¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
Ya está en marcha la producción deDeliver Me from Nowhere, la adaptación cinematográfica del relato de Warren Zanes sobre la grabación del álbum "Nebraska" de Bruce Springsteen de 1982. La película, que se estrenará solo en cines en 2025, está escrita y dirigida por Scott Cooper (Corazón rebelde, Hostiles, Antlers: Criatura oscura, Black Mass: Estrictamente criminal) y protagonizada por Jeremy Allen White (The Bear, El clan de hierro, Shameless) en el papel del visionario músico que se embarca en un viaje emocional para grabar "Nebraska".
"Iniciar la producción de esta película es un viaje increíblemente humilde y emocionante", ha declarado Cooper. "'Nebraska' de Bruce Springsteen ha influido profundamente en mi visión artística. El retrato crudo y sin ambages que hace el álbum de las dificultades de la vida y de la resiliencia me conmueve profundamente. El propósito de nuestra película es captar ese mismo espíritu, trasladando a la pantalla la cautivadora narración de Warren Zanes sobre la vida de Bruce con autenticidad y esperanza, un homenaje al legado de Bruce que se convierte en una experiencia cinematográfica transformadora. Ha sido un enorme placer colaborar con Bruce y Jon [Landau] para contar su historia, y su energía creativa impregna cada momento de este viaje. Además, estoy encantado de volver a reunirme con mi amigo David Greenbaum [presidente de Disney Live Action y 20th Century Studios], que se estrena en su nuevo cargo en Disney, lo que añade otra capa de inspiración a este proyecto".
White ha ganado consecutivamente el Globo de Oro®, el SAG, el Critics' Choice y el Emmy® en los dos últimos años por su interpretación en la serie de éxito The Bear de FX. En Deliver Me from Nowhere, White está acompañado de un grupo de intérpretes galardonados y de gran talento.
Jeremy Strong (The Apprentice, Succession), actor ganador de un Emmy, un Globo de Oro, un Critics' Choice, un SAG Award® y un Tony®, interpreta a Jon Landau, mentor y mánager de Springsteen durante muchos años.
Paul Walter Hauser (Encerrado con el diablo, Richard Jewell) interpreta a Mike Batlan, el técnico que se ocupaba de guitarras de Springsteen.
Odessa Young (Primavera en Beechwood, The Staircase) es Faye de joven, un primer amor de Springsteen que tuvo un papel fundamental en su vida.
Sir Stephen Graham (La joven y el mar, Piratas del Caribe: La venganza de Salazar) encarna al padre de Springsteen.
Johnny Cannizzaro (Quantum Leap, Jersey Boys) se incorpora al reparto como Stevie Van Zandt, miembro de la E Street Band.
El álbum "Nebraska", que siguió a la gira "The River Tour" de Springsteen en 1981, marcó un momento crucial en su vida, del que solo hablaría abiertamente décadas después de su publicación. Está considerado un hito en la odisea musical del artista y una fuente de inspiración para una generación de artistas y músicos. Grabado en una grabadora de 4 pistas en el dormitorio de Springsteen en Nueva Jersey y sin The E Street Band, "Nebraska" está considerado uno de los trabajos más perdurables de Springsteen, un disco acústico crudo y atormentado poblado por almas perdidas que buscan una razón para creer.
Springsteen, uno de los personajes más famosos nacido en South Jersey, sigue dejando su huella en Jersey Shore, frecuentando tiendas locales, pizzerías, pubs, restaurantes y locales de música. El rodaje de Deliver Me from Nowhere tendrá lugar principalmente en New Jersey y Nueva York, con producción adicional en Los Ángeles.
Cooper produce junto a Ellen Goldsmith-Vein (El corredor del laberinto, Jurado No. 2) de Gotham Group y Eric Robinson (Kodachrome, Last Days) que ha desarrollado el proyecto con Cooper. Scott Stuber (Frankenstein, Ted, El invitado) también ejerce de productor. Tracey Landon (Maestro, Ámsterdam), que trabajó recientemente con Cooper en Los crímenes de la academia, y Warren Zanes son los productores ejecutivos.
Polvo serán, el último largometraje de Carlos Marques–Marcet, ha sido galardonado con la ESPIGA DE PLATA (ex aequo) en la Semana Internacional de Cine de Valladolid. Además, ha obtenido una mención especial para sus intérpretes principales: Ángela Molina y Alfredo Castro. La película se estrenará en cines el 15 de noviembre de la mano de Elastica.
Previamente, la película había conseguido el máximo galardón en la Sección Platform del TIFF, Festival Internacional de cine de Toronto, un premio que reconoce el gran mérito artístico y autoral de la película.
Esta gran historia de amor sobre la decisión de morir y sus consecuencias, ha sido recibida por la crítica con gran entusiasmo, destacando su compromiso emocional y la audacia de la película:"Una delicada danza con la muerte en un musical lleno de vida" (Variety); "Una mirada humanista que resulta un bálsamo en estos tiempos dominados por el cinismo y el odio (...) el resultado termina siendo fascinante y conmovedor" (Otros Cines).
Escrita por el propio Carlos Marques-Marcet, junto a Clara Roquet y Coral Cruz, la banda sonora original de Polvo serán corre a cargo de la cantante y compositora Maria Arnal y las coreografías están a cargo de la compañía de danza La Veronal. El vestuario es obra de Pau Aulí y la dirección artística de Laia Ateca.
Protagonizada por Ángela Molina, Alfredo Castro y Mònica Almiral, la película transita del amor a la muerte a través de la comedia, el drama, la música y la danza. Según su director, Carlos Marques-Marcet, "en esta mezcla de géneros, el musical tendrá la función de permitir acercarnos a estas complejas emociones y al agujero insondable de la muerte allá donde las palabras no llegan, pronunciadas a través del cuerpo y de la música. Las coreografías están planteadas no como una pausa de la narración, sino como una forma de hacer avanzar la película mediante la exploración de los personajes desde otro ángulo".
Polvo serán es una producción de Lastor Media , Alina Film (Suiza) y Kino Produzioni (Italia) y cuenta con la colaboración del ICAA, ICEC y MEDIA, el MiC (Ministerio della Cultura), IDM Süd Tirol, Office fédéral de la cultura OFC, Cinéforom i Radio Télévision Suisse y el apoyo de 3cat, RTVE y Movistar Plus+ y Eurimages . La película será distribuida en cines por Elastica Films. Latido Films es el responsable de las ventas internacionales.
