RESEÑA DE "AMARGA NAVIDAD"

Introducción y sinopsis

Amarga Navidad, la nueva película de Pedro Almodóvar producida por El Deseo, llegará a los cines este viernes 20 de marzo de la mano de Warner Bros. Pictures Spain, y cuenta con la participación de RTVE y con la participación destacada de Movistar Plus+.

La película está protagonizada por Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit y Quim Gutiérrez, con la colaboración de Rossy de Palma, Carmen Machi y Gloria Muñoz.

Sinopsis: Amarga Navidad narra la alternancia de dos historias, una protagonizada por Elsa (Bárbara Lennie), directora de publicidad, en 2004, durante el largo puente de la Constitución de diciembre. La segunda ocurre en 2025, la protagoniza Raúl (Leonardo Sbaraglia), un guionista y director que está escribiendo un guion que pronto descubriremos que es la historia de Elsa, su novio Bonifacio (Patrick Criado) y sus amigas Patricia (Victoria Luengo) y Natalia (Milena Smit). Mezclada con ficción, Elsa, de algún modo, es el alter ego de Raúl, que recurre a la autoficción como solución a una larga temporada de sequía creativa. Mira dentro de sí, y no puede evitar mirar también a las personas que componen su universo más íntimo, su compañero (Quim Gutiérrez) y su ayudante (Aitana Sánchez -Gijón).

La película narra la estrecha relación entre realidad y ficción, entre la inspiración y la vida, planteando el debate sobre los límites de la autoficción.

Sobre la película

Hay directores cuya firma se reconoce incluso antes de que la historia empiece a desplegarse. En el caso de Pedro Almodóvar, esa identidad suele aparecer desde los primeros compases: un estallido de color, una música reconocible, un universo que se abre paso con la seguridad de quien lleva décadas dialogando con su propio cine. Por eso resulta tan curioso —y tan estimulante— que Amarga Navidad arranque con unos títulos de crédito iniciales que rompen, en cierta medida, con la tradición del cine del manchego. La secuencia posee algo distinto, casi desconcertante, como si la película quisiera advertir desde el principio que estamos ante un relato donde la familiaridad convive con la sorpresa. Lo único que permanece absolutamente reconocible es la música de Alberto Iglesias, cuya partitura vuelve a ejercer de brújula emocional dentro del universo almodovariano.

A partir de ahí, la película se despliega como un juego de ecos. Amarga Navidad parece mirar constantemente hacia atrás, hacia otras estaciones del cine de Almodóvar, como si el director conversara con su propia filmografía, lugares donde el pasado y el presente conviven con naturalidad. También aparecen afinidades emocionales en la manera de abordar el duelo, la enfermedad o la fragilidad humana sin perder nunca una cierta ternura. Y, por supuesto, la voz de Chavela Vargas vuelve a atravesar el relato como un recordatorio de que en el cine de Almodóvar la música no es un simple acompañamiento, sino una memoria viva.

Pero si algo caracteriza esta película es la manera en que aborda temas profundamente contemporáneos. El duelo, la pérdida, la necesidad de sostenerse mediante la medicación o el culto casi obsesivo al cuerpo aparecen como síntomas de un tiempo marcado por la vulnerabilidad emocional. Almodóvar observa a sus personajes con una mezcla de ironía y compasión, consciente de que detrás de cada gesto hay una batalla íntima. En ese sentido, Amarga Navidad dialoga también con la etapa más introspectiva del director, aquella que cristalizó con Dolor y gloria, donde la fragilidad se convertía en materia cinematográfica.

Visualmente, la película vuelve a recordarnos por qué el cine de Almodóvar posee una identidad estética tan inconfundible. Los colores vivos —rojos encendidos, azules imposibles, etc.— funcionan aquí como un lenguaje emocional propio. Cada escena parece pensada como una composición pictórica donde los personajes quedan atrapados dentro de encuadres cuidadosamente diseñados. No es exagerado decir que hay planos que poseen algo de mágico: momentos en los que el tiempo parece detenerse para que la imagen respire.

Esa atmósfera visual encuentra un aliado perfecto en la fotografía, que explota con precisión quirúrgica la textura de los interiores y la intensidad cromática de los decorados. Y sobre ese entramado visual se eleva la música de Alberto Iglesias, una partitura que vuelve a demostrar hasta qué punto su colaboración con Almodóvar constituye una de las asociaciones creativas más fértiles del cine europeo contemporáneo. Iglesias no subraya las emociones; las insinúa, las acompaña, a veces incluso las contradice.

El reparto, por su parte, se mueve con naturalidad dentro de este universo emocional tan particular. Bárbara Lennie compone un personaje lleno de matices, con esa mezcla de inteligencia y vulnerabilidad que la actriz maneja con admirable precisión. Leonardo Sbaraglia aporta una presencia magnética que equilibra intensidad y contención, mientras que Aitana Sánchez-Gijón vuelve a demostrar que posee una de las miradas más expresivas del cine español.

En torno a ellos orbitan Victoria Luengo, Milena Smit y Quim Gutiérrez, cada uno aportando capas distintas a un relato donde los personajes parecen moverse siempre entre la lucidez y el abismo emocional.

Pero hay una interpretación que sobresale con fuerza. Patrick Criado firma aquí un trabajo extraordinario. Su personaje posee una intensidad física y emocional que recuerda a esos intérpretes que, en distintas épocas, han encarnado la figura del llamado “chico Almodóvar”. Criado no imita ni reproduce arquetipos; construye algo propio. Hay en su presencia una mezcla de fragilidad, deseo, ironía y verdad que convierte cada aparición en un pequeño acontecimiento. Su interpretación es tan libre, tan viva, que uno tiene la sensación de estar asistiendo al nacimiento de una nueva figura dentro del imaginario del director.

En un momento de la película alguien pronuncia una frase que resuena más allá de la propia historia: “El cine tiene algo de premonitorio”. No es una línea casual. En el contexto de la filmografía de Almodóvar adquiere un significado especial. El cine, parece sugerir el director, no solo refleja la vida: también la anticipa, la reorganiza, la convierte en relato antes incluso de que haya terminado de suceder.

