", señalan los creadores.
BLACK WATER
El documental tuvo su première mundial en CPH:DOX 2025 (Copenhague) y ha formado parte de la Sección Oficial del Festival de Málaga, además de su paso por festivales como Adelaide Film Festival (Australia) o Watch Docs (Polonia).
Centrada en el mayor desplazamiento humano provocado por el colapso climático en Bangladesh, la película ha sido reconocida en el Tournai Ramdam Festival (Rotterdam) con el Premio al documental más perturbador (Prix du documentaire le plus dérangeant), galardón del denominado Disturbing Film Festival.
Natxo Leuza concibe Black Water como una advertencia sobre el futuro inmediato. El director describe Bangladesh como un “territorio adelantado” a lo que vendrá y sitúa este proceso en un contexto de creciente desigualdad que define como un auténtico “apartheid climático”.
A partir de fenómenos ya visibles —inundaciones, ciclones, salinización o colapso urbano—, el documental proyecta un escenario que, según su director, se extenderá a otras regiones del planeta y acabará afectando también a grandes ciudades como Ámsterdam, Tokio o Estambul.
Durante el rodaje, Leuza señala que lo más revelador fue comprobar que, más allá de las cifras y previsiones científicas, esta crisis se traduce en vidas obligadas a fracturarse y desplazarse.
En su tramo final, incorpora el lenguaje del activismo climático a través de una movilización en la que aparecen referencias al pensamiento del activista nigeriano Nnimmo Bassey, subrayando una idea que atraviesa todo el documental: la crisis climática no afecta a todos por igual.
Desde En Buen Sitio subrayan que el proyecto responde a su compromiso con historias en las que “la estética, los temas y las personas son inseparables”.
Sinopsis
En 2050, Bangladesh alcanzará los 220 millones de habitantes y gran parte de su territorio quedará sumergido de forma permanente. Esta situación podría provocar el desplazamiento forzado de entre 20 y 30 millones de personas, dando lugar a la mayor migración masiva de la historia de la humanidad.
Mientras el planeta se calienta, las lluvias se intensifican y el nivel del mar asciende, Bangladesh —un gran delta formado por los ríos Ganges, Brahmaputra y Meghna— se convierte en un territorio en constante transformación. Durante la temporada de monzones, los ríos crecen, cambian de cauce y desplazan comunidades enteras. ¿Hasta cuándo resistirá Dacca la llegada de millones de personas? ¿Dónde irán cuando las ciudades colapsen? ¿Quién los acogerá?
Natxo Leuza lleva más de quince años trabajando como cineasta, guionista y montador, con una sólida trayectoria en el ámbito del documental internacional. Ha participado en proyectos rodados en países como Sierra Leona, Benín, Togo, Mauritania, Gambia, Uganda, Guatemala, El Salvador, Haití, Ucrania o Bangladesh. Como director ha realizado varios cortometrajes seleccionados y premiados en festivales nacionales e internacionales y se encuentra rodando su tercer largometraje documental (Ante mi sombra).
En Buen Sitio es una productora independiente con sede en Pamplona, fundada en 2016 por Lucía Benito y Jokin Pascual tras más de veinte años de experiencia en ficción, documental y publicidad. Desde entonces ha producido largometrajes y cortometrajes que han participado en numerosos festivales nacionales e internacionales, con el objetivo de impulsar historias con un fuerte compromiso creativo, social y narrativo.
QUI SOM
El film, producido por Materia Cinema y Avalon, en coproducción con Les Films d'Ici y con producción asociada de CaixaForum+, acompaña durante dos años a la compañía durante la gestación de su último espectáculo, también titulado QUI SOM, estrenado en el Festival de Aviñón 2024.
Más allá del retrato artístico, la película ofrece una mirada íntima a la vida cotidiana de la familia Baro d’evel: sus hijas, Taïs y Rita, los animales y la comunidad de artistas que los rodea. Propone también un viaje creativo y vital sobre lo que significa crear de manera colectiva en un momento de incertidumbre global.
Antes de su llegada a salas, Qui Som tuvo su presentación oficial el pasado 27 de marzo en el D'A Film Festival Barcelona, donde se proyectó en un pase especial con el director y sus protagonistas, acercando al público al singular proceso creativo de la compañía.
El documental observa de cerca los ensayos, las conversaciones y los momentos de intimidad que acompañan la gestación del espectáculo, mostrando cómo la frontera entre arte, vida y comunidad se difumina en el universo de Baro d’evel. A través de una mirada cercana y paciente, Sunyer construye un retrato de una familia artística que busca nuevas formas de imaginar el mundo.
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