¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
Este pasado jueves jueves se estrenó solo en cines Star Wars: The Mandalorian and Grogu, la vuelta de Star Wars a la gran pantalla después de 7 años.
La película se estrena en 950 pantallas de 355 cines en España y lleva vendidas aproximadamente 50.000 entradas en preventa.
El director, coguionista y productor Jon Favreau y el Mandaloriano y Grogu, visitaron Madrid como parte del tour global de la película que marca el regreso de Star Wars a la gran pantalla siete años después.
La nueva película de Star Wars está dirigida por Jon Favreau y protagonizada por Pedro Pascal, Sigourney Weaver y Jeremy Allen White. Producida por Jon Favreau, Kathleen Kennedy, Dave Filoni e Ian Bryce, con música compuesta por Ludwig Göransson.
Sinopsis: El Imperio ha caído y los señores de la guerra imperiales siguen dispersos por toda la galaxia. Mientras la incipiente Nueva República trabaja para proteger todo por lo que luchó la Rebelión, ha reclutado la ayuda del legendario cazarrecompensas mandaloriano Din Djarin (Pedro Pascal) y su joven aprendiz Grogu.
Sobre la película
Han pasado siete años desde que Star Wars abandonó la gran pantalla, pero The Mandalorian and Grogu llega con la sensación de acontecimiento que tenían aquellas películas que convertían una sala de cine en una experiencia colectiva. Jon Favreau no intenta reinventar la galaxia creada por George Lucas; lo que hace es algo mucho más difícil: recuperar la emoción aventurera que convirtió a Star Wars en un fenómeno cultural irrepetible. La película abraza sin complejos el espíritu pulp, el western espacial y la fantasía clásica que definieron la trilogía original, pero filtrados ahora a través de una sensibilidad moderna que entiende perfectamente por qué millones de espectadores siguen sintiendo esta saga como un hogar emocional.
Lo primero que deslumbra es su escala cinematográfica en esta transición de la serie de Disney+ a la pantlla grande. Las persecuciones espaciales, las secuencias de combate y los vuelos entre planetas tienen una amplitud visual que recuerda a las grandes aventuras galácticas de los años ochenta, pero con una factura técnica espectacular. Favreau entiende que Star Wars siempre ha sido una mezcla entre tecnología punta y artesanía clásica, y aquí vuelve a apostar por criaturas físicas, escenarios llenos de textura y una puesta en escena que transmite sensación de universo vivo.
Pero si algo mantiene el corazón de la película latiendo constantemente es la relación entre el Mandaloriano y Grogu. Lo que comenzó como una inesperada conexión emocional en televisión se convierte aquí en el verdadero motor de la historia. Pedro Pascal dota al Mandaloriano de una humanidad silenciosa que recuerda a aquellos héroes lacónicos del western crepuscular, mientras que Grogu continúa siendo uno de los mayores hallazgos recientes de la franquicia. Más allá de su irresistible ternura, el personaje transmite inocencia, curiosidad y vulnerabilidad en medio de una galaxia dominada por la violencia y el caos. Cada escena compartida entre ambos desprende una química que hace que el espectador vuelva a conectar emocionalmente con el universo Star Wars.
Uno de los mayores aciertos del filme es que recupera la sensación de aventura episódica clásica. Durante demasiado tiempo la saga quedó atrapada entre árboles genealógicos, profecías y conflictos gigantescos que parecían obligados a decidir el destino del universo entero. The Mandalorian and Grogu opta por algo mucho más cercano al espíritu original: héroes errantes atravesando mundos peligrosos, personajes secundarios extravagantes, criaturas imposibles, cantinas llenas de vida y misiones donde lo importante no es únicamente salvar la galaxia, sino sobrevivir un día más. Esa sencillez narrativa juega sorprendentemente a favor de la película.
También resulta especialmente estimulante la manera en que la película explora la Nueva República. Lejos de presentar un sistema perfecto tras la caída del Imperio, el filme muestra una galaxia todavía fragmentada, insegura y llena de heridas abiertas. Ese trasfondo político nunca ahoga el espectáculo, pero sí aporta una capa de madurez muy interesante. Hay una sensación constante de que el universo sigue reconstruyéndose tras décadas de guerra, y eso da al relato una melancolía muy propia del mejor Star Wars.
Visualmente, la película está repleta de imágenes que parecen sacadas directamente de los recuerdos de infancia de varias generaciones. Los desiertos infinitos, las naves desgastadas por mil batallas, los mercados alienígenas rebosantes de criaturas extrañas o las persecuciones aéreas entre montañas evocan constantemente el legado visual de George Lucas sin caer en la simple copia nostálgica. Favreau demuestra que entiende algo esencial: la nostalgia funciona mejor cuando se mezcla con descubrimiento. Por eso la película logra sentirse familiar y nueva al mismo tiempo.
La banda sonora merece una mención especial. Sin depender constantemente de los temas clásicos de John Williams, la música sabe cuándo acariciar la memoria emocional del espectador y cuándo construir una identidad propia. Los momentos de aventura tienen energía, las escenas íntimas poseen una sensibilidad inesperada y determinadas notas musicales consiguen activar inmediatamente esa conexión sentimental que solo Star Wars sabe despertar. Hay secuencias enteras que parecen diseñadas para recordar por qué el cine de aventuras sigue teniendo una capacidad única para hacernos soñar.
Otro aspecto especialmente disfrutable es el tono. La película recupera el sentido de diversión pura que tantas veces se ha perdido en grandes franquicias modernas obsesionadas con la solemnidad. Aquí hay humor, ritmo, criaturas extravagantes y una voluntad constante de entretener. Incluso en sus momentos más oscuros, la película nunca olvida que Star Wars nació como un serial de aventuras pensado para emocionar y maravillar al público. Esa ligereza, lejos de restarle importancia, termina siendo uno de sus mayores encantos.
Quizá The Mandalorian and Grogu no pretenda redefinir el futuro de la saga, pero sí consigue algo que muchos consideraban más complicado: recordar por qué tantos espectadores se enamoraron de este universo hace décadas. La película entiende que Star Wars no vive únicamente de la épica, sino también de la emoción sencilla de acompañar a personajes carismáticos mientras cruzan una galaxia llena de peligros, esperanza y misterio. Y cuando las luces de la sala se encienden, queda esa sensación tan difícil de explicar y tan maravillosa al mismo tiempo: la de haber vuelto a casa.
Cowgirl, dirigida por Cristina Fernández Pintado y Miguel Llorens (Cosas que hacer antes de morir), y protagonizada por Isabel Rocatti, Carlos Cuevas, Pep Munné y Joaquín Climent, se ha estrenado en cines de la mano de Filmax. Completan el reparto de esta comedia romántica Carles Sanjaime, Verónica Andrés y Àngel Fígols, y cuenta con la colaboración especial de Mamen García y Amparo Fernández. Rafael Albert firma el guion, con la colaboración de Cristina Fernández Pintado y Miguel Llorens. Una feel good-movie de personajes entrañables y que pone en valor la vida rodeada de naturaleza.
Sinopsis: Empar, una granjera de 60 años, necesita que su vaca Tona se quede preñada para mantener su granja. Tras varios intentos fallidos, pide ayuda a Bernat, dueño de la mayor granja de la zona. Cuando Tona lo consigue, el veterinario advierte que la gestación es de riesgo. Empar se enfrenta al pueblo para proteger la tranquilidad de su vaca. Con la ayuda de Riqui, un joven recién llegado, y Bernat, descubrirá que nunca es tarde para comenzar de nuevo.
Rodada en el parque natural de La Tinença de Benifassà y las comarcas de El Maestrat y Els Ports de Cowgirl es una producción de The Fly Hunter, Aguacate & Calabaza Films y Produccions Quart; con la producción y producción ejecutiva de Lorena Torres, Núria Velasco, Anaïs Schaaff y Abigail Schaaff, y la producción delegada de Jorge Velasco. Cuenta con la participación de RTVE, À Punt, 3Cat, y con el apoyo de IVC e ICEC.
