ENTREVISTA A RAQUEL QUINTANA, DIRECTORA DEL CORTOMETRAJE "A PESAR DE LAS RUINAS" - FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

A pesar de las ruinas, cortometraje dirigido, escrito y protagonizado por Raquel Quintana, se ha presentado este pasado fin de semana en el Festival de Cine de Málaga.

En la pasada edición del festival este proyecto recibió el galardón de ayuda a la creación audiovisual. La producción corre a cargo de La Zurda Producciones y AMCA Producciones.

El proyecto fue rodado en La Axarquía malagueña, poniendo especial hincapié en la construcción de tejido audiovisual en la comarca y contando con un equipo mayoritariamente femenino.

El corto está protagonizado por Raquel Quintana, Mae Porta y Alfonso G. Valenzuela.

Sinopsis: Ezequiel desapareció de la vida de su hija Ana cuando ella era adolescente. Hoy él llega con un objetivo claro: reconstruir lo que un día destruyó y disfrutar junto a su hija Ana y su nieta Emma del tiempo que le queda. Ana, por su parte, sobrevive como puede. Facturas acumuladas y Asuntos Sociales mirándola con lupa. Entre los restos de una relación marcada por la culpa y la incomunicación, ha construido un hogar algo frágil, sostenido por la rutina y la ternura que le inspira su hija. Ana y Ezequiel, llevan tantos años separados emocionalmente que el deseo de una posible reconciliación les impide dar el paso. En ese territorio vulnerable y esperanzador, Emma se convierte en el hilo invisible que vuelve a unir a padre e hija. A pesar de las ruinas es un retrato íntimo sobre los lazos y nudos de las relaciones paternofiliales, el perdón y los vínculos emocionales.

“A pesar de las ruinas nace del simple deseo de construir una historia sencilla y amable, cercana y fácil de rodar para mí, y de dar el primer pequeño paso en el nacimiento de La Zurda Producciones. En ese inicio tan humilde, pronto me vi sostenida y alentada a crecer de la mano de instituciones a las que admiro profundamente, como el Festival de Málaga, y de un equipo técnico que arropó y ayudó a crecer esa pequeña semilla hasta convertirla en lo que hoy es A pesar de las ruinas. Este primer proyecto nunca tuvo mayor ambición que la de aprender, generar equipo y plantar una pequeña semilla a través de un guion sencillo y honesto, eso sí, cargado de corazón y emoción. Un año después, ese pequeñín se ha convertido en un adolescente con voz propia y mucho que contar, y se presenta como el precedente de lo que serán sus dos hermanos en camino, que formarán la trilogía A pesar de las ruinas, todos los jueves vuelve a salir el sol. Me siento plena al seguir creciendo, no solo como creadora, sino también como epicentro de La Zurda Producciones, aportando al tejido cultural malagueño y, por ende, sumando nuestro granito de arena en el panorama del cine nacional”.- Raquel Quintana, directora.

SOBRE RAQUEL QUINTANA

Conocida por su trayectoria como actriz en proyectos de teatro, cine y numerosas series de televisión como: 4 Estrellas, Mía es la venganza; Gran Hotel, Con el culo al aire, Sin Identidad, Falcón el ciego de Sevilla, Amar es para siempre o El secreto de Puente viejo, entre otros. Dirige y produce desde el año 2000 montajes de teatro social en distintas compañías de Edimburgo, Brighton, Madrid, Cantabria y Málaga. En 2024 da el salto con su propia productora La Zurda Producciones desde la que trabaja en el desarrollo y creación de proyectos culturales. Actualmente, se encuentra en fase de desarrollo del largometraje “Lo que heredé de ti” y la miniserie “La puerta de al lado”.

SOBRE LA ZURDA PRODUCCIONES

La Zurda Producciones es la marca audiovisual impulsada y dirigida por Raquel Quintana, actriz, guionista y productora con más de veinte años de trayectoria en cine, teatro y televisión. Muy pronto se suben al barco compañeros de la profesión que apoyan e impulsan su andadura, Antonio Cantos (productor de AMCA producciones), Christian Genovés (director y guionista), Luis Arribas (director) o Sara Almonacid (directora de fotografía), entre otros. Con varios proyectos en desarrollo decidimos apostar por el cortometraje A pesar de las ruinas como nuestra primera producción y empezamos nuestro camino por las distintas convocatorias de ayudas. Para nuestra sorpresa, que no es que no confiemos en nuestro proyecto, es que es como se dice empezar con buen pie, el proyecto es galardonado en el Festival de Málaga 2025 con la ayuda al desarrollo. Esta noticia nos reafirmó en nuestra elección: era el proyecto adecuado para iniciar el viaje. Desde entonces, dos meses atrás, hemos volcado toda nuestra energía en hacerlo crecer, buscando las mejores posibilidades para hacerlo brillar como merece. Paralelamente, avanzamos en el desarrollo de otros proyectos más: el largometraje Lo que heredé de ti, La séptima Luna, el documental con título provisional Abriendo caminos, el Cortometraje Vuela alto y la miniserie de 4 capítulos La puerta de al lado.

SOBRE AMCA PRODUCCIONES

Antonio Marmolejo Cantos funda AMCA producciones con el objetivo principal de promover y ayudar a nuevos talentos, tanto en el ámbito audiovisual como teatral. Entre los últimos proyectos audiovisuales que produce destacan los cortometrajes “Princesa” y “Despierta” y “Una conversación pendiente” de Cecilia Gessa, “Sin Zero” de Adán Aguilar, “Esto no es Noruega” De Alicia Alvares y Paco Cavero y “La Cita” de Itziar Castro. En la actualidad desarrolla diversos proyectos audiovisuales como el cortometraje ”Mis Hadas” y los largometrajes “Cosita” y “Por amor” y la serie documental “Nona” del propio Antonio Cantos. También cabe destacar como coproductora habitual asociada a La Zurda Producciones.

