‘HUGO 24’, DE LUC KNOWLES EN LA SECCIÓN OFICIAL FUERA DE CONCURSO DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

Luc Knowles ('Libélulas', Biznaga de Plata al Premio del Público y la Biznaga de Plata a la Mejor Interpretación Femenina ex aequo para Milena Smit y Olivia Baglivi en la Sección Zonacine ), presenta su nuevo largometraje, Hugo 24, en la Sección Oficial del Festival de Málaga (Fuera de Concurso). La película se estrenará en cines el próximo 15 de mayo distribuida por Caramel Films. Rodada el verano pasado en diferentes localizaciones del norte de Madrid, principalmente en el barrio de Tetuán, la película está protagonizada por Arón Piper ('El correo', 'Élite'), que da vida a Hugo, un joven atrapado entre la adolescencia tardía y una adultez que no espera más.

El filme transcurre en un solo día: el de su 24 cumpleaños. Una jornada contrarreloj en la que Hugo debe conseguir el dinero para pagar el alquiler antes de ser desahuciado junto a su hermana. Completan el reparto Marco Cáceres, Marta Etura, Greta Fernández y Javier Pereira.

Sinopsis: En las 24 horas previas a su cumpleaños, Hugo, un joven perdido entre la inseguridad y el vértigo a crecer, se enfrenta a un inminente desahucio y a la sensación constante de abandono. Con la ayuda de su mejor amigo, emprende una carrera contrarreloj para salvar su hogar y, sin saberlo, dar el primer paso hacia la madurez.

Hugo 24 cuenta con guion y dirección de Luc Knowles, quien vuelve al universo de los márgenes urbanos con un tono social marcado pero lleno de luz. Hugo 24 retrata una juventud que sobrevive entre alquileres imposibles, trabajos precarios y vínculos frágiles, sin perder la capacidad de soñar. El barrio de Tetuán, con sus calles de cemento, bares castizos y diversidad cultural, no es solo el telón de fondo de esta historia: es un personaje más, vivo, ruidoso, en constante transformación. La música, acompaña a Hugo en su viaje interior. Además, el propio Arón Piper firma una canción original, aportando un sello personal y emocional a la banda sonora.

La película es una producción de Clapham Films, RV Entertainment, Dadá Films, NonStop Studios y Caramel Films, con rodaje íntegro en Madrid y distribución a cargo de Caramel Films.

'DESPUÉS DE KIM'- SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO- FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

El nuevo trabajo de Ángeles González-Sinde, Después de Kim, llegará a las salas de cine el próximo 24 de abril, tras su premiere en la Sección Oficial a competición del 29 Festival de Málaga, este domingo.

Después de Kim, basada en la novela homónima de la propia directora y publicada por Duomo ediciones, es un drama con elementos de suspense que aborda el duelo, la culpa y las segundas oportunidades a través del reencuentro forzado de una expareja marcada por una pérdida irreparable.

La película está protagonizada por Darío Grandinetti y Adriana Ozores, con la participación especial de Christina Rosenvinge. Completan el reparto actores como Gloria March, Kevin Brand, Karina Kolokolchykova y la presentación del niño Roger Aranda.

En Después de Kim, Juan (Dario Grandinetti) y Gloria (Adriana Ozores), divorciados y distanciados desde hace veinte años, viajan desde Buenos Aires a España tras recibir la noticia de que su hija Kim, con la que hace tiempo perdieron el contacto, ha aparecido muerta. Allí descubren que tienen un nieto en paradero desconocido. Esta sorpresa les lleva a quedarse en España para encontrar a su nieto. Hacer ese camino juntos sin caer en los enfrentamientos del pasado será su desafío.

Producida por Gerardo Herrero (Tornasol Media) y Pedro Pastor (Voramar Films). El rodaje tuvo lugar en Benidorm y su comarca, la película utiliza el paisaje mediterráneo y el contraste entre la luz turística y las zonas menos visibles de la ciudad como telón de fondo de una historia íntima y humana, donde el duelo convive con el suspense y el humor sutil.

“Juan y Gloria se ven forzados a sumergirse en la vida de su hija que desconocen por completo y, además, en un entorno como el de Benidorm: verano, vacaciones, banalidad, diversión y evasión. Este lado festivo no es el más apropiado ni el que más facilita a los personaje protagonistas vivir su duelo”.

“Después de Kim nace de una pregunta muy íntima: qué ocurre cuando una pérdida irrumpe a miles de kilómetros y obliga a volver a mirar a quienes creíamos conocer. Es una historia sobre el duelo, pero también sobre los afectos que permanecen y las segundas oportunidades, incluso cuando pensamos que ya es tarde. Como en mis otras películas, el motor de la historia son los personajes. Partiendo de condiciones muy desfavorables, Gloria y Juan tienen que encontrar las ganas de luchar, de aceptar cambios para salir adelante transformados, sin ser superhéroes. El tono se mueve entre una suavidad íntima de las secuencias en las que Juan y Gloria están a solas y secuencias tensas en la que se avanza en la búsqueda del niño”. Ángeles González-Sinde.

La película es una producción de Después de Kim A.I.E., Tornasol Media y Voramar Films. Cuenta con la participación de RTVE, Movistar Plus+ y À Punt Mèdia, y con la financiación del ICAA, la Generalitat Valenciana y el ICO, además del apoyo de Crea SGR y Filmika. Las ventas internacionales corren a cargo de Latido Films. 

Tras su paso por el Festival de cine de Málaga, Karma Films será la encargada de estrenar la película en salas de cine el próximo 24 de abril.

