¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
El pasado jueves 25 de abril se presentó en la Sección Oficial del Festival de cine de Barcelona-Saint Jordi la película María Montessori, una producción que nos adentra en la vida de la famosa doctora y educadora italiana que a principios del siglo XX apostó por una nueva forma de trabajar con los niños, sentando las bases de lo que se convertiría en uno de los modelos pedagógicos más reconocidos y mejor valorados a nivel mundial: el “método Montessori”.
Dirigida por la cineasta francesa Léa Todorov y protagonizada por Jasmine Trinca y Leïla Bekhti, la película nos sitúa en el año 1900 en el centro de enseñanza elemental que Maria Montessori codirige en la ciudad de Roma. La acompañamos en sus inicios trabajando con niños discapacitados, siguiendo las bases de su metodología basada en la observación y rodeada de los materiales manipulativos específicos creados por ella misma. Todo a través de la figura de una mujer fuerte, segura de si misma y del valor de su proyecto, que tuvo que elegir entre su vida personal y su carrera profesional para poder crear, desarrollar y difundir el método en el que creía, en una época en la que las decisiones importantes estaban en manos de los hombres.
Sinopsis: París, año 1900. Lili d´Alency es una popular cortesana que esconde un secreto. Su hija Tina nació con una discapacidad y la mantiene alejada para proteger su carrera y su reputación. Pero el día que se ve obligada a tener que cuidar de ella, Lili decide marcharse a Roma para comenzar una nueva vida. Allí conoce a María Montessori, una doctora que está desarrollando un revolucionario método educativo para trabajar con los llamados “niños deficientes” y que años después se convertirá en una de las pedagogías mejor valoradas en todo el mundo: el “Método Montessori”.
La película se estrena en nuestros cines este miércoles 1 de mayo. Con motivo de su pase en el reciente BCN Film Fest, y gracias a nuestr@s amig@s de KARMA FILMS, tuvimos la oportunidad de esntrevistar a Léa Todorov, la directora de la cinta. Éste es el resultado de la entrevista:
Carlos Penela.- ¿Cuándo y cómo decide hacer una película sobre María Montessori?
LÉA TODOROV.- Pues había participado en la redacción de un documental que se llama "Revolución escuela", y que habla de los pedagogos entre las dos guerras. María Montessori es una de las figuras sobre las que he hecho muchos estudios, cuando estudio hago mucha investigación. Había leído varias biografías sobre ella y me di cuenta de que su vida era apasionante, rica, y me imaginé que un día podría hacer una película sobre ella. Pero después pasaron los años y no fue hasta al nacer mi hija, que nació con un síndrome genético que hizo que sea una niña distinta a los demás, que volvió a mi el recuerdo de que María Montessori había trabajado, en primer lugar, con niños precisamente neuroatípicos o con una discapacidad motora. Y así, con el productor, nos lanzamos a la redacción del guión de esta película.
Carlos Penela.- ¿Cómo llega Jasmine Trinca al reparto?
LÉA TODOROV.- A Jasmine Trinca la encontré muy avanzada la película. Empezamos a vernos en Roma, una vez que fui allí y le expliqué un poco las ganas que tenía de hacerla, y que no quería hacer un biopic completo, sino que quería trabajar en un año de su vida, en ese momento tenía que hace una elección personal terrible entre su hijo y su vida profesional, su destino. El hecho de que la película escoja mostrar el momento en el que trabaja con los niños neuroatípicos es algo que ha interesó mucho a Jasmine, estaba muy contenta de poder experimentar otro tipo de filmación.
Carlos Penela.- ¿Cómo fue el proceso de investigación para la película?
LÉA TODOROV.- Para una película así, hay varios tipos de investigación y de preparación que hago. Primero hay una investigación universitaria, de conocer muy bien la vida de María Montessori, porque yo no escogí enseguida hablar de este período concreto. Hice una investigación extensa sobre toda su vida, leyendo mucho los libros, los artículos que había escrito, pero también artículos más íntimos que hemos publicado en los últimos años. Después, hay una investigación sobre el personaje de Lili, para entender un poco cuál es su papel, dedicado a la mujer alrededor del año 1900. El personaje en el que me inspiró son las Cocotte parisinas de 1900, la Belle Epoque, y como estas señoras ocupan un lugar muy sorprendente, porque siendo cortesanas, y en cierto modo prostituidas, tienen su poder: son las prescriptoras de cómo hay que estar en el mundo en cuanto al vestuario y las costumbres, también escriben libros, cartas, piensan en el lugar que ocupan y explican que algunas decían (esta es una frase que me ha marcado), que las mujeres en 1900 tienen que escoger entre putas, viejas o domésticas. Me pareció que era un poco lo que yo quería hacer en la película. Al final de la película María Montessori se convierte en la virgen, encuentra una virginidad en el sentido del niño, y coge así su destino, ahí es donde dice claramente que vive del lado de la puta. Pero después, para hacer la película, hay muchas otras investigaciones: la imagen, cómo era la vida en Roma en el año 1900, etc. Por lo tanto, hay mucha investigación documental, fondo fotográfico y museos.
Carlos Penela.- ¿Qué es lo que más se sorprendió de todo lo que descubrió?
LÉA TODOROV.- Me sorprendió mucho un libro de Sibilla Aleramo, una escritora italiana del mismo periodo. En él explica cómo creció, tenía una educación, tenía acceso a la cultura, era considerada una persona normal, hasta que su padre se convirtió en director de una fábrica en el sur de Italia y, de repente, ella, por ser mujer, se convirtió en un ser inferior. La violó un trabajador de su padre, tuvo que casarse con él y tuvo un niño. Entonces decidió marcharse para escribir y para convertirse en Sibilla Aleramo, su seudónimo. Al hacer esto lo perdió todo, porque se consideraba que pertenecía a su marido, el violador, y a él le debía sus ingresos. Perdió incluso la custodia de su hijo. La desigualdad de derechos en la ley de aquella época entre hombres y mujeres era mucho más fuerte. Leer sobre esta escritora en el proceso de investigación para la película es lo que más me ha sorprendido, comprobar hasta qué punto había un estado de apartheid respecto a las mujeres en esa época. Y creo que conviene recordarlo cotidianamente para poder entender el mundo en el que vivimos hoy en día.
Carlos Penela.- La educación siempre será la base para empezar a eliminar los problemas sociales e individuales.
LÉA TODOROV.- Por supuesto, la educación está en el centro, y por eso María Montessori invierte todo ahí. María, en el momento de su vida que reflejo en la película, es muy feminista en su discurso, pero esto es algo que al final deja de lado para dedicarse exclusivamente a la educación, porque tiene la sensación de que si cambiamos la educación todo va a cambiar. Sinceramente, a día de hoy creo que es una ilusión, y que en realidad si no trabajamos a la vez para cambiar la sociedad no habrá bastante con la educación.