Notas de los directores. "Cowgirl es una historia en la que la fertilidad de una vaca se convierte en destino para la vida de una mujer de 62 años que vive sola en una masía de un pueblo diminuto de la comarca de Els Ports (Castellón). A través de esta simple peripecia, la película nos va descubriendo la vida de Empar, el complejo universo de relaciones humanas en un pueblecito de montaña, y una forma de vida que está íntimamente relacionado con la tierra, la tradición. Una historia donde las segundas oportunidades se revelan para todos los protagonistas de esta comedia romántica.
Cowgirl contiene mucho de aquello que conforma la vida, mucho de lo que nos agita y conmueve. Hay emoción, comedia, misterio y aventura; hay amor y drama. Un complejo cosmos donde las relaciones, las experiencias y los vínculos con el paisaje son los absolutos protagonistas."
Gracias a nuestras amigas de Revolutionary Press pudimos entrevistar, en el marco del BCN Film Fest, a la directora de la cinta, Cristina Fernández Pintado, así como dos de sus protagonistas, Isabel Rocatti y Carlos Cuevas. Además, tuvimos el honor de hacer la entrevista con nuestro grand amigo y compañero Carlos Garries (@Nexus101, Butaca 107). Éste es el resultado de la entrevista:
Carlos Penela.- Cowgirljuega con un imaginario muy reconocible como el western, pero lleva un terreno íntimo y contemporáneo. Cristina, ¿en qué momento sentiste que esa mezcla podía funcionar? ¿Lo habías planteado así desde el principio?
CRISTINA FERNÁNDEZ PINTADO.- Bueno, hay algo que ya venía en el guion de Rafael Albert, que él ya proponía. Es verdad que, claro, cuando coges un guion que no es tuyo de repente tienes que transitar por el universo y hacerlo tuyo. Había algo que yo quería hacer, que era darle capas de un tipo a esta historia, que igual en primigenio no estaban porque el guion apostaba más por la peripecia, por toda esta aventura casi heroica de Empar. Yo quería darle esas capas a una mujer que ha estado criada para cuidar, para sostener, para tener la mirada fuera continuamente, y que ahora se encuentra en un lugar de pérdida y que por primera vez empieza a auto descubrirse y a mirarse a sí misma. Entonces yo creía que podía encajar, porque al final es una aventura interna y una aventura externa, pero que a la vez todo tiene muchas capas. También está la peripecia de empeñarse en que su vaca para, que se quede embarazada, ello lleva silenciosamente otras muchas cosas: continuar un proyecto vital, seguir apostando por un tipo de vida, la permanencia, dejar huella en este mundo... Yo creo que han funcionado muy bien, creo que maridan muy bien.
Carlos Penela.- Isabel, ¿Cómo ha sido rodar en un paraje como ese?
ISABEL ROCATTI.- Uf, la naturaleza es allí muy potente, muy fuerte. Hay montañas potentes, pero hay unos valles... Allí la naturaleza te demuestra que es lo más maravilloso que tenemos en la Comunidad Valenciana. Es esa zona, es la más mágica. Se rodó en Morella, en Els Ports, en el Parque natural Tinença de Benifassà. Es maravilloso. Bueno, a mí me fascinó. Me quedé enamorada de esas montañas.
Carlos Garries.- ¿Y cómo ha sido rodar con una vaca?
ISABEL ROCATTI.- Yo nunca había tocado una vaca, nunca. Recuerdo que la acabé amando, y ella me amó a mí tal y como amó a todo el equipo. Yo aluciné, eran 500 kilos de vaca, y encima embarazada. Era una barbaridad. Recuerdo el día que subimos a conocer a la vaca, que fue bastante antes de empezar el rodaje, yo ese día pensaba que si la vaca y yo no congeniábamos, la que se iba del rodaje era yo, porque la vaca sí o sí se iba a quedar (risas). Así que pensé que debíamos hacernos amigas rápidamente. Hubo un momento en el que giró la cabeza, clavó en mi el ojo, fueron unos segundos, nos miramos, y a partir de ah, amigas, fue impresionante. Nunca me había pasado, yo soy una persona que nunca he tenido mascotas, no tengo relación con animales normalmente, y claro, yo estaba muy asustada. El trabajo con ella fue precioso, ¡y muy fácil!
Carlos Penela.- Isabel, tu personaje transmite mucha fuerza, pero también mucha fragilidad. ¿Cómo construyes un personaje con esa ambigüedad?
ISABEL ROCATTI.- Evidentemente depende de la escena. Yo, como actriz, supongo que hago lo que toca en cada escena. mi personaje Empar es una parte más de esta naturaleza que he descrito con una fortaleza preciosa, que es Morella. Ella es un elemento más del entorno, está criada allí, es una pieza más y tiene esa fuerza, la fuerza de la vida, a pesar de que ella se haya encerrado y haya querido morir, Y de ahí viene la fragilidad, de decir sí a la vida de nuevo: las nuevas personas que encuentra, hay una mirada hacia una misma de compasión, ella puede ver su herida y se puede mostrar vulnerable, sencillamente por haber dicho sí a la vida.
Carlos Garries.- Carlos, segunda película ya en el BCN Film Fest este año. ¿Cómo lo llevas?
CARLOS CUEVAS.- Es casualidad, de verdad. Sí que es verdad que llevo una racha muy larga. Mira, ahora para San Juan haré vacaciones, y hará tres años que no hacía. Sí que llevo muchos años trabajando, pero es también una casualidad que dos películas tan diferentes, de géneros tan diferentes, coincidan en la presente edición del Festival. Lo mejor de todo es que yo vivo en este barrio, por lo tanto, perfecto. Vengo caminando por estas calles que conozco, así que feliz, y muy contento de mostrar estas películas en casa y de poder compartirlas con los vecinos y vecinas del barrio.
Carlos Garries.- Y ese personaje tuyo, ¿Cómo lo trabajaste? Está muy bien la analogía entre lo que es el campo y lo que es la ciudad.
CARLOS CUEVAS.- A mí me interesó mucho la peli cuando la leí, primero por las novedades que me aportaba, y después por la materia en sí. Una película rural, una película con un personaje, con un entorno y un contexto complicado que decide jugar a tener un nuevo inicio en un lugar donde no es conocido, una relación con una persona de una edad diferente, la relación con los animales, todo esto era innovador y muy interesante para mí. La dirección de Cristina y de Miguel, hacer una película con esa fonética tan variada y rica (si yo tuviera un superpoder sería el de hablar tres o más idiomas), hacer una peli en valenciano, conocer Morella, estar allí desplazado y viviendo en el hotel... ¿Quieres más ingredientes? Lo más bonito del cine es la inmersión en un territorio, en una gente, y probar unos platos y unos olores, e impregnarte en un sitio que te ayuda con tu personaje.
Carlos Garries.- Cristina, Cowgirl es una película muy valenciana, hablada en valenciano, rodada en Castellón, todo ello impregna la película. ¿Es algo que tenías claro desde el principio?
CRISTINA FERNÁNDEZ PINTADO.- Sí, lo teníamos claro desde el principio, todo esto ya lo planteaba el guion, pero es algo que buscábamos especialmente con Miguel Llorens, el otro director, que ha trabajado mucho en el mundo rural y en el mundo de lo salvaje, es algo que le gusta mucho. La Comarca de Els Ports era el lugar perfecto, yo la conocía menos, es una comarca que linda con Cataluña, por lo que era una hermandad perfecta para esta coproducción. Ha sido muy importante respetar nuestra lengua, las tradiciones, sus variantes (las variantes de Els Ports), el apostar por la riqueza lingüística, que es fantástica. Al final la película está apostando por eso, por una vida rural que respeta la tierra y la tradición.