"9 LUNAS", DIRIGIDA POR PATRICIA ORTEGA, PARTICIPA EN EL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

9 LUNAS, la comedia dramática dirigida por Patricia Ortega (Mamacruz) ha participado en la 29 edición del Festival de Málaga, dentro de la Sección Oficial, fuera de concurso. La película está protagonizada por Zack Gómez-Rolls, Jorge Sanz, María León, Kiti Mánver, Sara Sálamo y Fernando Guallar.

El guion lo firman Patricia Ortega, José Ortuño y Olmo Figueredo González-Quevedo. 

9 Lunas es una feel good movie sobre un hombre trans que un buen día descubre que está embarazado. Esto le llevará a desafiar la propia comprensión de su identidad obligándole a enfrentarse a sus fantasmas del pasado y a decidir si seguir adelante con el embarazo o completar su transición. La película llegará a los cines el próximo 3 de julio distribuida por Caramel Films.

La directora Patricia Ortega explica qué significa para ella esta película: "La vida, como el embarazo, es un proceso constante de transformación. No todo el mundo comprende esos cambios, pero siempre hay quienes te abrazan y te sostienen sin juicios. 9 Lunas habla de la familia, los amigos e incluso los desconocidos que aparecen cuando más los necesitas. Esta película está dedicada a quienes acogen con amor lo que el mundo a veces señala como diferente, extraño o anormal".

 

Sinopsis

Una comedia feel good que narra la historia de Ángel, un joven y atractivo entrenador personal al que le sonríe la vida. Tras un año sabático, acaba de ser contratado por el mejor gimnasio de la ciudad, y todo parece ir sobre ruedas. Pero su mundo da un vuelco cuando empieza a sentirse mal, acude al hospital y recibe una noticia inesperada: está embarazado. Y es que, en realidad, Ángel es un hombre trans al que sólo le faltaba un último paso para completar su transición y ahora deberá enfrentarse a una decisión que pondrá a prueba su identidad, sus sueños y la forma en que entiende su propia masculinidad.

 

Patricia Ortega

Nacida en Venezuela en 1977, vive afincada en Sevilla. Es licenciada en Comunicación Social y graduada en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños EICTV (Cuba), en la especialidad de dirección. También se graduó en la FILMAKADEMIE de Ludwigsburg (Alemania) en la especialidad de dirección documental.

 

Yo, Imposible (2018) es su ópera prima. Distribuida por HBO en Estados Unidos, logró la Espiga Arcoiris en la Seminci 2018 y fue seleccionada como precandidata a los premios Oscar 2020 en representación de Venezuela. 

 

A continuación llegaría Mamacruz (2023), protagonizada por Kiti Mánver. La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Sundance y recibió el premio al mejor Largometraje de Ficción en el Festival de Nashville. Fue nominada a un premio Goya y a dos premios Feroz, incluyendo Mejor Película de comedia. También ganó 4 premios Carmen y un premio ASECAN, entre otros.

 

9 Lunas es su tercer largometraje.

                                                                                                                     

9 LUNAS es una producción de Olmo Figueredo González-Quevedo para La Claqueta PC con la producción ejecutiva de Sara Gómez y en coproducción con La Cruda Realidad, Amania Films y Menuetto Films (Bélgica). Cuenta con la ayuda del Ministerio de Cultura ICAA, el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, de Europa Creativa MEDIA, del fondo Eurimages y del Belgian Tax Shelter, así como con la participación de Movistar Plus+ y Canal Sur Radio y Televisión. Caramel Films se encargará de la distribución nacional.

La Claqueta

La Claqueta es hoy una de las productoras independientes españolas más consolidadas, capaz de combinar cine de autor presente en los principales festivales con títulos de fuerte impacto comercial y series premium para plataformas. Su trabajo se caracteriza por una apuesta constante por miradas autorales sólidas, historias con identidad y una producción que dialoga tanto con el público como con la industria.

En los últimos años, sus producciones han sido seleccionadas en festivales como Sundance, Toronto International Film Festival, San Sebastián o SXSW, y estrenadas en plataformas como Netflix, HBO, Amazon Prime Video, Disney+, Lionsgate+ o Movistar Plus+. Películas como La trinchera infinita demuestran que es posible unir ambición artística, reconocimiento crítico y solidez industrial, mientras que títulos como Tin y Tina se han convertido en auténticos fenómenos de audiencia, confirmando la capacidad de La Claqueta para conectar con públicos muy diversos sin renunciar a una voz propia.

Esa evolución se refleja en una filmografía reciente que incluye largometrajes como Mamacruz (Patricia Ortega), estrenada en el Festival de Sundance; Secaderos (Rocío Mesa), ganadora del Premio del Público en SXSW; o Los Tortuga (Belén Funes), Premio del Jurado en el Festival de Málaga y nominada a los Premios Goya. En el ámbito de la ficción seriada y el documental destacan títulos como Nacho y 548 días: captada por una secta, la serie de no ficción más vista en Disney+ España.

Actualmente, La Claqueta atraviesa uno de los momentos más activos y creativos de su trayectoria, con proyectos recientemente finalizados o en producción como 9 lunas (Patricia Ortega), Sacamantecas (David Pérez Sañudo), La ventana abierta (Ana Graciani) y Caballé (Patricia Ortega), reafirmando su apuesta por nuevas voces, cineastas consolidados y una producción contemporánea abierta a distintos públicos y formatos.

ENTREVISTA A ANTONIO VICENT, DIRECTOR DE "AVES DE CORRAL"

Ese viernes 6 de marzo se ha estrenado en cines de toda España Aves de Corral, el primer largometraje de Antonio Vicent, distribuido por Alfa Pictures.

Este thriller con elementos de comedia cuenta con un reparto de primer nivel encabezado por Diego Anido, Pedro Casablanc, Chechu Salgado, Olivia Baglivi, Antonio Durán “Morris”, José Luis García Pérez, Roberto Enríquez, Belén Écija, Daniel Ibáñez, Clara Alvarado y Roberto García. La película es una propuesta novedosa en la industria cinematográfica española, influenciada por el cine clásico anglosajón.