Carlos Penela.- Yo espero que después de su película, que no es la primera que se hace sobre una mujer que había sido olvidada o no lo suficientemente reconocida, se sigan contando muchas más historias de mujeres que luchaban a contracorriente contra las condiciones sociales de la época. En parte pienso que se dice de forma errónea que eran mujeres adelantadas o tiempo. Yo creo que el foco hay que ponerlo en la sociedad. No es que estas mujeres fueran adelantadas a su tiempo, sino que la historia y la sociedad siempre ha estado por detrás de ellas.
LÉA TODOROV.- Para ella es algo así, porque ella cree y ve el mundo del futuro, siente que habrá una liberación, lo dice en la película. Es una cita de María Montessori, decir "antes había la esclavitud de la mujer y hay que liberarse también, liberar a los niños de esta esclavitud". Me parece que al final esta idea de la esclavitud está en el centro de nuestra sociedad, podemos pensar que hemos avanzado, pero en realidad no siempre vamos en la misma dirección. Siempre tenemos que reconsiderar esta esclavitud como algo que está en el centro del lugar que ocupan las mujeres y nuestros hijos en la sociedad. Estamos lejos de considerarlos como individuos a los que debemos respeto. Incluso hoy en día, en la educación y en las familias, las y los consideramos los esclavos del padre, y la prueba en Francia es que uno de cada diez es víctima, antes de los 15 años, de violencia sexual.
Carlos Penela.- ¿Qué aprendido y con qué se queda de haber hecho María Montessori?
LÉA TODOROV.- Me quedo con lo que he querido transmitir como lección en la película, y que es esencial, la potencia y la fuerza del amor. María Montessori mantiene en su discurso que para educar a los niños hay que invertir amor en ellos. No hay ninguna duda sobre estas palabras y sobre la fuerza infinita de este concepto, con eso es con lo que me quedo.
Tras su paso por los prestigiosos mercados de MIFA, Impact Day, MIA-Market Animación, Ventana Sur y Animac, y tras un proceso de más de ocho años, Mariposas Negrasha sido seleccionada por el prestigioso Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, considerado el más importante del mundo de la animación, en Sección Oficial a Competición Contrechamp. El Festival tendrá lugar entre el 9 y el 15 de junio, y Mariposas Negras ha resultado elegida entre las más de 3.400 películas recibidas esta edición desde 108 países distintos.
Se trata de una ambiciosa apuesta cinematográfica, inspirada por mujeres reales, que nos propone un viaje desde África, el Caribe y Asia hacia un incierto futuro para toda la humanidad.
El cineasta David Baute reconoce que: "Desde el comienzo de mi carrera siempre he vinculado mi producción artística a temáticas sociales como la migración, el medioambiente o las vidas de mujeres infrarrepresentadas. Mariposas Negras conjuga estas tres motivaciones con la intención de agitar la conciencia del espectador, a través de la empatía y la reflexión". Y continúa denunciando que "los “migrantes medioambientales” o “refugiados climáticos” aumentan año a año, sin ser reconocidos internacionalmente".
Sinopsis: El cambio climático impacta en las vidas de Tanit, Valeria y Shaila, tres mujeres de puntos muy distintos del planeta pero con algo en común: las tres lo pierden todo por el efecto del calentamiento global y se ven forzadas a migrar.
"Tanit, Shaila y Valeria son mujeres que luchan por mantener su identidad, por no desaparecer en la hazaña migratoria debido al cambio climático, que les ha arrebatado sus raíces y referencias", explica Baute. "Su batalla principal es la de no perder su voz, poder contar sus testimonios. Son mujeres desdibujadas que pugnan por no fundirse con el entorno gris que las rechaza. Pero Mariposas Negras no es solamente sus historias, sino la crónica de un oscuro capítulo de nuestro planeta, azotado por una verdad incómoda y urgente".
Edmon Roch, productor de Mariposas Negras, confiesa que: "Desde que David Baute me contactó en febrero de 2016, supe que esta era una película necesaria. El Banco Mundial proyecta que el cambio climático hará que 216 millones de personas hayan abandonado sus hogares en 2050 en América Latina, África y el sur de Asia. La mayoría de ellos provienen de regiones que han contribuido poco al calentamiento global; paradójicamente, quienes padecen las peores consecuencias del cambio climático, son las menos responsables de sus causas. Y sigue sin existir la figura del refugiado climático. Narramos las experiencias de quienes padecen sus consecuencias, su lucha por no desaparecer pese a que sus lugares de origen ya no existan, y lo hacemos con una animación exquisita, como un cuento universal para llegar a jóvenes y adultos de todas las edades".
Entre el equipo creativo de Mariposas Negras destaca Pepe Sánchez como Diseñador de Producción y Director de Animación, María Pulido como Directora de Arte y Fotografía, el compositor de la Banda Sonora original Diego Navarro, la guionista Yaiza Berrocal, o el diseño de sonido de Oriol Tarragó.
Mariposas Negras es una producción de Tinglado Film, Ikiru Films, Anangu Grup y la Corporació Catalana de Mitjans Audiovisuals, SA en coproducción con Tunche Films (Panamá), y con la participación de TVPC, 3CAT y Mogambo, con la financiación del ICAA y con el apoyo de ICEC, Gobierno de Canarias y Cabildo Insular de Tenerife.
Inspirada en la música y la vida de Robert Wyatt y Alfreda Benge, Rock Bottom es una historia de amor autodestructivo entre Bob y Alif, una joven pareja de artistas inmersos en la vorágine creativa y rompedora de la cultura hippy de principios de los 70. Las drogas convertirán un verano apasionado en pesadilla en un viaje por los temas de la música Wyatt: la euforia y la angustia de la creación artística, la fascinación inconsciente por las drogas, el desencanto por la rutina y la degradación física y mental.
Producida por AlbaSotorra y Jaibo Films, la película llegará a los cines de la mano de Avalon, que distribuye por primera vez una película de animación.
En palabras de María Trénor: "No hay mejor manera de celebrar el 50 aniversario del álbum Rock Bottom de Robert Wyatt que estrenar mundialmente en el festival Internacional de Annecy su adaptación al cine de animación. Además, casi exactamente en las mismas fechas de su lanzamiento, en Junio de 1974. Por supuesto, la música es el corazón de la película. Todas las canciones de Rock Bottom suenan a lo largo de la película, interpretadas por el propio Wyatt. A pesar de lo apasionante que ha sido la vida de este artista, no se trata de un biopic sino de una recreación que refleja un momento tan crucial de su generación como fueron los principios de los años 70. Espero que la película Rock Bottom sea como el disco: un viaje musical y existencial que nos haga sentir vivos y nos recuerde que la belleza puede nacer del dolor."
