LATIDOS POR EL CINE

sábado, 30 de mayo de 2026

ENTREVISTA A DAVID ILUNDAIN Y ASIA ORTEGA - "MALLORCA CONFIDENCIAL"

Mallorca Confidencial, dirigida por David Ilundain (B, la película, Uno para todos), llega a nuestros cines de la mano de Filmax. La película participó en Sección Oficial Fuera de Concurso de la 29 edición del Festival de cine español de Málaga y en el BCN Film Fest.

Producida por Inicia Films, Cinètica produccions y Umedia, la película está protagonizada por Lolita Flores en el papel de la matriarca gitana que controla el epicentro de la droga en Mallorca. Completan el reparto de este thriller policíaco Asia Ortega, Jordi Sánchez y Elena Furiase entre otros.

Amelia Mora (La infiltrada) firma el guion.

Sinopsis: Mallorca, 2007. Chusa (Lolita Flores) es la poderosa matriarca de Son Canal, un poblado epicentro del narcotráfico en la isla. Un proyecto inmobiliario amenaza su poder y su imperio. Su sobrina, Nela (Asia Ortega), recién salida de prisión, descubre un oscuro secreto de Chusa que pone en peligro su lealtad. A medida que la violencia se intensifica, Nela solo tiene dos opciones: la fidelidad o la libertad.

¿Estamos condenados a pertenecer al lugar donde nacimos? Mallorca Confidencial sigue a dos mujeres opuestas y unidas por la vida en Son Canal: la Chusa, que encuentra fuerza en sus raíces, y Nela, que solo ve desazón. Entre traición, poder y supervivencia, la película revela cómo lo social y lo personal se entrelazan en cada decisión.

Una producción de Inicia Films, Cinètica Produccions en coproducción con UMEDIA con la financiación del ICAA con el apoyo del ICEC, Fundación Mallorca Turisme, Mallorca Film Commission y Europe Creative Media, con la colaboración de Filmax y con la participación de RTVE, Movistar Plus+, 3CAT e IB3 TV. Las ventas internacionales las llevará a cabo Filmax.

En palabras de Ilundain, "Mallorca Confidencial es una historia de éxito, a un precio muy alto. Nace de la fascinación por los márgenes: esos espacios donde lo socialmente aceptado y lo marginal conviven, se cruzan y se enfrentan. La película se construye en el límite entre dos mundos: el de la isla turística y acomodada, y el de sus poblados más humildes, donde la supervivencia dicta las reglas. Es un universo donde el poder, la lealtad y la traición se viven en carne propia, y donde cada elección puede cambiarlo todo."

David Ilundain. Pamplona 1975. Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Navarra, estudia también cinematografía en la Escuela Internacional de cine de La Habana. Tras graduarse, Ilundain trabajó en equipos de dirección como script y ayudante de dirección. De sus 8 cortometrajes destaca Flores, que obtuvo 23 premios en festivales nacionales e internacionales.

Sus dos largometrajes hasta la fecha han tenido respaldo de crítica y público. B, la película, la cinta sobre el caso Bárcenas que fue su debut en formato largo, obtuvo numerosos premios. Entre ellos el del programa Dias de Cine de TVE y el premio Feroz Especial de la crítica. También, obtuvo tres nominaciones a los Premios Goya por las dos interpretaciones de sus protagonistas y el guión adaptado. Uno para todos, estrenado en 2020 también llegó a los Goya con la nominación de su protagonista, David Verdaguer, y recibió el Forque a Educación y Valores.

Gracias a nuestras amigas de Revolutionary Press pudimos entrevistar, en el marco del BCN Film Fest, al directora de la cinta, David Ilundain, así como a una de sus protagonistas, Asia Ortega. Este es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- David, tras películas como B o Uno para todos, das el salto a un thriller criminal. ¿Qué te atrajo de este universo y qué necesitabas explorar que no habías hecho antes?

DAVID ILUNDAIN.- Bueno, el personaje, su mundo también, el thriller claramente era el envoltorio, yo creo. Era lo que nos permitía entrar ahí, ver un lugar que normalmente no tiene cámaras, buscar ahí dentro cómo vives, cómo te peleas con tus problemas y cómo sales adelante, poco más. Yo creo que con eso, si hemos logrado eso, es suficiente. Había dos mujeres, dos actrices, defendiendo esos dos personajes que tenían que ser muy potentes, y salir adelante con eso en el envoltorio del thriller, que era la forma de hacer entrar al público.

Carlos Penela.- Asia, tu personaje, Nela, vive en una tensión constante entre quedarse o escapar. ¿Qué fue lo primero que entendiste del personaje para poder habitarla desde dentro?

ASIA ORTEGA.- Lo primero que entendí de Nela es que al final, como un movimiento artístico, cada generación se revoluciona, rebota contra la que viene directamente antes que ella. Es natural, creo que es el cauce natural de la vida, que la gente de una generación necesite separarse de la otra, necesita crear su propia identidad. Yo tengo 30 años ya, pero la adolescencia me queda bastante cerca, por lo que al final entiendo esa necesidad de decir "yo quiero labrar mi vida, yo tengo unas ideas claras y, lamentablemente, si me quedo aquí, va a ser un lastre para mí." Creo que necesitas un choque muy grande para separarte de un imán tan potente.

Carlos Penela.- Es un personaje que no siempre expresa lo que siente, lo lleva todo por dentro. ¿Cómo trabajaste esa contención emocional sin perder la veracidad en la pantalla del personaje?

ASIA ORTEGA.- Al final viajé un poquito a esa adolescente, cuando tú llegas a tu casa y en parte no quieres preocupar a tu madre, pero en parte tampoco quieres que se entere de lo te traes entre manos. Al final Nela es una mujer con un carácter muy fuerte, lo que viene de tres años en la cárcel, eso genera reflexión y genera un aprender a medir las palabras. La estrategia va mejor cuando la llevas por dentro y de repente es un hecho, no cuando la vas boceando a los cuatro vientos antes de materializarse, que es donde pierdes un poco de fuelle. Entonces, fue bastante orgánico, además el guion da para que en el Nela se guarde.