Al reparto se suma el talento de artistas emergentes como Álvaro Díaz, Ramón Robles, Roberto Hoyo y Lukas Cantó.

Sinopsis: Una peculiar banda criminal planea asesinar a un dirigente del CNI, pero el plan de fin de semana de una pareja de novios se cruza en su camino.

Notas del director: “En esta historia nadie tiene el control. No importa cuál sea el plan: algo va a fallar. Y eso aplica tanto a los personajes como, en cierto modo, al espectador. He hecho esta película pensando siempre en el público, en la hora y media que me dan para entretenerles cuando se sienten a verla. Es el público, al final, la razón de ser de la gran pantalla.”

Aves de Corral es una producción de Delicias 13 Pictures rodada en Madrid gracias al apoyo de la Comunidad de Madrid y la Film Office, en Toledo y el Guadalajara.

Antonio Vicent (Madrid, 1997) es director y guionista. Su pasión por el cine nació en la infancia, etapa en la que elegir cada noche una película para ver junto a su familia se convirtió en su más importante misión. Estudió Economía en la Universidad Complutense de Madrid y amplió su formación en el Trinity College de Dublín, donde descubrió su pasión por la escritura, un hábito que practica desde entonces casi a diario. En 2019 se trasladó a Nueva York para cursar un máster en Fordham University, periodo en el que escribió sus primeros guiones y dio comienzo a su trayectoria como cineasta. De vuelta en Madrid rueda su ópera prima, Aves de corral (2026).

Gracias a nuestrxs amigxs de Prisma Ideas hemos tenido la oportunidad de entrevistar al director de la cinta, Antonio Vicent. Éste es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- Antonio, para quien no sepa nada de la película, cuéntanos, ¿Qué es Aves de Corral?

ANTONIO VICENT.- Aves de Corral es una película que se mueve entre el thriller y un tono de comedia criminal. Es una sucesión de situaciones particulares que les ocurren a un grupo de personajes muy peculiares, en las que el humor, lo surrealista, lo absurdo y el humor negro conviven para darle el tono. El suspense, la confusión y la intriga por no saber qué viene después definen el estado de los propios personajes y del espectador. Tanto el espectador como los personajes van de la mano en ese sentido.

Carlos Penela.- Como decías, los personajes son muy particulares y parecen más perdedores, por ponerles una etiqueta, que auténticos villanos. ¿Te interesaba más explorar la torpeza humana que el mal en sí mismo?

ANTONIO VICENT.- Diría que me interesaba más explorar la realidad humana, que en muchas ocasiones es torpe, y, desde ese punto de vista, diría que hasta entrañable. Creo que es una cosa que caracteriza a esta película, en el sentido de que los buenos no son buenísimos y los malos no son malísimos. Los malos te provocan ternura, a mí al menos, todo el comienzo de la peli me la provocan, y sin embargo, no dejan de ser los malos, lo demuestran en la película. Y los buenos tampoco son perfectos, son muy frágiles, no son omnipotentes ni por asomo. A mí todo esto me interesaba mucho porque, honestamente, creo que nosotros somos complejos. Entonces, las historias que nos contamos deben reflejar esa complejidad. El hombre que es simpático por la mañana cuando te estás tomando el café, es perfectamente capaz por la noche ser el que te atormenta en el bosque. Ambas realidades pueden convivir en una sola persona, estamos hartos de verlo en las noticias, en los periódicos, etc. A mí me parece que eso es muy interesante, que da pie a explorar de distintas formas a varios personajes. Yo hago esto que se ve en la película, de introducir a una serie de personajes en el camión, y ahí se ven unos roles, una jerarquía, un funcionamiento del grupo masculino, que, honestamente, es una cosa que he podido observar a lo largo de mi vida, no estoy descubriendo ahora el mundo. Todo esto que te he dicho está además bañado con humor, que es una cosa que está muy presente en ese tipo de ambientes. Es un humor que no pretende existir. Ninguno de los personajes pretende ser gracioso.

Carlos Penela.- ¿Cómo fue el proceso de escritura de guion?

ANTONIO VICENT.- Bueno, pues muy divertido. A mí me gusta mucho escribir. Yo creo que hay ritmo en los diálogos, es una cosa que me gusta mucho, pero creo que lo más importante en un diálogo es que no parezca que está escrito. Inevitablemente todos los diálogos en cine están escritos, pero la magia del propio diálogo y del dialogante, es decir, de los actores, está en conseguir que nosotros, cuando lo estemos viendo, solamente estemos viendo a los personajes hablar. Esto a veces lleva a un error, incluso a mí me ha llevado en el transcurso de la elaboración de este guion, en el sentido que puedes acabar enterrándote a ti mismo en simplificar los diálogos. A más complejo, más exigente, y sin embargo no creo que sea interesante un diálogo que no aporta y un diálogo que da vueltas en torno a lo mismo sin sumar nada. A mí el diálogo que te dice mucho de aquel que lo está diciendo me interesa mucho. Creo que esto es lo que se ve en el camión, que al final todos los personajes se están dibujando a sí mismos ante el espectador a través de su comportamiento y de lo que se están diciendo unos a otros dentro de ese camión. La joya de cada diálogo está en ver a quien lo está diciendo a través de ese diálogo, no de la información que se está transmitiendo en el propio diálogo, ojo, que a veces también, porque yo soy muy de que nada sobre y de que nada esté porque sí. Luego está el tema de hacerlo desde el humor, creo ello que te da la oportunidad de acercarte y explorar situaciones y lugares a nivel de personaje que de otra manera no tienes oportunidad. El humor absurdo, el humor surrealista, el humor negro, no tiene reglas, en cambio, un diálogo naturalista o realista tiene unas reglas muy estrictas. Al final, colocar a personajes tan peculiares en situaciones tan particulares te dibuja un cuadro lleno de humor.