Para Alba Sotorra, productora de la película: "Rock Bottom es uno de los álbumes más bellos que he escuchado.Los que conocemos a Robert Wyatt inevitablemente nos convertimos en fanáticos incondicionales de esta película de animación, y aquellos que no lo conocen, estarán felices de haberlo descubierto. Estrenar en Annecy es un distintivo de reconocimiento que, como productora, me llena de orgullo, y ser parte de la sección oficial de Annecy es estar entre las mejores películas de animación del año."
María Trénor. Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Sant Carles de la UPV (Valencia, España), ha producido y dirigido diversos cortometrajes de animación rodados en 35mm. ¿Con qué la lavaré? (2003) obtuvo varios premios nacionales e internacionales, como el Premio Teddy Bear al mejor cortometraje en el Festival internacional de cine de Berlín (Berlinale) o el premio al mejor cortombetraje en Animadrid (2004). El corto también fue selecciónado en los festivales internacionales de Sundance (2005) y Annecy (2004).
'Ex-libris' (2009), su siguiente cortometraje de animación en 35mm, ganó umerosos premios y fue nominado al mejor cortometraje de animación en los Goya. Su último cortometraje, '¿Dónde estabas tú?' (2020), ha participado en festivales internacionales y ganó el WIA Diversity Award en el SPARK International Animation Festival de Canadá. '
Siempre nos quedará mañana ha conseguido 19 nominaciones a los Premios David Di Donatello incluyendo Mejor Película, Mejor Ópera Prima, Mejor Actriz y Actor Protagonista. Con esta cifra, se convierte en la película más nominada en la historia de los Premios, solamente empatada con El Capital Humano de Paolo Virzi.
La película tuvo su estreno mundial en el pasado mes de octubre, en el Festival de Roma, donde ganó el Premio Especial del Jurado y el Premio del Público. Tras su paso por la sección oficial del BCN Film Fest donde se contará con la presencia de la actriz y directora Paola Cortellesi y el actor protagonista de la cinta Valerio Mastandrea, la película llegará a nuestras pantallas el próximo 26 de abril.
Además de haber recaudado más de 40 millones de euros en Italia, la cinta sigue sumando éxitos ya que lleva casi 400.000 espectadores desde su estreno hace tres semanas en Francia, manteniendose en el Top 5 de películas más vistas.
El próximo 26 de abril, la película italiana de la década, Siempre nos quedará mañana, llega a nuestras carteleras. La cinta, un auténtico fenómeno cultural, ha sido la película más taquillera en Italia desde la pandemia, por encima de éxitos como Barbie u Oppenheimer. Desde su estreno en octubre del año pasado, la película sigue en cartelera, ha recaudado más de 40 millones de euros y ha sido vista por más de 5 millones de espectadores.
Además del éxito de público y de crítica, la película ha generado un debate por todo el país, ya que gracias a la misma, se ha puesto sobre la mesa temas tan importantes como el abuso, la violencia de género y la enmacipación femenina, siendo protagonista en todos los medios nacionales y de la política local.
También, se han creado campañas de sensibilización en las escuelas italianas donde Siempre nos quedará mañana" es visionado obligatorio para los alumnos y alumnas.
La película es el debut de la actriz italiana Paola Cortellesi, una de las actrices más queridas y populares del país, nominada 7 veces a los premios David Di Donatello y protagonista de Como pez fuera del agua o Mamá o Papá. También cuenta con su reparto con Valerio Mastandrea (Perfectos Desconocidos, Nine), ganador en cuatro ocasiones del premio David Di Donatello y Mejor Actor en el Festival de Venecia.
La historia es un himno a la libertad, un homenaje a las mujeres y con referencias al neorrealismo italiano.
Sinopsis: Roma, año 1946. Delia tiene tres hijos y está casada con el malhumorado Ivano, que no la trata demasiado bien. Tras la guerra, ambos luchan por sacar a su familia adelante con varios trabajos mal pagados. Pero un día, una maravillosa noticia les alborota: Marcella, la hija mayor, acaba de comprometerse con Giulio, un chico muy simpático de buena familia. Delia está muy ilusionada con este nuevo comienzo que traerá un futuro mejor para todos. Sin embargo, recibe una misteriosa carta que promete cambiar los planes de toda la familia para siempre…
Gracias a nuestr@s amig@s de BTEAM PICTURES hemos tenido la oportunidad, en el marco del BCN Film Fest, de entrevistar a la directora y actriz de la cinta, Paola Cortellesi. Éste es el resultado de la entrevista:
Carlos Penela.- ¿Cómo
se ha sentido en su debut tras la cámara?
PAOLA CORTELLESI.- Yo siempre me he sentido muy cómoda, en parte, creo que es porque había llegado el momento el dirigir. Había cumplido los 50 años, con muchos años de experiencia que tenía a mis espaldas, tanto como actriz como de guionista. Por primera vez quería dirigir sobre algo que había escrito yo misma, y no confiar la dirección a otra persona. Está claro que durante el proceso hubieron sus dificultades, en qué película no hay dificultades. Es un debut, no sabíamos como sería la acogida de público y prensa, es una película muy especial, sui generis, no es fácil de definirla (no puedes decir categóricamente que es una tragedia, tampoco una comedia, ni un musical, pese a que haya mucha música detrás), por lo que las expectativas no eran muy elevadas. Por eso nadie podía prever lo que ha pasado, cómo se ha desarrollado todo. Es increíble el nivel de afluencia y asistencia del público para ver la película. Sinceramente, no me lo esperaba.
Carlos Penela.- ¿Cuáles han sido sus referentes a la hora de crear la película?
PAOLA CORTELLESI.- Tenía muchas ganas de hablar y explicar este tema. Es un tema que en Italia está muy presente, el tema de la violencia doméstica, que frecuentemente acaba en feminicidios. Es un tema candente en los medios de comunicación. La media es que cada 72 horas se produce un feminicidio. Es un tema del que he hablado en muchas ocasiones a lo largo de mi carrera, ya sea en monólogos, en mi carrera teatral, o en películas donde sale este tema, de diferencia, por ejemplo en el trato de hombres y mujeres solo en el terreno laboral. El tema de la violencia doméstica es el que quería tratar, ambientado en el pasado, pero haciendo una película contemporánea, para saber qué había cambiado y qué nos queda por cambiar todavía. Por desgracia, sigue habiendo feminicidios, pero también es cierto que han cambiado otras cosas. En la película se ve uno de los primeros derechos oficiales para las mujeres, actualmente hay más protección, existen más derechos, por suerte eso se ha ido cambiando a lo largo del tiempo, pese a que quede mucho camino por recorrer todavía. Yo lo quería explicar con la referencia que tenía de las abuelas y las bisabuelas, que es como a mi me había llegado, y, en ese sentido, me llegó con un toque de ironía, y es así como yo lo traslado.