Carlos Penela.- David, la película se sitúa en un contexto muy concreto: Mallorca en plena burbuja inmobiliaria. ¿Qué te interesa contar de ese momento, sobre todo de esa cara menos visible en el cine de la isla?

DAVID ILUNDAIN.- Queríamos un poco buscar un momento histórico que es de radiante reciente, no es que hagamos una película de época muy alejada y que además hemos vuelto a ese momento de burbuja inmobiliaria, pero ese momento en el que parecía que solo íbamos a subir, a subir, a subir, y de repente caímos. ¿Qué pasaba justo antes? Pues yo creo que pasaba que nadie quería apagar la música de la fiesta, la gente quería que siguiera todo igual, y en ese todo igual quien hoy era tu socio, al día siguiente podía ser tu enemigo, porque cuando quieres seguir ambicionando, ambicionando y ambicionando pues nunca hay límite. Quisimos buscar ese momento de conflicto entre una mujer inteligente, potente, fuerte, que tiene detrás todo un ecosistema, pero que no tiene la educación o los estudios que puede tener el status quo de la isla, y ver qué pasaba, haciéndolos chocar. Yo creo que ese era un poco el ecosistema de la película.

Carlos Penela.- El eje de la película, de la historia, lo sostienen personajes femeninos muy potentes. ¿Es una decisión consciente el romper con ciertos códigos del género o surgió directamente desde guion?

DAVID ILUNDAIN.- En este caso yo creo que teníamos dos ideas que eran importantes. El género thriller en el cine normalmente siempre hemos visto patriarcas y hacer una matriarca era muy interesante; por otro lado, teníamos una referencia de un personaje en concreto, no solo uno, había dos o tres, pero teníamos ahí algunas referencias importantes que habían existido. Por lo tanto, investigamos sobre eso y buscamos también en la realidad, hablando con gente que sí que ha estado en este tipo de poblados, en mayor parte en Son Banya (Mallorca), pero podía ser Cañada Real en Madrid o Can Tunis aquí en Barcelona. Yo recordaba mucho haber estado en Cañada Real y la impresión de lo que era la vida real del día a día (porque fuimos a hacer unos talleres con niños), y lo que enseguida captabas un poco a tu alrededor. Esa cosa de estar alerta siempre, ver que hay unos códigos en los que tú no entras, eso me llamaba mucho la atención. Quisimos entender un poco esto ,y que esos dos personajes fueran femeninos creo que les daba un punto interesante en el sentido de preguntarse ¿Cómo os vais a relacionar? ¿Cómo vais a reaccionar en el momento en el que, digamos, todo es a base de poder, que es el código tradicionalmente masculino-' Cuando ya pones el poder encima de la mesa, ¿ahora qué? ¿Cómo reaccionarían ellas ante eso? Era un poco la pregunta que nos hicimos para generar estos personajes.

ASIA ORTEGA.- Sí, el llevar una lucha o un conflicto desde el femenino y desde una mujer que no se posiciona en lo masculino para liderar, es curioso, porque de ahí sale un abanico de emociones considerable, de lo que tú dices, de tapar, de esconder, etc. Ya lo conocemos en ese patriarcado, pero en las mujeres no se había visto tanto.

DAVID ILUNDAIN.- Sí, es el código este que hemos visto muchas veces entre las mafias de la familia, pero con un punto diferente, un punto de vista que tiene matices.

Carlos Penela.- Asia, ¿Cómo trabajaste esa relación entre los personajes, el tuyo y el de Lolita, que conviven entre el afecto, la dependencia y el conflicto?

ASIA ORTEGA.- Bonita trieja has nombrado (risas). Pues la verdad que, curiosamente, y como regalo de la vida, fue todo muy natural. Con David llegamos a hacer una lectura de guion en casa de Lolita, y eso se convirtió en un ensayo ciertamente. Lolita me abrió la puerta de casa y ya conectamos. Luego, al final, pues hablando, conociéndonos... Y es que el guion estaba muy claro, estaba muy pautado. David también es un director que si le funciona algo, para adelante, pero si no te lo dice sin más, no se va por los cerros de Úbeda. Pero ya te digo, es que fue todo muy natural, no te puedo decir un tip con el que trabajamos, simplemente era mirarnos, respirar, confiar en la otra y de ahí salía todo.

DAVID ILUNDAIN.- Lo que dice Asia es totalmente cierto. Yo recuerdo perfectamente ese día en el que salí de casa de Lolita muy tranquilo, sabiendo que ibas a juntar a tus dos protagonistas y que ibas a tener la química desde el minuto cero, cosa que no es fácil. Y luego claro, Lolita tiene una trayectoria que dices, a ver cómo encajo con alguien que está en un código que puedes considerar una estrella en este país, pero es que salimos de su casa muy muy tranquilos, diciendo "vale, tenemos película."

ASIA ORTEGA.- Y luego ella en el set es muy generosa, más de un día me decía "tranquila, dejamos mi plano al final, vamos con los tuyos primero, porque esta secuencia tal, esta secuancia cual, etc.". Fue una maestra, una señora maestra.

DAVID ILUNDAIN.- Hablábamos sin problemas los tres. Yo creo que supimos buscar en cada momento qué necesitaba la secuencia. Recuerdo un momento, por ejemplo, de equivocarme, claramente, y decir "perdón, me he equivocado, vamos a cambiar la cámara de lado porque estamos mal." Y ya está, ¡funcionaba! Los tres lo teníamos claro que íbamos remando en el mismo sentido.

ASIA ORTEGA.- Y luego esto se traspasó a todos, de repente realmente éramos una familia gitana. Porque con Amin Hamada igual, con Lorca Prada que es mi hermano igual, Manu, o sea, todos. Hasta quien hacía de mi tito, yo lo miraba y me decía, es mi tito. Generamos ahí una comunidad muy bonita. Además, fue un rodaje muy divertido, aunque difícil.