Sinopsis: Tras ser diagnosticada con una enfermedad terminal, Claudia decide emprender su último viaje a Suiza. Flavio, que no se ha apartado de su lado desde hace más de cuarenta años, decide acompañarla en este viaje sin retorno.
Carlos Marques-Marcet es uno de los cineastas más destacados y celebrados del panorama nacional y catalán. Entre muchos premios y reconocimientos, destacan su Goya a la Mejor Dirección Novela (2015) y su nominación a los European Film Awards por su ópera prima 10.000 KM (2014), con la que también ganó el Premio Especial del Jurado por la interpretación de sus dos actores en el Festival SXSW (2014); cinco Biznagas en el Festival de Cine de Málaga, entre las que destacan la Biznaga de Oro a la Mejor Película y la Biznaga de Plata a la Mejor Dirección (Mejor Guion, Mejor Actriz y Premio de la Crítica); cinco Premios Gaudí de la Academia Catalana de Cine; y más de una decena de premios en festivales internacionales.
En 2017 estrenó su segundo largometraje Tierra firme, que se presentó en el London Film Festival BFI y se proyectó en numerosos festivales internacionales como el de Rotterdam, South by Southwest (SXSW) y el Festival de Sevilla (Premio ASECAN a la Mejor Película), entre otros. Le siguió en 2019 Los días que vendrán, que se estrenó en la sección oficial del Festival de Cine de Rotterdam y fue galardonada en el Festival de Cine de Málaga con la Biznaga de Oro a la Mejor Película, además de los premios a Mejor Actriz, Mejor Director y Premio del Jurado Joven así como los premios Gaudí a la Mejor Película, Mejor Actriz y Mejor Montaje. A parte de su carrera cinematográfica, Carlos combina su trabajo como director para plataformas como Movistar+ (El corredor de la muerte), A3Player (La Ruta) o HBO (Escenario 0, En casa).
Verano en Diciembre, el primer largometraje de Carolina África, se ha presentado en la presente edición del Festival de Valladolid (SEMINCI) en Sección Oficial (fuera de concurso).
La película, adaptación del éxito teatral homónimo, cuenta en su elenco protagonista con un reparto de la talla de Carmen Machi, Bárbara Lennie, Victoria Luengo, Beatriz Grimaldos o Lola Cordón. Además, les acompañan otros nombres del nivel de Irene Escolar, Antonio Resines, Silvia Marsó o Nacho Fresneda en participaciones especiales.
Escrita y dirigida por Carolina África, Verano en Diciembre supone la opera prima cinematográfica de la realizadora, quien ya triunfó en los escenarios con la versión teatral que permaneció varias temporadas en cartel incluyendo su paso por el Centro Dramático Nacional y que obtuvo el Premio de Teatro Calderón de la Barca.
Verano en Diciembre aborda en clave de comedia familiar y tierna, la historia de una mujer (Carmen Machi) y la relación particular que tiene con cada una de sus cuatro hijas (Bárbara Lennie, Victoria Luengo, Irene Escolar y Beatriz Grimaldos). Además, a su cuidado tiene a su suegra (Lola Cordón), una nonagenaria con demencia senil. Un retrato intergeneracional de estas mujeres que comparten la búsqueda común e incesante de eso tan incierto que llamamos felicidad. La reunión y relaciones entre todas ellas conducirán a un buen número de situaciones divertidas e inesperadas, que dejarán en el espectador un sentimiento de diversión, alegría y esperanza. Un viaje que invita a soñar con un prometedor verano, al otro lado del Atlántico, que derrita nuestro crudo e infinito diciembre.
En palabras de la propia Carolina África“Verano en Diciembre es, ante todo, una comedia familiar donde el humor surge de contemplar nuestras pequeñas miserias y grandezas en las historias de sus protagonistas. Son pinceladas de la vida privada de cuatro generaciones de mujeres de una misma familia que, con sus desencuentros y sus vínculos recónditos, casi indestructibles, configuran un relato íntimo y reconocible cargado de humor y emoción. Es un canto a la familia, a los cuidados, a la capacidad de reírnos a pesar del dolor, a romper con la herencia del miedo y la culpa para volar hacia un verano idílico que derrita el frío diciembre de Madrid.”
Sinopsis: En 'Verano en Diciembre' nos adentramos en el hogar de Teresa (Machi), lugar que será el punto neurálgico donde confluirán sus hijas (Lennie, Luengo, Escolar y Grimaldos) y su suegra (Cordón), una nonagenaria con demencia senil que vive bajo su cuidado. Las hijas coincidirán con su madre y su abuela en una reunión familiar en el hogar para conmemorar el aniversario de la muerte del padre. Las distintas personalidades de las hermanas -la cuidadora, la rebelde, la alocada, la aventurera y a la vez ausente- serán el detonante de múltiples conflictos, que provocarán que las protagonistas choquen entre sí y lidien a su vez con sus propias frustraciones, miedos y anhelos.
Verano en Diciembre está producida por VÉRTIGO FILMS y MARE FILMS, con el apoyo de RTVE, MOVISTAR e ICAA y tras su paso por la Semana Internacional de Cine de Valladolid, SEMINCI, llegará a los cines el próximo 8 de Noviembre.
El cortometraje El Príncep (El Príncipe) de Àlex Sardà, protagonizado por Enric Auquer (Goya a Mejor actor revelación por Quien a hierro mata, Biznaga de Plata a Mejor interpretación masculina por Fuga de Alex Sardà) y Mona Martínez (nominada al Goya por Adiós de Paco Cabezas; El Reino de Rodrigo Sorogoyen), ha tenido su première mundial en la 69ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, SEMINCI, donde se ha presentado, en dos sesiones - 25 y 26 de octubre -, dentro de la Sección Oficial Cortometrajes Españoles. Esta producción de 15L FILMS y CANADA se ha podido ver en la sesión denominada 'La noche del corto español' junto a otras cuatro cintas.
Escrito y dirigido por Àlex Sardà, El Príncep es un cortometraje de 29 minutos que aborda el tema de los privilegios y la corrupción inmobiliaria con un elenco formado por Enric Auquer, Mona Martínez, Elena Martín Gimeno, Javier Beltrán, Carla Linares, David Vert, Nora Sala-Patau y Daniela Brown.