Carlos Penela.- Le quería preguntar por una de las escenas iniciales, que es cuando su
personaje sale de casa y pasea por el pueblo. Ese travelling que hace
utilizando una música moderna me recordó un poco, a Kill Bill, al personaje de Uma Thurman cuando sale en alguna escena con tanta fuerza y poder. Me gustaría que
nos hablara de esa secuencia.
PAOLA CORTELLESI.- ¡Mamma mia, que bello! Gracias por relacionar esas dos imágenes, además, ¡me encanta Kill Bill! Sí, para mi fue una secuencia muy importante. La clave era explicarla bien. No es bien bien un plano secuencia, pero se trataba de reflejar toda esa caminata que hace mi personaje desde el principio, cuando parece que está encerrada en un patio. Al principio es cierto que por los peinados te remontas a una época antigua, pero no sabes en ese momento si hay guerra o no, no sabes en qué período estás todavía. Como si fuera una procesión, intentamos ir poniendo mucho el foco en todos los pasos, cada lugar que se ve está estipulado para mostrar algo en concreto: vas viendo que va habiendo cierta liberación social, pero que todavía queda toda la miseria de la guerra, que acaba de concluir. Por ello vemos a un joven guapísimo mutilado, que acaba de volver de la guerra, ves niñas que imitan los peinados americanos, otras que bailan swing, un niño repartiendo panfletos sobre algo que se verá al final de la película, etc. Todo ello viene a ser un resumen de dónde estamos, hasta que después se encuentra al policía americano. Esta secuencia para mi es muy importante, ya que es a título de contexto, a partir de ahí empieza la película.
Carlos Penela.- ¿Qué ha aprendido y con qué se queda de haber hecho Siempre
nos quedará mañana?
PAOLA CORTELLESI.- He aprendido que me gusta esta tarea de dirigir. Seguramente es nueva nueva etapa en mi vida, y me gusta mucho. Requiere mucho trabajo, es duro, pero con un buen equipo se pueden hacer grandes cosas, llegar a grandes resultados. Me llevo todo lo que la gente ha compartido conmigo. He estado el algunas proyecciones en las que después me he quedado a saludar a la gente y ésta compartía conmigo y entre ellos (estamos hablando de salas grandes, de unas 400 personas), historias suyas, historias de su familia, partes íntimas. El hecho de compartir historias personales yo creo que es el mayor regalo que me han podido hacer. Compartir también implica confiar, y eso es lo que me llevo, la confianza del equipo con el que he trabajado, y la confianza que me ha transmitido la gente.
"El destino de Maya", de Tiina Lymi, ha sido galardonada con el Premio a la Mejor Película de la octava edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-San Jorge (BCN FILM FEST). El filme es un drama histórico sobre la lucha de una mujer por sacar adelante a su familia en una remota isla finlandesa del siglo XIX.
Elpalmarés completo del BCN FILM FEST 2024es el siguiente:
PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA
"El destino de Maya"
de Tiina Lymi
PREMIO A LA MEJOR DIRECCIÓN
Pau Teixidor
por “Alumbramiento”
PREMIO AL MEJOR GUION
Luàna Bajrami
por “Phantom Youth”
PREMIO AL MEJOR ACTOR
Michael Caine
por "La gran escapada”
PREMIO A LA MEJOR ACTRIZ
El reparto de actrices jóvenes de “Alumbramiento”
Sofía Milán (protagonista), Celia Lopera, Carmen Escudero,
Paula Agulló, Victoria Oliver y Alba Munuera
PREMIO FESTIVAL CASTELL DE PERALADA A LA MEJOR MÚSICA
Raymond Enoksen
por "Hammarskjöld. Lucha por la paz”
PREMIO DE LA CRÍTICA (ACCEC)
"Daaaaaalí!"
de Quentin Dupieux
PREMIO NOUS TALENTS AL MEJOR CORTOMETRAJE
"Blava terra"
de Marine Auclair March
ESCAC
El festival ha tenidomás de 20.000 espectadores, lo que supone un 10% de incremento respecto al año anterior.
“Esta edición del festival, con visitas relevantes, intensos coloquios y presentaciones y momentos muy emocionantes, ha cubierto todas las expectativas y el público ha respondido como nunca. La acogida que ha tenido nuestras propuestas ha sido espectacular. Seguiremos trabajando y avanzando en nuestro objetivo de un festival fuerte y abierto, que sea útil y práctico en el sector y que dé proyección a la ciudad de Barcelona”, ha valoradoConxita Casanovas, directora del BCN FILM FEST.
Eduard Fernández,Clara SegurayCarles Sanshan formado el Jurado Oficial de esta edición. El Jurado de la Crítica lo han conformadoMarla Jacarilla,Esteve PlantadayXavier Daniel.
El BCN FILM FEST 2024 ha contado con:
- 69 películas de las cuales: 15 premières mundiales, 1 europea, 20 españolas y 11 catalanas.
- 49 presentaciones y coloquios con la presencia del talento, entre otros, de Meg Ryan, Richard Linklater, Paola Cortellesi, Vincent Perez, Belén Rueda, J.A. Bayona, Mikael Persbrandt, Arturo Valls, Éric Toledano, Olivier Nakache, Malena Alterio, Kike Maillo, Dani de la Orden, Clara Segura, Emma Vilarasau, David Verdaguer o Clara Lago.
- Charla del director Richard Linklater con el público.
- 14 actividades paralelas en las diferentes sedes del festival entre las que:
7ª edición de la Jornada de Guionistas e Industria con dos mesas redondas: “IA y proceso creativo” y la presentación de LAAB 2024 con la mesa “Del libro a la pantalla”.
Sitges Fantástico Podcast- 70 años de influencia de la novela “Soy Leyenda” de Richard Matheson.
Encuentro de autores de Grup 62 con la participación de Ramón Gener, Jordi Puntí y Jaume Clotet.
9 actividades en La Perla 22.
- 7 sedes del Festival: Cines Verdi, CaixaForum, Casa Seat, Instituto Français, Ateneu Barcelonès, La Perla 22 y COAC.
- 1ª edición del Screen International Award for Catalan Producer of the Year.
La novena edición delBCN FILM FESTse celebrarádel 23 al 30 de abril de 2025.