Carlos Penela.- En ese sentido, en el tema de la familia, la lectura que hago después de ver la película es que esta aparece o bien como refugio o bien como prisión, depende del momento y del personaje. David ¿Hasta qué punto querías que el espectador se sintiera incómodo al juzgar esas dinámicas familiares?

DAVID ILUNDAIN.- Es que la familia no se acabará nunca de explorar, cada uno tiene la suya y todos tenemos dinámicas complejísimas, que a nada que pones un poco de observación ahí... Imagínate tener una familia que, aparte de sus dinámicas familiares, cada uno con su día a día, pues que está viviendo del tráfico de drogas, de la presión que hay sobre eso, del riesgo de todos los días sobre qué va a pasar con tu vida, no puedes recurrir a nada que no sea un golpe encima de la mesa o lo que sea que tengas que hacer por autoridad, etc. Todo se multiplica por mil.

Carlos Penela.- Por suerte cada vez vemos más personajes femeninos alejados de clichés. ¿Qué te atrajo de Nela dentro de ese cambio de mirada en el cine?

ASIA ORTEGA.- Me gustó mucho de Nela, lo primera, que llevara la visión de la película, me pareció un caramelito poder hacer la voz en off, aparte era un sueño para mí, era algo que siempre había querido hacer. Siempre me he creído que tengo un poco de voz de radio y tenía ganas de verme ahí. Aparte me pareció un trabajazo con David el encontrar la emoción, pero tampoco que no quedara demasiado subido, tratar de decir con la voz algo que se intuya que luego pueda pasar, pero no. Bueno, esas cosas. Ese trabajo ha sido como un trabajo aparte, otro personaje más, y eso ha sido muy guay. Y luego de Nela me encantó la guerra fría entre mujeres. Yo, por ejemplo, tengo muchas ganas de hacer una película ambientada en Versalles, porque esa cosa del no decir, de que cada mirada es algo, de poder poner cuerpo y alma a una relación, etc. Al final nuestros dos personajes, es como una madre y una hija, aunque no lo sean. Pero hay ahí una relación maternofilial con tanta complejidad... Es que yo he ido con los bellos de punta todo el día. Me atrajo mucho eso, la relación y el conflicto entre mujeres bajo el tono del amor y de la familia. Eso es lo que creo que generaba más desmembramiento. Ha sido muy interesante, sinceramente.

Carlos Penela.- David, Mallorca no es solo un escenario, es un personaje más en la película. ¿Cómo trabajaste el espacio, la luz, para reforzar el conflicto que se ve?

DAVID ILUNDAIN.- Buscábamos efectivamente que fuera un escenario protagonista, en el sentido de que todo el mundo conoce Mallorca, salvo que seas mallorquín, como lugar de vacaciones. Incluso la investigación en la fase de guion nos hacía ver que en ese momento histórico concreto el ecosistema de la isla tenía un punto de venta de droga tan heavy, que todo el mundo conocía, que era vox-populi, en el que se formaban hasta atascos de coches, que era como, espérate, esto es muy heavy, vamos a investigar sobre esto y a partir de ahí construimos. El personaje era eso, Mallorca fuera temporada, y que la luz fuera "incómoda" para los personajes, que no los retratáramos entre comillas guapos, que pasáramos por las calles que normalmente uno nunca pasaría, etc. Que los personajes nos llevaran, tanto emocionalmente como físicamente, cada vez más adentro de eso. ¿Por qué existe ese mundo? ¿Qué hay ahí dentro?

"CASO 137" - 19 DE JUNIO EN CINES

Presentamos el tráiler oficial de Caso 137, la nueva película de Dominik Moll, uno de los nombres más reconocidos del thriller europeo reciente, que se estrena en cines el 19 de junio. Tras el éxito de La noche del 12, el cineasta vuelve a sumergirse en una investigación marcada por la ambigüedad moral y las zonas grises del sistema.

Presentada en el Festival de Cannes y nominada a ocho premios César —incluyendo mejor película—, la cinta ha sido reconocida con el galardón a la mejor actriz para Léa Drucker (Close, El cuadro robado). Un thriller intenso y profundamente contemporáneo que pone el foco en los mecanismos internos de la policía y en los dilemas éticos que atraviesan quienes deben investigarla.

Sinopsis: Stéphanie, agente de policía de Asuntos Internos, es asignada a un caso relacionado con un joven gravemente herido durante una tensa y caótica manifestación en París. Si bien no encuentra pruebas de violencia policial ilegítima, el caso adquiere un cariz personal al descubrir que la víctima es de su ciudad natal y transformará el caso 137 en algo más que un simple número.

Un thriller anclado en la realidad política reciente

Caso 137 se adentra en el clima de tensión social que marcó a Francia en los últimos años, especialmente durante las protestas de los chalecos amarillos. La película plantea un retrato incisivo de la violencia policial y de los mecanismos de protección interna dentro del propio sistema, colocando al espectador en un terreno incómodo entre el deber institucional y la responsabilidad individual.

Con la precisión que ya caracterizaba a La noche del 12, Dominik Moll construye aquí un thriller de marcado carácter procedimental que examina cómo se investiga —y hasta qué punto se limita— la rendición de cuentas dentro del cuerpo policial. Para ello, llevó a cabo una exhaustiva labor de documentación, incluyendo encuentros con miembros de la Inspección General de la Policía Nacional (IGPN) y abogados especializados. “Prácticamente todo lo que aparece en la película proviene de cosas que observé, leí o pregunté”, explica el director. A esta vocación realista se suma la integración de imágenes reales rodadas durante las manifestaciones, que se entrelazan con la ficción y refuerzan la sensación de inmediatez. El resultado es un retrato directo y sin concesiones de una institución atravesada por sus propias contradicciones.