El Príncep cuenta la dirección de Fotografía de Artur-Pol Camprubí (The Human Hibernation, Hafreiat) y la dirección de Arte de Laura Santos (Salve María). Diego Pedragosa y Pau López son los responsables del Sonido, mientras que Oriol Donat y Laia Casanovas (Creatura, Cardo, Muyeres) se ocupan del Diseño de sonido. La compositora Clara Aguilar (Creatura, Selftape) firma la banda sonora y Marta Ferrero, los efectos visuales. Ester Guntín (Polvo Serán) y Àngela Boix (Polvo Serán) son las coreógrafas. Carlota Coloma y Adrià Lahuerta (Hafreiat, Anxious in Beirut) son los productores. Marta Cruañas (Creatura, Blue Sun Palace) y Xavi Vara son coproductores. Carlota Coloma es la productora ejecutiva.
En palabras del director, Àlex Sardà, “este cortometraje coge el relevo emocional de mi anterior corto 'Gang'. Mi objetivo con esta historia es poner sobre la mesa que si damos la espalda a todas estas construcciones y silencios que nos forman en vez de mirarlos de cara y enfrentarnos a ellos, llegará un día en que tocará pagar las consecuencias. Y lo más probable es, como veremos con Artur, que no solo no seamos capaces de hacer algo al respecto, sino que descubramos hasta qué punto nos hemos convertido en eso mismo de lo que creíamos estar huyendo”.
Sinopsis: Hoy es día de estreno y Artur, hijo de una familia burguesa y bailarín en una compañía de danza contemporánea, actúa como el príncipe de un reino hecho a su medida. Todo cambia cuando su padre es arrestado por corrupción en un escándalo inmobiliario. A partir de ese momento, Artur deberá decidir entre proteger a su familia encubriendo a su padre o enfrentar las consecuencias de renunciar a sus privilegios.
Àlex Sardà es un cineasta de Barcelona que trabaja tanto en el ámbito de la ficción como en el documental. Su debut en el largometraje, Hafreiat, se estrenó en el Sheffield DocFest 2022. En su recorrido por festivales se alzó con el premio al Mejor documental nacional en la SEMINCI 2022, una Mención especial del jurado en MiradasDoc 2022 y el Premio Internacional del Público en el Amman FilmFest 2023.
Actualmente está desarrollando un largometraje de ficción que explora el colonialismo español en Guinea Ecuatorial a través de las dinámicas familiares y las masculinidades contemporáneas, temas que ya ha abordado en Hafreiat como en sus cortometrajes anteriores Gang, Fuga y El príncep.
Gracias a nuestros amigos de Nueve Cartas Comunicación hemos podido entrevistar al director Àlex Sardà. Éste es el resultado de la entrevista:
Carlos Penela.- ¿Qué es El Príncep y cómo surge este proyecto?
ÀLEX SARDÀ.- "El Príncep" surge de una pregunta, el preguntarse "¿Qué pasaría si pusiéramos a nuestro padre inmerso en un juicio?" Analizamos en profundidad qué es la masculinidad y cómo se forma, qué comportamientos la conforman, cómo se crea, cómo trabaja. De ahí surge "El Príncep", de pensar qué pasa si ponemos en un juicio a nuestro padre, pero no como persona, sino como metáfora de aquello que se ha creado y que nos ha sido transmitido de alguna manera. A partir de aquí empecé a crear la historia y a poner los ingredientes que han acabado conformando el cortometraje.
Carlos Penela.- ¿Cómo llegan Enric Auquer y la Mona Martínez al reparto?
ÀLEXSARDÀ.- Enric y yo somos primos, ya hace tiempo que colaboramos juntos. Es el segundo largometraje que hacemos juntos. Con él es muy fácil y bonito a la vez, porque puede entrar muy pronto en el proceso. Nos ha enriquecido mucho a la hora de crear diferentes aspectos del cortometraje e, insisto, es muy bonito poder trabajar así con alguien. Respecto a Mona, cuando estábamos pensando quien podría hacer el papel de madre, ella me vino rápidamente a la cabeza. Empezamos a hablar con ella y, en principio, por tema de fechas no podía ser, pero al final le adelantaron sus fechas y, por suerte, pudo incorporarse con nosotros. Fue muy bonito que finalmente pudiera estar en nuestro cortemetraje.
Carlos Penela.- Arte y corrupción, contrapones en tu cortometraje dos mundos muy diferentes...
ÀLEXSARDÀ.- Sí, para mi la idea era poder generar una dualidad entre un espacio donde el personaje se ha querido refugiar de lo que entiende como su familia más conservadora o más clásica, pero a la vez mostrar que ese personaje no está tan lejos ni exento de todo este bagaje y aspectos que arrastra de su familia. El hecho era poner un poco el dedo en la yaga. A veces pensamos que estamos fuera de ciertas dinámicas porque estamos en un entorno más creativo o más abierto, pero en realidad los problemas también crecen ahí si no los miramos de frente y no pensamos que las cosas se han de hacer de otra forma.
Carlos Penela.- Hay dos temas que se reflejan muy bien en El Príncep, el primero es algo que ya sabemos, que el dinero puede comprar demasiadas cosas, y el segundo, que la interpretación continua pareciendo un capricho para aquellas personas que se quieren dedicar a ella.
ÀLEXSARDÀ.- Sí, hay una capa en el sentido que indicas, el personaje de Enric, uno de los miedos que tiene es que él se está pudiendo dedicar al mundo de las artes porque tiene un cojín detrás muy fuerte que lo sustenta, y tiene miedo de perder esto. Dedicarse a las artes es una plena responsabilidad en sí mismo, y ello es parte del motor que le guía. Cuando su madre le dice que le quiere, y que ella quiere que él se pueda dedicar a las artes, ella se lo dice de verdad, ella piensa de verdad que así está ayudando a su hijo. Hay temas emocionales y temas de libertad que se entrelazan y chocan entre sí.
Carlos Penela.- Sí, por ejemplo el tema de que una persona totalmente limpia, en contra y ajena a la corrupción, como, en determinadas circunstancias, puedes caer en la tentación de cuestionarte tus propios principios. Aquello de que el fin justifica los medios....