Carlos Penela.- En ese sentido, el tema del humor juega un papel muy importante dentro de la tensión criminal. ¿Crees que en el cine español todavía se utiliza poco esa mezcla de thriller y comedia negra?

ANTONIO VICENT.- Yo no lo he visto mucho en el cine español, no me atrevo a decir si se usa mucho o poco porque no me considero una enciclopedia en el tema. Lo que sí puedo decir es que en el cine americano se ha llegado a la excelencia en esta especie de género en sí mismo. Iba a decir mezcla de géneros, pero realmente creo que este tipo de comedia criminal ya se puede considerar un género en sí mismo. Hay grandísimos exponentes de esto en los 90 y principios de los 2000. Recuerdo perfectamente que cuando estábamos preparando la película, gente que ha participado en ella y que ha aportado un montón me decía, "oye, pero lo que tú pretendes no es nada fácil." Siempre pensé que eso no era muy relevante en cuanto a decidir si hacerlo o no hacerlo. ¡Qué triste sería que sólo si tienen películas fáciles de hacer! Yo tenía la certeza de que se podía hacer, una certeza infantil, porque había crecido viéndolo. Entonces, la dificultad está en hacerlo sin repetirlo. A mí me halaga mucho que viendo mi película se hable de Tarantino, de los Coen o de Guy Ritchie.

Carlos Penela.- Te iba a preguntar por eso, si de forma más consciente o inconsciente los tenías como referencias a la hora de hacer el guion.

ANTONIO VICENT.- De alguna forma es imposible que me separe de las nociones que yo tengo del cine de estos directores, he crecido viéndolos a partir de mis 13, 14 años yo he visto mucho todo ese cine. Entonces es imposible a partir de entonces ser Antonio Vicent y eliminar esa parte de tu vida, de tu conocimiento, de tu gusto, de tu disfrute, de tus mejores ratos y demás, con el cine que han ocurrido con esas películas. Eso me daba tranquilidad, probablemente la misma tranquilidad que como cuando estás escribiendo un diálogo y no te convence. Tienes dos opciones, mantienes el diálogo y lo trabajas para que mejore o llegas a la conclusión de que ese diálogo en concreto, la situación de lo que están hablando, hacia dónde está yendo, no hay forma de que sea bueno por mucho que lo trabajes. Eso a mí no me pasó nunca en esta película. Y creo que a lo mejor tienen que ver estas otras películas, el saber de la existencia de ellas, la complejidad de sus diálogos y todas estas cosas, porque de alguna forma eso estaría en mi cabeza, pensando yo sé que se puede enredar mucho una trama y generar caos y aún así llegar a un nivel alto cinematográficamente. Por ejemplo, yo recuerdo perfectamente las primeras veces que yo vi Pulp Fiction con alguna gente, y la primera vez que la vi yo. Nadie te dice "con este visionado me ha válido", no, yo eso no lo recuerdo. Sin embargo, recuerdo frases del tipo "esto es un puñetero lío", "entonces esta parte, a ver, ¿esto va antes o después de aquello?" Todo el mundo decía "jo, tengo que verla otra vez", "quiero verla otra vez", con ganas, no por necesidad o por ausencia de un entendimiento, sino decir "qué bien, hay más en esta película". Y a mí me pasa mucho con esta película, gente que ha visto Aves de Corral y me viene y me dice "tengo ganas de verla otra vez porque es que esto tal y cual". Eso es genial. Creo que lo que sería una pena es caer en el error de pensar que eso es una carencia cuando ocurre en una película. Yo creo que es una carencia cuando se ha intentado evitar y no se ha logrado evitar, entonces sí es una carencia. Pero cuando tú estás haciendo ese tipo de películas, que alguien te venga y te diga "es que creo que no he entendido todo", dices, pues genial, no pasa nada, no hay por qué entenderlo. Yo recuerdo a la gente saliendo de Origen diciendo qué chulada, cómo mola, y no entiendo nada del final. Mucha gente que ha visto Aves de Corral más de una vez me ha dicho "es que mejora, mejora cada vez que la veo." ¡Es fantástico! Aunque creo que se equivocan, en el sentido de que la película no puede mejorar porque es la que es, lo que sí que ocurre es que todo lo que te ha gustado en la primera vez sigue ahí la segunda vez. Entonces estás partiendo ya de un primer visionado y añades un segundo, por lo que entonces te parece como que ésta vez ha sido aún mejor. No es que sea mejor, es que se ha nutrido de la primera también, pero la película es la misma.

Carlos Penela.- La película tiene un estilo visual muy particular, ¿Cómo lo definirías? 

ANTONIO VICENT.- Bueno, yo creo que depende muchísimo de qué parte de la película estamos hablando, de qué plano en concreto, de qué situación. Es verdad que en la película hay un tratamiento estético del plano donde se respeta mucho el mismo.

Carlos Penela.- Sí, te lo quería comentar. En determinadas producciones estamos acostumbrados, sobre todo en las americanas, a un montón de planos y cortes cada pocos segundos, que además te dificultan el seguir la historia. En cambio, en tu película me encantan esos planos largos, sin cortes apresurados, que te hacen disfrutar la escena. Es una parte del estilo visual al que me refería. Al igual que las escenas nocturnas y esos planos amplios.