Hay, además, una estructura que atraviesa silenciosamente Amarga Navidad: un juego de matrioskas narrativas. Historias que contienen otras historias, recuerdos que se convierten en material de ficción, personajes que parecen estar viviendo dentro de un relato que a su vez alimenta otro. Almodóvar despliega aquí un mecanismo que no es nuevo en su cine, pero que en esta ocasión adquiere una claridad especial: cada capa de la película revela otra más profunda, como si el director estuviera desmontando el propio proceso creativo. La vida genera el relato, el relato vuelve sobre la vida, y entre ambos surge ese territorio ambiguo donde el cine encuentra su verdad.

Y ahí es donde Amarga Navidad encuentra uno de sus temas más fascinantes. La película explora de manera muy consciente la relación entre realidad y ficción, entre la vida que se vive y la vida que se transforma en material creativo. Almodóvar plantea una pregunta que atraviesa buena parte del cine contemporáneo: ¿dónde termina la experiencia personal y dónde comienza la narración?

La película se mueve constantemente en ese territorio ambiguo donde la inspiración se alimenta de la vida cotidiana, pero también la reinterpreta, la estiliza y la convierte en otra cosa. Ese es, en el fondo, el territorio de la autoficción. Un espacio donde el creador utiliza fragmentos de su propia experiencia para construir una verdad distinta, una verdad cinematográfica.

Quizá por eso Amarga Navidad deja la sensación de ser algo más que una nueva película dentro de la carrera de Almodóvar. Es, en cierto modo, una reflexión sobre el propio acto de crear. Sobre cómo el cine —cuando es profundamente personal— puede convertirse en un lugar donde la memoria, el deseo y la imaginación terminan mezclándose hasta resultar indistinguibles. Y tal vez ahí resida el verdadero misterio del cine de Pedro Almodóvar: en esa capacidad para convertir la vida en ficción… y la ficción en una forma inesperada de verdad.

MOVISTAR PLUS+ DESVELA EL CARTEL Y EL TRÁILER DE SU NUEVA SERIE ORIGINAL, "POR CIEN MILLONES"

Movistar Plus+ estrenará el próximo 26 de marzo Por cien millones, su nueva serie original creada y dirigida por Nacho G. Velilla y Oriol Capel. La plataforma presentó la serie el pasado domingo 8 de marzo en el Festival de Málaga, donde estuvieron Nacho G. Velilla y los actores Vito Sanz, Gabriel Guevara y Agustín Otón.

Inspirada en hechos reales, la ficción recrea el secuestro en 1981 del delantero del FC Barcelona Enrique Castro 'Quini', cuando tres mecánicos zaragozanos, asfixiados por las dificultades económicas, idearon un plan desesperado: raptar al máximo goleador de la Liga y exigir un rescate de cien millones de pesetas, una cifra inédita para la época.

La serie, compuesta por tres episodios, está protagonizada por Raúl Arévalo, Vito Sanz y Gabriel Guevara, que dan vida a los tres secuestradores, junto a Agustín Otón en el papel de Quini. El reparto se completa con Aixa Villagrán, Natalia Huarte, María de Nati, La Dani, Julia de Castro, Nacho Guerreros, Teresa Rabal y Josele Román, entre otros.

Sinopsis: Esta es la historia de uno de los secuestros más famosos de la historia de España, el de Enrique Castro 'Quini', delantero centro del FC. Barcelona, que desapareció el 1 de marzo de 1981 tras marcar dos goles al Hércules en el Camp Nou y apareció veinticuatro días después en un zulo en un taller mecánico en un barrio humilde de Zaragoza. Pero, sobre todo, es la historia de Alfonso, Raúl y Salva, tres currantes en paro, que quisieron salir de una situación económica desesperada y descubrieron, por las malas, dos cosas: que la vida no es como las películas, y que ser malo, cuando eres bueno, no es tan fácil como parece.

Ficha técnica

Formato: 3 x 50'

Producción ejecutiva: Fran Araújo, Nacho G. Velilla, Gustavo Ferrada y Leonor Acosta

Dirección: Nacho G. Velilla

Guion: Nacho G. Velilla y Oriol Capel

Dirección de fotografía: Andreu Ortoll

Dirección de producción: Luis Fernández

Dirección artística: Esther García

Sonido: Sergio Burmán

Montaje: Oriol Millán

Vestuario: Marta Murillo

Maquillaje: Paula Cruz

Por cien millones es una serie original Movistar Plus+ en colaboración con Felicitas Media.

ENTREVISTA A JAVIER CORCUERA - "UYARIY", PREMIO APRECI A MEJOR PELÍCULA PERUANA - FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

UYARIY (escuchar) dirigido por Javier Corcuera, tuvo su estreno en España este miércoles en la 29 edición del Festival de Málaga, donde participó en la sección Documentales – Pases especiales. 

Tras su paso por el certamen malagueño, UYARIY (escuchar) se estrenará solo en cines el 8 de abril.

Coproducida entre Perú y España, UYARIY —’escuchar’ en quechua— aborda las masacres de 2022 y 2023 en Perú, que dejaron 50 civiles muertos durante la represión de protestas antigubernamentales. Su estreno en el país andino estuvo marcado por denuncias de censura, cancelaciones de funciones y horarios restrictivos.

La situación alcanzó tal dimensión que el propio Corcuera denunció públicamente la retirada de la película de varias carteleras y la asignación de horarios inaccesibles. La agencia EFE recogió sus declaraciones, en las que el director alertaba sobre formas de censura “solapada” y solicitaba la restitución de las proyecciones por respeto a las víctimas y al público.

Lo que comenzó con apenas cuatro salas y sin promoción terminó convirtiéndose en un fenómeno de movilización ciudadana: en menos de una semana pasó de cuatro proyecciones a 116 horarios en 14 ciudades, tras la presión pública y el apoyo de colectivos de víctimas.