ÀLEX SARDÀ.- Exacto, para mi lo interesante es poder ver cómo se mueve esta tema cuando se mezcla lo familiar con lo emocional. El cómo los actos de una persona o de un grupo afectan no sólo a tu círculo más cercano, como son el personaje de Enric y su familia, sino también a todos esos terceros que se mencionan en el cortometraje, a los que echan de sus casas desde la comodidad de aquellos salones que se ven al principio del corto. El personaje de Enric está completamente en contra de esto, pero también está atrapado por esa corrupción.
Carlos Penela.- Alex, ¿qué ha supuesto para ti que El Príncep haya tenido su premiere mundial en la SEMINCI?
ÀLEXSARDÀ.- Ha sido muy bonito poder estrenar aquí. Es un Festival al que le tengo muchísimo cariño, aquí pudimos hacer el estreno nacional de lo que fue mi documental anterior, "Hafreiat", en 2022. Es un Festival que nos ha dado mucha suerte siempre. Es muy bonito estar aquí y optar a poder llevarnos el Premio. La verdad es que no podíamos estar más contentos que poder arrancar el circuito de Festivales desde aquí.
Carlos Penela.- ¿Qué has aprendido y con qué te quedas de haber hecho El Príncep?
ÀLEXSARDÀ.- Me quedo con que "El Príncep" nació de poder poner en práctica y jugar con la ficción, con las preocupaciones con las que queríamos jugar, como es ese juicio al padre. Ha sido muy enriquecedor poder probarlo todo. Yo vengo del documental, siempre mezclo y pruebo muchas cosas en el documental, y para mi era la primera vez que me enfrentaba a un guión tan concreto y que tenía que estar tan medido. Ha sido muy bonito poder trabajar con Enric y con el resto del equipo cómo ha de ser una línea de trabajo y porqué tiene que ser de esa manera. Hay muchos matices, como el hecho de que el personaje de Enric es quien debe tomar las decisiones, no desde la manipulación sino desde su reflexión personal, y trabajar este aspecto, por ejemplo, ha sido maravilloso. Poder trabajar este tipo de historias, con una fuerte narrativa, pero que a la vez están llenas de una serie de capas que queremos expresar, es lo que me llevo de todo este proceso.
Amanece en Samaná, dirigida por Rafa Cortés, llegará a los cines de toda España el próximo 8 de noviembre. La película está basada en una obra de teatro de Jordi Galceran, y está protagonizada por Luis Tosar, Luisa Mayol, Luis Zahera y Bárbara Santa-Cruz junto a los actores internacionales Charles Dance y Alfredo Castro. Completan el reparto Félix Tejeda, Andresito Germosen, Lidia Ariza, Laura Díaz y Yaritza Reyes.
Amanece en Samaná es una comedia dramática que nos muestra cómo nuestro destino y la gente que forma parte de él interactúan y nos afectan e influyen de forma inesperada.
La película ha sido rodada en Samaná en la República Dominicana, en estricta cronología para propiciar un proceso de trabajo basado en la improvisación de los actores, manteniendo vivo y cambiante el contenido de la trama a lo largo del rodaje. El resultado son unas interpretaciones llenas de verdad y de complicidad, con unos actores y actrices moviéndose con sorprendente soltura fuera de sus habituales zonas de confort.
Sinopsis: Dos parejas de amigos, Ale (Luisa Mayol) y Santi (Luis Tosar), Natalia (Bárbara Santa-Cruz) y Mario (Luis Zahera), celebran con unas vacaciones en Samaná que hace veinte años que están juntos. Se ponen al día, salen de fiesta, reconectan... Ale, con las alas que le dan el ron y la felicidad de estar con sus amigos, decide que ha llegado el momento de confesar que, la noche que se conocieron los cuatro, ella hizo trampas para acabar con Santi, que inicialmente ligó con Natalia, mientras era Mario el que intentaba ligar con ella. Ale da por hecho que, después de veinte años de relación, tomarán su confesión como la pequeña travesura que supuso el primer paso hacia la felicidad de todos. Pero las cosas no salen así, y la noche termina con una gran decepción. Al día siguiente, Ale amanece con una fuerte resaca, algo confundida, sin la menor pista de hasta qué punto va a tener que enfrentarse a las consecuencias de su acción.
La película está producida por RON VINO Y MIEL AIE, en coproducción con las empresas españolas A NAME LIKE THIS, MATERIA CINEMA, QUEXITO FILMS, FEDERATION SPAIN. Esta coproducción hispano-dominicana será distribuida en cines por UNIVERSAL PICTURES INTERNATIONAL SPAIN y cuenta con la participación de MOVISTAR PLUS+.
Ya está disponible el esperado tráiler de Los Williams, el nuevo documental del cineasta Raúl de la Fuente, protagonizado por Iñaki y Nico Williams, que se estrenará el próximo jueves, 31 de octubre, en los cines de España. El largometraje realizó su estreno mundial el pasado viernes 20 de septiembre en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, inaugurando la sección Zinemira, y tuvo su preestreno en la sala BBK de Bilbao el 23 de septiembre.
Los Williams, una producción de Kanaki Films y En Cero Coma, sello de Fremantle, que cuenta con el apoyo del Gobierno Vasco, el Gobierno de Navarra, el ICAA y la participación de ETB, es un apasionante relato deportivo y personal en el que los protagonistas, Iñaki y Nico, se enfrentan a los conflictos que han marcado sus vidas: racismo, identidad, ambición, frustración y desarraigo, mientras se reencuentran con su pasado y proyectan su futuro.