Carlos Penela.- Carlos, Isabel, la relación entre vuestros personajes tiene algo muy orgánico, casi de conexión invisible. ¿Cómo construisteis esa química en pantalla?
CARLOS CUEVAS.- Simplemente estando, pasando tiempo juntos, trabajando....
ISABEL ROCATTI.- Sí, estando. Personalmente puedo decirte que tengo una estima muy grande hacia Carlos, nos conocemos desde que era más pequeño, de la serie "Vent del Pla", todavía recuerdo la última escena que rodamos en la que estaba Carlos. Todo el equipo de los más mayores viendo y llorando de ver cómo ese niño había crecido. Esto a mi internamente me facilitó mucho el encuentro con Carlos y luego que como actos ha crecido muchísimo, es magnífico, y es un muy buen compañero de escena.
Carlos Penela.- El paisaje tiene una presencia muy potente, casi como un personaje más. ¿Cómo trabajasteis la relación entre entorno natural y estado psicológico?
CRISTINA FERNÁNDEZ PINTADO.- Pues mira, nosotros decidimos estar abiertos, en la intemperie, que es como vive la gente en el mundo rural, donde están expuestos a lo que pueda pasar. Nosotros decidimos también estar expuestos, no nos quedaba otra, las localizaciones eran naturales, pero viviéndolo de una manera positiva, que pasara lo que pasara aceptarlo, y que ello iría transformando la película, que es lo que pasa con los personajes. Los personajes hacen un viaje que los va transformando, y siempre abrazados a este entorno. Ese elemento cambiante está en todas partes, está en el paisaje y está en los mismos personajes que están haciendo un cambio vial interno, emocional y muy potente.
Carlos Garries.- Es que, además, el paisaje, el que estuvierais todos durante el rodaje en aquel pueblo, hace que se note una comunión entre todo el equipo, y eso se transmite en la pantalla.
CARLOS CUEVAS.- Yo también creo que esto es mérito de los directores, ¿no? De Miguel y de Cristina. A veces cuando me dicen, ¿Qué química tienes con tal actriz? Y dices, bueno, es que quizás hay un buen director detrás que sabe manejar todo eso. La química es algo tan relativo, a veces pasa y a veces no. Yo he tenido grandes resultados con gente con la que no me entendía y malos resultados con gente con la que me entendía mucho. Por tanto, también confío en el oficio de los directores, que son los que nos saben llevar por un sitio u otro, además de confiar en el propio oficio, que sabe o nos dice "bueno, vamos a contar esta historia".
Carlos Garries.- Al mismo tiempo, es una película donde has escogido a un personaje protagonista muy particular, esa vaca a través de la cual vemos cómo es todo el pueblo. ¿Cómo querías transmitir eso?
CRISTINA FERNÁNDEZ PINTADO.- Mira, yo creo que hay un poco de reivindicación, un pequeño grito de rebeldía de lo salvaje, que para nosotros es la vaca, y que parece que tiene un destino de extinción, y que de golpe se revela y crea a su alrededor, sin querer, una ola monumental de generosidad, de camadería, de estar todos a una. Era ese lugar por el que quería transitar, por ese grito donde se dice que ese mundo no desaparece, esta es la base de lo que somos. Nos parecía bonito que de golpe este personaje, que no hace nada, con esa mirada que tienen las vacas, tan vacía pero tan llena al mismo tiempo, lo provoque todo, y todo estalla gracias a ella. Esa parte, que es pasiva pero activa al mismo tiempo, donde no se induce nada pero pasa por ese personaje, me parecía muy interesante.
Carlos Penela.- Yo quería darte las gracias por esa escena de amor que has filmado, y que no estamos acostumbrados a ver en pantalla de esa manera, sobre todo cuando sucede entre personajes mucho más jóvenes. ¿Cómo fue rodar esa escena?
CRISTINA FERNÁNDEZ PINTADO.- Pues mira, esa escena fui yo quien la propuse. Como en toda película, llegas a cambiar cosas, y en este sentido Miguel Llorens y yo hablamos con el guionista y le propusimos una serie de cosas. Esta escena no estaba, pasaba en off, y yo dije que era necesario ver el amor entre dos personas mayores. Por suerte tengo unos padres que se quieren muchísimo, yo noto el deseo entre ellos, se besan, se tocan, tontean... Yo pensaba 'yo sí tengo unos referentes', pero es que mucha gente no los tiene, yo lo veo, de repente ves un cuerpo medio desnudo de una persona mayor y a la gente le da vergüenza porque no están acostumbrados. ¿Dónde hemos llegado? Hemos de encontrar la belleza, no queríamos una cosa explícita porque no es lo que necesitábamos, yo quería ver una mano, quería ver esa piel, las marcas de la piel, la vejez de ese cuerpo, y la poesía que tiene ese tipo de deseo, que también tiene momentos de nervios, y demostrar que están vivos. Recuerdo hacer un visionado de la película con mi madre y al llegar a ese momento ella lloró, ella que es muy dura, pero de golpe lloró porque me dijo que era la primera vez que se sentía reflejada en una imagen así, he sentido emoción por ver como mi padre y ella podían tener sexo. Creo que es necesario, lo necesitamos, por la propia gente mayor, que vea que también tiene derecho a eso, parece que quede en un terreno vergonzoso, oculto, oscuro, pero es algo fantástico.
ISABEL ROCATTI.- La escena en sí, así como el hecho de poder contar una historia desde el punto de vista de una mujer de mi edad, pasados los 60, para mí ha sido un punto fundamental para decir sí a esta película. La escena que comentas, que es muy delicada, ha sido tratada con mucha ternura, con mucho respeto por parte de todos. Creo que fue la última secuencia que rodamos de la película, fue muy emotiva, muy dulce, muy bonita.
Carlos Garries.- Cristina, ¿Cómo te has sentido como directora al ser también actriz?
CRISTINA FERNÁNDEZ PINTADO.- Creo que como actriz tienes unas herramientas fantásticas, si las sabes aprovechar, claro. Todo el tema de la escucha, de las necesidades que tiene un actor o una actriz las entiendes perfectamente. Yo lo pongo muy en práctica en los ensayos, es una lástima que por la precariedad en el cine en España no se puedan hacer muchos ensayos, pero son los lugares donde más disfrutas de estas cosas. Yo soy una persona muy abierta a que se hagan propuestas, y se ha juntado con un casting muy creativo, con muchas ganas y con mucha profesión también. Entre sus propuestas y lo que íbamos creando conjuntamente lo hemos disfrutado mucho. También en el tema de afinar, por ejemplo, la relación intergeneracional entre Carlos (Cuevas) e Isabel (Rocatti) se debía de mostrar muy bien y fuimos afinando hasta el último momento muchos aspectos de su relación, ese juego entre confianza-desconfianza, el cómo crear ese lugar especial entre ellos dos. Como os digo, he disfrutado muchísimo porque he tenido un casting impensable, fantástico, es uno de los fuertes de la película, el casting y la verdad que tienen todos los personajes.
Carlos Penela.- ¿Cómo ha sido el proceso de codirección con Miguel Llorens?
CRISTINA FERNÁNDEZ PINTADO.- Fantástico, ya habíamos hecho cosas juntos. Nos conocemos bien, nos entendemos muy bien él es muy nórdico y yo muy mediterránea, por lo que nos compensamos, yo soy todo hacia afuera y él es más contenido, y creo que siempre llegamos a un equilibrio perfecto de las cosas. Para mi es también el maestro que yo he tenido, al final yo he sido una persona autodidacta en la dirección y él ha sido mi profesor. Es un director de fotografía fantástico, ha tenido además en esta película una mirada muy orgánica, observacional del espacio, naturalista. Yo lo admiro mucho, aprendo de él, él también aprende de mi, y es muy bonita esta relación intergeneracional que se ha creado entre nosotros dos, creo que nos compensamos muy bien.