ANTONIO VICENT.- Eso es totalmente intencionado. Yo soy un ferviente defensor de que la buena realización, la buena dirección, encuentra entre sus síntomas la cámara indetectable. Cuando todo el mundo celebra un plano secuencia a mí me suele parecer sospechoso. No es culpable todavía, porque tendría que estudiarlo, pero me resulta sospechoso. Habrá que juzgarle. ¿Por qué? Porque si todo el mundo lo celebra, es que todo el mundo lo ha visto. Y eso no suele ser un buen síntoma de un plano cinematográfico. Porque el director de cine, tal y como yo lo entiendo, su papel es contar una historia y no hacer alarde de su capacidad de dirección. Y no hay menor alarde que la ausencia. El ausente es el que menos alardea. Entonces, cuando tú ruedas un plano secuencia y no te viene la gente en masa al final de la película, bien. Pero cuando te viene un montón de gente y te celebra un plano, yo revisaría el plano. En cambio, cuando no es un motivo de celebración porque la historia la has contado y a la gente no le has estorbado, la gente está en la historia y no está en la cámara, eso es bueno. Nosotros eso lo teníamos muy claro y lo perseguimos mucho. Es una forma de rodar que requiere muchísimo más de algunos aspectos, por ejemplo, requiere más coreografía, requiere más confianza en el actor, etc. Si al actor tú no le cortas durante dos minutos, el actor no puede fallar durante dos minutos. El actor está obligado a darte excelencia en cámara durante un periodo continuado de dos minutos. En cambio, si tú al actor le das tomas de una media de 3 segundos, planos de media de 3 segundos o cosas así, que no es ninguna locura en el cine de hoy en día, el actor puede trabajar a picos, sabe que está cubierto, que está protegido. Y el director también sabe que está protegido de los fallos del actor. Entonces, a mí me gusta mucho trabajar con los actores y me gusta mucho el buen actor de cine, y en esta película abundan. Yo siempre confío y me apoyo mucho en ellos. Cuando yo separo la cámara, a veces la cámara baila con ellos y a veces no, a veces la fijo. Depende también de un aspecto narrativo esto, pero en ambos ejemplos lo que hay es confianza en el actor, y yo creo que es una confianza que se ha visto recompensada.

Carlos Penela.- Antonio, la película tiene un reparto muy potente, por citar solo algunos, Pedro Casablanc, José Luis García Pérez o Antonio Durán "Morris".  ¿Cómo ha sido para ti en tu primer largometraje dirigir a intérpretes con trayectorias tan consolidadas?

ANTONIO VICENT.- Pues un lujo y una fuente de aprendizaje. Yo creo profundamente que el cine es un arte colaborativo. No creo que exista el director que lo hace todo. Creo que existe el director que dice que lo hace todo, y creo que todos conocemos ejemplos, pero no existe el que lo hace realmente, porque es imposible. Es imposible que exista incluso. Entonces, yo eso lo tuve muy claro desde el principio. Yo soy, de todos los que mencionabas, soy la persona que menos sets de rodaje ha pisado. Entonces me parece que es por mi parte, de una enorme normalidad, honestamente, entender que yo estoy trabajando en un personaje con José Luis García Pérez, con Antonio Durán Morris, con Diego Anido, con Pedro Casablanc, con Roberto Enríquez, etc, y van a tener mucho que aportarme, y a mí lo que me toca es dirigir la aportación también. El director no es la única voz, el director es la última voz. Yo siempre he estado muy muy contento de que los actores traigan propuestas, es una maravilla cuando estás dirigiendo a un actor y te trae una propuesta, porque demuestra un nivel de implicación asombroso. Luego ya ahí llega la parte de ser director que es, oye, pues hay propuestas que sí, y hay propuestas que no, hay propuestas que las utilizas y hay propuestas que no. Todo esto  es un enorme placer, honestamente, el poder hacerlo. Yo creo que los actores han disfrutado también de ese proceso, la película, sobre todo, que es lo más importante, se ha enriquecido. A mí me han dado sugerencias que yo he puesto en práctica y la película lo ha mejorado. Y entonces he aprendido mucho de ellos, he aprendido mucho con ellos y he mejorado mucho gracias a ellos. Esta ha sido mi experiencia con estos actores. Así que ahora, lo que te decía, lo que más ha aumentado en mi vida en esta película es la enorme deuda de agradecimiento, deuda de gratitud.

Carlos Penela.- Para finalizar la entrevista, ¿Qué has aprendido y con qué te quedas de haber hecho Aves de corral?

ANTONIO VICENT.- Pues mira, he aprendido, uno, que el actor de cine español, los actores y actrices del cine español son artistas. No quiere decir que antes no supiese que lo eran, sino que a lo mejor no era consciente de hasta qué punto esto era importante. Yo he hecho una película muy difícil de hacer a nivel guion arriesgado, había gente que me advertía de ello. Es una película incómoda de hacer en cuanto a que no hay comodidades, es una película que requiere que todos estemos remando a favor todo el tiempo sin descanso durante rodaje, que la preproducción todo el mundo exprima lo poco que tenemos al máximo, me refiero en cuanto a ensayos y demás. Y les ha llegado el guion de alguien que, honestamente, no es nadie, que soy yo, lo han leído, y porque lo han leído y les ha gustado, han querido participar. Esto tiene un valor inmenso para mí, porque eso es real. Él "me ha gustado, quiero hacerlo y traigo una propuesta", eso es muy real. Y eso sólo es posible cuando el actor es artista. Para mí es la prueba irrefutable de que los actores y actrices españoles son artistas por encima de todo. Luego, he aprendido también que hacer cine viene definido por con quién haces cine, es un viaje arduo, pero es un viaje que resulta ilusionante, excitante y demás, dependiendo de con quién lo haces, y yo he tenido la suerte de que lo he hecho con un equipo y unos sectores maravillosos. No sabía lo afortunado que había sido cuando empezó la película, lo supe a medida que iba avanzando la cosa y es algo que quiero repetir el resto de mi vida. También he aprendido mucho de guion, montando la película, es la última escritura, y ahí aprendí mucho, aprendí mucho de ritmo, he aprendido de tono, he aprendido de dificultades de rodaje, de ficción en rodaje. Honestamente, creo que soy mejor director hoy que lo era el primer día que empecé a rodar.