LA ENTREVISTA

Gracias a nuestrxs amigxs de Prisma Ideas hemos tenido la oportunidad de entrevistar a Raquel Quintana, directora de la cinta. Éste es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- Raquel, quería empezar preguntándote, el título del cortometraje es muy evocador. ¿Qué significa exactamente para ti esa idea de seguir adelante a pesar de las ruinas?

RAQUEL QUINTANA.- Bueno, pues para mí es la esperanza, la idea de esperanza. A pesar de todo, en cualquier ámbito de la vida siempre es posible un cambio, dependiendo de un montón de cosas claro está: las decisiones que tomes, de las actitudes que tengas y de la suerte que tengas. Pero creo a pesar de todo, y lo creo de verdad, siempre todo es posible.

Carlos Penela.- En la historia hay muchas emociones contenidas de heridas que nunca se han terminado de cerrar. ¿Te interesaba explorar cómo las personas convivimos con aquello que no se ha dicho?

RAQUEL QUINTANA.- Claro. Al final para mí, lo que llevo viendo toda la vida, y que levante la mano la familia o la persona que esté libre de pecado, lo que siempre me ha llamado mucho la atención, también por cómo yo me he criado, es todo lo que escondemos debajo de la alfombra, pero en todos los niveles: a nivel social, a nivel individual, a nivel emocional... y a nivel familiar, por supuesto, que es de lo que se habla en el corto, a pesar de las ruinas. Fíjate todo lo que escondemos Carlos, a veces es por miedo, a veces es porque socialmente no está bien decirlo, a veces es por imposición y a veces es por ignorancia. Todo eso que se esconde debajo de la alfombra va haciendo herida poco a poco, y de alguna manera llega un punto en el que puedes sanar o no, a ver qué haces con ello. En mi corto claramente se toma una decisión al respecto, pero sí, yo creo que es verdad que tapamos mucho, escondemos mucho.

Carlos Penela.- Raquel, al principio del cortometraje, el encuentro casual entre los personajes tiene un peso emocional enorme. ¿Cómo trabajaste esa tensión narrativa para que, sin hacer spoilers, lo cotidiano se convirtiera en algo trascendente, sin explicar más allá?

RAQUEL QUINTANA.- Pues mira, hay una cosa que para mí es básica y que además es de donde vengo yo, que es el trabajo con actores, la interpretación. Al final ha sido mi medio durante tantos años, y sigue siéndolo, por supuesto. Hay algo ahí que ya nacía solo y era que nosotros sí que nos conocíamos, por supuesto, a la peque, que es mi hija Mae, la tengo en casa y hay un vínculo enorme. Mae y Alfonso se conocían menos, pero sí que es verdad que había algo innato, que era que ya al juntarnos surgían muchas cosas, mucha emoción, porque a mí Alfonso, por ejemplo, es un tío que me emociona solo con escucharle y mirarle. Mi peque también tiene algo, es una niña que es muy observadora, muy curiosa y siempre cuando conoce a alguien ya empieza a hacerle preguntas. Entonces ya había como un trabajo previo que a mí como directora no me hizo falta hacer, y que fue un punto de partida del corto muy guay. Luego yo que quise trabajar con dos ensayos previos. Quedamos antes y, más que el texto en sí, era ver un poco en qué se podían encontrar el personaje del vecino con la niña, en qué punto de nexo coincidían, porque claro, la madre y la hija el nexo claramente es el que es, pero ellos dos, ¿en qué momento podía florecer esa relación? ¿En qué momento se podían encontrar estos dos personajes? Trabajamos mucho eso con juegos, yo he hecho mucho teatro social y entonces les marqué un par de juegos para ver también qué aportaban ellos como actores, y desde ahí reescribimos un poquito más. Estaba también Christian Genovés, que me ayudó mucho a reescribir, y fue todo muy fácil, fue llegar al rodaje y tiramos millas. 

Carlos Penela.- Al hilo de lo que comentas, tenía un par de preguntas ¿Cómo fue ese proceso con los actores? Lo acabas de describir y me había planteado si respecto a los personajes habías escrito previamente algún tipo de biografía o pasado (que no se ve en pantalla obviamente) para que los persones pudieran tomar más contacto con la historia.

RAQUEL QUINTANA.- Sí, algo hubo, pero luego también había un componente básico que a mí me ayudó un montón y que yo creo que, sobre todo, al personaje de Alfonso le ayudó un montón para construir el personaje, que son las referencias, las referencias que yo traía, tanto de atmósfera del proyecto como de personajes en sí. Claramente el personaje de Alfonso para mí es un Gallagher de "Shameless", en la forma de componer ese personaje, incluso el personaje de Ana podría ser una Fiona, y su relación incluso también. Entonces para mí era un referente tan claro que simplemente con transmitírselo a él, él ya supo qué era lo que yo buscaba; no tanto a lo mejor la atmósfera en sí, porque puede haber algunas similitudes, pero no es un "Shameless" tan radical y tan macarra, pero sí que es verdad que los personajes bebían mucho de esas referencias. Fue fácil transmitírselo y que lo viese según se lo dije, le pasé fotos y todo.

Carlos Penela.- Raquel, como directora y guionista, ¿Qué cineastas o películas han influido en tu forma de contar historias íntimas como esta?