Carlos Garries.- Este tipo de películas positivas, creo que al final son las que nos gustan más, ¿no creéis?
CARLOS CUEVAS.- Claro, han de existir también, ¿no? Estamos en un contexto un poco oscura y convulso, y a la gente le gusta mucho sentirse identificada, es algo de lo que me doy cuenta. Al público evidentemente le gusta este tipo de cine inspiracional, y aspiracional también, películas que te proponen un mundo mejor que el que tenemos.
ISABEL ROCATTI.- Sí, estas películas nos llegan, tocan aspecto del alma de las personas, que todos tenemos y son necesarias. Como civilización estamos en un momento oscuro, pero si miramos atrás han habido muchos momentos así. Eso quiere decir que la fuerza del ser humano es muy grande, y eso es algo que todos tenemos. Creo que una de las funciones más bonitas que tiene el cine, el arte en general, pero el cine en concreto, es poder tocar el alma de las personas y recordarnos que también podemos ser felices, que las cosas pueden ser de otra manera y que ello depende también mucho de nuestras decisiones. Creo que esto es muy válido y que hay momentos en los que se necesita más este tipo de cine y, en mi opinión, estamos en uno de esos momentos en los que este tipo de cine suma mucho.
Carlos Penela.- Si tuvierais que describir Cowgirl con una sola imagen o sensación que se le quede al espectador, ¿Cuál sería?
CARLOS CUEVAS.- Para mi sería la imagen de Empar con la vaca, claramente.
ISABEL ROCATTI.- A mi la primera que me ha venido a la cabeza es la del cartel, donde estamos cogidas la vaca y yo, en ese momento me hizo una cosa con las orejas y fue muy bonito, fue como un abrazo. Recuerdo una anécdota y es que la vaca pasaba tiempo dentro de la casa, y fuera en el campo, a una distancia bastante grande estaban las furgonetas de vestuario. Los dueños de la vaca la sacaban para pasearla, y en un cambio de vestuario que tuve que hacer de camión a camión, me avisó su dueño que la vaca me estaba siguiendo con la mirada. ¡Eran metros y metros de distancia! Se llamaba Canelita, en la película la llamamos Tona pero su nombre real era Canelita, y en el momento que me vio no me quitó el ojo de encima. Me palpitaba el corazón porque realmente había este vínculo, lo sentía, en dos secuencias donde tenía que haber una respuesta de ella, ¡lo hizo!
A Contracorriente Films ha estrenado este viernes Asesinato en la 3ª planta, la nueva comedia deRémi Bezançon(La biblioteca de los libros rechazados).
La película reúne a tres de los actores más destacados del cine francés:Gilles Lellouche(Pequeñas mentiras sin importancia),Laetitia Casta(Un hombre fiel) yGuillaume Gallienne(Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!). Juntos dan vida a un juego de dobles identidades en el que realidad y ficción se confunden, aportando humor, ritmo y una marcada complicidad en pantalla.
Rémi Bezançon, nominado a los Premios César por El primer día del resto de tu vida, firma una cinta que mezcla suspense con humor negro, y rinde homenaje al cine clásico, evocando a una versión contemporánea de "La ventana indiscreta" de Alfred Hitchock.
A través de una investigación aparentemente trivial de un matrimonio que decide ponerse en la piel de dos detectives, la película explora cómo la ficción puede influir en la realidad y transformar la vida de sus protagonistas, ofreciéndoles una segunda oportunidad para encauzar su relación.
Sinopsis: Colette, profesora especializada en el cine de Alfred Hitchcock, sospecha que su nuevo vecino de enfrente ha matado a su mujer. Su marido, François, un escritor de novelas de intriga un tanto anticuadas, se muestra escéptico ante el supuesto crimen. A pesar de todo, los dos se embarcan en una rocambolesca investigación donde la rutina no parece ser lo único que puede matar a una pareja.
Gracias a nuestras amigas de A Contracorriente Films, en el reciente BCN Film Fest tuvimos la oportunidad de entrevistar a su director, Rémi Bezançon. Éste es el resultado de la entrevista:
Carlos Penela.- La película dialoga claramente con el cine negro clásico. ¿En qué momento nace la necesidad de revisitar este universo desde su mirada como cineasta?
RÉMI BEZANÇON.- Nace de mi amor por el cine. Porque para mí es como la magdalena de Proust, una famosa metáfora literaria y psicológica que describe cómo un estímulo sensorial (generalmente un olor o sabor) evoca de forma repentina e involuntaria un recuerdo vívido del pasado. Así, cuando muerdes la magdalena de Proust, te lleva a tus recuerdos de la infancia. Para mi, el ver este tipo de cine, Hitchcock, me remonta a los recuerdos de mi infancia y de mi abuelo. Yo veía estas películas con él, por lo que para mi ha sido muy emocionante volver a hablar de todo esto. Además, hay que añadir que Hitchcock inventó todo un lenguaje cinematográfico, una escritura cinematográfica. ¿Cómo no rendirle homenaje? (risas)
Carlos Penela.- La película se mueve perfectamente entre intriga y comedia. ¿Cómo ha trabajado ese equilibrio sin romper la tensión?
RÉMI BEZANÇON.- El film bascula entre la comedia romántica y la intriga, de hecho, hay más comedia romántica que suspense, creo yo. Después nos encontramos con todo el tema de la investigación. Ha sido complicado dosificar los géneros por escrito a medida que iba escribiendo el guion. Esa dosificación, ese equilibrio que mencionas lo he conseguido durante la fase de edición de la película.
Carlos Penela.- La película reúne a Gilles Lellouche, Laetitia Casta yGuillaume Gallienne. ¿Qué buscaba específicamente en cada uno de ellos?
RÉMI BEZANÇON.- Son tres actores bastante diferentes. Guillaume Gallienne es actor de teatro y se inclina más por el drama, Laetitia Casta se dedica también más a drama. Gilles Lellouche es el que se inclina más por la comedia. En realidad, estando los tres juntos cada uno está en su género a su manera, excepto que lo que les conecta es la comedia.
Carlos Penela.- El título ya sitúa la acción en un espacio muy concreto, esa tercera planta. ¿Qué papel juega ese tercer piso como elemento dramático y simbólico?
RÉMI BEZANÇON.- Pues pienso que un papel divertido, pero también pienso que tampoco es que tenga un gran papel, también podría haber sido la segunda o cuarta planta.
Carlos Penela.- ¿Cuánto se ha divertido rindiendo homenaje a Hitchcock?
RÉMI BEZANÇON.- Mucho, ha sido muy divertido, sobre todo pensando en que las nuevas generaciones no lo conocen mucho. Hitchcock es cine, pero no encontrarás su cine en plataformas, en Francia solo las podemos ver en el canal "Arte", una plataforma que no es mucho para los jóvenes. Para mi "Asesinato en la 3a planta" es una forma para que descubran la historia del cine, para que los más pequeños descubran las películas de Hitchcock. Solo por eso ya me siento complacido de haber hecho esta película.
Carlos Penela.- El cine negro clásico tiene una estética muy marcada. ¿Cómo ha abordado esa puesta en escena con la fotografía para dialogar con ese legado sin caer en la imitación?
RÉMI BEZANÇON.- Lo que hice fue cambiar de realizador para esta película y he cogido a alguien que era más del género. Es la primera vez que trabajaba con él y me ha gustado mucho, así que seguramente volveré a trabajar con él.
Carlos Penela.- ¿Qué importancia tienen el ritmo y el montaje en una película que juega tanto con la sospecha y la expectativa del espectador?