Una interpretación que vale un César

Dominik Moll reconoció que no concebía la película sin Léa Drucker: “Durante el proceso de escritura, ya empecé a pensar en ella para el papel y al final ya no podía imaginar a otra actriz en este papel”. La actriz, a quien ya había dirigido anteriormente, aceptó el proyecto desde el primer momento: “Tenía una gran confianza en el guion y en su visión”.

Drucker construye aquí un auténtico tour de force interpretativo que le ha valido el César a la mejor actriz. Su personaje, eje narrativo de la película, guía al espectador a través de la investigación mientras se enfrenta a una creciente tensión entre su lealtad al cuerpo y su propia conciencia. Para prepararlo, la actriz llevó a cabo un intenso proceso de documentación, acompañando durante meses a profesionales de Asuntos Internos y observando de cerca sus métodos de trabajo. El resultado es una interpretación contenida y precisa, que se apoya en los matices y en la interacción constante con el resto de personajes para sostener la complejidad moral del relato.

viernes, 29 de mayo de 2026

RESEÑA DE "FLEAK": CUANDO ACEPTAR LA REALIDAD SE CONVIERTE EN EL PRIMER PASO PARA VOLVER A SOÑAR

Introducción y sinopsis

Vercine estrena en salas de toda España la película de animación Fleak, una coproducción entre Finlandia, Francia y Polonia liderada por el estudio de animación finlandés Anima Vitae, responsable de títulos infantiles como la premiada saga de Niko.

Una película comprometida con la salud y la protección de la infancia que pone sobre la mesa uno de los temas más difíciles de afrontar por adultos y niños, como lo es la aceptación y tratamiento de las secuelas físicas y psíquicas de un accidente. Relatada a través de los ojos de un niño, Fleak refuerza valores como la resiliencia, el amor y la importancia de la red de seguridad de tus seres queridos y la valentía necesaria para afrontar los propios miedos.

El productor y guionista de la película, Antti Haikala, y el director, Jens Møller, querían profundizar en un tema que saben es delicado, una historia en la que un niño de 11 años sufre un accidente que le deja en silla de ruedas, porque "no existen -aseguran- muchas películas con la discapacidad como tema central en el cine infantil".

Los cineastas desarrollaron una investigación que les llevó a una conclusión importante. "Uno de nuestros guionistas, Teemu Auersalo, entrevistó a niños que han sufrido una discapacidad tras un accidente. Teemu les contó la historia de Fleak y la respuesta fue alentadora: muchos dijeron que les hubiera gustado haber tenido una referencia así cuando atravesaban momentos difíciles. Esto fue fundamental, ya que queríamos asegurarnos de que nuestra historia resultara inspiradora para personas con experiencias similares a las de Thomas".

Fleak, un ser extraño y extraordinario, nació de la imaginación del productor. "Era una criatura de otra dimensión -explica Haikala- que aparecía para calmar la situación de forma divertida cada vez que discutíamos o teníamos algún otro momento difícil. Fleak vivió con nuestra familia hasta que los chicos se acercaban a la adolescencia, y llegó el momento de que el personaje imaginario se marchara"

SINOPSIS

Thomas, un niño de 11 años, ve cómo su vida cambia para siempre tras un trágico accidente que le impide de caminar. Cuando todo parece perdido, la aparición de Fleak, una pequeña, traviesa y peluda criatura llegada de otra dimensión, abre ante él la puerta a un universo extraordinario.

Junto a su nuevo amigo, Thomas se adentra en un mundo fantástico donde redescubre su fuerza, su valentía y todo aquello de lo que todavía es capaz. Pero la aventura se complica cuando su sombra, separada de él, se convierte en un temible monstruo dispuesto a sembrar el caos en ambos mundos. Thomas deberá enfrentarse a sus miedos, reconstruir el vínculo con sus hermanos y descubrir que la verdadera fuerza nace de la amistad, el amor y la aceptación.

Sobre la película

En una época en la que gran parte de la animación familiar parece obsesionada con el ritmo frenético, el humor constante y la búsqueda de la lágrima fácil, Fleak emerge como una propuesta diferente. La película dirigida por Jens Møller y Mikko Pitkänen apuesta por un relato íntimo, sensible y profundamente humano que utiliza la fantasía como vehículo para hablar de cuestiones tan complejas como la discapacidad, la frustración, la pérdida de la autonomía y la capacidad de adaptación ante los golpes inesperados que nos da la vida.

La historia gira en torno a Thomas, un niño que, tras sufrir un accidente, debe afrontar una nueva realidad marcada por las limitaciones físicas y por la sensación de haber perdido una parte importante de sí mismo. Es precisamente en ese momento de vulnerabilidad cuando aparece Fleak, una extraña criatura procedente de un universo paralelo que le acompañará en un viaje que funciona simultáneamente como aventura fantástica y como recorrido emocional hacia la aceptación.

Uno de los grandes aciertos de la película reside en la honestidad con la que aborda la discapacidad del protagonista. Lejos de convertirla en un simple recurso argumental o en una excusa para transmitir mensajes simplistas de superación, la película permite que Thomas experimente emociones incómodas: rabia, tristeza, impotencia, egoísmo, miedo, sensación de injusticia... Son sentimientos completamente naturales que muchas veces el cine infantil evita mostrar por considerarlos demasiado complejos. Sin embargo, Fleak entiende que los niños también conviven con la frustración y que aprender a gestionar esas emociones forma parte del crecimiento.

Desde un punto de vista psicológico, la película transmite una idea especialmente valiosa: aceptar una situación difícil no significa rendirse ante ella. Al contrario. La aceptación aparece como el punto de partida imprescindible para poder avanzar. Mientras Thomas permanece anclado en aquello que ha perdido, su sufrimiento se multiplica. Solo cuando comienza a asumir su nueva realidad puede descubrir recursos, fortalezas y oportunidades que antes eran invisibles para él. Es un mensaje que trasciende la discapacidad y que puede aplicarse a cualquier crisis personal, enfermedad, pérdida o cambio inesperado que la vida nos obligue a afrontar.