"UNA CONVERSACIÓN PENDIENTE" SE PRESENTA ESTA NOCHE EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA

Un relato íntimo sobre la amistad, el amor no correspondido y la valentía emocional

El cortometraje Una conversación pendiente, dirigido por Cecilia Gessa y protagonizado por Carlos Bardem y Salva Reina, tendrá su estreno hoy en España en la 29ª edición del Festival de Málaga, donde competirá en la Sección Oficial de Cortometrajes. La película se proyectará a las 22:00 horas en el cine Albéniz.

Rodado en junio de 2025 en localizaciones de Cuenca, el corto construye su relato a partir de una única noche y una conversación que altera definitivamente la relación entre dos amigos. Producido por Gessas Producciones junto a Amca Producciones, Gosua Films, Sissi Films, Soren Films, Hackeo Productions y Jarana Films, la película sitúa el conflicto en la intimidad de una habitación de hotel, mientras el casco histórico de la ciudad enmarca el inicio y el cierre del relato.

La dirección de fotografía, a cargo de Manuel Galán, acompaña la evolución emocional de los personajes a lo largo de la noche. La iluminación, cálida y precisa, refuerza la intimidad del encuentro, mientras las sombras propias de la habitación de hotel aportan tensión y profundidad visual a una conversación que marca un punto de inflexión en la relación.

Dos amigos. Una noche. Una verdad que cambia todo

Tras una despedida de soltero, Raúl (Salva Reina) se acerca a la habitación de Santi (Carlos Bardem) para mantener una última charla antes del gran día. Lo que comienza como una conversación informal entre amigos evoluciona a lo largo de la noche hacia una confesión inesperada que pondrá en jaque su relación, revelando sentimientos silenciados durante años. A medida que avanza la madrugada y el amanecer ilumina la escena, ambos protagonistas se ven confrontados con su verdad más íntima.

La directora del cortometraje, Cecilia Gessa, indaga en el universo emocional de la historia a través de los matices de esta relación: “La amistad es uno de los mayores regalos de la vida, un vínculo que no exige sangre ni contratos, sino un entendimiento profundo y mutuo. Sin embargo, también puede ser un terreno complejo, lleno de matices y silencios”, explica.

En ese contexto, Gessa propone una reflexión sobre los vínculos prolongados en el tiempo y la incomodidad que puede surgir cuando los afectos cambian o se silencian: “A través de la relación entre Raúl y Santi quiero explorar esa complejidad, esa tensión que surge cuando los intereses ya no son los mismos o cuando la relación persiste más por hábito o conveniencia que por auténtico afecto”.

Foto: Anita Manez

Además, la directora pone el foco en una de las capas más sensibles de la historia: el amor no correspondido en el marco de una amistad. “Me interesa abordar la idea de la soledad en compañía: ese sentimiento de vacío que puede persistir incluso estando rodeado de gente, cuando no te sientes comprendido ni visto realmente por quienes te rodean. También quiero sumergirme en la experiencia emocional de enamorarte de un amigo y guardar ese sentimiento en silencio durante años”.

Con Una conversación pendiente, Cecilia Gessa entrelaza con sutileza temas como la amistad, la soledad y el deseo silenciado, ofreciendo un retrato emocionalmente honesto de cómo lo no dicho puede modificar profundamente la forma en que nos relacionamos.

SINOPSIS

Tras la celebración de despedida de soltero de Raúl, este va a buscar a Santi a su habitación de hotel para una última charla. Lo que parecía una conversación casual se transforma en una confesión inesperada que pone a prueba su amistad y desvela sentimientos ocultos.

Un equipo con visión y compromiso

Además de un elenco de primer nivel, el cortometraje cuenta con un equipo técnico encabezado por Cecilia Gessa (dirección), Manuel Galán (dirección de fotografía), David Santamaría (montaje) y Luis Delgado (dirección de arte). El guion ha sido escrito por Cecilia Gessa y Nico Frasquet. La producción corre a cargo de Gessas Producciones, Amca Producciones, Sissi Films, Soren Films, Gosua Films, Hackeo Productions y Jarana Films.

Cecilia Gessa, reconocida por su firme compromiso social y su sensibilidad artística, ha sido galardonada con premios como el Premio Rayo Verde (Academia de Cine y Greenpeace), el Premi Dafne al mejor proyecto social por Princesa, y el Premio MUM por su defensa de la igualdad.

Cecilia Gessa: una cineasta con voz propia y visión transformadora

Cecilia Gessa, procedente de un entorno artístico, cuenta con una sólida trayectoria en el sector audiovisual. Ha trabajado como actriz en 58 títulos, ha dirigido 12 producciones teatrales y ha estado al frente de 18 proyectos audiovisuales, siendo reconocida con 11 premios a lo largo de su carrera. Actualmente, ejerce como directora y productora al frente de su propia compañía, Gessas Producciones S.L.

Ha sido galardonada con el Premio MUM (Mujeres Unidas contra el Maltrato) en el Ateneo de Madrid por su defensa de la igualdad y la erradicación de la violencia contra las mujeres. También ha recibido el Premi Dafne al millor projecte social 2023 por el cortometraje Princesa, el Premio Rayo Verde otorgado por la Academia de Cine y Greenpeace por su compromiso medioambiental y social, y el Premio Linda Chacón en el Certamen Internacional de Cortometrajes El Pecado.