RAQUEL QUINTANA.- Pues en concreto en esta película, todo lo que llevamos visto hasta el momento en el año pasado o en el anterior, esas historias tan íntimas como "Cinco lobitos" o "Los domingos", historias dirigidas por directoras con una mirada, te iba a decir muy femenina, pero tampoco lo creo, más bien con una mirada muy humana, muy social, es un cine muy íntimo, muy susurradito, muy chiquitín y a la vez enorme. Cuando me preguntáis por mis referentes, ya no sólo vosotros en las entrevistas, sino, por ejemplo, mis alumnas en un grupo de teatro social que tengo, yo me echo a temblar porque siempre pienso "¡ay madre mía, qué cuento!" ¿Es que sabes qué pasa? Que al final tú puedes tener tu predilección y tus pelis favoritas, pero es que los referentes varían tanto, te dirías que mis referentes se podrían ir a cosas como Spike Lee a referentes totalmente opuestos, ¿sabes? Pero para el corto sí, claramente, ha sido una referencia de cine muy íntimo, muy chiquito, muy social y muy humano.

Carlos Penela.- Y después de este cortometraje, ¿qué historias te gustaría explorar en un futuro? ¿Seguirás explorando el corto, has pensado en la posibilidad de dirigir algún largo,  seguirás en teatro...?

RAQUEL QUINTANA.- Qué buena pregunta. Sí que es verdad que me dejo un poco sorprender, porque ya este año no esperaba que la cosa fuese como ha ido. Sí que es verdad que hay una cosa que claramente no contaba con ello, pero a por ello voy y es la peli, me han dado la ayuda del ICAA a desarrollo de guion, con lo cual eso ya es una puerta que se abre, una puerta no, un portón. Ir de la mano del ICAA con tu primer largo, imagínate. Claramente vamos a por ello y me gustaría producirlo, claro, no sólo hacer el guion, que en eso estoy ya, y mi idea es rodar la peli en dos años. Luego creo que, siendo honesta, dentro de que estoy rodeada de gente top ten y que me hacen un sostén enorme, creo que a mí me queda por aprender y, en este sentido, el corto siempre es como el teatro en la interpretación, es la base para aprender. Mi idea es hacer la trilogía de "A pesar de las ruinas", pero más que nada porque hay dos historias que podrían ser perfectamente la continuación y el desarrollo de la vida de estos personajes. Entonces, lo siguiente que rodaré, prácticamente seguro te digo, como directora, productora y guionista, es la segunda parte de esta trilogía de "A pesar de las ruinas, todos los jueves vuelve a salir el sol". Así que lo siguiente que vamos a hacer es "Todos los jueves", probablemente en junio, tenemos ya el reparto. Alfonso vuelve a repetir y, probablemente, te lo chivo como primicia porque ya hemos hablado con ella y está encantada, Petra Martínez será la que le dé mano a mano a Alfonso. Y estará Mae de nuevo, por supuesto. Entonces, eso va a ser lo siguiente, el siguiente pasito, y luego, pues con dos series que estoy como actriz. Así que bueno, este año voy como Heidi dando saltitos, está la cosa muy guay, estoy muy contenta.

Carlos Penela.- Raquel, ¿Qué significa para ti haber estrenado en Málaga, un espacio tan importante para nuestro cine?

RAQUEL QUINTANA.- Pues es un regalazo. Al final todo el mundo me dice "es la trayectoria natural". Bueno, la trayectoria natural no lo sé. Yo sinceramente no contaba con ello, ni con el galardón que nos dieron el año pasado a la creación audiovisual, ni con la selección este año. Entonces, ¿qué significa para mí? Pues a ver, si yo hubiese podido elegir, hubiese elegido esto, que se estrenase en Málaga. Primero porque Málaga es un festival a nivel internacional que es una brutalidad, es el festival al que yo llevo viniendo años y años, por lo que para mí es estar en casa. Yo vivo a caballo entre Málaga y Madrid, mi productora se ha creado en Málaga, el 70% del equipo era malagueño, entonces claro, es lo que decía en el estreno, esto es estrenar en casa. Para mí es el sitio donde si hubiese podido elegir habría decidido estrenar, así que esto un regalazo, la verdad que sí.

Carlos Penela.- Para finalizar la entrevista me gustaría acabar con la frase que aparece impresa en el cartel del cortometraje: "A veces es necesario romperse para que pueda volver a entrar la luz".

RAQUEL QUINTANA MARTÍN.- Eso es, sí. Yo lo veo un poco así, vuelvo un poco a hablar de lo mismo, en todos los ámbitos, pero es que muchas veces hasta que no tocas fondo en una relación, en una enfermedad... donde sea, no es el detonante para decir "venga ya, esto ha tocado fondo, ¿lo quiero resolver?, ¿Qué quiero hacer con ello?, ¿Lo puedo solucionar?" Si no, sigues con el piloto automático, y estos personajes probablemente habrían pasado años siguiendo en la misma situación que estaban. Así que, una vez tocas fondo y te rompes, ahí es cuando reconstruyes, y reconstruir es bien bonito. Además, muchas veces es necesario reconstruir y cambiar lo que llevas recorrido hasta el momento, y las ruinas que se han generado, pues reconstruirlas de donde puedas. Es necesario.

‘HUGO 24’, DE LUC KNOWLES EN LA SECCIÓN OFICIAL FUERA DE CONCURSO DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

Luc Knowles ('Libélulas', Biznaga de Plata al Premio del Público y la Biznaga de Plata a la Mejor Interpretación Femenina ex aequo para Milena Smit y Olivia Baglivi en la Sección Zonacine ), presenta su nuevo largometraje, Hugo 24, en la Sección Oficial del Festival de Málaga (Fuera de Concurso). La película se estrenará en cines el próximo 15 de mayo distribuida por Caramel Films. Rodada el verano pasado en diferentes localizaciones del norte de Madrid, principalmente en el barrio de Tetuán, la película está protagonizada por Arón Piper ('El correo', 'Élite'), que da vida a Hugo, un joven atrapado entre la adolescencia tardía y una adultez que no espera más.