En este sentido, Fleak también realiza una reflexión muy interesante sobre el foco de atención. La película muestra cómo el ser humano tiende a concentrarse en aquello que le falta, en aquello que ha perdido o en aquello que no puede hacer. Sin embargo, la verdadera transformación emocional de Thomas comienza cuando aprende a valorar lo que todavía conserva: su familia (especialmente, sus hermanos), su imaginación, el juego, su capacidad para seguir creciendo y las nuevas experiencias que aún puede vivir. No se trata de negar el dolor ni de disfrazarlo de optimismo artificial, sino de comprender que el bienestar psicológico suele construirse prestando atención a los recursos que permanecen disponibles incluso en los momentos más difíciles.

Visualmente, la producción resulta igualmente fascinante. Los paisajes y escenarios beben de la tradición nórdica y de la riqueza natural finlandesa. Bosques inmensos, formaciones orgánicas imposibles, criaturas inspiradas en formas naturales y una paleta cromática que alterna la calidez con tonalidades más frías construyen un universo de enorme personalidad. No busca imitar el aspecto visual de las grandes producciones estadounidenses, sino desarrollar una identidad propia profundamente europea. Cada escenario parece diseñado para despertar la curiosidad y la sensación de estar explorando un mundo tan bello como misterioso.

Otro aspecto especialmente destacable es el tono narrativo. Fleak no teme adentrarse en territorios emocionalmente oscuros o inquietantes. Hay momentos de incertidumbre, imágenes que pueden resultar perturbadoras para los espectadores más jóvenes y situaciones que transmiten auténtica sensación de peligro. Lejos de ser un defecto, esta decisión conecta con una larga tradición europea de cine familiar que entiende que los cuentos también deben contener sombras para que la luz tenga significado. La película confía en la inteligencia emocional de los niños y evita la sobreprotección narrativa que caracteriza a buena parte de la animación contemporánea.

Destacar nuevamente esta combinación entre imaginación visual y profundidad emocional. La aventura fantástica nunca eclipsa el conflicto interior del protagonista, sino que lo complementa. La sensibilidad con la que se representa el proceso de adaptación al cambio, evitando caer tanto en el dramatismo excesivo como en el optimismo ingenuo es uno de los puntos fuertes de la cinta. Esa capacidad para encontrar el equilibrio convierte a Fleak en una experiencia accesible para los más pequeños y enriquecedora para los adultos.

Al finalizar la proyección queda la sensación de haber asistido a una historia que habla de algo mucho más universal que la discapacidad o la infancia. Fleak habla de todos aquellos momentos en los que la vida no se parece a lo que habíamos planeado. Habla de la necesidad de reconciliarnos con nuestras limitaciones, de aprender a convivir con ellas y de descubrir que la felicidad no siempre surge de recuperar lo perdido, sino de encontrar nuevas formas de seguir adelante. En una sociedad obsesionada con la perfección, el rendimiento y el éxito permanente, la película nos recuerda algo tan sencillo como profundamente humano: que incluso cuando las circunstancias nos obligan a cambiar de rumbo, seguimos siendo capaces de construir nuevos caminos.

Por todo ello, Fleak se revela como una de esas pequeñas joyas de la animación europea que merecen ser descubiertas. Una película visualmente hermosa, emocionalmente inteligente y psicológicamente enriquecedora que invita a espectadores de todas las edades a mirar sus propias dificultades desde una perspectiva más compasiva, más realista y, sobre todo, más esperanzadora.

jueves, 28 de mayo de 2026

ESTRENOS DE CARTELERA - 29 DE MAYO DE 2026

CORREDORA

La ópera prima de Laura García Alonso llega a los cines este viernes 29 de mayo distribuida por Elastica.

Corredora tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial de la 29 edición del Festival de Málaga, donde recibió el premio ASECAN a la Mejor Ópera Prima y numerosos elogios por parte de la crítica y del público. También participó en la décima edición del BCN Film Fest, dentro de la Sección Oficial fuera de concurso.

Corredora es el debut como protagonista de la actriz Alba Sáez, quien, para meterse en la piel de su personaje, se preparó durante un año con un entrenador profesional especialista en medio fondo. Junto a Alba Sáez comparten cartel Marina Salas y Àlex Brendemühl. El guion es de Laura García Alonso y Pol Cortecans (Sé quién eres, Todos mienten).

Corredora retrata un universo poco explorado en la ficción, el de la salud mental en el deporte de élite. Y sobre este eje pivotan temas tan humanos y universales como la aceptación, la reconciliación, la autoexigencia o el miedo al fracaso.

Sinopsis: Cris, una corredora de élite, sufre un brote psicótico que la obliga a alejarse de la alta competición. No todos a su alrededor podrán o sabrán cómo ayudarla pero Natàlia, su hermana, será su lugar de refugio para aceptar su condición y redefinir su ritmo de vida.

El último cortometraje de García Alonso, Tormenta de verano, producido por Miriam Porté y ganador de la Biznaga de Plata al Mejor Actor en el Festival de Málaga 2023, también reflexiona sobre la enfermedad mental en el entorno familiar. Tras esta experiencia ambas vieron que este tema merecía una exploración más profunda, e iniciaron juntas el desarrollo del largometraje Corredora. A diferencia del corto, en el que el tema se trataba desde el punto de vista del cuidador, en el caso de Corredora los hechos se narran desde la perspectiva de quien vive el trastorno en primera persona.

Corredora es una producción de Miriam Porté para Distinto Films (Sorda, Una quinta portuguesa), en coproducción con María Zamora para Elastica (Romería, Alcarràs, O Corno) y Àngels Masclans para Dos Soles Media (Romería, Esmorza amb mi). Cuenta con la financiación de ICEC e ICAA y con la participación de 3Cat y RTVE. La película será distribuida en España por Elastica. De las ventas internacionales se encarga Latido Films.