Reconocida con el Premio APRECI a Mejor Película Peruana 2025, concedido por la prensa cinematográfica del país, la película construye un testimonio inmediato a partir de las voces directas de los familiares. Bajo la fotografía de Mariano Agudo y con la música de Edith Ramos, Corcuera articula un relato donde la denuncia convive con la memoria y la poesía popular.

Ganador de un Goya, una Biznaga de Plata en el Festival de Málaga y reconocido en certámenes como San Sebastián, el Festival de Lima o In-Edit Barcelona, Javier Corcuera ha regresado al certamen malagueño tras presentar el pasado año Mariem.

Corcuera ha señalado sobre su regreso al certamen: “Es muy ilusionante volver al Festival de Málaga, donde siempre me he sentido muy bien desde que estrenamos y recibimos la Biznaga de Plata con Invierno en Bagdad. Estuve hace un año con el cortometraje Mariem y ahora regreso con mi último largometraje documental, Uyariy, una historia muy dura que transcurre en territorios quechuas y aymaras del Perú, una historia de violación de los derechos humanos que podría estar ocurriendo en cualquier lugar del mundo, en esta era que vivimos, donde ya no existen límites, donde los genocidios están permitidos, apoyados y financiados ante los ojos del mundo y donde la impunidad cada vez es mayor.”

El director subraya además el enfoque del filme: “Es una película contada desde la música popular y la poesía de la calle, que va relatando los acontecimientos y hace un viaje de memoria de 200 años de república en esos territorios quechuas y aymaras.”

EL EQUIPO |

UYARIY (escuchar) es una coproducción entre España y Perú impulsada por Intermedia Producciones, Quechua Films, La Mula Producciones, Tamboura Films y el Instituto de Cine de Madrid.

Escrito y dirigido por Javier Corcuera junto a Ana Praga, la película se construye a partir de testimonios directos recogidos en territorios quechuas y aymaras. La fotografía de Mariano Agudo coloca la cámara frente a los rostros y el paisaje, dejando que la palabra tenga el peso.

La música, con la participación de Edith Ramos y composición original de Pedro Rodríguez Chirinos, forma parte del relato.

Con una duración de 95 minutos, el documental recoge las voces de Milagros Santillán Sanga, Asunta Jumpiri Olbea, Yovana Apaza Cutisaca, Elba Mamani Añamuro, Rosa Luque Mamani, Julia Mamani de Luque y Demetrio Aroquipa Mamani, que sostienen la historia con sus propias experiencias.

“Era importante que el equipo trabajara desde la precisión y el respeto al material recogido”, ha señalado Corcuera sobre el proceso de producción.

SINOPSIS |

Tras el estallido social en Perú y la matanza del 9 de enero de 2023 en Juliaca, artistas del ande peruano recorren con su música la región de Puno y su memoria histórica. Un territorio marcado por la represión y las revueltas indígenas donde las heridas siguen abiertas. A través de las voces de los familiares de las víctimas, UYARIY convierte el duelo en testimonio y la memoria en denuncia.

JAVIER CORCUERA | TRAYECTORIA Y COMPROMISO

Javier Corcuera Andrino es uno de los documentalistas más relevantes del ámbito iberoamericano. A lo largo de su trayectoria ha recibido, entre otros reconocimientos, el Premio Goya de la Academia de Cine, el Premio FIPRESCI en el Festival de San Sebastián, la Biznaga de Plata del Festival de Málaga y el galardón a Mejor Película Documental en el Festival de Cine Latinoamericano de Lima.

El año pasado presentó su cortometraje Mariem en el Festival de Málaga, donde inició su recorrido antes de obtener el premio a Mejor Cortometraje Documental Musical en el Festival IN-EDIT.

Su último largometraje, UYARIY (Escuchar), ha sido reconocido como Mejor Película Peruana por la Prensa Cinematográfica del Perú.

En su filmografía figuran títulos como La espalda del mundo, Invierno en Bagdad, La guerrilla de la memoria, En el mundo a cada rato, Invisibles, Sigo siendo, El viaje de Javier Heraud y No somos nada.

LA ENTREVISTA

Gracias a nuestras amigas del Ana Ros Comunicación hemos podido entrevistar a Javier Corcuera, director del largometraje. Éste es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- Este documental nace de un acontecimiento muy reciente y doloroso. ¿Cómo encontraste el equilibrio entre la urgencia de contar lo ocurrido y la necesidad de tomar distancia para que el cine pueda reflexionar?

JAVIER CORCUERA.- Bueno, en realidad fue una película que se fue haciendo poco a poco. Nosotros entramos al lugar donde sucedieron los acontecimientos sin la intención de hacer una película. Llegamos con un equipo muy reducido y empezamos a rodar los días posteriores a lo que había sucedido, pero no había una intención real de hacer una película en ese momento. La intención era registrar los testimonios de lo que había pasado. Luego fuimos haciendo varios viajes y la película fue como tomando forma. Consideramos la idea de hacer un largometraje a partir de unas reflexiones que nos decían los protagonistas del lugar, que eran básicamente "hace 200 años que nos matan". Por eso es que la película hace ese viaje de memoria y es una reflexión sobre 200 años de República en esos territorios. Ahí es donde la película crece y toma una distancia también de los acontecimientos, primero sin dejar de ser el corazón de la película, pero hace ese viaje de memoria que yo creo que invita a una reflexión de otro tipo.

Carlos Penela.- Como decías, la película no es un documental al uso, en el sentido de que tire de archivo de imágenes para ir recomponiendo unos hechos y hacer entrevistas a las personas que se vieron involucradas en esos hechos, sino que estáis ahí en el foco del conflicto. ¿Cómo fue la relación con los manifestantes? ¿Tuvisteis alguna dificultad con la policía?

JAVIER CORCUERA.- Bueno, habían dificultades porque la represión era muy fuerte y había que tener mucho cuidado. Tomábamos las medidas del caso, arriesgar lo mínimo, pero poder registrar lo que había que registrar. Evidentemente habían situaciones delicadas pero todo fue muy bien, no hubo un susto muy grande. La verdad es que fuimos muy arropados por los familiares de las víctimas, que nos ayudaron a hacer la película, y también todo el entorno de los músicos, de los activistas, que también hicieron posible que la película se rodara.