Hit Man. Asesino por casualidad es la nueva película del director nominado al Oscar Richard Linklater (Boyhood, trilogía Antes del amanecer), protagonizada por Glen Powel (Cualquiera menos tú, Top Gun: Maverick) y Adria Arjona (El padre de la novia, True detective). Esta divertida comedia romántica llega a los cines españoles el próximo 7 de junio.
Tras su paso por el Festival de Venecia, Hit Man. Asesino por casualidad cierra la edición de este año del BCN FILM FEST. La película está coescrita por Linklater y Glen Powell, protagonista de este relato inspirado en una increíble historia real. Una película llena de humor, cine negro, algo de thriller, romance y juego de roles... una inteligente comedia existencial sobre la identidad.
Sinopsis: Gary Johnson (Glen Powell) es el tipo más buscado de Nueva Orleans. Un misterioso asesino a sueldo… que trabaja como infiltrado para la policía. Cuando rompe el protocolo para ayudar a una mujer desesperada (Adria Arjona) que intenta huir de un marido maltratador, acaba convirtiéndose en uno de sus falsos personajes y coqueteará con transformarse en un verdadero criminal.
Sinopsis: Es un doble de acción, y al igual que todos en la comunidad de especialistas, sale volando, le disparan, se estrella, se tira desde ventanas y cae desde las alturas más extremas, todo para nuestro entretenimiento. Y ahora, tras un accidente que casi acaba con su carrera, este héroe de clase trabajadora debe seguir la pista de una estrella de cine desaparecida, resolver una conspiración y tratar de recuperar el amor de su vida mientras sigue haciendo su trabajo. ¿Qué podría salir bien?
David Leitch, doble de acción en la vida real y director de auténticos éxitos de taquilla como Bullet Train, Deadpool 2, Atómica y Fast & Furious: Hobbs & Shaw, además de productor de John Wick (Otro día para matar), Nadie y Noche de paz, nos presenta su película más personal hasta la fecha: El Especialista, un trepidante y divertido thriller cargado de adrenalina y toda una declaración de amor a las películas de acción y al equipo de personas nunca suficientemente valoradas que las hacen.
El nominado al Oscar Ryan Gosling (Barbie, La ciudad de las estrellas (La La Land), Drive) interpreta a Colt Seavers, un doble de acción marcado por mil batallas, que, tras dejar su trabajo durante un año para centrarse en su salud física y mental, vuelve a ser contratado cuando la estrella de una película de estudio de gran presupuesto —dirigida por su ex, Jody Moreno, que interpreta la ganadora del Globo de Oro Emily Blunt (Oppenheimer, la saga Un lugar tranquilo, Sicario)— desaparece.
Mientras la implacable productora de la película (la ganadora del Emmy Hannah Waddingham; Ted Lasso) maniobra para mantener en secreto ante el estudio y los medios la desaparición de la estrella Tom Ryder (el ganador del Globo de Oro Aaron Taylor-Johnson; Bullet Train), Colt realiza las escenas de acción más rocambolescas de la película mientras intenta (con éxito limitado) volver a ganarse el favor de Jody. Pero, a medida que el misterio en torno a la estrella desaparecida crece, Colt se verá atrapado en una trama criminal y siniestra que le llevará al borde de una caída más peligrosa que cualquier escena de película.
Inspirada en la exitosa serie de televisión de los años 80, El Especialista también cuenta con la participación de Winston Duke (la saga Black Panther) y la nominada al Oscar Stephanie Hsu (Todo a la vez en todas partes).
Basada en un guion del escritor de Hobbs & Shaw Drew Pearce, El Especialista está producida por Kelly McCormick (Bullet Train, Nadie, Atómica) y David Leitch para su compañía 87North; y por Ryan Gosling y Guymon Casady (Juego de Tronos, Steve Jobs y productor ejecutivo de la serie de próximo estreno Ripley) para Entertainment 360. La película cuenta con Drew Pearce, Geoff Shaevitz de Entertainment 360 y el creador de la serie original de televisión The Fall Guy, Glen A. Larson, como productores ejecutivos.
Sobre la película
Película dirigida por David Leitch y protagonizada Ryan Gosling y Emily Blunt basada en la serie homónima de los años 80. En ella Colt es uno de los mejores especialistas que hay en los rodajes hasta que un accidente trunca su carrera y se ve obligado a retirarse. Sin embargo, una famosa productora le pide un último favor: recuperar al actor principal de la película, que ha desparecido. En un principio él se niega, hasta que se entera que la directora de la misma es su amor del alma. A partir de ahí comienzan unas situaciones de acción y comedia romántica que se van entremezclando de forma muy divertida.
Partiendo de la base que soy un gran admirador tanto de Gosling como de Blunt, la película es altamente divertida, tanto para los que les guste la acción (hay acción contínua con escenas espectaculares y altamente emocionantes), como para los que prefieran una comedia romántica (atención a la química del dúo protagonista porque es más que interesante), con guiños en clave comedia que todavía la hacen más atractiva (no hay que perderse esa canción de Taylor Swift, relacionada con la lagrimilla por un corazón roto). Es algo que pocas películas puedan hacerlo, a ratos te reirás, a ratos estarás con el corazón encogido y a ratos el amor será el sentimiento dominante. Además, la película no deja de ser un homenaje a los actores especialistas o dobles, los que realmente se parten la cara para que nosotros, los espectadores, disfrutemos desde la butaca sin que a nuestros ídolos pueda pasarles nada.
No dejaré también de remarcar la banda sonora que va desde Taylor Swift (insisto una de los mejores momentos del film) a canciones de Kiss y otros éxitos rockeros.
Y un último inciso, en los títulos de crédito nos muestran cómo se realizan algunas de las escenas de acción de la película sin tapujos y sin enmascarar: con cuerdas, ganchos, colchonetas y demás. Para los que nos gusta el cine, es de agradecer.
Sinopsis: Es un doble de acción, y al igual que todos en la comunidad de especialistas, sale volando, le disparan, se estrella, se tira desde ventanas y cae desde las alturas más extremas, todo para nuestro entretenimiento. Y ahora, tras un accidente que casi acaba con su carrera, este héroe de clase trabajadora debe seguir la pista de una estrella de cine desaparecida, resolver una conspiración y tratar de recuperar el amor de su vida mientras sigue haciendo su trabajo. ¿Qué podría salir bien?
David Leitch, doble de acción en la vida real y director de auténticos éxitos de taquilla como Bullet Train, Deadpool 2, Atómica y Fast & Furious: Hobbs & Shaw, además de productor de John Wick (Otro día para matar), Nadie y Noche de paz, nos presenta su película más personal hasta la fecha: El Especialista, un trepidante y divertido thriller cargado de adrenalina y toda una declaración de amor a las películas de acción y al equipo de personas nunca suficientemente valoradas que las hacen.