El filme transcurre en un solo día: el de su 24 cumpleaños. Una jornada contrarreloj en la que Hugo debe conseguir el dinero para pagar el alquiler antes de ser desahuciado junto a su hermana. Completan el reparto Marco Cáceres, Marta Etura, Greta Fernández y Javier Pereira.

Sinopsis: En las 24 horas previas a su cumpleaños, Hugo, un joven perdido entre la inseguridad y el vértigo a crecer, se enfrenta a un inminente desahucio y a la sensación constante de abandono. Con la ayuda de su mejor amigo, emprende una carrera contrarreloj para salvar su hogar y, sin saberlo, dar el primer paso hacia la madurez.

Hugo 24 cuenta con guion y dirección de Luc Knowles, quien vuelve al universo de los márgenes urbanos con un tono social marcado pero lleno de luz. Hugo 24 retrata una juventud que sobrevive entre alquileres imposibles, trabajos precarios y vínculos frágiles, sin perder la capacidad de soñar. El barrio de Tetuán, con sus calles de cemento, bares castizos y diversidad cultural, no es solo el telón de fondo de esta historia: es un personaje más, vivo, ruidoso, en constante transformación. La música, acompaña a Hugo en su viaje interior. Además, el propio Arón Piper firma una canción original, aportando un sello personal y emocional a la banda sonora.

La película es una producción de Clapham Films, RV Entertainment, Dadá Films, NonStop Studios y Caramel Films, con rodaje íntegro en Madrid y distribución a cargo de Caramel Films.

'DESPUÉS DE KIM'- SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO- FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

El nuevo trabajo de Ángeles González-Sinde, Después de Kim, llegará a las salas de cine el próximo 24 de abril, tras su premiere en la Sección Oficial a competición del 29 Festival de Málaga, este domingo.

Después de Kim, basada en la novela homónima de la propia directora y publicada por Duomo ediciones, es un drama con elementos de suspense que aborda el duelo, la culpa y las segundas oportunidades a través del reencuentro forzado de una expareja marcada por una pérdida irreparable.

La película está protagonizada por Darío Grandinetti y Adriana Ozores, con la participación especial de Christina Rosenvinge. Completan el reparto actores como Gloria March, Kevin Brand, Karina Kolokolchykova y la presentación del niño Roger Aranda.

En Después de Kim, Juan (Dario Grandinetti) y Gloria (Adriana Ozores), divorciados y distanciados desde hace veinte años, viajan desde Buenos Aires a España tras recibir la noticia de que su hija Kim, con la que hace tiempo perdieron el contacto, ha aparecido muerta. Allí descubren que tienen un nieto en paradero desconocido. Esta sorpresa les lleva a quedarse en España para encontrar a su nieto. Hacer ese camino juntos sin caer en los enfrentamientos del pasado será su desafío.

Producida por Gerardo Herrero (Tornasol Media) y Pedro Pastor (Voramar Films). El rodaje tuvo lugar en Benidorm y su comarca, la película utiliza el paisaje mediterráneo y el contraste entre la luz turística y las zonas menos visibles de la ciudad como telón de fondo de una historia íntima y humana, donde el duelo convive con el suspense y el humor sutil.

“Juan y Gloria se ven forzados a sumergirse en la vida de su hija que desconocen por completo y, además, en un entorno como el de Benidorm: verano, vacaciones, banalidad, diversión y evasión. Este lado festivo no es el más apropiado ni el que más facilita a los personaje protagonistas vivir su duelo”.

“Después de Kim nace de una pregunta muy íntima: qué ocurre cuando una pérdida irrumpe a miles de kilómetros y obliga a volver a mirar a quienes creíamos conocer. Es una historia sobre el duelo, pero también sobre los afectos que permanecen y las segundas oportunidades, incluso cuando pensamos que ya es tarde. Como en mis otras películas, el motor de la historia son los personajes. Partiendo de condiciones muy desfavorables, Gloria y Juan tienen que encontrar las ganas de luchar, de aceptar cambios para salir adelante transformados, sin ser superhéroes. El tono se mueve entre una suavidad íntima de las secuencias en las que Juan y Gloria están a solas y secuencias tensas en la que se avanza en la búsqueda del niño”. Ángeles González-Sinde.

La película es una producción de Después de Kim A.I.E., Tornasol Media y Voramar Films. Cuenta con la participación de RTVE, Movistar Plus+ y À Punt Mèdia, y con la financiación del ICAA, la Generalitat Valenciana y el ICO, además del apoyo de Crea SGR y Filmika. Las ventas internacionales corren a cargo de Latido Films. 

Tras su paso por el Festival de cine de Málaga, Karma Films será la encargada de estrenar la película en salas de cine el próximo 24 de abril.

"9 LUNAS", DIRIGIDA POR PATRICIA ORTEGA, PARTICIPA EN EL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

9 LUNAS, la comedia dramática dirigida por Patricia Ortega (Mamacruz) ha participado en la 29 edición del Festival de Málaga, dentro de la Sección Oficial, fuera de concurso. La película está protagonizada por Zack Gómez-Rolls, Jorge Sanz, María León, Kiti Mánver, Sara Sálamo y Fernando Guallar.

El guion lo firman Patricia Ortega, José Ortuño y Olmo Figueredo González-Quevedo. 

9 Lunas es una feel good movie sobre un hombre trans que un buen día descubre que está embarazado. Esto le llevará a desafiar la propia comprensión de su identidad obligándole a enfrentarse a sus fantasmas del pasado y a decidir si seguir adelante con el embarazo o completar su transición. La película llegará a los cines el próximo 3 de julio distribuida por Caramel Films.