Carlos Penela.- Quisiera destacar la importancia de esta película en un mundo saturado de imágenes y noticias, sobre todo a través de las redes sociales, donde los jóvenes están acostumbrados a que su nivel de atención para un tema concreto sea muy limitado. En este sentido, ¿Qué crees que pueda aportar este tipo de películas o el cine documental que no puedan ofrecer los informativos o las redes sociales?

JAVIER CORCUERA.- Esta es una película que invita a una reflexión profunda y que invita a escuchar (de ahí el título de la cinta), a tomarte el tiempo de reflexionar escuchando a las personas que lo han vivido. También yo creo que invita a reflexionar sobre el mundo en que estamos, porque es una película que cuenta una masacre local en Perú, a 4.000 metros de altura, al lado del Lago Titicaca, pero no es muy distinto a lo que pasa en el resto del mundo, Es decir, la impunidad reina en el mundo en este momento. Podemos ver un genocidio delante de nuestros ojos y no pasa nada. Los países miran a otro lado, cuando no son cómplices. Entonces no es muy distinto. Estamos en una era en donde el desprecio por el otro, el desprecio por la vida del otro, la deshumanización del otro, es parte del relato de la ultraderecha, esa es la realidad. Y entonces yo creo que la película desde una historia local, un sitio alejado, cuenta una historia universal en este momento de la era que estamos viviendo.

Carlos Penela.- ¿Te interesaba provocar algún tipo de escucha en el espectador? ¿Te interesaba la escucha del espectador hacia las víctimas o la escucha de un país hacia una memoria que todavía está abierta, tal y como podemos ver en la película?

JAVIER CORCUERA.- Todo, me interesaba todo. Escuchar de manera directa a los familiares de las víctimas, hacer ese viaje de escucha a la memoria. Escuchar también la música popular que en esa zona del país hace de cronista de los acontecimientos, siempre ha sido así, la música popular, la poesía popular, el arte popular, son parte de la memoria, son testigos, cuentan las historias del presente y del pasado.

Carlos Penela.- En la película la música y las tradiciones culturales tienen una presencia muy fuerte. ¿Puedes profundizar en el tema? ¿Hasta qué punto la cultura popular se convierte aquí en una forma de resistencia frente al olvido?

JAVIER CORCUERA.- Sí, completamente. En realidad en la película yo no busqué introducir la música popular. La música popular se coló en la película porque estaba en todas partes, estaba en las movilizaciones, estaba en los cementerios, cantaban los familiares. Entonces entra de manera natural en la película porque estaba presente, totalmente presente. Y eso es muy importante en la cultura popular de la zona, la gente canta sus historias, canta a sus seres queridos. Es una manera de dejar memoria porque las canciones perduran. Hay una canción que habla de lo que pasó en el 65, hay otra que canta Rita Poma, heroína de unas luchas hace 100 años. Es cultura viva, en esos lugares hay cultura viva, son cronistas de lo que pasa.

Carlos Penela.- Javier, ¿Qué supone para ti volver a Málaga?

JAVIER CORCUERA.- Bueno, pues muy contento, la verdad, a mí me gusta mucho el Festival de Málaga, tengo buenos recuerdos y la verdad es que encantado de proyectar la película antes de que salga en salas, que sale el 8 de abril.

Carlos Penela.- A lo largo de tu carrera has filmado historias marcadas por la injusticia, la identidad y la memoria. Si tuvieras que resumir en una frase qué te impulsa a seguir este tipo de cine, ¿Cuál sería?

JAVIER CORCUERA.- Bueno, en realidad he intentado ser un poco testigo de historias que creía yo que era fundamental dar visibilidad. Es el cine documental, independiente, que hago, intentar poner la mirada en estos sitios donde difícilmente se cuentan sus historias. Esta película no hubiera existido, no se iba a rodar y hubiera pasado eso sin quedar registrado. Ahora hay un documento que quedará y que perdurará, la película ya es un trozo de memoria.

Carlos Penela.- Si dentro de 20 años alguien vuelve a ver Uyariy, ¿Qué te gustaría que esta película siguiera diciendo sobre el Perú de hoy y sobre la memoria de quienes aparecen en ella?

JAVIER CORCUERA.- Bueno, me gustaría que se pudiera ver como algo que nunca más volvió a suceder, como algo que sucedía en el pasado. Pero quiero decir que las películas que hago, cuando las ruedo, intento que no sean películas con fecha de caducidad, es decir, que se puedan volver a ver después de mucho tiempo, porque intento no caer en lo coyuntural, intento que las películas sean reflexiones sobre la esencia de lo que cuenta la película y lo he hecho así siempre, con "La espalda del mundo" o con "Invierno en Bagdad", por ejemplo. "Invierno en Bagdad" es una película sobre la guerra, no es una película sobre la guerra de Irak y la coyuntura del momento, es una película que reflexiona sobre la guerra. Entonces eso es lo que yo intento, porque creo que las películas no deben tener fecha de caducidad, creo que el cine es emoción y la emoción no caduca. Emoción y reflexión también, intento invitar a pensar.

ESTRENOS DE CARTELERA - 13 DE MARZO DE 2026

TORRENTE PRESIDENTE

La saga más irreverente y taquillera del cine español regresa con Torrente presidente, la sexta entrega de la franquicia creada por Santiago Segura, que vuelve a ponerse en la piel del incorregible José Luis Torrente. La película se estrena en cines españoles más de una década después de Torrente 5: Operación Eurovegas (2014). Distribuye Sony Pictures.

El regreso del personaje ha sido uno de los movimientos más comentados del cine español reciente. La saga comenzó en 1998 con Torrente, el brazo tonto de la ley, que se convirtió en un fenómeno de taquilla y marcó el nacimiento de uno de los personajes más políticamente incorrectos y polémicos de la comedia española.