Sinopsis: Dos hermanos, futbolistas, vascos y ‘beltzas’ del Athletic Club de Bilbao, separan sus caminos al decidir jugar el Mundial de fútbol en dos selecciones diferentes, Ghana y España. Así arranca un retrato en primera persona de Iñaki y Nico Williams a través de tres continentes, durante los dos años más cruciales de su vida, con un acceso único y exclusivo a ellos y a todo su entorno. Es la increíble historia de dos estrellas internacionales. Dos hermanos, referentes para muchos migrantes, que viven en busca de un espejo en el que reconocerse. No son de aquí, pero tampoco son de allí…
Declaraciones
“Con Los Williams queremos que los chavales migrantes se sientan mejor y ayudar a los de aquí 'de toda la vida' a dejar de sentirse el centro del mundo. En Los Williams, comprobamos que el racismo sí tiene mucho que ver con la clase social. Y los hermanos Williams tienen una posición única como futbolistas jóvenes, guapos y ricos para hablar de ello y que se les escuche”. Amaia Remírez
"Es una película ambiciosa, honesta y muy entretenida. Cuando comenzamos a rodar con Iñaki y Nico sus vidas estaban a punto de cambiar pero, en ese momento, no imaginábamos hasta qué punto. Han sido dos años de rodaje muy intensos emocionalmente para ellos, en lo personal y en lo profesional. Sus vidas han cambiado y estábamos ahí para ser testigos de lo que pasaba”.Marias Recarte
“Los Williams trata un tema universal que me interesa desde hace mucho: las relaciones entre hermanos/as. Y me motiva personalmente porque en estos cínicos tiempos desbordantes de materialismo los protagonistas, dos jóvenes futbolistas negros del Athletic Club de Bilbao, nos llevan a mirarnos a nosotros mismos en nuestra personal relación con el diferente. Para querer marcar distancia… o no.”Raúl de la Fuente
“Si eres negro, eres negro. No importa. Es como Dios nos creó y me encanta. En clase siempre éramos los únicos negros y todos nos trataban genial. He conocido el odio y el racismo en el fútbol”. Iñaki Williams
"La gente de fuera no viene a hacer ningún mal, vienen a buscarse el pan y un futuro mejor".Nico Williams
El factor humano
Foto: Kanaki Films
Junto a los hermanos Iñaki y Nico Williams intervienen, entre otros, su familia, encabezada por George Williams, el abuelo, un venerable anciano de 90 años que falleció durante el rodaje del documental y que es el vínculo con el origen de esta historia; su madre, María Comfort Arthuer; su padre, Félix Williams; y Patricia Morales (esposa de Iñaki Williams). Además, los niños pescadores del lago Volta (Ghana); Félix Tainta (representante de los hermanos Williams); las selecciones española y ghanesa; la hinchada del Athletic Club de Bilbao; y los amigos de los hermanos Williams.
Los Williams es un largometraje producido por Marias Recarte y Rosaura Romero y (En Cero Coma, sello de Fremantle) y Amaia Remírez (Kanaki Films), quien debutó en la dirección -junto a Raúl de la Fuente - con Maldita. A Love Song To Sarajevo, ganador del Goya a Mejor Cortometraje Documental en 2023 y calificado para los Oscar.
Rosaura Romero y Marías Recarte han sido productoras de reconocidos proyectos como Perdidos en el Amazonas, Palomares y El Palmar de Troya.
El rodaje
Tras una fase de desarrollo que comenzó tras ganar el Goya por Maldita, el rodaje de Los Williams, arrancó en elMundial de Qatar y se ha desarrollado durante 16 semanas por tres continentes: Europa - España (Bilbao, Pamplona, Madrid, Sevilla)- y Alemania (Berlín); África (Ghana y Angola) y Asia (Qatar).
A través de todo el archivo personal y familiar de los hermanos Williams, video llamadas y audios que se envían entre Iñaki, Nico y su madre, a través de sus propios móviles, recreaciones evocadoras e íntimas para narrar secuencias importantes del pasado de la historia, y entrevistas a la familia Williams (padres, abuelos, primos, tíos), amigos de la infancia y afición en Qatar, Ghana y Pamplona, el documental narra el mundial de Qatar, los partidos en San Mamés y los entrenamientos en Lezama, y la vida de los hermanos Williams.
El seguimiento de dos años ha sido posible gracias a la cercana colaboración del Athletic Club de Bilbao.
EL DIRECTOR
Foto: Kanaki Films
Raúl de la Fuente (Pamplona, 1974) es director, director de fotografía y montador. Ha recibido tres premios Goya por sus documentales Minerita (2013), Un día más con vida (2018) y Maldita (2021).
En 2018 estrenó en Cannes, en Sección Oficial, Un día más con vida, largometraje ganador del Premio a la Mejor Película de Animación de la Academia de Cine Europea, Premio Platino del Cine Iberoamericano y Premio del Público en el Festival de Cine de San Sebastián.
Su debut en la dirección, Nömadak TX, fue premiado en festivales tan importantes como IDFA (Segundo puesto del Top20 de los Favoritos del Público en los 20 años de historia del Festival), Silverdocs, True/False, Byron Bay, Premio CICAE del Festival de Cine de San Sebastián y Mejor Director Novel en el Festival de Cine de Guadalajara, entre otros muchos.
Raúl de la Fuente realiza buena parte de la fotografía de sus documentales y edita personalmente las películas, imprimiendo un ritmo y un sello que atrapan al espectador.
LAS PRODUCTORAS
KANAKI FILMS
Raúl de la Fuente y Amaia Remírez, director y productora, fundan Kanaki Films en San Sebastián en 2009 para contar historias personales, únicas y emocionantes, siempre arraigadas en lo social. En los últimos diez años han rodado películas locales y globales en Qatar, USA, Nueva Caledonia, Sierra Leona, Polonia, Reino Unido... y más de una veintena de países. En la Gala de los 37 Premios Goya se alzaron con la tercera estatuilla de su carrera por el cortometraje documental Maldita, tras recibirlo en 2018 con su largometraje, Un día más con vida, que se estrenó en Cannes en Sección Oficial, obtuvo el premio del Público en San Sebastián, el Premio de la Academia Europea de Cine y el Premio Platino del Cine Iberoamericano a Mejor Película de Animación. Con su primer cortometraje, Minerita obtuvieron el Goya y fueron finalistas a los Oscar.
EN CERO COMA
En Cero Coma es un sello de la compañía multinacional Fremantle, especializado en el género documental y factual dentro y fuera del territorio español. Suman la experiencia de un equipo con más de dos décadas creando, impulsando y produciendo historias extraordinarias que informen, entretengan y emocionen. La productora acaba de estrenar el largometraje documental Perdidos en el Amazonas. El rescate que conmocionó al mundo (Movistar+/Max Latam), que narra la historia de los cuatro niños indígenas perdidos en el Amazonas colombiano. Y ha anunciado el rodaje de Infiltrada en el Búnker, una película dirigida por Pablo de la Chica y coproducida junto a Salon Indien Films para Prime Video. Además, actualmente están produciendo la segunda temporada de En guardia: mujeres contra el crimen, un 'true crime' de 6 capítulos para Cuatro.