El proyecto, en fase de escritura, formó parte del prestigioso laboratorio de guiones internacional del Mediterranean Film Institute (MFI, Grecia), y a nivel nacional ha participado en el Laboratorio de Escritura de Guion de la SGAE, Acció Viver de Dones Visuals y la Residencia de escritura de guiones Faberllull. Durante el proceso de postproducción participó en los laboratorios C EU Soon del MIA Market y el European Work in Progress en Hamburgo donde fue galardonado con un premio para la postproducción de sonido.

La película, en versión original catalana, se rodó en Barcelona y Zaragoza. La dirección de fotografía de la película se ha confiado en Gina Ferrer García, conocida por éxitos como 20.000 especies de abejas y Sorda.

Laura García Alonso. Graduada en ESCAC. Su cortometraje, Tormenta de verano, protagonizado por Àlex Monner y Lola Dueñas, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI), y participó en la Sección Oficial del Festival de Cine de Málaga, donde Àlex Monner obtuvo la Biznaga de Plata al Mejor Actor.

Su primer cortometraje, Alex, protagonizado por Greta Fernández, Mónica López y Laia Marull, fue seleccionado en el 62 Festival de Cine de San Sebastián y estuvo nominado a los VII Premios Gaudí de la Academia del Cine Catalán.

Corredora es su debut como directora en el campo del largometraje.

MALLORCA CONFIDENCIAL

Amelia Mora (La infiltrada) firma el guion.

A LA CARA

El segundo largometraje de Javier Marco, A la cara, que adapta su premiado cortometraje homónimo — Ganador del Goya— a una emotiva historia de confrontación, culpa y redención, llega a los cines distribuida por SIDERAL.

A la cara se estrenó en noviembre en el Festival Internacional de Cine de Gijón, donde fue reconocida con los premios a Mejor Largometraje Español y Mejor Director de Película Española.

El reparto está encabezado por Manolo Solo (Cerrar los ojos, El buen patrón, Premio Goya por Tarde para la ira) y Sonia Almarcha (nominada al Goya por El buen patrón). Completan el elenco Daniel Pérez Prada (Els encantats, Como Dios manda), Roberto Álamo (Josefina, Que Dios nos perdone) y la actriz emergente Helena Zumel.

Javier Marco firma la dirección y coescribe el guion junto a Belén Sánchez-Arévalo, colaboradora habitual del cineasta en todos sus proyectos anteriores.

Sinopsis: Cuando Pedro abre la puerta de su casa a un posible compañero de piso, se encuentra con Lina, una famosa presentadora de televisión, que le exige que repita en voz alta el mensaje de odio que le escribió en redes. Lo que empieza como un choque violento se transforma en una extraña convivencia, donde ambos se convierten en espejos incómodos. Obligados a enfrentarse a sus propios demonios, Pedro y Lina descubren que estos los unen más de lo que creen.

En el apartado técnico, Javier Marco ha contado con la participación de profesionales de gran trayectoria como Anna Franquesa-Solano como directora de fotografía (BAFTA Breakthrough USA, con películas como The Farewell y la serie de Apple TV Expats), Curru Garabal como directora de arte (nominada al Goya por Cerrar los ojos), Dani Fontrodona como jefe de sonido (ganador del Goya por Tres), Pilar Álvarez y Fátima González como responsables de maquillaje y peluquería, y Carmen Martínez (seis veces nominada a los Goya) y Patricio Ruiz como directores de producción.

“Esta historia comienza con unas palabras lanzadas sin pensar, desde la comodidad y la distancia que te da una pantalla. Pero esta vez, alguien las lee y decide responder. A la cara es el choque entre dos mundos que nunca deberían haberse cruzado. Quería explorar qué sucede cuando desaparecen los filtros, cuando ya no hay teclados ni pantallas de por medio. Solo dos personas enfrentadas en un mismo espacio. Ese enfrentamiento se convierte en un viaje no solo de venganza, sino también de redención y de encuentro. Porque, más allá de sus diferencias, ambos protagonistas comparten una misma culpa: sienten que han fallado como padres. Y desde ahí pueden mirarse sin máscaras.” — Javier Marco

Es una producción de Pecado Films, LaCima Producciones, Langosta Films, Odessa Films, Biograf Capital AIE, Suculenta Producciones y LaCima Entertainment, en coproducción con la belga BulletProof Cupid.

Cuenta con el apoyo del ICAA, Institut Valencià de Cultura, Comunidad de Madrid y Creative Europe Media; la participación de À Punt, Telemadrid y Castilla-La Mancha Media; y el patrocinio de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, ETURIA CLM y Castilla-La Mancha Film Commission, tras resultar ganadora del Segundo Concurso de Producción de Largometrajes y Series de Televisión de ETURIA CLM.

La distribución en España corre a cargo de SIDERAL y las ventas internacionales de Reason8.

Javier Marco (Alicante, 1981) es director y guionista. Sus trabajos han sido premiados y seleccionados en festivales como San Sebastián, Clermont-Ferrand, Palm Springs, Cleveland, FICG Guadalajara o Leeds, entre otros.

Su ópera prima, Josefina (2021), fue la única película española en la sección Nuevos Directores del Festival de San Sebastián y obtuvo tres nominaciones a los Premios Goya, incluida Mejor Dirección Novel.

Su cortometraje A la cara (2020) ganó el Goya a Mejor Cortometraje de Ficción y fue seleccionado en más de cien festivales internacionales.

Ha sido Berlinale Talent (2020), Reykjavik Talent (2019) y en 2022 fue seleccionado en las Residencias de la Academia de Cine para desarrollar el largometraje A la cara.

LA SILLA

La silla es un thriller de suspense psicológico dirigida por el coruñés Ángel de la Cruz, ganador de cuatro Premios Goya (2001 Mejor película de animación El bosque animado, sentirás su magia, 2006 mejor película de animación El Sueño De Una Noche De San Juan y mejor guion adaptado y mejor película de animación 2012 – Arrugas).