Entre sus trabajos más destacados figura su primera serie como creadora y productora, Relatos con-fin-a-dos, realizada junto a Álvaro Longoria (Morena Films) para Amazon Prime Video. También impulsó la campaña Juntas somos más fuertes con motivo del 8M, que contó con la participación de relevantes figuras del ámbito cultural.

Es miembro de CIMA (Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales), EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales) y DAMA (Derechos de Autor de Medios Audiovisuales).

"CORREDORA", LA ÓPERA PRIMA DE LAURA GARCÍA ALONSO SE ESTRENA EN LA SECCIÓN OFICIAL DEL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

Corredora, la ópera prima de Laura García Alonso, llegará a los cines el próximo 29 de mayo distribuida por Elastica. Antes de su estreno en salas, la película competirá esta tarde en la Sección Oficial de la 29 edición del Festival de Málaga. 

Corredora es el debut como protagonista de la actriz Alba Sáez, junto a Marina Salas y Àlex Brendemühl. El guion es de Laura García Alonso y Pol Cortecans (Sé quién eres, Todos mienten).

Corredora retrata un universo poco explorado en la ficción, el de la salud mental en el deporte de élite. Y sobre este eje pivotan temas tan humanos y universales como la aceptación, la reconciliación, la autoexigencia o el miedo al fracaso.

Sinopsis: Cris, una corredora de élite, sufre un brote psicótico que la obliga a alejarse de la alta competición. No todos a su alrededor podrán o sabrán cómo ayudarla pero Natàlia, su hermana, será su lugar de refugio para aceptar su condición y redefinir su ritmo de vida.

El último cortometraje de García Alonso, Tormenta de verano, producido por Miriam Porté y ganador de la Biznaga de Plata al Mejor Actor en el Festival de Málaga 2023, también reflexiona sobre la enfermedad mental en el entorno familiar. Tras esta experiencia ambas vieron que este tema merecía una exploración más profunda, e iniciaron juntas el desarrollo del largometraje Corredora. A diferencia del corto, en el que el tema se trataba desde el punto de vista del cuidador, en el caso de Corredora los hechos se narran desde la perspectiva de quien vive el trastorno en primera persona.

La directora expresa: “La protagonista vive aquello que más temen los deportistas: una lesión. Sufre un brote psicótico que requiere hospitalización. Su lesión resulta invisible para los otros, incluso a veces para ella misma. Tengo la sensación de que la representación que hace el cine sobre la enfermedad mental está frecuentemente estigmatizada. Quiero creer que podemos construir una narrativa diferente, una historia donde haya espacio para la lucha y la renuncia, para el conflicto y la aceptación.”

Corredora es una producción de Miriam Porté para Distinto Films (Sorda, Una quinta portuguesa), en coproducción con María Zamora para Elastica (Romería, Alcarràs, O Corno) y Àngels Masclans para Dos Soles Media (Romería, Esmorza amb mi). Cuenta con la financiación de ICEC e ICAA y con la participación de 3Cat y RTVE. La película será distribuida en España por Elastica. De las ventas internacionales se encarga Latido Films.

El proyecto, en fase de escritura, formó parte del prestigioso laboratorio de guiones internacional del Mediterranean Film Institute (MFI, Grecia), y a nivel nacional ha participado en el Laboratorio de Escritura de Guion de la SGAE, Acció Viver de Dones Visuals y la Residencia de escritura de guiones Faberllull. Durante el proceso de postproducción participó en los laboratorios C EU Soon del MIA Market y el European Work in Progress en Hamburgo donde fue galardonado con un premio para la postproducción de sonido.

La película, en versión original catalana, se rodó en Barcelona y Zaragoza. La dirección de fotografía de la película se ha confiado en Gina Ferrer García, conocida por éxitos como 20.000 especies de abejas y Sorda.

Las productoras de la película, Miriam Porté, Àngels Masclans y María Zamora, explican su motivación a la hora de hacer esta película: "Tanto la directora como nosotras, como productoras, estamos interesadas en hablar sobre la salud mental. Son enfermedades invisibles y cinematográficamente hay pocas propuestas que lo traten en toda su complejidad. Actualmente vivimos en un entorno lleno de presiones, tanto internas como externas, que favorecen la aparición de este tipo de trastornos, y por ello creemos que es un tema que nos interpela cada vez más como sociedad. Nos interesa mucho la mirada de Laura García Alonso sobre este tema, por la solidez y madurez de su puesta en escena en esta ópera prima, y por su punto de vista tan cercano a lo que nos cuenta".

LAURA GARCÍA ALONSO

Graduada en ESCAC. Su cortometraje, Tormenta de verano, protagonizado por Àlex Monner y Lola Dueñas, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI), y participó en la Sección Oficial del Festival de Cine de Málaga, donde Àlex Monner obtuvo la Biznaga de Plata al Mejor Actor.

Su primer cortometraje, Alex, protagonizado por Greta Fernández, Mónica López y Laia Marull, fue seleccionado en el 62 Festival de Cine de San Sebastián y estuvo nominado a los VII Premios Gaudí de la Academia del Cine Catalán.

Corredora es su debut como directora en el campo del largometraje.

ENTREVISTA A LOS DIRECTORES GAIZKA URRESTI Y RAFAEL MALUENDA - "FORQUÉ, EL OFICIO DE HACER CINE" - ESTRENO HOY EN EL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

El largometraje documental Forqué. El oficio de hacer cine, codirigido por Gaizka Urresti y Rafael Maluenda, participa hoy en la 29ª edición del Festival de Málaga dentro de la sección Documentales. Pases Especiales. La película se proyecta este sábado 7 de marzo a las 21:00 horas en el Auditorio Christine Ruiz-Picasso.