RÉMI BEZANÇON.- El montaje es sumamente importante el montaje. Cuando estudié cine también quería hacer el montaje, porque para mi el cine son tres escrituras: la escritura del guion, la realización y el montaje. Son tres escrituras distintas, pero las dos que yo prefería eran el guion y el montaje. Es lo más importante para mí. La filmación es otra cosa, pero en el montaje todo esto se puede dosificar un poco. La película es comedia, comedia romántica, suspense, investigación. Hay que dosificar para conseguir ese equilibrio del que me hablabas antes, y para ello la fase de montaje es primordial.
Carlos Penela.- ¿Cree que el cine actual necesita revisitar los géneros clásicos para conectar con el público o más bien para reinterpretar el presente desde ellos?
RÉMI BEZANÇON.- Las dos cosas, pero es importante volver a hablar de los clásicos. Es como la Historia, no debemos de olvidar nuestra Historia, y en el cine es importante no olvidarse de los clásicos. Estoy súper de acuerdo contigo.
Carlos Penela.- Si tuviera que definir Asesinato en la 3ª planta con una sola idea, sensación, ¿Qué le gustaría que se llevara el espectador?
RÉMI BEZANÇON.- Yo veo mi película como un escenario cinematográfico, lúdico, divertido, esa es la sensación que me gustaría que se llevara el público.
Este jueves se estrena solo en cines Star Wars: The Mandalorian and Grogu, la vuelta de Star Wars a la gran pantalla después de 7 años.
La película se estrena en 950 pantallas de 355 cines en España y lleva vendidas aproximadamente 50.000 entradas en preventa.
El director, coguionista y productor Jon Favreau y el Mandaloriano y Grogu, visitaron Madrid como parte del tour global de la película que marca el regreso de Star Wars a la gran pantalla siete años después.
La nueva película de Star Wars está dirigida por Jon Favreau y protagonizada por Pedro Pascal, Sigourney Weaver y Jeremy Allen White. Producida por Jon Favreau, Kathleen Kennedy, Dave Filoni e Ian Bryce, con música compuesta por Ludwig Göransson.
Sinopsis: El Imperio ha caído y los señores de la guerra imperiales siguen dispersos por toda la galaxia. Mientras la incipiente Nueva República trabaja para proteger todo por lo que luchó la Rebelión, ha reclutado la ayuda del legendario cazarrecompensas mandaloriano Din Djarin (Pedro Pascal) y su joven aprendiz Grogu.
COWGIRL
Cowgirl, dirigida por Cristina Fernández Pintado y Miguel Llorens (Cosas que hacer antes de morir), y protagonizada por Isabel Rocatti, Carlos Cuevas, Pep Munné y Joaquín Climent, se estrena en cines de la mano de Filmax. Completan el reparto de esta comedia romántica Carles Sanjaime, Verónica Andrés y Àngel Fígols, y cuenta con la colaboración especial de Mamen García y Amparo Fernández. Rafael Albert firma el guion, con la colaboración de Cristina Fernández Pintado y Miguel Llorens. Una feel good-movie de personajes entrañables y que pone en valor la vida rodeada de naturaleza.
Sinopsis: Empar, una granjera de 60 años, necesita que su vaca Tona se quede preñada para mantener su granja. Tras varios intentos fallidos, pide ayuda a Bernat, dueño de la mayor granja de la zona. Cuando Tona lo consigue, el veterinario advierte que la gestación es de riesgo. Empar se enfrenta al pueblo para proteger la tranquilidad de su vaca. Con la ayuda de Riqui, un joven recién llegado, y Bernat, descubrirá quenunca es tarde para comenzar de nuevo.
Rodada en el parque natural de La Tinença de Benifassà y las comarcas de El Maestrat y Els Ports de Cowgirl es una producción de The Fly Hunter, Aguacate & Calabaza Films y Produccions Quart; con la producción y producción ejecutiva de Lorena Torres, Núria Velasco, Anaïs Schaaff y Abigail Schaaff, y la producción delegada de Jorge Velasco. Cuenta con la participación de RTVE, À Punt, 3Cat, y con el apoyo de IVC e ICEC.
Notas de los directores. "Cowgirl es una historia en la que la fertilidad de una vaca se convierte en destino para la vida de una mujer de 62 años que vive sola en una masía de un pueblo diminuto de la comarca de Els Ports (Castellón). A través de esta simple peripecia, la película nos va descubriendo la vida de Empar, el complejo universo de relaciones humanas en un pueblecito de montaña, y una forma de vida que está íntimamente relacionado con la tierra, la tradición. Una historia donde las segundas oportunidades se revelan para todos los protagonistas de esta comedia romántica.
Cowgirl contiene mucho de aquello que conforma la vida, mucho de lo que nos agita y conmueve. Hay emoción, comedia, misterio y aventura; hay amor y drama. Un complejo cosmos donde las relaciones, las experiencias y los vínculos con el paisaje son los absolutos protagonistas."
ASESINATO EN LA 3a PLANTA
A Contracorriente Films estrena este viernes Asesinato en la 3ª planta, la nueva comedia de Rémi Bezançon (La biblioteca de los libros rechazados).
La película reúne a tres de los actores más destacados del cine francés: Gilles Lellouche (Pequeñas mentiras sin importancia), Laetitia Casta (Un hombre fiel) y Guillaume Gallienne (Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!). Juntos dan vida a un juego de dobles identidades en el que realidad y ficción se confunden, aportando humor, ritmo y una marcada complicidad en pantalla.
Rémi Bezançon, nominado a los Premios César por El primer día del resto de tu vida, firma una cinta que mezcla suspense con humor negro, y rinde homenaje al cine clásico, evocando a una versión contemporánea de "La ventana indiscreta" de Alfred Hitchock.
A través de una investigación aparentemente trivial de un matrimonio que decide ponerse en la piel de dos detectives, la película explora cómo la ficción puede influir en la realidad y transformar la vida de sus protagonistas, ofreciéndoles una segunda oportunidad para encauzar su relación.
Sinopsis: Colette, profesora especializada en el cine de Alfred Hitchcock, sospecha que su nuevo vecino de enfrente ha matado a su mujer. Su marido, François, un escritor de novelas de intriga un tanto anticuadas, se muestra escéptico ante el supuesto crimen. A pesar de todo, los dos se embarcan en una rocambolesca investigación donde la rutina no parece ser lo único que puede matar a una pareja.
TRES MUJERES
Tres Mujeres es lo nuevo de la aclamada cineasta y guionista franco-tunecina Leyla Bouzid (Una historia de amor y deseo, À peine j'ouvre les yeux), una de las directoras más relevantes del cine árabe contemporáneo. Este necesario drama familiar con toques de thriller, protagonizado por mujeres, narra una historia de secretos y silencios familiares dentro de una sociedad donde la homosexualidad está penada.
Tras su exitoso paso por la Competición Oficial del Festival Internacional de Cine de Berlín, la película se estrena en cines de la mano de LAZONA.
Se trata del tercer largometraje de Bouzid, directora con voz propia caracterizada por la defensa de la libertad de expresión. Con esta película, explora temas como la herencia familiar, la represión sexual, la identidad y el amor como refugio, siguiendo el viaje emocional e intimista de su protagonista.
Gracias a sus anteriores trabajos, Bouzid ya se ha consagrado internacionalmente: As I Open My Eyes (À peine j'ouvre les yeux), presentada en el Festival de Venecia donde obtuvo el Premio del Público BNL y el Europa Cinemas Label Awary, además de otros 40 premios en todo el mundo; y posteriormente por A Tale of Love and Desire (Una historia de amor y deseo), seleccionada en la Semana de la Crítica de Cannes 2021 donde tuvo su première mundial.