La directora Patricia Ortega explica qué significa para ella esta película: "La vida, como el embarazo, es un proceso constante de transformación. No todo el mundo comprende esos cambios, pero siempre hay quienes te abrazan y te sostienen sin juicios. 9 Lunas habla de la familia, los amigos e incluso los desconocidos que aparecen cuando más los necesitas. Esta película está dedicada a quienes acogen con amor lo que el mundo a veces señala como diferente, extraño o anormal".

 

Sinopsis

Una comedia feel good que narra la historia de Ángel, un joven y atractivo entrenador personal al que le sonríe la vida. Tras un año sabático, acaba de ser contratado por el mejor gimnasio de la ciudad, y todo parece ir sobre ruedas. Pero su mundo da un vuelco cuando empieza a sentirse mal, acude al hospital y recibe una noticia inesperada: está embarazado. Y es que, en realidad, Ángel es un hombre trans al que sólo le faltaba un último paso para completar su transición y ahora deberá enfrentarse a una decisión que pondrá a prueba su identidad, sus sueños y la forma en que entiende su propia masculinidad.

 

Patricia Ortega

Nacida en Venezuela en 1977, vive afincada en Sevilla. Es licenciada en Comunicación Social y graduada en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños EICTV (Cuba), en la especialidad de dirección. También se graduó en la FILMAKADEMIE de Ludwigsburg (Alemania) en la especialidad de dirección documental.

 

Yo, Imposible (2018) es su ópera prima. Distribuida por HBO en Estados Unidos, logró la Espiga Arcoiris en la Seminci 2018 y fue seleccionada como precandidata a los premios Oscar 2020 en representación de Venezuela. 

 

A continuación llegaría Mamacruz (2023), protagonizada por Kiti Mánver. La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Sundance y recibió el premio al mejor Largometraje de Ficción en el Festival de Nashville. Fue nominada a un premio Goya y a dos premios Feroz, incluyendo Mejor Película de comedia. También ganó 4 premios Carmen y un premio ASECAN, entre otros.

 

9 Lunas es su tercer largometraje.

                                                                                                                     

9 LUNAS es una producción de Olmo Figueredo González-Quevedo para La Claqueta PC con la producción ejecutiva de Sara Gómez y en coproducción con La Cruda Realidad, Amania Films y Menuetto Films (Bélgica). Cuenta con la ayuda del Ministerio de Cultura ICAA, el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, de Europa Creativa MEDIA, del fondo Eurimages y del Belgian Tax Shelter, así como con la participación de Movistar Plus+ y Canal Sur Radio y Televisión. Caramel Films se encargará de la distribución nacional.

La Claqueta

La Claqueta es hoy una de las productoras independientes españolas más consolidadas, capaz de combinar cine de autor presente en los principales festivales con títulos de fuerte impacto comercial y series premium para plataformas. Su trabajo se caracteriza por una apuesta constante por miradas autorales sólidas, historias con identidad y una producción que dialoga tanto con el público como con la industria.

En los últimos años, sus producciones han sido seleccionadas en festivales como Sundance, Toronto International Film Festival, San Sebastián o SXSW, y estrenadas en plataformas como Netflix, HBO, Amazon Prime Video, Disney+, Lionsgate+ o Movistar Plus+. Películas como La trinchera infinita demuestran que es posible unir ambición artística, reconocimiento crítico y solidez industrial, mientras que títulos como Tin y Tina se han convertido en auténticos fenómenos de audiencia, confirmando la capacidad de La Claqueta para conectar con públicos muy diversos sin renunciar a una voz propia.

Esa evolución se refleja en una filmografía reciente que incluye largometrajes como Mamacruz (Patricia Ortega), estrenada en el Festival de Sundance; Secaderos (Rocío Mesa), ganadora del Premio del Público en SXSW; o Los Tortuga (Belén Funes), Premio del Jurado en el Festival de Málaga y nominada a los Premios Goya. En el ámbito de la ficción seriada y el documental destacan títulos como Nacho y 548 días: captada por una secta, la serie de no ficción más vista en Disney+ España.

Actualmente, La Claqueta atraviesa uno de los momentos más activos y creativos de su trayectoria, con proyectos recientemente finalizados o en producción como 9 lunas (Patricia Ortega), Sacamantecas (David Pérez Sañudo), La ventana abierta (Ana Graciani) y Caballé (Patricia Ortega), reafirmando su apuesta por nuevas voces, cineastas consolidados y una producción contemporánea abierta a distintos públicos y formatos.

ENTREVISTA A ANTONIO VICENT, DIRECTOR DE "AVES DE CORRAL"

Ese viernes 6 de marzo se ha estrenado en cines de toda España Aves de Corral, el primer largometraje de Antonio Vicent, distribuido por Alfa Pictures.

Este thriller con elementos de comedia cuenta con un reparto de primer nivel encabezado por Diego Anido, Pedro Casablanc, Chechu Salgado, Olivia Baglivi, Antonio Durán “Morris”, José Luis García Pérez, Roberto Enríquez, Belén Écija, Daniel Ibáñez, Clara Alvarado y Roberto García. La película es una propuesta novedosa en la industria cinematográfica española, influenciada por el cine clásico anglosajón.

Al reparto se suma el talento de artistas emergentes como Álvaro Díaz, Ramón Robles, Roberto Hoyo y Lukas Cantó.

Sinopsis: Una peculiar banda criminal planea asesinar a un dirigente del CNI, pero el plan de fin de semana de una pareja de novios se cruza en su camino.