Para esta nueva entrega, Segura ha optado por una estrategia promocional muy poco habitual: mantener el máximo secreto posible sobre la película, sin mostrar tráileres ni detalles argumentales antes del estreno, buscando recuperar el efecto sorpresa para los seguidores de la saga.

Además, el filme llega acompañado de una nueva canción principal interpretada por el grupo Taburete, cuyo tono satírico juega con la campaña electoral ficticia del personaje.

Sinopsis: Han pasado años desde la última aventura de José Luis Torrente, el expolicía más corrupto, machista y políticamente incorrecto de España. Pero lejos de desaparecer, Torrente cree haber encontrado su verdadera vocación: la política. Convencido de que el país necesita a alguien “como él”, decide presentarse a las elecciones con un partido propio, iniciando una delirante campaña electoral que mezcla populismo, oportunismo y el caos habitual que siempre acompaña a este personaje.

La nueva entrega introduce a Torrente en el terreno de la sátira política contemporánea, inspirándose en fenómenos de populismo y polarización que han marcado la política internacional en los últimos años.

Como en las películas anteriores, el filme promete reunir un amplio número de cameos y apariciones sorpresa, uno de los sellos característicos de la saga desde sus primeras entregas.

La franquicia creada por Santiago Segura es una de las más exitosas de la historia del cine español. Desde 1998 ha generado cinco películas previas:

• Torrente, el brazo tonto de la ley (1998)

• Torrente 2: Misión en Marbella (2001)

• Torrente 3: El protector (2005)

• Torrente 4: Lethal Crisis (2011)

• Torrente 5: Operación Eurovegas (2014)

En conjunto, la saga ha sido durante años uno de los grandes motores de taquilla del cine español, con millones de espectadores y una enorme presencia en la cultura popular. 

ÁGUILAS DE EL CAIRO

BTEAM PICTURES estrena Águilas de El Cairo. El director sueco de origen egipcio, Tarik Saleh, finaliza con este título su trilogía del Cairo, tras El Cairo confidencial (2017), ganadora del Gran premio del Jurado en Sundance y Conspiración en El Cairo (2022), ganadora del Premio a Mejor Guión en Cannes.

Su tercera entrega se presentó mundialmente en Sección Oficial a Competición dentro del Festival de Cannes 2025. Continuó su recorrido internacional con su premiere norteamericana en el Festival de Toronto (TIFF), dentro de la sección Centrepiece. En los últimos meses, además, la película ha reforzado su prestigio con reconocimientos en la temporada de premios: fue una de las grandes triunfadoras de los Guldbagge (los principales galardones del cine sueco), acumulando seis premios, incluido el de Mejor Película.

El actor Fares Fares —clave también en las entregas anteriores de la trilogía— vuelve a ser el motor de una obra que convierte el set de rodaje en campo de batalla: el lugar donde se negocian lealtades, se reescribe la realidad y se decide quién controla la imagen de un país. Junto a Fares, el reparto reúne a Lyna Khoudri (Papicha) y Zineb Triki (Oficina de los infiltrados), además de Amr Waked (Lucy).

“Vengo del mundo del documental, un medio al que sigo muy vinculado. Empecé a trabajar con la ficción porque creo que puede transmitir una verdad sin tener necesariamente en cuenta las opiniones de las personas involucradas. Me refiero a cosas muy personales, como la industria a la que pertenezco, lo que significa ser artista y, para ser lo más honesto posible, tengo que mentir, lo cual es una ironía. Insisto, esta película es ficción. Pero si se mira con atención, describe acontecimientos que realmente tuvieron lugar en Egipto, así como en Hollywood. Cuando empecé Águilas de El Cairo, estaba convencido de que debía detenerme. Al final, me sentí apoyado, sobre todo por los actores y actrices egipcios que participan en la película. Dados los conflictos que hay en la región, creo que el país tiene cosas más importantes de las que ocuparse en este momento que mi película de ficción.” comenta el director.

Sinopsis: George Fahmy (Fares Fares) el actor más adorado de Egipto, se ve presionado a protagonizar una película encargada por las más altas autoridades egipcias. Aceptando a regañadientes, este papel será la puerta que le hará entrar en el selecto grupo de las personas más poderosas del país. Como una polilla atraída por la luz, comienza un romance con la misteriosa esposa del general que supervisa el proyecto.

Tarik Saleh tiene una trayectoria como uno de los grafiteros más influyentes de Europa en los años 80. Su debut en el largometraje dramático llegó con Metropia, en 2009, una animación de actualidad con Stellan y Alexander Skarsgård, Juliette Lewis, Vincent Gallo y Udo Kier. La película se estrenó en el Festival de Cine de Venecia como película inaugural de la Semana de la Crítica. El Cairo confidencial ganó el Gran Premio del Jurado en Sundance 2017, recibió el premio Guldbagge a la Mejor Película en 2018, fue nominada como Mejor Película Extranjera en los Premios César y fue un éxito de taquilla con más de 400 000 entradas vendidas en Francia. Tarik Saleh ganó el Prix du scénario al Mejor Guion en el Festival de Cine de Cannes 2022 por Conspiración en El Cairo, también conocida como Boy From Heaven, la película sueca candidata al Óscar en 2023, fue nominada al César a la Mejor Película Extranjera y logró más de 500.000 entradas en Francia.

EL TESTAMENTO DE ANN LEE

Una figura tan fascinante como poco conocida de la historia religiosa norteamericana llega a la gran pantalla con El testamento de Ann Lee, un drama histórico que recupera la vida de la fundadora del movimiento religioso de los Shakers, una de las comunidades espirituales más singulares del siglo XVIII.

La película se inspira en la figura real de Ann Lee (1736-1784), líder espiritual nacida en Inglaterra que emigró a América y que sería considerada por sus seguidores como una especie de encarnación femenina de Cristo. Su historia ha sido objeto de numerosos estudios históricos y ensayos sobre espiritualidad, pero pocas veces había sido abordada desde el cine con ambición narrativa.