Tres mujeres está protagonizada por Eya Bouteraa (Les enfants rouges), la reconocida actriz Hiam Abbass (Blade Runner 2049, Succession, Insidious: La Puerta Roja) y Marion Barbeau (nominada al César a Mejor Actriz Revelación por En Corps). A raíz de la investigación de una muerte inesperada, la película aborda las diferencias generacionales siguiendo la mirada de tres mujeres en un entorno social homófobo, una temática muy poco tratada en la ficción del cine árabe en general y del cine tunecino en particular, tal y como explica la propia directora:
“Para mí, también es una oportunidad de representar y filmar el amor entre estas dos mujeres, ya que ningún film ha explorado todavía la homosexualidad femenina en un territorio árabe y musulmán. Estas dos mujeres que se aman en Túnez no existen. Tampoco existen en las representaciones, en las películas producidas en países árabes. Ni siquiera existen a los ojos de quienes las criminalizan. Son completamente despreciadas”, Leyla Bouzid.
La película construye un viaje emocional e intimista. La muerte del tío de Lilia (Eya Bouteraa), producida en extrañas circunstancias, hará que la protagonista viva un proceso de autodescubrimiento que la enfrentará a sus propias contradicciones. Este recorrido está profundamente ligado a un impulso personal de la cineasta, a una necesidad de filmar un lugar muy significativo de su memoria: la casa de su abuela, un espacio que, según la propia Leyla Bouzid“parece desprender una energía mística, la de las vidas que allí se vivieron, ahora desaparecidas, y cuyo misterio intenta capturar la cámara”. La directora, añade así, un gesto íntimo de memoria y resistencia frente al paso del tiempo y los cambios del entorno, ya que la casa será vendida y demolida para construir bloques de pisos.
La película está producida por Caroline Nataf, a través de la productora francesa Unité, es una coproducción con Cinétéléfilms y el productor tunecino Habib Attia. El proyecto cuenta además con el respaldo de Canal+, Ciné+ / OCS, France Télévisions y el Centre National du Cinéma et de l’Image Animée (CNC), así como con el apoyo de organismos como Procirep-Angoa y la Unión Europea, consolidando una sólida colaboración internacional entre Francia y Túnez.
Sinopsis: De regreso en Túnez para el funeral de su tío, Lilia se reencuentra con una familia que no sabe nada sobre su vida en París, especialmente sobre la amorosa. Decidida a desentrañar el misterio que rodea la repentina muerte de su tío, Lilia se enfrenta a secretos familiares en una casa donde tres generaciones de mujeres cohabitan entre silencios y tradiciones.
EL PASAJERO NOCTURNO
Paramount Pictures presenta, en asociación con Domain Entertainment, una producción de 18Hz y Coin Operated: El pasajero nocturno.
Sinopsis: Después de presenciar un brutal accidente nocturno en la carretera, una joven pareja comprende que algo los ha seguido. Una presencia demoníaca, conocida como El Pasajero Nocturno, se ha unido a ellos y no se detendrá hasta reclamarlos a ambos, convirtiendo su viaje en una aunténtica pesadilla.
Dirigida por André Øvredal y protagonizada por Jacob Scipio, Lou Llobell y Melissa Leo, la película cuenta con un guión de Zachary Donohue y T.W. Burgess. Llega a nuestras pantallas de la mano de Paramount Pictures.
BEAST (LA BESTIA)
Sinopsis: Con la ayuda de su antiguo entrenador (Crowe), un campeón de MMA retirado e invicto (MacPherson), regresa a la jaula para vengar la muerte de su hermano y resolver sus problemas financieros.
Dirigida por Tyler Atkins, la pelíucla cuenta en su reparto con Russell Crowe, Daniel MacPherson, Luke Hemsworth y Bren Foster.
Beast (La Bestia) llega a nuestras pantallas de la mano de Tripictures.
LOVE ME TENDER
BTEAM PICTURES estrena Love me tender, segundo largometraje de la directora francesa Anna Cazenave Cambet, nominado al Premio LUX del Público.
Nominada tanto a Mejor Película, como a la Queer Palm en Un Certain Regard, tuvo su estreno mundial en el marco del festival de Cannes 2025, donde comenzó su recorrido por festivales internacionales. Entre ellos, pudo verse en Río de Janeiro (Premio Especial del Jurado), Londres, Göteborg, Karlovy Vary y Tesalónica.
Love me tender participó en el Festival de Gijón (donde se alzó con el Premio CIMA) y se presentó en la Sección Oficial Fuera de Concurso del reciente BCN Film Fest.
Se trata de una adaptación de la novela homónima de Constance Debré, en la que el personaje de Clémence (interpretado por una magnífica Vicky Krieps) deberá enfrentarse a su marido tras confesarle que mantiene relaciones amorosas con mujeres. Debré traslada a la literatura su propia experiencia personal como madre y mujer bisexual, así como el duro y largo proceso que vivió con su ex pareja por la custodia de su hijo.
La actriz luxemburguesa fue nominada a por su interpretación en los Premios EFA, así como los Premios Lumiére de la Academia Francesa.
“Este libro de Constance Debré ponía palabras nuevas, actuales, sobre esa idea de lo absoluto, la de la relación con el hijo, hasta el punto de cuestionarla, al tiempo que rozaba auténticos tabúes: ¿estamos obligadas a seguir queriendo a nuestro hijo eternamente, incluso cuando ya no lo volvemos a ver nunca más? ¿Hasta dónde llega ese compromiso, esa responsabilidad? ¿Existe el duelo materno? Todo aquello me había conmovido profundamente. No esperaba que, dos años después, esta novela volviera de esta manera a mi vida.” comenta la directora
Sinopsis: Al final del verano, Clémence (Vicky Krieps) confiesa a su exmarido (Antoine Reinartz) que mantiene relaciones amorosas con mujeres. Su vida da un vuelco cuando él se queda con la custodia del hijo que tienen en común. Decidida a no renunciar a nada, Clémence deberá luchar por seguir siendo madre, mujer y libre.
Tras estudiar fotografía, Anna Cazenave Cambet entra en La Fémis para estudiar dirección de cine, donde se gradúa en el 2017 con honores del jurado, presidido por Claire Denis. Allí dirige su primer cortometraje, Gabber Lover, seleccionado en la Cinéfondation y premiado con la Queer Palm en el Festival de Cannes 2016. Después, continúa explorando relatos íntimos con un segundo cortometraje, Iemanja – Coeur océan. En el 2020, dirige su ópera prima, Gold for Dogs, que recibe el sello de la Semana de la Crítica. Para su segundo largometraje, adapta la novela de Constance Debré, Love Me Tender, con Vicky Krieps como protagonista. La cinta es presentada en Una Cierta Mirada en Cannes 2025 y seleccionada en numerosos festivales internacionales.
UN MUNDO FRÁGIL Y MARAVILLOSO
Un mundo frágil y maravilloso, candidata al Oscar por El Líbano, llega a cines gracias a ADSO FILMS. Los espectadores del Festival de Venecia, de la SEMINCI y del Middle East Now Film Festival escogieron la cinta de Cyril Aris como favorita, recibiendo en todos ellos el Premio del Público.
Otros festivales han reconocido a la cinta de Aris con el Gran Premio en el Arte Mare Festival y el Premio del Jurado Joven a Mejor Película y Mejor Música en el Festival Internacional del Cine Mediterráneo de Montpellier / CINÉMED.
Participó también en el Festival de Hamburgo y fue seleccionada en el BFI (London Film Festival). En España, pudo verse dentro de la Sección Radar del D’A.
Protagonizan el film la realizadora y actriz Mounia Akl (colaboradora habitual de Aris), junto a Hasan Akil, Julia Kassar, Camille Salameh, Anthony Karam, Nadyn Chalhoub.
Se trata de un relato tierno y conmovedor que, con gran sutileza, explora la dicotomía entre permanecer en el país de origen o marcharse en busca de una vida mejor, así como la reflexión sobre si vale la pena formar una familia en el mundo actual. Todo ello se desarrolla a través de una narrativa profundamente humana y visualmente cuidada.