Notas del director: “En esta historia nadie tiene el control. No importa cuál sea el plan: algo va a fallar. Y eso aplica tanto a los personajes como, en cierto modo, al espectador. He hecho esta película pensando siempre en el público, en la hora y media que me dan para entretenerles cuando se sienten a verla. Es el público, al final, la razón de ser de la gran pantalla.”

Aves de Corral es una producción de Delicias 13 Pictures rodada en Madrid gracias al apoyo de la Comunidad de Madrid y la Film Office, en Toledo y el Guadalajara.

Antonio Vicent (Madrid, 1997) es director y guionista. Su pasión por el cine nació en la infancia, etapa en la que elegir cada noche una película para ver junto a su familia se convirtió en su más importante misión. Estudió Economía en la Universidad Complutense de Madrid y amplió su formación en el Trinity College de Dublín, donde descubrió su pasión por la escritura, un hábito que practica desde entonces casi a diario. En 2019 se trasladó a Nueva York para cursar un máster en Fordham University, periodo en el que escribió sus primeros guiones y dio comienzo a su trayectoria como cineasta. De vuelta en Madrid rueda su ópera prima, Aves de corral (2026).

Gracias a nuestrxs amigxs de Prisma Ideas hemos tenido la oportunidad de entrevistar al director de la cinta, Antonio Vicent. Éste es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- Antonio, para quien no sepa nada de la película, cuéntanos, ¿Qué es Aves de Corral?

ANTONIO VICENT.- Aves de Corral es una película que se mueve entre el thriller y un tono de comedia criminal. Es una sucesión de situaciones particulares que les ocurren a un grupo de personajes muy peculiares, en las que el humor, lo surrealista, lo absurdo y el humor negro conviven para darle el tono. El suspense, la confusión y la intriga por no saber qué viene después definen el estado de los propios personajes y del espectador. Tanto el espectador como los personajes van de la mano en ese sentido.

Carlos Penela.- Como decías, los personajes son muy particulares y parecen más perdedores, por ponerles una etiqueta, que auténticos villanos. ¿Te interesaba más explorar la torpeza humana que el mal en sí mismo?

ANTONIO VICENT.- Diría que me interesaba más explorar la realidad humana, que en muchas ocasiones es torpe, y, desde ese punto de vista, diría que hasta entrañable. Creo que es una cosa que caracteriza a esta película, en el sentido de que los buenos no son buenísimos y los malos no son malísimos. Los malos te provocan ternura, a mí al menos, todo el comienzo de la peli me la provocan, y sin embargo, no dejan de ser los malos, lo demuestran en la película. Y los buenos tampoco son perfectos, son muy frágiles, no son omnipotentes ni por asomo. A mí todo esto me interesaba mucho porque, honestamente, creo que nosotros somos complejos. Entonces, las historias que nos contamos deben reflejar esa complejidad. El hombre que es simpático por la mañana cuando te estás tomando el café, es perfectamente capaz por la noche ser el que te atormenta en el bosque. Ambas realidades pueden convivir en una sola persona, estamos hartos de verlo en las noticias, en los periódicos, etc. A mí me parece que eso es muy interesante, que da pie a explorar de distintas formas a varios personajes. Yo hago esto que se ve en la película, de introducir a una serie de personajes en el camión, y ahí se ven unos roles, una jerarquía, un funcionamiento del grupo masculino, que, honestamente, es una cosa que he podido observar a lo largo de mi vida, no estoy descubriendo ahora el mundo. Todo esto que te he dicho está además bañado con humor, que es una cosa que está muy presente en ese tipo de ambientes. Es un humor que no pretende existir. Ninguno de los personajes pretende ser gracioso.

Carlos Penela.- ¿Cómo fue el proceso de escritura de guion?

ANTONIO VICENT.- Bueno, pues muy divertido. A mí me gusta mucho escribir. Yo creo que hay ritmo en los diálogos, es una cosa que me gusta mucho, pero creo que lo más importante en un diálogo es que no parezca que está escrito. Inevitablemente todos los diálogos en cine están escritos, pero la magia del propio diálogo y del dialogante, es decir, de los actores, está en conseguir que nosotros, cuando lo estemos viendo, solamente estemos viendo a los personajes hablar. Esto a veces lleva a un error, incluso a mí me ha llevado en el transcurso de la elaboración de este guion, en el sentido que puedes acabar enterrándote a ti mismo en simplificar los diálogos. A más complejo, más exigente, y sin embargo no creo que sea interesante un diálogo que no aporta y un diálogo que da vueltas en torno a lo mismo sin sumar nada. A mí el diálogo que te dice mucho de aquel que lo está diciendo me interesa mucho. Creo que esto es lo que se ve en el camión, que al final todos los personajes se están dibujando a sí mismos ante el espectador a través de su comportamiento y de lo que se están diciendo unos a otros dentro de ese camión. La joya de cada diálogo está en ver a quien lo está diciendo a través de ese diálogo, no de la información que se está transmitiendo en el propio diálogo, ojo, que a veces también, porque yo soy muy de que nada sobre y de que nada esté porque sí. Luego está el tema de hacerlo desde el humor, creo ello que te da la oportunidad de acercarte y explorar situaciones y lugares a nivel de personaje que de otra manera no tienes oportunidad. El humor absurdo, el humor surrealista, el humor negro, no tiene reglas, en cambio, un diálogo naturalista o realista tiene unas reglas muy estrictas. Al final, colocar a personajes tan peculiares en situaciones tan particulares te dibuja un cuadro lleno de humor.

Carlos Penela.- En ese sentido, el tema del humor juega un papel muy importante dentro de la tensión criminal. ¿Crees que en el cine español todavía se utiliza poco esa mezcla de thriller y comedia negra?