El nominado al Oscar Ryan Gosling (Barbie, La ciudad de las estrellas (La La Land), Drive) interpreta a Colt Seavers, un doble de acción marcado por mil batallas, que, tras dejar su trabajo durante un año para centrarse en su salud física y mental, vuelve a ser contratado cuando la estrella de una película de estudio de gran presupuesto —dirigida por su ex, Jody Moreno, que interpreta la ganadora del Globo de Oro Emily Blunt (Oppenheimer, la saga Un lugar tranquilo, Sicario)— desaparece.
Mientras la implacable productora de la película (la ganadora del Emmy Hannah Waddingham; Ted Lasso) maniobra para mantener en secreto ante el estudio y los medios la desaparición de la estrella Tom Ryder (el ganador del Globo de Oro Aaron Taylor-Johnson; Bullet Train), Colt realiza las escenas de acción más rocambolescas de la película mientras intenta (con éxito limitado) volver a ganarse el favor de Jody. Pero, a medida que el misterio en torno a la estrella desaparecida crece, Colt se verá atrapado en una trama criminal y siniestra que le llevará al borde de una caída más peligrosa que cualquier escena de película.
Inspirada en la exitosa serie de televisión de los años 80, El Especialista también cuenta con la participación de Winston Duke (la saga Black Panther) y la nominada al Oscar Stephanie Hsu (Todo a la vez en todas partes).
Basada en un guion del escritor de Hobbs & Shaw Drew Pearce, El Especialista está producida por Kelly McCormick (Bullet Train, Nadie, Atómica) y David Leitch para su compañía 87North; y por Ryan Gosling y Guymon Casady (Juego de Tronos, Steve Jobs y productor ejecutivo de la serie de próximo estreno Ripley) para Entertainment 360. La película cuenta con Drew Pearce, Geoff Shaevitz de Entertainment 360 y el creador de la serie original de televisión The Fall Guy, Glen A. Larson, como productores ejecutivos.
RIVALES
De la mano del visionario realizador Luca Guadagnino llega a la gran pantalla Rivales, una película protagonizada por Zendaya en el papel de Tashi Duncan, una antigua estrella del tenis convertida en entrenadora. Tashi es además una fuerza de la naturaleza que no pide disculpas ni dentro ni fuera de la pista. Casada con un campeón que atraviesa una racha de derrotas (Mike Faist), la estrategia de Tashi para la redención de su marido da un giro sorprendente ya que éste deberá enfrentarse al fracasado Patrick (Josh O'Connor), su antiguo mejor amigo y ex novio de Tashi. Mientras sus pasados y sus presentes chocan y las tensiones van en aumento, Tashi tendrá que hacerse la siguiente pregunta: ¿cuánto va a costar ganar?
Guadagnino, nominado al Oscar y al BAFTA (Call Me By Your Name, Yo soy el amor) dirige a partir de un guion de Justin Kuritzkes. La película está producida por Amy Pascal, Guadagnino, Zendaya y Rachel O'Connor, con Bernard Bellew como productor ejecutivo.
Zendaya, ganadora del Globo de Oro (las películas de Dune, Euphoria), protagoniza Rivales junto a Josh O'Connor (The Crown), ganador del Globo de Oro, del Premio SAG y nominado al BAFTA, y Mike Faist (West Side Story), nominado al BAFTA.
El equipo creativo de Guadagnino incluye a sus colaboradores habituales como el director de fotografía Sayonbhu Mukdeeprom, la diseñadora de producción Merissa Lombardo y el montador Marco Costa, así como el diseñador de vestuario Jonathan Anderson. La música de la película es obra de Trent Reznor y Atticus Ross, ganadores del Oscar, el Globo de Oro y el BAFTA (Soul, La Red Social, Hasta los huesos: Bones and All).
Metro Goldwyn Mayer Pictures presenta Rivales una película de Why Are You Acting? / Frenesy Films / Pascal Pictures Production y Luca Guadagnino. La película se estrena en cines en España este viernes y Warner Bros. Pictures se encarga de su distribución.
SIEMPRE NOS QUEDARÁ MAÑANA
Sinopsis: Roma, año 1946. Delia tiene tres hijos y está casada con el malhumorado Ivano, que no la trata demasiado bien. Tras la guerra, ambos luchan por sacar a su familia adelante con varios trabajos mal pagados. Pero un día, una maravillosa noticia les alborota: Marcella, la hija mayor, acaba de comprometerse con Giulio, un chico muy simpático de buena familia. Delia está muy ilusionada con este nuevo comienzo que traerá un futuro mejor para todos. Sin embargo, recibe una misteriosa carta que promete cambiar los planes de toda la familia para siempre…
Siempre nos quedará mañanaha conseguido19 nominacionesa losPremios David Di Donatelloincluyendo Mejor Película, Mejor Ópera Prima, Mejor Actriz y Actor Protagonista. Con esta cifra, se convierte en la película más nominada en la historia de los Premios, solamente empatada conEl Capital Humanode Paolo Virzi.
La película tuvo su estreno mundial en el pasado mes de octubre, en el Festival de Roma, donde ganó el Premio Especial del Jurado y el Premio del Público. Tras su paso por la sección oficial del BCN Film Fest donde se contó con la presencia de la actriz y directoraPaola Cortellesiy el actor protagonista de la cintaValerio Mastandrea, la película llega a nuestras pantallas este viernes.
Además de haber recaudado más de 40 millones de euros en Italia, la cinta sigue sumando éxitos ya que lleva casi 400.000 espectadores desde su estreno hace tres semanas en Francia, manteniendose en el Top 5 de películas más vistas.
El próximo 26 de abril, la película italiana de la década, Siempre nos quedará mañana, llega a nuestras carteleras. La cinta, un auténtico fenómeno cultural, ha sido la película más taquillera en Italia desde la pandemia, por encima de éxitos como Barbie u Oppenheimer. Desde su estreno en octubre del año pasado, la película sigue en cartelera, ha recaudado más de 40 millones de euros y ha sido vista por más de 5 millones de espectadores.
Además del éxito de público y de crítica, la película ha generado un debate por todo el país, ya que gracias a la misma, se ha puesto sobre la mesa temas tan importantes como el abuso, la violencia de género y la enmacipación femenina, siendo protagonista en todos los medios nacionales y de la política local.
También, se han creado campañas de sensibilización en las escuelas italianas donde Siempre nos quedará mañana" es visionado obligatorio para los alumnos y alumnas.
La película es el debut de la actriz italiana Paola Cortellesi, una de las actrices más queridas y populares del país, nominada 7 veces a los premios David Di Donatello y protagonista de Como pez fuera del agua o Mamá o Papá. También cuenta con su reparto con Valerio Mastandrea (Perfectos Desconocidos, Nine), ganador en cuatro ocasiones del premio David Di Donatello y Mejor Actor en el Festival de Venecia.