FREMANTLE ESPAÑA
Fremantle es uno de los creadores, productores y distribuidores de entretenimiento, ficción, largometraje y documental más grande y exitoso del mundo. Con presencia en más de 27 territorios, la compañía produce contenido multiplataforma de varios de los formatos de entretenimiento más vistos del mundo, las series más vistas del planeta, películas premiadas por el público y la crítica y documentales capaces de remover conciencias y dar altavoz a historias locales a nivel global. Propiedad del grupo RTL, una división de Bertelsmann, la productora comenzó a operar en España durante la década de los años 90 con sede en Madrid.
Foto: Kanaki Films
Los Williamsllegará a los cines de España el próximo 31 de octubre de la mano de la distribuidora 39 Escalones Films.
La ópera prima de Pedro Martín-Calero, autor de multipremiados cortometrajes y trabajos para la industria musical y publicitaria, llega a nuestros cines de la mano de Universal Pictures International Spain.
La película, que tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial a competición de la 72ª edición del Festival de Cine de San Sebastián, está protagonizada por Ester Expósito (Pérdidos en la noche, Venus, Tu hijo), Mathilde Ollivier (Mrs. Davies, 1899, Overload) y Malena Villa (El Ángel, Matadero, El lobista), quienes interpretan a tres mujeres que, en momentos distintos del tiempo y conectadas sin saberlo, se enfrentan a una amenaza que las trasciende.
Completan el reparto Àlex Monner (Los bárbaros, La ruta), Sonia Almarcha (La restauración, El buen patrón), Tomás del Estal (Esto no es Suecia, Antidisturbios), José Luis Ferrer (El hombre que mató a don Quijote) y Lautaro Bettoni (No corre el viento).
Isabel Peña, que también ejerce como coproductora ejecutiva de la película, escribe el guion junto al propio Martín-Calero. Peña ha sido coguionista habitual de Rodrigo Sorogoyen en títulos como Que Dios nos perdone (Premio del Jurado al mejor guion en San Sebastián), El reino (Goya al mejor guion original) o As bestas (Sección Oficial en el Festival de Cannes, Goya al mejor guion original, premio del Festival de San Sebastián a la mejor película europea).
Rodada durante siete semanas en Madrid, Buenos Aires y La Plata, El Llanto es una película hispano-franco-argentina producida por Caballo Films, Setembro Cine, Tandem Films, Tarea Fina, Noodles Production y El Llanto AIE que cuenta con la participación en España de RTVE y PRIME VIDEO, de CANAL + en Francia y con la financiación del ICAA, la CAM, el INCAA y el Ayuntamiento de Madrid.
Sinopsis: Algo acecha a Andrea, pero nadie, ni siquiera ella misma, puede verlo a simple vista. Hace veinte años, a diez mil kilómetros, la misma presencia aterrorizaba a Marie. Camila fue la única persona que pudo entender lo que le ocurría, pero nadie las creyó. Al enfrentarse a esa amenaza opresiva, las tres escuchan el mismo sonido sobrecogedor. Un llanto.
RITA
Rita es una película que narra las vivencias de una niña en la Sevilla de los 80, protagonizada por los niños Sofía Allepuz, Alejandro Escamilla y Daniel Navarro acompañados de un elenco formado en su mayoría por actores andaluces, con el objetivo de dotar de autenticidad a la historia y reflejar las costumbre de esos años en Sevilla, compuesto por Paz Vega, Roberto Álamo, Paz de Alarcón, Amada Santos y Margarita Asquerino.
La producción corre a cargo de Marta Velasco y Gonzalo Bendala, contando con Paz Vega, como productora ejecutiva y Orson Salazar como productor asociado, Eva Díaz en la Dirección de Fotografía, Amanda Román en la Dirección Artística, Pablo Cervantes en la composición de la banda sonora, Ana Álvarez Ossorio, responsable del montaje, Jorge Marín en la mezcla de sonido y los ganadores del Goya Fernando García en vestuario y Daniel de Zayas en sonido directo.
Sinopsis: Sevilla, Junio de 1984. Rita y Lolo son dos hermanos de 7 y 5 años, hijos de una sencilla familia obrera. Comienzan las vacaciones de verano y el país entero está revolucionado con la Eurocopa de fútbol, donde España ha pasado a los cuartos de final. El calor aprieta y Rita sueña con ir a la playa, pero la vida en el barrio le tiene reservadas otras sorpresas...
Producida por Áralan Films y Rita la película, AIE, en asociación con Oda Films y Arte Sonora Estudios, con la participación de Canal Sur Radio y Televisión, RTVE, Movistar Plus+ y MAX. Con la financiación de ICAA, con el apoyo de AAIICC, con la financiación de Next Generation EU y Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia y con la participación de Triodos Bank y Crea SGR. La distribución en España y las ventas internacionales corren a cargo de Filmax.
VENOM: EL ÚLTIMO BAILE
Venom: el último baile supone el regreso de Tom Hardy a uno de los más grandes y complejos personajes de Marvel, cerrando así la trilogía cinematográfica.
Escrita y dirigida por Kelly Marcel, basada en una historia de Hardy y Marcel, Venom: el último baile está producida por Avi Arad, Matt Tolmach, Amy Pascal, Kelly Marcel, Tom Hardy y Hutch Parker.
Junto a Tom Hardy, completan el reparto protagonista Chiwetel Ejiofor, Juno Temple, Rhys Ifans, Peggy Lu, Alanna Ubach y Stephen Graham. La película llega en exclusiva a los cines de toda España de la mano de Sony Pictures.
Sinopsis: Eddie y Venom están a la fuga. Perseguidos por sus sendos mundos y cada vez más cercados, el dúo se ve abocado a tomar una decisión devastadora que hará que caiga el telón sobre el último baile de Venom y Eddie.
LA GRAN ESCAPADA
La película supone la última vez que veremos en gran pantalla a Michael Caine, ya que el actor decidió retirarse de la interpretación a los 90 años. Y no le culpamos, ¡vaya carrerón! Lamentablemente, también ha sido la última película de Glenda Jackson, ya que nos dejó el año pasado a los 87 años.