El filme propone una mirada íntima y reflexiva sobre el nacimiento de una comunidad religiosa basada en la igualdad, el celibato, la vida comunal y la espiritualidad radical, en un momento histórico marcado por profundas tensiones sociales y religiosas en las colonias americanas.

Sinopsis: A finales del siglo XVIII, Ann Lee abandona Inglaterra para establecerse en América junto a un pequeño grupo de seguidores perseguidos por sus creencias. Convencida de que ha recibido una revelación divina, comienza a construir una nueva comunidad religiosa basada en la pureza espiritual, la igualdad entre hombres y mujeres y el rechazo del mundo material. Sin embargo, el crecimiento de su movimiento despierta la hostilidad de la sociedad que los rodea. Entre persecuciones, conflictos internos y el peso de su propia misión, Ann Lee deberá enfrentarse al dilema entre la fe absoluta y el coste humano que implica liderar una revolución espiritual.

El film se sitúa en el contexto histórico del Gran Despertar religioso en América, un periodo de intensos movimientos espirituales y experimentación religiosa que dio lugar a numerosas comunidades utópicas. Distribuye Twentieth Century Studios España.

Ann Lee es una de las figuras más singulares de la historia religiosa occidental. Su liderazgo femenino, su visión radical de la espiritualidad y el carácter utópico de la comunidad Shaker la convierten en un personaje cinematográfico especialmente poderoso.

La película se suma así a una corriente reciente de cine histórico que rescata figuras femeninas olvidadas o silenciadas por la historiografía, ofreciendo una mirada contemporánea sobre episodios poco conocidos del pasado.

EL ARQUITECTO

Tras su paso por el Festival de Cannes y el Festival Internacional de Cine de Gijón, El arquitecto, la nueva película de Stéphane Demoustier (La chica del brazalete, Borgo), llega este viernes a las salas de cine españolas distribuida por LAZONA.

Este drama político con toques de humor ha conseguido recientemente dos galardones en los Premios César: Mejor Diseño de Producción y Mejores Efectos Especiales. Está inspirado en una historia real sobre la construcción del Arco de la Défense, uno de los hitos arquitectónicos más destacados en el París del siglo XX, a manos del, hasta el momento, arquitecto desconocido Johan Otto von Spreckelsen. Este tendrá que enfrentarse al juego político con el fin de intentar preservarla integridad artística de su obra.

“Con El arquitecto quería destacar dos dimensiones, tanto la individual como la colectiva, y mostrar hasta qué punto la inspiración de un creador puede chocar con las limitaciones del mundo real”, afirma su director Stéphane Demoustier. “Admiro profundamente cómo Spreckelsen lucha por sus ideas y defiende aquello que considera esencial. Y, sin embargo, no consigue encontrar un equilibrio con la realidad. ¿Hasta qué punto se pueden hacer concesiones? Esa tensión se encuentra en todo proceso creativo”.

Está protagonizada por Claes Bang, ganador del EFA a Mejor Actor por The Square; Xavier Dolan (Mommy, Las ilusiones perdidas), el multipremiado enfant terrible que regresa a la gran pantalla con este trabajo; y Swann Arlaud, ganador de tres César, el más reciente por Anatomía de una caída. Completan el reparto Michel Fau (Swimming Pool, Madame Marguerite) y Sidse Babett Knudsen (reconocida con el premio Bafta por Borgen).

Cuenta con los productores de Por todo lo alto (Agat Films - Ex Nihilo, Francia) y Valor sentimental (Zentropa, Dinamarca), está basada en la novela de Laurence Cossé, La Grande Arche.

Sinopsis: 1983. El nuevo gobierno francés convoca el mayor concurso de arquitectura. Codiciado por los grandes estudios, el ganador es, sorprendentemente, un absoluto desconocido: Johan Otto von Spreckelsen, un profesor de arquitectura danés que hasta entonces sólo había construido su casa y tres pequeñas capillas. De golpe, se ve al frente de un proyecto colosal: la construcción del Arco de la Defensa de París. “Spreck” no tardará en descubrir que, para preservar su visión, tendrá que enfrentarse al juego político. Comienza entonces el verdadero pulso entre el arte y el poder.

LAZONA nace en 2003 como productora de artes audiovisuales y escénicas, aunando cine, series y teatro. En 2023 amplía su horizonte con la creación de una nueva línea de distribución cinematográfica con LAZONA Pictures y una productora afincada en el País Vasco, LAZONA Zinema.

Desde entonces, ha producido una treintena de películas (Sin cobertura, No habrá paz para los malvados, Ocho apellidos vascos o La consagración de la primavera…), además de varias series (Gigantes o La noche más larga), más de setenta obras de teatro (La mujer rota, La vida es sueño o La ternura) y un creciente catálogo de largometrajes distribuidos (Cuando cae el otoño, La voz de Hind o Locamente). En todo este recorrido, ha combinado tanto éxitos de taquilla como de crítica y premios.

NO TE QUEDA OTRA

No te queda otra es una divertida y optimista comedia romántica, ideal para todos los públicos. Cuenta con la dirección y guion de Jean-Pierre Améris (La vida, La historia de Marie Heurtin) y está protagonizada por las estrellas del cine francés Valérie Lemercier (Aline, Los visitantes), Gérard Darmon (Astérix y Obélix: Misión Cleopatra, La teta y la luna) y Patrick Timsit (La belle verte, Los 50 son los nuevos 30) . Esta fábula original y luminosa llega a los cines de la mano de Vértigo Films.

"La comedia aborda las cosas trágicas desde el prisma del humor. Me encantan este género porque el humor permite decir cosas muy íntimas y abordar temas graves ofreciendo al mismo tiempo al espectador una especie de alegría que los hace felices. Es lo que admiro en Billy Wilder, por ejemplo. En sus películas, el postulado suele ser sombrío y melancólico, pero consigue hacernos reír", Jean-Pierre Améris.