La silla es la quinta producción del director gallego, Ángel de la Cruz y está protagonizada por Jaime Lorente, al que acompañan, Christina Ochoa y Eva Rufo en el reparto.

“El film se adentra en los rincones más oscuros del ser humano, explorando los límites de la culpa, el remordimiento y la redención a través de una historia inquietante, angustiosa y claustrofóbica, pero también llena de metáforas y poesía”, asegura De la Cruz.

La silla es una producción de La Silla La Película, en asociación con Ézaro Films, Emedia Canary Projects. Con la participación de AF Films, AF Canary Islands Studios, Match Point y Crea SGR. Con el apoyo de Canary Islands Film.

SINOPSIS

Daniel Lonces es un joven escritor de novelas de misterio que ha conseguido todo lo que deseaba en la vida, (bueno casi todo). Ha alcanzado lo que siempre ha soñado: es popular, le requieren con frecuencia en los medios de comunicación, está casado con una mujer que le quiere, tiene un precioso niño pequeño y se dedica a lo que le gusta ¿qué más puede pedir?

Por supuesto, esta idílica (o quizá no tanto) existencia se verá inesperadamente truncada. Un día, realizando una pequeña prueba para una de sus novelas quedará accidentalmente atado a una silla sin posibilidad de soltarse. Poco a poco la situación se complicará de forma imprevisible y Daniel tendrá que luchar contra las circunstancias, en inferioridad de condiciones, para salvar su vida y la de los seres que ama. Una situación que progresivamente va adquiriendo tintes dramáticos, en una espiral de intriga, dolor y tensión.

AF Pictures distribuye la película en España con estreno exclusivo en cines.

AF Pictures es una empresa especializada en la distribución de películas, comprometida con llevar el mejor contenido cinematográfico a audiencias de todo el mundo. AF Pictures forma parte de la productora AF liderada por Frank Ariza. La nueva distribuidora permitirá a AF llevar directamente sus proyectos a nuevas ventanas de exhibición, consolidando su papel dentro de la industria audiovisual.

AF Pictures contará con un slate de 10 títulos por año como las ya estrenadas en cines Reversión (2025), Fragmentos (2025), El Vestido (2026), Islas (2026), Casi Todo Bien (2026) y próximos proyectos tales como: El Mal hijo, Desposados y La Noche Cerrada, próximamente en cines.

EL DRAMA

El drama es la esperada película protagonizada por Zendaya (Dune, Rivales) y Robert Pattinson (Crepúsculo, The Batman) como la pareja del año.

En esta comedia dramática no todo es tan maravilloso como parece, y aunque se nos presenta una historia de amor idílica, lista para dar el gran paso, los planes de boda de Emma y Charlie sufren un cambio inesperado cuando un secreto sale a la luz…

El Drama está escrita y dirigida por Kristoffer Borgli, responsable de joyas como Dream Scenario o Sick of myself. Completan este espectacular reparto Alana Haim (Licorice Pizza, Una batalla tras otra) y Mamoudou Athie (Jurassic World: Dominion, El círculo).

Sinopsis: Emma (Zendaya) y Charlie (Robert Pattinson) tienen una relación idílica y están a punto de casarse. Sin embargo, días antes de la ceremonia, se enfrentan a una crisis cuando unas inesperadas revelaciones desbaratan lo que uno de ellos creía saber sobre el otro. Esto convertirá su relación en un auténtico drama.

El drama llega a nuestras pantallas distribuida por Diamond Films.

EL CASO HÜBENER

El caso Hübener llega a nuestras pantallas como un intenso thriller histórico basado en hechos reales que pone el foco en uno de los actos de resistencia más valientes —y menos conocidos— de la Alemania nazi: el de un adolescente que decidió enfrentarse a la maquinaria propagandística de Hitler armado únicamente con la verdad.

Dirigida por Matt Whitaker, la película reconstruye la historia de Helmuth Hübener, el opositor más joven condenado a muerte por el régimen nazi. Una figura histórica fascinante que, pese a su juventud, se convirtió en símbolo de rebeldía moral frente al totalitarismo.

Sinopsis: 1941. Bajo el dominio del régimen nazi, un joven llamado Helmuth Hübener se atreve a cuestionar qué significa ser un buen alemán. Su búsqueda de la verdad lo llevará a emprender actos de resistencia que pondrán en riesgo su vida y la de quienes le rodean.

Matt Whitaker dirige esta producción estadounidense protagonizada por Ewan Horrocks, Rupert Evans y Ferdinand McKay. El reparto principal se completa con Daf Thomas, Joanna Christie y Sean Mahon, entre otros. El guion corre a cargo de Ethan Vincent y del propio Whitaker.

La figura de Helmuth Hübener continúa siendo una gran desconocida para buena parte del público, y precisamente ahí reside parte del valor de esta producción. Frente a otras películas centradas en grandes líderes o acontecimientos militares, El caso Hübener pone el foco en la resistencia juvenil y en cómo incluso una sola persona puede desafiar un sistema construido sobre el terror y la propaganda.

El caso Hübener se estrena en España de la mano de SelectaVisión y A Contracorriente Films.

¿QUÉ TE DICE ESA NATURALEZA?

Donghwa, un joven poeta de Seúl de treinta y tantos, acompaña a su novia Junhee a casa de sus padres en su coche noventero, con la intención de marcharse pronto. Fascinado por la belleza de la casa, situada en una colina, es invitado por su suegro a quedarse. Es la primera vez que conoce a los padres de su novia, tras tres años de relación.

Durante un día y una noche, comparte la vida de la familia: paseos, una visita a un templo junto al río y largas conversaciones. Entre risas, vino, licor fuerte y una cena casera, las miserias familiares y personales salen a la luz, revelando la naturaleza de cada uno.

Protagonizada por Ha Seongguk, Kwon Haehyo, Cho Yunhee, Kang Soyi y Park Miso, ¿Qué te dice esa naturaleza? llega a nuestras pantallas de la mano de Atalante Cinema.