Con 103 minutos de duración, el documental recupera la figura de José María Forqué, cineasta cuyo nombre identifica hoy uno de los galardones más relevantes del cine español, pero cuya figura permanece menos reconocida de lo que su aportación histórica merece.

“Estamos muy agradecidos por la invitación a presentar nuestra película en el Festival de Málaga. Es un punto de encuentro clave para los profesionales del cine español y, en ese marco, la figura de Forqué cobra un sentido especial: fue un profesional modélico que amaba el cine y que, con EGEDA, dio un paso decisivo para el impulso de nuestra industria. Presentar este documental aquí es, en cierto modo, volver a situar su legado en el centro del sector”, afirma Rafael Maluenda.

Para Gaizka Urresti —nominado al Forqué y al Goya por Eloy de la Iglesia. Adicto al cine— el proyecto nace de una voluntad de reivindicación histórica y de un proceso creativo que dialoga con su trabajo reciente: “La creación de este documental coincidió con la de Eloy de la Iglesia. Adicto al cine. Paradójicamente, el filme sobre José María Forqué estaba más avanzado, pero tuvimos que posponerlo para terminar el de Eloy. Trabajar en paralelo sobre ambos ha sido apasionante: dos vidas y dos filmografías casi antagónicas, dos maneras muy distintas de entender el cine, la del cineasta poseído por la necesidad de filmar y la del profesional que hizo del oficio su vocación. Dos caminos distintos, y ambos capaces de dar lugar a grandes películas.

Desde adolescente sentí fascinación por los documentales dedicados a las estrellas del cine clásico de Hollywood, películas que no solo retrataban a cineastas y actores, sino que explicaban una forma de entender el oficio y toda una época del cine. Con este documental hemos querido acercarnos a ese modelo, trasladándolo a nuestra propia historia y reivindicando la importancia del cine clásico español a través de figuras como José María Forqué, que contribuyeron decisivamente a construir nuestra industria y nuestro imaginario cinematográfico.”

En el documental participan, entre otros, Rafael Maza —quien interpreta a José María Forqué— junto a Enrique Cerezo, Pedro Mari Sánchez, Nacho G. Velilla, Ana Asión, Agustín Sánchez Vidal, Luis Alegre, Julia Gutiérrez Caba, Luisa Gavasa, Emilio Gutiérrez Caba, Carlos Areces, Juanjo Puigcorbé, Santiago Aguilar, Antón Castro, Vicky Calavia, Alberto Jiménez, Julio Peña, Pepe Sacristán, Jorge Asín, Fernando Méndez-Leite y Bernardo Sánchez.

El documental está producido por Urresti Producciones, Un hombre sin más AIE e Imval Producciones con la colaboración de Aragón TV, Movistar y RTVE, y el apoyo de DPZ, Ayuntamiento de Zaragoza, Comunidad de Madrid, Gobierno de Aragón e ICCA-Ministerio de Cultura. Distribuye 39 Escalones.

La dirección corre a cargo de Gaizka Urresti y Rafael Maluenda, con guion de Rafael Maluenda. La producción está firmada por Elisa Múgica, Luis Ángel Ramírez y Gaizka Urresti, con producción ejecutiva de Elisa Múgica.

La dirección de fotografía es de Pepe Añón; el montaje, de Alejandro Miranda y Gaizka Urresti; la música, de Miguel Ángel Remiro; la edición de sonido, de Lilián Violadé; la mezcla, de Adolfo García (Estudios Roma); la dirección de arte, de Ana Sanagustín; y el maquillaje y peluquería, de Irene Tudela y Abilio Langa.

SINOPSIS

Los premios que llevan su nombre son símbolo de prestigio en el cine español, pero José María Forqué sigue siendo una figura poco reconocida. Este documental recupera su legado a través de su propia voz y la de quienes trabajaron con él. Un recorrido por el cine popular español —desde los éxitos de los años 50 y el Oso de Plata en Berlín hasta su consolidación en la comedia y la televisión— y el retrato íntimo de un cineasta que solía decir que era conocido solo como ‘el padre de Verónica Forqué’.

LA ENTREVISTA

Gracias a nuestras amigas del Ana Ros Comunicación hemos podido entrevistar a Gaizka Urresti y Rafael Maluenda, directores de la cinta, antes del pase de la cinta esta noche en Málaga. Éste es el resultado de la entrevista, que os ofrecemos en nuestra colaboración con MagaZinema:

LOS DIRECTORES

Gaizka Urresti (Bilbao, 1967) es director, productor y guionista de cine. Ha producido a cineastas como Carlos Saura, Agustí Villaronga y Santiago Tabernero, entre otros. Ha dirigido 17 cortometrajes y 8 largometrajes —siete de ellos documentales, como El último guion. Buñuel en la memoria, Autorretrato o Terapia de parejas, y la ficción Bendita Calamidad—, todos reconocidos con múltiples premios.

Entre sus galardones destacan el Goya al cortometraje por Abstenerse Agencias (2014) y el Goya y el Forqué al largometraje documental por Labordeta, un hombre sin más (2023). El pasado año estrenó en cines Eloy de la Iglesia. Adicto al cine, que supone su quinta nominación a los Premios Goya con una película dirigida y producida por él, además de la nominación al Forqué 2025.

Rafael Maluenda (Monóvar, Alicante, 1967) es cineasta y gestor cultural. Formó parte de los equipos de dirección de Luis García Berlanga en títulos como Todos a la cárcel, Blasco Ibáñez y París Tombuctú. Ha dirigido el documental Berlanga!! (2023) y fue director del Festival Internacional de Cine de Valencia – Cinema Jove entre 2000 y 2016. En 2011 creó el Berlanga Film Museum y actualmente produce y dirige en Valencia las sesiones Claves para el cine en el Centro del Carmen Cultura Contemporánea.