ANTONIO VICENT.- Yo no lo he visto mucho en el cine español, no me atrevo a decir si se usa mucho o poco porque no me considero una enciclopedia en el tema. Lo que sí puedo decir es que en el cine americano se ha llegado a la excelencia en esta especie de género en sí mismo. Iba a decir mezcla de géneros, pero realmente creo que este tipo de comedia criminal ya se puede considerar un género en sí mismo. Hay grandísimos exponentes de esto en los 90 y principios de los 2000. Recuerdo perfectamente que cuando estábamos preparando la película, gente que ha participado en ella y que ha aportado un montón me decía, "oye, pero lo que tú pretendes no es nada fácil." Siempre pensé que eso no era muy relevante en cuanto a decidir si hacerlo o no hacerlo. ¡Qué triste sería que sólo si tienen películas fáciles de hacer! Yo tenía la certeza de que se podía hacer, una certeza infantil, porque había crecido viéndolo. Entonces, la dificultad está en hacerlo sin repetirlo. A mí me halaga mucho que viendo mi película se hable de Tarantino, de los Coen o de Guy Ritchie.

Carlos Penela.- Te iba a preguntar por eso, si de forma más consciente o inconsciente los tenías como referencias a la hora de hacer el guion.

ANTONIO VICENT.- De alguna forma es imposible que me separe de las nociones que yo tengo del cine de estos directores, he crecido viéndolos a partir de mis 13, 14 años yo he visto mucho todo ese cine. Entonces es imposible a partir de entonces ser Antonio Vicent y eliminar esa parte de tu vida, de tu conocimiento, de tu gusto, de tu disfrute, de tus mejores ratos y demás, con el cine que han ocurrido con esas películas. Eso me daba tranquilidad, probablemente la misma tranquilidad que como cuando estás escribiendo un diálogo y no te convence. Tienes dos opciones, mantienes el diálogo y lo trabajas para que mejore o llegas a la conclusión de que ese diálogo en concreto, la situación de lo que están hablando, hacia dónde está yendo, no hay forma de que sea bueno por mucho que lo trabajes. Eso a mí no me pasó nunca en esta película. Y creo que a lo mejor tienen que ver estas otras películas, el saber de la existencia de ellas, la complejidad de sus diálogos y todas estas cosas, porque de alguna forma eso estaría en mi cabeza, pensando yo sé que se puede enredar mucho una trama y generar caos y aún así llegar a un nivel alto cinematográficamente. Por ejemplo, yo recuerdo perfectamente las primeras veces que yo vi Pulp Fiction con alguna gente, y la primera vez que la vi yo. Nadie te dice "con este visionado me ha válido", no, yo eso no lo recuerdo. Sin embargo, recuerdo frases del tipo "esto es un puñetero lío", "entonces esta parte, a ver, ¿esto va antes o después de aquello?" Todo el mundo decía "jo, tengo que verla otra vez", "quiero verla otra vez", con ganas, no por necesidad o por ausencia de un entendimiento, sino decir "qué bien, hay más en esta película". Y a mí me pasa mucho con esta película, gente que ha visto Aves de Corral y me viene y me dice "tengo ganas de verla otra vez porque es que esto tal y cual". Eso es genial. Creo que lo que sería una pena es caer en el error de pensar que eso es una carencia cuando ocurre en una película. Yo creo que es una carencia cuando se ha intentado evitar y no se ha logrado evitar, entonces sí es una carencia. Pero cuando tú estás haciendo ese tipo de películas, que alguien te venga y te diga "es que creo que no he entendido todo", dices, pues genial, no pasa nada, no hay por qué entenderlo. Yo recuerdo a la gente saliendo de Origen diciendo qué chulada, cómo mola, y no entiendo nada del final. Mucha gente que ha visto Aves de Corral más de una vez me ha dicho "es que mejora, mejora cada vez que la veo." ¡Es fantástico! Aunque creo que se equivocan, en el sentido de que la película no puede mejorar porque es la que es, lo que sí que ocurre es que todo lo que te ha gustado en la primera vez sigue ahí la segunda vez. Entonces estás partiendo ya de un primer visionado y añades un segundo, por lo que entonces te parece como que ésta vez ha sido aún mejor. No es que sea mejor, es que se ha nutrido de la primera también, pero la película es la misma.

Carlos Penela.- La película tiene un estilo visual muy particular, ¿Cómo lo definirías? 

ANTONIO VICENT.- Bueno, yo creo que depende muchísimo de qué parte de la película estamos hablando, de qué plano en concreto, de qué situación. Es verdad que en la película hay un tratamiento estético del plano donde se respeta mucho el mismo.

Carlos Penela.- Sí, te lo quería comentar. En determinadas producciones estamos acostumbrados, sobre todo en las americanas, a un montón de planos y cortes cada pocos segundos, que además te dificultan el seguir la historia. En cambio, en tu película me encantan esos planos largos, sin cortes apresurados, que te hacen disfrutar la escena. Es una parte del estilo visual al que me refería. Al igual que las escenas nocturnas y esos planos amplios.