La historia es un himno a la libertad, un homenaje a las mujeres y con referencias al neorrealismo italiano.
MAMÍFERA
Tras su premiere mundial en la Sección oficial del festival South By Southwest (SXSW) el pasado 8 de marzo y su estreno en el D’A, el 6 de abril, Mamífera se estrena en cines este viernes de la mano de Filmax. Con su tercer largometraje de ficción, la directora catalana Liliana Torres reflexiona sobre el deseo de no ser madre y cierra la trilogía iniciada en 2013 con Family Tour, ópera prima a la que seguiría en 2021 ¿Qué hicimos mal?
María Rodríguez (Libertad, Los días que vendrán, El ministerio del tiempo) interpreta a Lola, que vive muy feliz con Bruno, a quien da vida Enric Auquer (El maestro que prometió el mar, Vida perfecta, Quién a hierro mata). Un embarazo inesperado revoluciona sus planes. La pareja tiene muy claro que no quiere tener hijos, pero durante los tres días que deben esperar a su cita en la clínica, las dudas afloran. Si en Family TourLiliana Torres ponía el foco en la familia y en ¿Qué hicimos mal? en la pareja, el título que cierra la trilogía reivindica la elección de la no maternidad como opción vital, y las dificultades que esta decisión implica a nivel íntimo, pero también social.
“Quiero contribuir a desestigmatizar la no-maternidad explicando desde dentro algunos de los motivos que pueden conducir a ella. Y también me gustaría que este proyecto sirviera de espejo para otras mujeres que han decidido no ser madres y que se sienten solas e incomprendidas. Mi deseo es que esta película no sea para reivindicar una opción de mujer frente a otra, sino para tejer redes de comprensión entre todos los modelos posibles”, explica la directora, que por primera vez apuesta por la ficción pura y se aleja de la hibridación y la interpretación de actores no profesionales.
Sinopsis: Lola disfruta de una vida feliz con su pareja, Bruno, hasta que un embarazo inesperado revoluciona todos sus planes. Aunque Lola siempre ha tenido claro que lo de ser madre no va con ella, ahora se siente cuestionada por las expectativas sociales y se enfrenta a sus temores internos. Durante los tres días que tienen que esperar hasta que llegue su cita en la clínica, Lola se acerca a sus amigas y su familia con la intención de reafirmar su decisión. Bruno tampoco se había imaginado nunca como padre. Hasta ahora.
Liliana Torres, formada en la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC), comenzó su carrera en la dirección de documentales. Su primera película, Family Tour (2013), fue estrenada en Zabaltegui en el marco del Festival de San Sebastián – SSIFF e internacionalmente en el festival de Varsovia (Polonia) y en el Festival de Busan (Corea). Fue premiada como mejor película europea en Crossing Europe (Austria). En 2015 Torres fue premiada por el Col·legi de Directors de Catalunya como mejor directora novel y en 2021 llegó su segundo título de ficción, la también autobiográfica ¿Qué hicimos mal?, con premiere mundial en la Competición Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla, el Festival de Tallin (Estonia) – PÖFF y el Miami Film Festival.
Mamífera es una producción deDistinto Films(Miriam Porté) yEdna Cinema(Carla Sospedra) que cuenta con la coproducción de 3Cat, la participación de RTVE y el apoyo de ICAA, ICEC y el programa Europa Creativa MEDIA.Filmax la distribuirá en salas de cine.
THE PALACE
Sinopsis: El Hotel Palace es un extraordinario castillo diseñado a principios del siglo XX y situado en pleno valle nevado de Suiza. Cada año acoge a huéspedes adinerados de todo el mundo en un ambiente gótico y de cuento de hadas. En vísperas del año 2000 se han reunido todos para un acontecimiento irrepetible. Una multitud de camareros, porteros, cocineros y recepcionistas están allí para atender sus extrañas necesidades.
The Palace es la última película de Roman Polanski, aclamado director, artífice de algunas de las mejores películas de la Historia del Cine. En este proyecto se unen el propio Polanski, junto al productor (y también actor) Luca Barbareschi y Rai Cinema después de El oficial y el espía, que fue ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia en 2019.
El guion ha sido escrito por el propio director junto al guionista Jerzy Skolimowski (con quien Polanski ya co-escribió su primer largometraje El cuchillo en el agua) y Ewa Piąskowska.
Polanski arrancó este proyecto a partir de un caso real, que él mismo explica con detalle: "Una vez me invitaron a pasar la Nochevieja a un hotel (el director se refiere al Gstaad Palace de Suiza, de categoría 5 estrellas Superior). Sucedió en vísperas del año 2000, en pleno pánico general causado por el rumor del 'efecto 2000', que supuestamente iba a provocar el fin del mundo informático. Vi en todo su esplendor la absurda colección de animales que pululaba por allí. Enseguida se me ocurrió la idea de hacer una película sobre este mundo exótico".
Para crear este reparto coral y lograr ese buscado tono de comedia negra, Polanski ha contado con actores internacionales de la talla de Oliver Masucci, Fanny Ardant, John Cleese, Bronwyn James, Joaquim de Almeida, Milan Peschel, Fortunato Cerlino y Mickey Rourke.
La película llega a nuestras pantallas distribuida por Vértigo Films.
AMA GLORIA
Estrenada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, Ama Gloria es un dulce retrato de una relación entre una niña y su niñera. La película ha tenido un amplio recorrido por festivales de todo el mundo. La premiere nacional fue en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de Gijón. Después de su paso por la ciudad asturiana, la película se llevó una Mención Especial del Jurado Internacional en el Festival REC de Tarragona. También ha tenido su estreno al otro lado del charco en el Festival de Sundance.
Ama Gloria llega a las salas españolas este 26 de abril, Día de la Niño en España. Este día es una iniciativa de la Fundación Crecer Jugando, con el apoyo de la Asociación Española de Fabricantes de Juguetes y el Instituto Tecnológico del Juguete (AIJU) para promover la atención de la sociedad sobre la figura del niño, su desarrollo, bienestar y felicidad.
Dirigida por la directora francesa Marie Amachoukeli (que ganó la Cámara de Oro en Cannes con Mil noches y una boda, una película codirigida con otros dos cineastas), cuenta la historia de Cléo, una niña que tiene apenas seis años y ama profundamente a Gloria, su niñera que la ha criado desde que nació. Pero Gloria debe regresar urgentemente a Cabo Verde, donde están sus hijos. Antes de su partida, Cléo le pide que cumpla una promesa: volver a verla lo más pronto posible. Gloria la invita a visitar a su familia y su isla para pasar un último verano juntas.