Cyril Aris, cuya obra anterior ha sido reconocida en festivales como Toronto, Karlovy Vary, Montpellier o Cinema Jove, vuelve a sorprender con una propuesta que combina profundidad emocional, reflexión política y una mirada sutilmente crítica sobre las estructuras narrativas tradicionales.
“En medio de las crisis perpetuas del Líbano, fui testigo de cómo el humor y el amor se convirtieron en nuestros escudos contra la oscuridad. Esta película abraza ese sentido único del humor libanés mientras explora temas más profundos como la paternidad y el legado. Durante el rodaje, mientras se desarrollaba otra gran guerra en el Líbano, mi propio hijo nacía a miles de kilómetros de distancia, un acontecimiento fatídico que cristalizó mi creencia de que, ante el caos, es nuestro amor mutuo lo que nos hace avanzar” comenta el director.
Sinopsis: Nino y Yasmina nacieron el mismo día, en medio de una tragedia que sacudió Beirut. A lo largo de tres décadas marcadas por pasión, desamor y esperanza, sus caminos se cruzan una y otra vez, atrapados en una relación magnética que desafía el tiempo y las heridas del pasado. Él sueña con echar raíces, mientras ella solo piensa en huir. En un país que cada día les rompe un poco más el corazón, deberán enfrentarse a una elección imposible: ¿apostar por el amor y formar una familia, o rendirse ante la necesidad de sobrevivir?
Cyril Aris es un director de cine libanés. Su largometraje documental The Swing (2018) se estrenó en Karlovy Vary. Su segundo largometraje documental, Dancing on the Edge of a Volcano (2023), que recibió una beca del Instituto Sundance, se estrenó en la competición principal de Karlovy Vary, ganó una mención especial del jurado y se proyectó en el BFI, CPH DOX, DOC NYC y más de 80 festivales. Su cortometraje The President’s Visit (2017) se estrenó en el TIFF y se proyectó en más de 100 festivales. Tiene un máster en Bellas Artes por la Universidad de Columbia y es miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.
LAS CATADORAS DE HITLER
Las catadoras de Hitler, la nueva película de Silvio Soldini llega a las salas españolas de la mano de Mirror Audiovisual. La película, que pasó por el Festival de Málaga, en la sección Mosaico: Panorama Internacional, es una producción entre Italia, Bélgica y Suiza.
Las catadoras de Hitler está basada en el libro "La Catadora" de Rosella Postorino. En 2012, a los 95 años, poco antes de morir, Margot Wölk reveló que había sido una de las jóvenes alemanas obligadas a probar los platos de Hitler. Nadie sabía de la existencia de los catadores. Margot Wölk fue la única de ellas que sobrevivió al final de la guerra. Su historia inspiró tanto la novela como la película.
Silvio Soldini, con una carrera muy consolidada a sus espaldas, consiguió su gran éxito internacional con Pane e tulipani, La película ganó 9 premios David di Donatello, 5 Nastri d'Argento, 9 Ciak d'Oro y recibió 3 nominaciones a los Premios de la Academia Europea.
Sinopsis: Otoño de 1943. La joven Rosa huye de un Berlín bombardeado y se refugia en un pueblo donde viven sus suegros. Rosa descubre rápidamente que en el bosque adyacente se encuentra el cuartel general de Hitler, la llamada "Guarida del Lobo". El Führer ve enemigos por todas partes. Su obsesión es que lo envenenen. Rosa es forzada, junto con otras mujeres, a probar la comida preparada para él. Divididas entre el miedo a la muerte y el hambre, las "catadoras" aceptan su destino no sin contradicciones. ¿Hay lugar para el amor a las puertas del infierno?
El reparto está encabezado por Elisa Schlott, Max Riemelt, Alma hasun, Esther Gemsch, Jürgen Wink, Emma flack, Olga Von Luckwald, Berit Vander.
Sobre Silvio Soldini. En 1983 dirigió su primer mediometraje en 16 mm, Paesaggio con figure, que, junto con Giulia en Octubre, recibió reconocimiento en varios festivales nacionales e internacionales. En 1984 fundó la productora Monogatari con sus colaboradores más cercanos. A partir de 1985, con Voci celate, comenzó a trabajar como documentalista y en 1990 se estrenó su primer largometraje, L’aria serena dell’ovest. La película alcanzó un considerable éxito de público, se presentó en competición en el Festival de Locarno, ganó la Grolla d’Oro al Mejor Guion en Saint-Vincent y recibió el Gran Premio en el Festival de Annecy. En 1993, Un’anima divisa in due fue seleccionada para el Festival de Cine de Venecia, donde Fabrizio Bentivoglio ganó el premio al Mejor Actor y Soldini recibió la Grolla d’Oro al Mejor Director. En 1997, dirigió Le acrobate, que compitió en los festivales de Locarno y San Francisco, ganó premios en los Rencontres Internationales de Cinéma en París y le valió a Valeria Golino una Grolla d'Oro. En 2000, alcanzó un gran éxito de crítica y comercial con Pane e tulipani, una película que obtuvo aclamación internacional en Suiza, Alemania, Argentina, Brasil y más allá. La película ganó 9 premios David di Donatello, 5 Nastri d'Argento, 9 Ciak d'Oro y recibió 3 nominaciones a los Premios de la Academia Europea. En 2002, dirigió Brucio nel vento, basada en la novela Ieri de Agota Kristof, filmada entre Suiza y la República Checa, y presentada en competencia en el Festival de Cine de Berlín. La película recibió ocho nominaciones al David di Donatello. En 2004, realizó Agata e la tempesta, protagonizada por Licia Maglietta y Giuseppe Battiston, marcando un regreso a la comedia después de Pane e tulipani, con muchos personajes y colores vibrantes, en una atmósfera menos de cuento de hadas y más surrealista. En 2007, Giorni e nuvole ganó el Premio del Público en el Festival de Cine de Roma y en 2010, Cosa voglio di più se presentó en el Festival de Cine de Berlín. En 2012 dirigió Il comandante e la cicogna, otro elenco y comedia surrealista. En 2016 realizó el documental Il fiume ha sempre ragione. En 2017, presentó Il colore nascosto delle cose en el Festival de Cine de Venecia, con Valeria Golino, una película inspirada en su experiencia realizando Per altri occhi, un documental sobre personas ciegas. En 2018, dirigió Fiume di parole, un documental dedicado al poeta Raffaello Baldini, seguido del cortometraje Olmo (2019), parte de Interdependence, una película colectiva sobre el cambio climático. En 2021, estrenó 3/19, un thriller psicológico protagonizado por Kasia Smutniak. Las Catadoras de Hitler es su duodécimo largometraje.
DOS DÍAS
Sinopsis: Jose Antonio tiene 89 años y está perdiendo la memoria, pero se resiste a depender de los demás y dejar de hacer lo que lleva toda una vida haciendo. Aunque su familia se lo prohíbe, convence a su amigo Mindo, al que hace años que no ve, para salir a pescar en la barca. La salida se complica cuando se quedan sin gasolina y, con la noche y la niebla cayendo, quedan a la deriva en medio del mar. Atrapados en la diminuta barca, la travesía se convierte en un inesperado viaje acerca de la vejez, la amistad y la forma de aceptar el paso del tiempo.
Dirigida y con guion de Gonzaga Manso, la película cuenta en su reparto con Saturnino García, Jesús Outes y Aurora Maestre. Dos días llega a nuestras pantallas de la mano de Silencio Cinema.
SAL & DEAN: TRAS LOS PASOS DE KEROUAC
Este viernes llega a los cines el largometraje documental Sal & Dean. Tras los pasos de Kerouac de Rosa García Loire y Miguel Hualde. El filme está protagonizado por Jimmy Barnatán y Mike Inverno.