Sinopsis: En un tren a Ginebra, Victoire, una pasajera entrometida, se cruza con Antoine Toussaint, su ídolo, una gran estrella de la canción francesa. Entre él, que quiere poner fin a su vida, y ella, desbordante de energía, el encuentro será explosivo...

LA HIJA PEQUEÑA

La hija pequeña se estrena distribuida por Filmin. Se trata del tercer largometraje dirigido por la también actriz Hafsia Herzi, que fue presentado en la Sección Oficial del último Festival de Cannes, y recibió el galardón a la mejor actriz para la debutante Nadia Melliti, y la Queer Palm. 

La película adapta la novela homónima de Fatima Daas (editada en España por Cabaret Voltaire), una autoficción en la que la autora, musulmana practicante y lesbiana, criada en la periferia de París, traza un relato íntimo de su búsqueda personal, sexual y moral.

Sinopsis: Fátima, de 17 años, es la pequeña de tres hermanas. Vive en los suburbios de París, en una familia franco-argelina feliz y amorosa. Buena estudiante, ingresa en la Universidad de París. Al comenzar su vida como mujer adulta, se emancipa de su familia y sus tradiciones. Sale con alguien, hace amigos y explora un mundo completamente nuevo, mientras se enfrenta a un dilema desgarrador: ¿Cómo mantenerse fiel a uno mismo cuando reconciliar diferentes aspectos de la propia identidad parece imposible?

Hafsia Herzi y Nadia Melliti: Des stars. Son el dúo del momento. Desde su premiere mundial en el Festival de Cannes, Hafsia Herzi y Nadia Melliti no han dejado de recibir premios y reconocimientos por su trabajo en la película.

Herzi combina actualmente su carrera como actriz y directora con un ritmo imparable. Sus anteriores largometrajes como realizadora, “Mereces un amor” (2019) y “Bonne mère” (2021), también fueron seleccionados en Cannes. Ganadora del Premio Marcello Mastroianni de Venezia en 2007 –otorgado a estrellas emergentes– por “Cuscús”, pasó a ganar el premio a la mejor actriz en Cannes en 2024 por su excelente interpretación en “Borgo”. Entre medio, ha trabajado con algunos de los cineastas más relevantes de la cinematografía francesa: Alain Guiraudie, Bertrand Bonello o Emmanuelle Bercot. Además, Herzi acaba de recibir el Premio Louis-Delluc, considerado el "Goncourt cinematográfico", por "La hija pequeña".

Por su lado, Melliti es la estrella emergente del año. Además del galardón a la mejor actriz en Cannes 2025, cuando nadie la conocía, y la nominación a mejor actriz revelación en los próximos Premios César –amadrinada por Juliette Binoche–, ganó el mismo reconocimiento en los Premios Lumière (los galardones de cine francés otorgados por la prensa internacional) y ha sido seleccionada en la lista de “25 menores de 25” de la prestigiosa revista cinematográfica Trois Couleurs. Pero Melliti no es como las demás: pese a todos estos éxitos, la joven actriz sigue compaginando su carrera cinematográfica con sus estudios de profesora de educación física y sus partidos de fútbol con amigos y compañeros.

Lesbianismo y religión. Lejos de plantear una dicotomía simplista entre fe y orientación sexual, “La hija pequeña” explora con enorme sutileza y verdad cómo una joven musulmana practicante vive el conflicto entre su religión y su deseo. Hafsia Herzi ha explicado que su enfoque cinematográfico nace de querer “expresarse con total libertad sin traicionar lo profundo del relato de Fátima”.

Por su parte, Fatima Daas, la autora de la novela, ha hablado abiertamente de la tensión entre su fe y su sexualidad, y confirmó que ella misma dijo públicamente que la homosexualidad era “un pecado” desde su marco religioso –no como un juicio moral hacia otras personas, sino como parte de su propio conflicto interior– y que fue malinterpretada: “Como creyente no puedo negar que la homosexualidad es un pecado, como lo son la mentira o el adulterio. Pero eso no me impide ejercer de pecadora.”

Para Daas, este choque entre el deseo y la fe no es algo que deba resolverse con una renuncia a alguno de los dos polos, sino que forma parte de una realidad compleja y conflictiva que la obra pretende mostrar con todos sus matices: "Yo no quiero elegir una sola de mis identidades.”

ENTREVISTA A BÁRBARA FERNÁNDEZ Y NINTON SÁNCHEZ, CODIRECTORA Y ACTOR PRINCIPAL DE "EL RELEVO" - FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

El Relevo, codirigido por David Mendizábal y Bárbara Fernández y protagonizado por Ninton Sánchez, se estrenó este pasado lunes en España en la 29ª edición del Festival de Málaga donde compite en la Sección Oficial de Cortometrajes. La película es una producción de Avrigo Studio, Mubox Studio, Jarana Films y Tulina Films. Cuenta con la colaboración especial de Pixelian y Navarra Film Industry.

Inspirado en una realidad silenciada, El Relevo, una historia rodada en Pamplona, es un thriller social que pone el foco en la extrema precariedad de los repartidores que trabajan en negro en España. Más de 35.000 riders recorren cada día nuestras ciudades. Muchos de ellos, migrantes en situación irregular, no pueden abrir una cuenta bancaria y se ven obligados a alquilar perfiles oficiales, entregando hasta el 70 % de sus ingresos.

“Es una situación social que está muy invisibilizada, de ahí el leitmotiv del fantasma a lo largo del cortometraje”, señala Bárbara Fernández.

La historia arranca con un accidente. Un joven, recién llegado y sin papeles, es el único testigo del atropello que deja inconsciente a un rider. Ante la desesperación, decide robar su bicicleta, su mochila y su móvil para asumir su identidad y salir a trabajar.

En el guion original, el protagonista ni siquiera tenía nombre. “Queríamos resaltar esa deshumanización latente”, explica David Mendizábal.

La ciudad nocturna se convierte en un espacio frío, casi espectral. Cada entrega es también una huida. El relevo no es solo laboral: es moral.