La película está producida por Lilies Films, la productora detrás de películas de Céline Sciamma como Petit Maman, Retrato de una mujer en llamas, Tomboy o Girlhood.
Marie Amachoukeli, directora y guionista francesa, realizó su formación en La Fémis. Escribió y dirigió el cortometraje "Forbach", que ganó el Gran Premio en Clermont-Ferrand; "C'est gratuit pour les filles", que ganó el Premio César al mejor cortometraje y fue seleccionado en competición en la 48ª Semana de la Crítica, y "Démolition party" con Claire Burger.
En 2014, debutó en el largometraje con la película "Mil noches, una boda (Party Girl)", en colaboración con Samuel Theis y Claire Burger. Esta película ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cannes y numerosos premios internacionales. En 2016, completó "I want Pluto to be a planet again", una película de animación dirigida con Vladimir Mavounia Kouka, que fue nominada a los Premios César 2018. En 2020, escribió "Une Mère incroyable" (Litigante) para Franco Lolli, que inauguró la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes 2019. “Ama Gloria” es su primera película como directora en solitario y tuvo su premiere internacional abriendo la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes 2023.
JOAN BAEZ I AM A NOISE
Joan Baez: i am a noise, la película documental dirigida por Karen O’Connor (The Killer at Thurston High, The Suicide Plan), Miri Navasky (The Undertaking, The Killer at Thurston High) y Maeve O’Boyle (La educación de Mohammad Hussein, Firestone and the Warlord) sobre la vida y trayectoria de la icónica cantante y activista Joan Baez, se estrena en cines el este viernes de la mano de Sherlock Films. El documental tuvo su première mundial en la Sección Panorama del Festival de Berlín, se presentó en el South by Southwest (SXSW) y ha tenido su premiere española en el BCN Film Fest.
Nacida en 1941, Joan Baez es una reconocida artista y activista cuya fuerza musical y compromiso con el activismo social nunca han flaqueado. A partir de sus grabaciones a principios de la década de 1960, sus canciones e interpretaciones de baladas tradicionales ejercieron una poderosa atracción en una generación. Fue incluida en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 2017 y honrada por el Centro Kennedy en 2021, entre muchos otros reconocimientos.
Joan Baez: i am a noise ofrece un retrato detallado de la voz de una generación gracias a una exploración cinemática de la vida de una de las artistas más icónicas. Una película documental inmersiva que avanza y retrocede a través del tiempo mientras sigue a Joan en su gira mundial de despedida y profundiza en su extraordinario recorrido, incluyendo vídeos caseros, diarios, obras de arte, cintas de terapia y grabaciones de audio. A lo largo del documental, Baez nos revela su vida tanto dentro como fuera del escenario, desde su experiencia y desafíos emocionales, hasta su lucha por por los derechos civiles con Martin Luther King y un romance desgarrador con un joven Bob Dylan. Una mirada tremendamente honesta a una leyenda viviente, esta película explora en profundidad la vida personal de una artista icónica que nunca ha contado toda la verdad de su vida, como ella lo había experimentado, hasta ahora.
Sinopsis: A sus 20 años, Joan Baez fue la reina indiscutible de la música folk, una de las primeras personas en reconocer el talento de Bob Dylan y grabar sus canciones, y alguien que usó su fama para luchar por los derechos civiles y la justicia, y contra la guerra en Vietnam. La película repasa la vida de Baez mientras sigue a la artista en su gira de 2018/2019.
LA HIERBA DEL DIABLO
La hierba del Diablo es una película de terror donde se mezclan el suspense, la intriga, el miedo… en torno a una espeluznante historia basada en hechos reales.
Esta coproducción de Colombia y España es un thriller dirigido por Ángel Ayllón y protagonizada por la actriz y modelo colombiana Lina Cardona, quien junto al destacado español Max Marieges y al talentoso influencer hispano-marroquí Hamza Zaidi, envolverán al público en una angustiosa atmósfera de tensión increíblemente efectiva de la cual solo escaparán al llegar al final de la historia.
Sinopsis: Dos hombres salen de la ciudad para comenzar un nuevo proyecto de trabajo, pero se encuentran a Érika (Lina Cardona) en el camino, una “vulnerable” y bella mujer que necesita ayuda después de sufrir un problema mecánico con su carro. Santiago (Max Marieges) y Mauro, su representado (Hamza Zaidi) deciden ayudarla llevándola a su remota y desolada casa en donde ella asegura que vive sola, pero en realidad convive con los más oscuros traumas y secretos familiares que esconden una tenebrosa presencia malévola.
La hierba del Diablo, según el director, Ángel Ayllón, “nace de una investigación realizada acerca de una pócima que podría simular la muerte de una persona para luego resucitarla. Según la investigación, la llamada ‘zombificación’ es una práctica común en Haití, realizada por especialistas en estos rituales. La película está basada en estos hechos reales pero la historia es una ficción que intenta mostrar esta oscura práctica”.
El rodaje se llevó a cabo en Bogotá, en carreteras de Siberia y Mosquera y en las montañas de la Conejera. Parajes solitarios donde el equipo de producción sufrió bastante, expuestos al frio, a la lluvia y tuvieron que construir cementerios en ese paraje, donde se rodó durante 12 noches.
La hierba del Diablo está producida por Take One Producción y llega a los cines este viernes de la mano de la distribuidora Cinemaran.
RABOS: EL MUSICAL
Rabos: el musical, dirigida por Larry Charles (Borat, El dictador, Bruno) y de los productores de El gran showman, es el primer musical de A24. Una comedia loca y transgresora que causó furor en la sección de medianoche del Festival de Toronto, consiguiendo el Premio del Público.
Aaron Jackson y Josh Sharp escriben y protagonizan una adaptación de su propio musical de Broadway Fucking Identical Twins, y el resultado es una película llena de canciones con letras originales y gamberras, chistes delirantes y personajes grotescos.
Un musical de tono rebelde y queer que juega con la sexualidad de manera frívola y divertida, en el que no faltan rostros conocidos como los de los actores y cantantes Nathan Lane (Una jaula de grillos, Los productores, Modern Family, Beau tiene miedo), Megan Mullally (Will & Grace, The Disaster Artist) o la rapera Megan Thee Stalion.
Sinopsis: Craig y Trevor, dos rivales en los negocios, narcisistas y fanfarrones, descubren que son gemelos idénticos separados al nacer. A partir de ese momento, deciden intercambiarse para conseguir que sus padres divorciados vuelvan a estar juntos. De la mano de Larry Charles, director de Borat, llega este musical irreverente y depravado por el que desfilan una galería de excéntricos personajes.
YouPlanet Pictures estrena Rabos: el musical en cines este viernes 26 de abril.