La travesía que Jimmy y Mike emprenden en este largometraje sugiere que el sueño americano no es una verdad universal, sino una construcción cambiante, reinterpretada constantemente por quienes lo persiguen o lo cuestionan, reflejando las tensiones y riquezas de una sociedad profundamente plural.
Rosa García Loire, codirectora de 'Sal&Dean', explica que "este largometraje documental realiza un retrato de la sociedad estadounidense actual, siguiendo una obra literaria universal como es 'On the Road'. A lo largo del camino, personajes secundarios dan su visión del sueño americano y lo que queda de él. Recorremos el camino de Keroauc, revisitando el paisaje y los espacios. Creo que es interesante esa combinación de viaje, sociedad y cultura para mostrar, desde una óptica contemporánea, lo que queda de aquel viaje que el autor realizó hace más de medio siglo".
Dirigido por Rosa García Loire y Miguel Hualde con guion de Jimmy Barnatán, 'Sal&Dean' cuenta con Javier Rodríguez como director de fotografía. Ignacio Maquirrain se encarga del montaje y Álvaro Soto del diseño gráfico. Jimmy Barnatán y Mike Inverno firman la música. Juan San Martín, Jordi Carbonell y Oriol Cardús son los productores. La película cuenta con el apoyo de incentivos fiscales, tanto navarro como de territorio común.
Sinopsis
Jimmy Barnatán y Mike Inverno emprenden un viaje por la América profunda en el que recorren el interior de Estados Unidos descubriendo a sus gentes, sus rincones y contrastes, tan fotografiados como desconocidos. Un viaje lleno de encuentros con músicos, camareras, camioneros y otros personajes anónimos que, aunque secundarios como ellos mismos, se convierten en protagonistas.
Emulando a Sal Paradise y Neal Cassady, protagonistas de 'On the Road' (En el camino), la novela definitiva de la generación beat publicada por Jack Kerouac en 1957, estos viajeros,acompañados de una guitarra y una pluma, tratan de entender el sueño americano, descubriendo la complejidad y diversidad cultural que definen a este fascinante país.
Los protagonistas
Cantante, actor y escritor, Jimmy Barnatán inició su carrera musical como vocalista de Caronte's Ferry y, posteriormente, lideró la San Telmo Blues Band, versionando clásicos americanos en ambas formaciones. En 2010, lanzó su primer disco titulado "Black Note" , un homenaje a las leyendas del jazz, el blues y el soul que influenciaron su música al que siguió "After the Blue Times" (2011), grabado con el sello Warner Music Spain junto a la Back Door Band. Tras formar Jimmy Barnatán & The Cocooners, ha publicado "Motorclub" (2015), con colaboraciones destacadas, y "Jefe Original Soundtrack" (2018).
Miguel Hualde, conocido como Mike Inverno, es guitarrista y cantante. Su carrera comenzó con Greenhouse Effect, una banda que destacó en la escena musical. Ganaron la muestra Pop Rock del Gobierno de Navarra y el premio a la mejor canción por "About You", demostrando su habilidad y pasión. Esta victoria les permitió grabar su primer disco en los estudios Paco Loco en Puerto de Santa María, marcando un hito significativo en su trayectoria musical.
Mike Inverno también formó el grupo Defectos Personales, lanzando dos álbumes que definieron su sonido. "Diario de Viaje" y "Puzzles" los llevaron a una exitosa gira por España, conectando con una audiencia cada vez más amplia y demostrando su evolución constante y capacidad para cautivar con su música.
La directora. Rosa García Loire
Rosa García Loire (Pamplona, 1978) es directora, productora ejecutiva y directora de producción. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Navarra y en Ciencias Políticas y Sociología por la UNED, desarrolla una trayectoria vinculada al cine documental, la creación contemporánea y los proyectos culturales con impacto territorial. Actualmente es directora de producción de 601.
Como directora, firma los largometrajes documentales 'ANWAR' y 'Sal & Dean. Tras los pasos de Kerouac', una mirada contemporánea al imaginario de la generación beat y al sueño americano. Actualmente tiene en postproducción 'Lilit, el sexo bien entendido' y desarrolla 'Tocaré hasta que mis dedos sangren', centrado en la figura de Aurora Beltrán.
Como productora ejecutiva ha impulsado proyectos como 'Atlas Oculto', 'El Drogas', 'Ainarak', 'Kantauri', 'Caídos del Zielo', 'Ceditas' o 'El que no ve'.
Su trabajo se extiende también al ámbito de la mediación y la gestión cultural, participando en proyectos y festivales. Actualmente, se encuentra desarrollando 'Piano ma non piano', una iniciativa de creación comunitaria y participativa a partir de un piano en desuso que propone un proceso de cocreación de diferentes disciplinas.
Las productoras
Pocas veces encontramos dos personalidades tan diferentes como Oriol Cardús y Jordi Carbonell compartiendo una visión tan clara sobre qué producir y cómo hacerlo. Así es Sin Parpadear S.L., una productora todoterreno que combina la creatividad de Oriol Cardús para construir historias y la innovación de Jordi Carbonell para llevar esas historias.
El qué y el cómo hacen de Sin Parpadear una productora decidida a hacerse un lugar en la industria audiovisual. Apuesta por producciones de género con un punto de vista personal y dando voz al talento emergente.
Su objetivo, según sus propias palabras, es: "sentar al mayor número posible de espectadores frente a una pantalla y que rían, lloren, sufran y pasen miedo. En definitiva, que se emocionen."
Filmografía
'Una pistola, una bala y un oso panda' (Oriol Cardús, 2026)
'¡Por las tetas de lucía!' (Paloma Mozo, Anna Carbonell, 2026)
'Sal & Dean. Tras los pasos de Kerouac' (Miguel Hualde, Rosa García, 2025).
'Entre mareas' (Oriol Cardús, 2025).
'Prou bé' (Anna Carbonell, 2024).
'Adrià. Un amor genuí o un deurere?' (Mariona Lliber, 2023).
'El productor' (Oriol Cardús, 2022).
601 es una productora con más de 20 años de trayectoria en producción de contenido para entidades, televisión, centros de interpretación y museos.
En el ámbito del documental, ha realizado obras de temática muy diversa, como 'Ainarak', sobre la emigración femenina navarro-aragonesa al país vasco-francés entre 1880-1936; 'ANWAR', que combina alpinismo, solidaridad y energía renovable de la mano del alpinista Alex Txikon; 'Awards Beyond the Limits of Hairdressing', sobre peluquería mundial de vanguardia; 'Sal & Dean. Tras los pasos de Kerouac' , un road docu que es un retrato de la sociedad estadounidense; 'Kantauri', largometraje documental sobre la vida del Cantábrico en un tono poético; 'Lilit, el sexo bien entendido', acerca de la educación y sexualidad femenina; o 'Atlas oculto', una coproducción con Francia sobre los territorios anegados por la construcción de pantanos.
Ha producido también los cortometrajes documentales 'Ceditas', sobre la soledad en la tercera edad; 'Migrantes', una reflexión documental sobre la migración humana y animal; o 'El que no ve', sobre la exclusión social contada en primera persona.
En fase de producción se encuentran otros proyectos como 'Loraldia', una coproducción con Álava sobre la escena musical en Iruña; 'Caídos del Zielo', una coproducción con Aragón acerca del teatro como herramienta sanadora para personas en riesgo de exclusión social; y los cortometrajes 'Encuentros con Xabier', sobre el artista Xabier Morrás y su participación en los Encuentros de Pamplona del 72; y 'El hombre del oeste', que explora el uso de nuevas tecnologías en terapias con enfermos con Alzheimer.
En desarrollo, los proyectos 'Tocaré hasta que mis dedos sangren', una biografía sobre la artista Aurora Beltrán, frontwoman pionera en el rock estatal; y 'A Tale of Sperm Whale', sobre la conservación de cetáceos en Azores.
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