FLEAK

SINOPSIS

SAN JORGE

European Dreams Factory estrena en cines San Jorge, una producción cinematográfica que recrea por primera vez en el cine la vida del legendario soldado romano convertido en mártir cristiano y símbolo universal de la fe.

Rodada entre Brasil y las históricas tierras de Capadocia (Turquía), la película narra la historia de Jorge, un joven capitán del ejército que desafía al emperador Diocleciano para mantenerse fiel a sus creencias, en el contexto de las persecuciones contra los cristianos del siglo IV. Dirigida y protagonizada por el cineasta brasileño Alexandre Machafer, la cinta combina rigor histórico, fuerza visual y un mensaje atemporal sobre el coraje ante la injusticia.

San Jorge ha sido presentada en festivales de prestigio como el Lavazza IncluCity de Toronto y el Festival Internacional de Cine de Moscú, y ha recibido el premio a Mejor Dirección en el festival Mirabile Dictu, promovido por el Vaticano. La película cuenta con un amplio reparto internacional y con el respaldo de entidades culturales y religiosas que han apoyado su producción y distribución.

Con esta película, European Dreams Factory refuerza su compromiso con el cine espiritual y de valores, acercando a la gran pantalla historias que inspiran y transforman.

Sinopsis: Año 303 d.C. El Imperio romano alcanza su máxima expansión, pero también su mayor persecución contra los cristianos. Jorge, un joven oficial del ejército, es promovido a capitán tras una brillante victoria. Sin embargo, cuando el emperador Diocleciano ordena la erradicación total de la fe cristiana, Jorge se enfrenta a una disyuntiva: obedecer al Imperio o seguir a Cristo. La película retrata el camino interior y exterior de un hombre que desafió el poder para defender su fe, y que sería venerado por siglos como San Jorge, símbolo de resistencia, libertad y justicia.

PETRUS

El largometraje documental Petrus de Helena Bengoetxea tiene su estreno en salas este viernes. Producida por Haruru Filmak, tuvo su première mundial en la 67ª edición del Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao – ZINEBI, dentro de la sección Bertoko Begiradak - Miradas desde Euskadi. La première de Petrus supuso el regreso de Bengoetxea al certamen tras el estreno de su ópera prima «Matrioskas, las niñas de la guerra».

En Petrus se entrelazan las historias del cantero y artista Joseba Lekuona, la del profesor jubilado Simeón Hidalgo, y la de Elsa Plano, alcaldesa comprometida con la supervivencia de su valle. Desde tres miradas distintas, la película ahonda en cómo la resistencia también puede ejercerse desde la belleza de lo cotidiano.

La directora Helena Bengoetxea confiesa: «Me fascina especialmente el contraste de los personajes que, al mismo tiempo, conectan desde la resistencia: Joseba en su empeño por mantener un oficio desde su forma de entender el arte, Simeón promocionando un pequeño museo que atesora parte de la cultura medieval en un lugar cuya vida se desvanece, al igual que las tallas de Petrus, y Elsa, la alcaldesa empeñada en mantener vivo un entorno cada vez más despoblado».

Además, añade que Petrus «tiene una profunda mirada social, poniendo el foco en el despoblamiento de las zonas rurales y proponiendo soluciones creativas en forma de alternativas culturales para el desarrollo local».

La película cuenta con el apoyo del Gobierno de Navarra a través de las ayudas Generazinema Desarrollo y Generazinema Producción, y ha participado en las consultorías «Producers Meet Producers» organizadas por la PAC (Productors Audiovisuals de Catalunya) en el Festival de Sitges. Además, el cortometraje «Petrus, historia de un capitel» contó con la ayuda del Programa Innova impulsado por Fundación Caja Navarra y Fundación "la Caixa".

Sinopsis: Joseba Lekuona esculpe piezas en piedra para un mercado de arte exclusivo para unos pocos. Simeón Hidalgo, profesor jubilado, mantiene a duras penas el museo dedicado al maestro cantero medieval Petrus, un minúsculo y apasionante proyecto cultural en medio de la nada. La alcaldesa de la zona, Elsa Plano, hace de la supervivencia del valle su cruzada vital. Los caminos de Joseba, Simeón y Elsa se entrecruzan, caminos en los que, cada cual a su manera, hacen de lo cotidiano una forma de resistencia.

Helena Bengoetxea es realizadora, diseñadora editorial y periodista, máster en Estudios Feministas, Comunicación Audiovisual, y formada en cine documental en la EICTV de Cuba. Además, ha completado su formación en seminarios con Mercedes Álvarez, Carmen Guarini, Nicolas Philipbert, Pedro Costa o Patricio Guzmán. Su obra dialoga con el feminismo, la memoria histórica y la educación para el desarrollo. Desde 2005 colabora como docente en el Departamento de Audiovisual del Centre La Bonne de Barcelona.

Filmografía:

Matrioskas, las niñas de la guerra (documental, 2021)

Haruru Filmak es una cooperativa audiovisual con sede en Pamplona fundada por Rubén Marcilla, realizador con años de experiencia en el sector audiovisual, y Helena Bengoetxea, realizadora, diseñadora editorial y periodista. Sus proyectos han contado con el apoyo de diferentes administraciones públicas y entidades privadas, como Gobierno de Navarra, Gobierno Vasco, EITB, Eurorregión NAEN (Nueva Aquitania-Euskadi-Navarra), Centre Nationale de la Cinematographie (CNC).

Con una visión comprometida y social, realiza la mayor parte de sus obras para asociaciones, colectivos y espacios culturales. Desde 2019 producen sus propios proyectos documentales y propuestas multidisciplinares, así como la promoción y producción de proyectos liderados por mujeres cineastas

Filmografía:

Matrioskas, las niñas de la guerra (documental, 2021)
Auzoak bakarrik salba dezake auzoa (cortometraje, 2020)
Bizitza birsortzen (cortometraje, 2018)