ANTONIO VICENT.- Eso es totalmente intencionado. Yo soy un ferviente defensor de que la buena realización, la buena dirección, encuentra entre sus síntomas la cámara indetectable. Cuando todo el mundo celebra un plano secuencia a mí me suele parecer sospechoso. No es culpable todavía, porque tendría que estudiarlo, pero me resulta sospechoso. Habrá que juzgarle. ¿Por qué? Porque si todo el mundo lo celebra, es que todo el mundo lo ha visto. Y eso no suele ser un buen síntoma de un plano cinematográfico. Porque el director de cine, tal y como yo lo entiendo, su papel es contar una historia y no hacer alarde de su capacidad de dirección. Y no hay menor alarde que la ausencia. El ausente es el que menos alardea. Entonces, cuando tú ruedas un plano secuencia y no te viene la gente en masa al final de la película, bien. Pero cuando te viene un montón de gente y te celebra un plano, yo revisaría el plano. En cambio, cuando no es un motivo de celebración porque la historia la has contado y a la gente no le has estorbado, la gente está en la historia y no está en la cámara, eso es bueno. Nosotros eso lo teníamos muy claro y lo perseguimos mucho. Es una forma de rodar que requiere muchísimo más de algunos aspectos, por ejemplo, requiere más coreografía, requiere más confianza en el actor, etc. Si al actor tú no le cortas durante dos minutos, el actor no puede fallar durante dos minutos. El actor está obligado a darte excelencia en cámara durante un periodo continuado de dos minutos. En cambio, si tú al actor le das tomas de una media de 3 segundos, planos de media de 3 segundos o cosas así, que no es ninguna locura en el cine de hoy en día, el actor puede trabajar a picos, sabe que está cubierto, que está protegido. Y el director también sabe que está protegido de los fallos del actor. Entonces, a mí me gusta mucho trabajar con los actores y me gusta mucho el buen actor de cine, y en esta película abundan. Yo siempre confío y me apoyo mucho en ellos. Cuando yo separo la cámara, a veces la cámara baila con ellos y a veces no, a veces la fijo. Depende también de un aspecto narrativo esto, pero en ambos ejemplos lo que hay es confianza en el actor, y yo creo que es una confianza que se ha visto recompensada.

Carlos Penela.- Antonio, la película tiene un reparto muy potente, por citar solo algunos, Pedro Casablanc, José Luis García Pérez o Antonio Durán "Morris".  ¿Cómo ha sido para ti en tu primer largometraje dirigir a intérpretes con trayectorias tan consolidadas?

ANTONIO VICENT.- Pues un lujo y una fuente de aprendizaje. Yo creo profundamente que el cine es un arte colaborativo. No creo que exista el director que lo hace todo. Creo que existe el director que dice que lo hace todo, y creo que todos conocemos ejemplos, pero no existe el que lo hace realmente, porque es imposible. Es imposible que exista incluso. Entonces, yo eso lo tuve muy claro desde el principio. Yo soy, de todos los que mencionabas, soy la persona que menos sets de rodaje ha pisado. Entonces me parece que es por mi parte, de una enorme normalidad, honestamente, entender que yo estoy trabajando en un personaje con José Luis García Pérez, con Antonio Durán Morris, con Diego Anido, con Pedro Casablanc, con Roberto Enríquez, etc, y van a tener mucho que aportarme, y a mí lo que me toca es dirigir la aportación también. El director no es la única voz, el director es la última voz. Yo siempre he estado muy muy contento de que los actores traigan propuestas, es una maravilla cuando estás dirigiendo a un actor y te trae una propuesta, porque demuestra un nivel de implicación asombroso. Luego ya ahí llega la parte de ser director que es, oye, pues hay propuestas que sí, y hay propuestas que no, hay propuestas que las utilizas y hay propuestas que no. Todo esto  es un enorme placer, honestamente, el poder hacerlo. Yo creo que los actores han disfrutado también de ese proceso, la película, sobre todo, que es lo más importante, se ha enriquecido. A mí me han dado sugerencias que yo he puesto en práctica y la película lo ha mejorado. Y entonces he aprendido mucho de ellos, he aprendido mucho con ellos y he mejorado mucho gracias a ellos. Esta ha sido mi experiencia con estos actores. Así que ahora, lo que te decía, lo que más ha aumentado en mi vida en esta película es la enorme deuda de agradecimiento, deuda de gratitud.

Carlos Penela.- Para finalizar la entrevista, ¿Qué has aprendido y con qué te quedas de haber hecho Aves de corral?

ANTONIO VICENT.- Pues mira, he aprendido, uno, que el actor de cine español, los actores y actrices del cine español son artistas. No quiere decir que antes no supiese que lo eran, sino que a lo mejor no era consciente de hasta qué punto esto era importante. Yo he hecho una película muy difícil de hacer a nivel guion arriesgado, había gente que me advertía de ello. Es una película incómoda de hacer en cuanto a que no hay comodidades, es una película que requiere que todos estemos remando a favor todo el tiempo sin descanso durante rodaje, que la preproducción todo el mundo exprima lo poco que tenemos al máximo, me refiero en cuanto a ensayos y demás. Y les ha llegado el guion de alguien que, honestamente, no es nadie, que soy yo, lo han leído, y porque lo han leído y les ha gustado, han querido participar. Esto tiene un valor inmenso para mí, porque eso es real. Él "me ha gustado, quiero hacerlo y traigo una propuesta", eso es muy real. Y eso sólo es posible cuando el actor es artista. Para mí es la prueba irrefutable de que los actores y actrices españoles son artistas por encima de todo. Luego, he aprendido también que hacer cine viene definido por con quién haces cine, es un viaje arduo, pero es un viaje que resulta ilusionante, excitante y demás, dependiendo de con quién lo haces, y yo he tenido la suerte de que lo he hecho con un equipo y unos sectores maravillosos. No sabía lo afortunado que había sido cuando empezó la película, lo supe a medida que iba avanzando la cosa y es algo que quiero repetir el resto de mi vida. También he aprendido mucho de guion, montando la película, es la última escritura, y ahí aprendí mucho, aprendí mucho de ritmo, he aprendido de tono, he aprendido de dificultades de rodaje, de ficción en rodaje. Honestamente, creo que soy mejor director hoy que lo era el primer día que empecé a rodar.