Bárbara Fernández, co-directora y productora ejecutiva de Avrigo:

“Una de mis partes favoritas del proyecto ha sido trabajar con Inés González y Juan Martí durante el proceso de guion. A muchos de los que nos fuimos incorporando al equipo nos sorprendió descubrir la realidad de las cuentas alquiladas. Es una situación profundamente invisibilizada, de ahí el leitmotiv del fantasma que atraviesa todo el cortometraje.

Desde el primer momento sentimos que era una historia necesaria, y el respaldo de Tulina Films, Jarana Films y Mubox Studio fue decisivo para poder contarla como queríamos. Además, el proyecto nos ha permitido consolidar nuestro trabajo en Navarra y dar un paso más con la creación de AVRIGO, con la intención de seguir abordando realidades que rara vez ocupan el centro del relato.”

David Mendizábal, Co-Director y Director de Fotografía:

“Para mí, El Relevo ha sido un aprendizaje y un acercamiento a personas que viven fuera del sistema. Desde la dirección quisimos que la cámara mantuviera cierta distancia con el protagonista, señalando esa frialdad cotidiana que atraviesa su día a día.

En el guion original ni siquiera tenía nombre. No existía una identidad. Inés González y Juan Martí buscaban subrayar esa deshumanización latente. Sin embargo, durante los ensayos con Ninton Sánchez entendimos que necesitábamos darle un nombre, una presencia concreta, si queríamos retratarlo con honestidad y empatía.

También nos interesaba mostrar una ciudad que ha perdido parte de su identidad, casi fantasmal. Con Bárbara decidimos trabajar una textura visual que nos acercara a esa contaminación social y al desapego emocional en el que se mueve el personaje.”

Ninton Sánchez, protagonista:

“El Relevo es uno de esos proyectos que percibes que será algo especial. David y Bárbara son de esas personas que quieren mancharse las manos con historias que pocas veces se cuentan y que van más allá. Es una historia contada desde la perspectiva migrante, inspirada en la precariedad laboral real que viven cientos de riders en España.

Interpretar a Neuri ha sido un regalo. Me ha permitido acercarme a realidades más complejas desde la sensibilidad y el respeto. No es solo un chico migrante: es alguien con profundidad. Lleno de miedos e inseguridades, cuya moral entra en jaque frente a la necesidad de supervivencia.

Lo que más me atrajo del proyecto, aparte de su guion, fue trabajar con gente tan apasionada del cine. El compromiso del equipo y la conexión humana que se generó en esos tres días de rodaje en Pamplona hicieron de la experiencia algo inolvidable.”

SINOPSIS

Siendo el único testigo del accidente que deja inconsciente a un joven rider, un chaval desesperado por encontrar trabajo decide robar su bici, su mochila y su móvil y hacerse pasar por él.

LA ENTREVISTA

Gracias a nuestras amigas del Ana Ros Comunicación hemos podido entrevistar a Bárbara Fernández, codirectora del cortometraje, y a Ninton Sánchez, actor protagonista. Éste es el resultado de la entrevista, que os ofrecemos en nuestra colaboración con MagaZinema:

EL EQUIPO

El Relevo es un cortometraje español de ficción y drama social dirigido por David Mendizábal y Bárbara Fernández, con guion de Inés González y Martí Juan Batet y protagonizado por Ninton Sánchez (Los Rodríguez y el más allá y Mi otro Jon, de Paco Arango; Eres tú, de Alauda Ruiz de Azúa y Mango, de Mehdi Avaz para Netflix). Le acompañan en el reparto: Nacho Antelo, Sandra Escobar, Yasmarlin Baez y Zorak Arruti.

La producción ejecutiva corre a cargo de Raquel Domínguez y Bárbara Fernández, con Amaia Gurucelain como directora de producción. La dirección de fotografía es de David Mendizábal y la dirección de arte de Uxue Monreal.

Laura Gantes firma como jefa de sonido; Nazaret Fernández, maquillaje y peluquería; Héctor Loureiro, diseño de vestuario; el montaje es de David Mendizábal y Bárbara Fernández; la postproducción de sonido es de Daniel Peña y el color, de Noemi Lallave.

Es una producción de Avrigo Studio, Mubox Studio, Jarana Films y Tulina Films.

LOS DIRECTORES

David Mendizábal (Navarra, 1992) es director y director de fotografía formado entre Vancouver y Madrid en In Focus Film School y la ECAM. Debuta como director con Los Silencios (2021), un cortometraje experimental tutorizado por Isabel Coixet, y continúa con 9 horas (2022), una pieza íntima sobre la relación a distancia entre padre e hija. En 2024 dirige Tierra Húmeda.

Es el codirector de El Relevo, una historia social inspirada en vivencias cercanas durante sus residencias en distintas ciudades.

Como director de fotografía ha sido reconocido con el Premio en el Lens Dance Festival por Uholdeak (2022), y ha obtenido nominaciones a Mejor Dirección de Fotografía en los Premios Fugaz 2023 por Yegua y en La Jolla Fashion Film Festival por Save The Future (2022). También ha sido galardonado como Mejor Videoclip por Corazón de Tango en SECIME 2023 y en los Premios Gaztea Sariak (EITB).

Bárbara Fernández (Madrid, 1997) debuta como directora y co-guionista con El Baile del Estornino (2020), una historia LGTBIQ+ proyectada en el Festival de Sitges y seleccionada en Fire Lab 2023 en su versión de largometraje.

Su obra combina el lenguaje físico de la videodanza con una mirada social y feminista. Corazón de Tango (2023), estrenado en Broadway, obtuvo premios en Medina del Campo y el Premio Gaztea a Mejor Videoclip. Save The Future (2022), proyectado en Filmin tras su paso por Choreoscope, aborda la moda sostenible

En el terreno documental destacan Comida Caducada (2021), creada bajo la mentoría de Isabel Coixet, y Retrato de lo invisible, ganador en el Festival de Astorga 2023. Ese mismo año obtiene el Primer Premio Talento por su cortometraje Backside Ollie.

Actualmente desarrolla su ópera prima del mismo título en la Residencia de la Academia de Cine.