Ambos fueron ganadores de dos Oscar: él por Hannah y sus hermanas y Las normas de la casa de la sidra y ella por Mujeres enamoradas y por Un toque de distinción.
Sinopsis: En el verano de 2014, Bernard Jordan (Michael Caine), un veterano de la Segunda Guerra Mundial de 89 años, se escapa de su residencia en la que vive junto a su mujer Rene (Glenda Jackson), para unirse a sus compañeros veteranos de guerra en una playa de Normandía, conmemorando a sus camaradas caídos en el 70 aniversario del Desembarco del Día D.
La película llega a nuestras carteleras de la mano de Diamond Films.
DAAAAAALÍ!
Daaaaaalí!, la nueva comedia escrita y dirigida por el aclamado director francés Quentin Dupieux (El segundo acto, Fumar provoca tos, Mandíbulas, Rubber), se estrena en cines de nuestro país de la mano de A Contracorriente Films. La película se presentó en la Sección Oficial del Festival de Venecia, y fue galardonada, por unanimidad, con el Premio de la Crítica en el BCN Film Fest. El director, maestro del absurdo, regresa con su proyecto más ambicioso y personal en años: un sentido homenaje a la icónica figura de Salvador Dalí, que logró 500.000 espectadores en su estreno en Francia.
Daaaaaalí! es una producción francesa protagonizada por la ganadora del César Anaïs Demoustier (Salvar o morir, Fumar provoca tos), Gilles Lellouche (Pequeñas mentiras sin importancia), Edouard Baer (Manual de la buena esposa, saga Astérix y Obélix), Jonathan Cohen (Un año difícil), Pio Marmaï (Un año difícil), Didier Flamand (Cielo sobre Berlín) y Romain Duris (Los seductores).
Sinopsis: Una joven periodista francesa se encuentra en varias ocasiones con el icónico artista surrealista Salvador Dalí para un proyecto que nunca llegó a realizarse.
AMAL
Festival Films estrena en cines la película Amal, dirigida por el cineasta Jawad Rhalib (Cuando los árabes bailaban, Rebellious Girl).
Amal se estrenó a nivel internacional en la competición oficial del Festival Black Nights de Tallin (PÖFF) donde se alzó con el Premio a Mejor Actriz para Lubna Azabal, quien interpreta magistralmente a Amal, la profesora.
El director belgomarroquí firma una implacable obra marcada por el compromiso social. Es la conmovedora e impactante historia de una profesora, Amal, que reivindica su libertad de pensamiento y enseñanza, oponiéndose con fuerza al oscurantismo, a la censura, a los extremismos religiosos y a la homofobia, que empiezan a abrirse camino en su clase y en instituto donde trabaja.
El ICAA le ha otorgado a Amal el distintivo de ESPECIALMENTE RECOMENDADA PARA EL FOMENTO DE LA IGUALDAD DE GÉNERO.
Sinopsis: Amal, una profesora francesa de un instituto de Bruselas, anima a sus alumnos a cultivar la pasión por la lectura, defender la libertad de expresión y promover la tolerancia. Sin embargo, sus ideas molestan a algunos alumnos y compañeros vinculados con el extremismo islámico, totalmente opuesto a sus métodos de enseñanza. Aun así, Amal se mantiene firme, especialmente cuando tiene que ayudar a Monia, una de sus estudiantes, una chica reservada a la que han atacado, acosado y amenazado por las sospechas sobre su homosexualidad.
GREAT ABSENCE
Great Absence llega a los cines españoles de la mano de ADSO FILMS. Tras su paso por el Festival Internacional de Toronto y la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, donde se alzó con la Concha de Plata a Mejor Interpretación Protagonista para Tatsuya Fuji, la película también ganó el Premio del Ateneo Guipuzcoano 2023.
Dirigida por Kei Chika-ura, la película, grabada en 35 mm y escrita a cuatro manos por el mismo director junto a Keita Kumano, narra el reencuentro entre un padre y un hijo distanciados de años atrás. Inspirada libremente en experiencias personales del director, Great Absence es una historia emocionante sobre el tiempo, la memoria y la fragilidad de la vida.
El reparto está formado Tatsuja Fuji (El imperio de los sentidos, Hacia la luz), Mirai Moriyama (No todos pudimos madurar, Viaje a Nara), Yoko Maki (De tal padre, tal hijo, Después de la tormenta) y Hideko Hara (The Last 10 Years).
Sinopsis: El actor Takashi ha vivido distanciado de su padre Yohji, un profesor universitario jubilado, desde el complicado divorcio con su madre hace 20 años. Apenas mantienen el contacto, hasta que un día una llamada de la policía lleva a Takashi a visitar a Yohji, quien lucha contra la demencia en su casa en el sur de Japón. Al llegar, Takashi descubre que la segunda esposa de Yohji, Naomi, ha desaparecido. Al preguntarle dónde está, Yohji responde que se suicidó. Takashi debe averiguar si hay algo de verdad en las palabras de su padre.
WOMAN OF...
Tras su première mundial en la Selección Oficial a Competición del Festival de Cine de Venecia y su paso por Málaga y el Festival D´A de Barcelona, el 25 de octubre se estrena en cines en España Woman of... un cuidado retrato de ficción que acompaña a su protagonista durante 45 años de su vida en una pequeña capital de provincias en Polonia.
Dirigida por Malgorzata Szumowska y Michal Englert (Never gonna snow again, 2020), Woman of... nos acerca la historia de Aniela, una mujer trans que vivió casi la mitad de su vida siendo un hombre, Andrzej. La película muestra, en un momento en que el país vive su transición del comunismo al capitalismo, el viaje emocional de alguien que no encaja en las normas sociales y decide dar un paso adelante en su reconocimiento de género.
Protagonizada por Malgorzata Hajewska-Krzysztofik, que interpreta a Andrzej y Aniela transmitiendo de manera veraz la realidad cotidiana del colectivo, y por Joanna Kulig, ganadora del premio EFA a la mejor actriz por su papel protagonista en la nominada al Oscar Cold War (Pawlel Pawlikowski, 2018), Woman of... es una emotiva historia que acompaña a su protagonista sin juzgala en su lucha personal por el derecho a expresarse en libertad con su verdadera identidad.
La película llega a nuestras carteleras de la mano de Karma Films.
SEX
Este viernes se estrena en salas de cine la película Sex, segundo largometraje del noruego Dag Johan Haugerud (Cuidado con los niños). Es la primera entrega de la trilogía "Sex, Love, Dreams" que el director lleva preparando desde 2022 y cuya segunda parte, Love se presentó hace apenas unas semanas en la Sección Oficial del Festival de Venecia. Sex, por su parte, tuvo su premiere en el último Festival de Berlín, donde se llevó el Premio del Público de la sección Panorama. La película concursa además este año en la Sección Oficial de la Semana Internacional de Cine de Valladolid.
En Sex, dos amigos heterosexuales que trabajan juntos como deshollinadores empiezan a replantearse sus certezas alrededor de su sexualidad a raíz de dos sucesos que sacuden sus vidas. Uno le cuenta a otro que, a pesar de no considerarse gay, ha tenido un encuentro sexual casual con otro hombre. Su amigo, por su parte, lleva tiempo sintiéndose mujer en unos sueños recurrentes en los que es seducida por David Bowie. Sacar a la luz estos secretos pondrá a prueba su amistad, sus vidas familiares y su propia identidad. Los dos protagonistas están interpretados por Jan Gunnar Røise y Thorbjørn Harr, que ya trabajaron juntos en Cuidado con los niños, la anterior obra del director.
Las tres películas que integran la trilogía "Sex, Love, Dreams", tienen lo queer como denominador común y un objetivo compartido: reflexionar sobre una de las mayores contradicciones de nuestra sociedad alrededor de la libertad. "Vivimos en un entorno en el que, a través de varios medios, se nos anima a reconocer y aceptar nuestros impulsos y necesidades. Al mismo tiempo, elegir vivir nuestra sexualidad de formas alternativas parece una ruptura radical y desafiante con las convenciones y los valores tradicionales. Las tres películas pretenden abordar esto a su manera", explica Haugerud. Filmin distribuirá en España los tres títulos en los próximos meses.
Uno de los aspectos a destacar de Sex es el tipo de amistad que mantienen sus dos protagonistas. Como comenta el director: "Elegí representar a dos hombres aparentemente heterosexuales que tienen una fuerte amistad confidencial que les permite discutir experiencias íntimas y buscar apoyo en las perspectivas del otro. Las amistades masculinas de ese tipo pueden no ser tan comunes como uno desearía, pero ciertamente son una posibilidad". Además de amigos, ambos comparten un oficio poco habitual, el de deshollinador: "Es una profesión que conozco poco y que está envuelta en un aura mítica. Muchas personas tienen una impresión positiva de ellos, y se piensa que tienen un fuerte sentido de comunidad", explica: "Pocas mujeres hacen este trabajo, aunque está en aumento, así que supongo que podrías llamarlo una industria tradicionalmente dominada por hombres y, por lo tanto, un buen punto de partida para conversaciones sobre los roles de género masculinos".
Haugerud es consciente del punto incómodo y desafiante que tiene la premisa de su película para el espectador: "Creo que una de las misiones principales del cine es iniciar discusiones en las que los espectadores podrían no participar por sí mismos. La sexualidad es más amorfa de lo que tiende a ser representada. También muestra que hay una diferencia entre la práctica sexual y la identidad sexual. No es una idea nueva, pero aún así me parecía interesante examinar las implicaciones de esto".
REAGAN
Reagan es el primer largometraje sobre el 40 presidente de los EEUU, y después de su lanzamiento en Estados Unidos llega a nuestros cines este viernes 25 de Octubre.
Reagan es la oportunidad perfecta, ahora que las elecciones americanas están a dos semanas, para conocer un capítulo muy importante de la historia de los Estado Unidos, así como los entresijos de su enrevesada maquinaria política. Reagan fue una figura importante y su presidencia es conocida como “Era Reagan”.
Este Biopic interpretado por Dennis Quaid (The Rookie, El día de mañana) nos cuenta la vida el Ronald Reagan desde su infancia, su etapa como actor, su lucha con los sindicatos, la influencia de sus mujeres en su vida, su carrera en política y las tomas de decisiones que se llevaron a cabo a su llegada al Despacho Oval de la Casa Blanca.
Reagan está dirigida por Sean McNamara (Soul Surfer) y comparten cartel con Dennis Quaid, Jon Voight (Deliverance, Cowboy de medianoche) en el papel de Viktor Petrovich, agente de la KGB, Penelope Ann Miller (The Artist) como Nancy Reagan, Mena Suvari (Américan Beauty) como Jane Wyman, la primera esposa de Reagan, entre otros.
Sinopsis: Desde sus polvorientas raíces pueblerinas hasta el brillo de Hollywood, pasando por el dominio de la escena mundial, Reagan es un viaje cinematográfico de superación. Contado a través de la voz de Viktor Petrovich, un antiguo agente del KGB que siguió el ascenso de Reagan, Reagan capta el espíritu indomable del sueño americano.
LIBERA NOS: EL COMBATE DE LOS EXORCISTAS
La primera película de la historia sobre exorcismos, realizada bajo el amparo de la Iglesia Católica se estrena en España en unos 50 cines de todo el país.
El largometraje, distribuido por Goya Producciones y European Dreams Factory, tiene formato de docudrama, incluye entrevistas a exorcistas y a peritos psiquiatras y ofrece información real y objetiva sobre las tácticas del diablo y el modo de hacerles frente. Es, sin duda, una vibrante síntesis de las experiencias de casos reales de liberación de la posesión diabólica, vividas por los casi 900 miembros de la Asociación Internacional de Exorcistas (AIE).
La película está dirigida a todo el mundo, a creyentes y no creyentes, pues aborda temas muy actuales desde la experiencia en primera persona. La mayor parte de quienes intervienen en el documental son exorcistas en ejercicio, pero no podían faltar unas vibrantes secuencias del más famoso exorcista del mundo, el padre Gabrielle Amorth, cuya popularidad sigue viva a través de sus libros y vídeos.
Más adelante está previsto su estreno en numerosos países de Hispanoamérica, como México, Colombia, Perú, Ecuador, Centroamérica, Puerto Rico y Estados Unidos.
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