¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
Un relato íntimo sobre la amistad, el amor no correspondido y la valentía emocional
El cortometraje Una conversación pendiente, dirigido por Cecilia Gessa y protagonizado por Carlos Bardem y Salva Reina, tendrá su estreno hoy en España en la 29ª edición del Festival de Málaga, donde competirá en la Sección Oficial de Cortometrajes. La película se proyectará a las 22:00 horas en el cine Albéniz.
Rodado en junio de 2025 en localizaciones de Cuenca, el corto construye su relato a partir de una única noche y una conversación que altera definitivamente la relación entre dos amigos. Producido por Gessas Producciones junto a Amca Producciones, Gosua Films, Sissi Films, Soren Films, Hackeo Productions y Jarana Films, la película sitúa el conflicto en la intimidad de una habitación de hotel, mientras el casco histórico de la ciudad enmarca el inicio y el cierre del relato.
La dirección de fotografía, a cargo de Manuel Galán, acompaña la evolución emocional de los personajes a lo largo de la noche. La iluminación, cálida y precisa, refuerza la intimidad del encuentro, mientras las sombras propias de la habitación de hotel aportan tensión y profundidad visual a una conversación que marca un punto de inflexión en la relación.
Dos amigos. Una noche. Una verdad que cambia todo
Tras una despedida de soltero, Raúl (Salva Reina) se acerca a la habitación de Santi (Carlos Bardem) para mantener una última charla antes del gran día. Lo que comienza como una conversación informal entre amigos evoluciona a lo largo de la noche hacia una confesión inesperada que pondrá en jaque su relación, revelando sentimientos silenciados durante años. A medida que avanza la madrugada y el amanecer ilumina la escena, ambos protagonistas se ven confrontados con su verdad más íntima.
La directora del cortometraje, Cecilia Gessa, indaga en el universo emocional de la historia a través de los matices de esta relación: “La amistad es uno de los mayores regalos de la vida, un vínculo que no exige sangre ni contratos, sino un entendimiento profundo y mutuo. Sin embargo, también puede ser un terreno complejo, lleno de matices y silencios”, explica.
En ese contexto, Gessa propone una reflexión sobre los vínculos prolongados en el tiempo y la incomodidad que puede surgir cuando los afectos cambian o se silencian: “A través de la relación entre Raúl y Santi quiero explorar esa complejidad, esa tensión que surge cuando los intereses ya no son los mismos o cuando la relación persiste más por hábito o conveniencia que por auténtico afecto”.
Foto: Anita Manez
Además, la directora pone el foco en una de las capas más sensibles de la historia: el amor no correspondido en el marco de una amistad. “Me interesa abordar la idea de la soledad en compañía: ese sentimiento de vacío que puede persistir incluso estando rodeado de gente, cuando no te sientes comprendido ni visto realmente por quienes te rodean. También quiero sumergirme en la experiencia emocional de enamorarte de un amigo y guardar ese sentimiento en silencio durante años”.
Con Una conversación pendiente, Cecilia Gessa entrelaza con sutileza temas como la amistad, la soledad y el deseo silenciado, ofreciendo un retrato emocionalmente honesto de cómo lo no dicho puede modificar profundamente la forma en que nos relacionamos.
SINOPSIS
Tras la celebración de despedida de soltero de Raúl, este va a buscar a Santi a su habitación de hotel para una última charla. Lo que parecía una conversación casual se transforma en una confesión inesperada que pone a prueba su amistad y desvela sentimientos ocultos.
Un equipo con visión y compromiso
Además de un elenco de primer nivel, el cortometraje cuenta con un equipo técnico encabezado por Cecilia Gessa (dirección), Manuel Galán (dirección de fotografía), David Santamaría (montaje) y Luis Delgado (dirección de arte). El guion ha sido escrito por Cecilia Gessa y Nico Frasquet. La producción corre a cargo de Gessas Producciones, Amca Producciones, Sissi Films, Soren Films, Gosua Films, Hackeo Productions y Jarana Films.
Cecilia Gessa, reconocida por su firme compromiso social y su sensibilidad artística, ha sido galardonada con premios como el Premio Rayo Verde (Academia de Cine y Greenpeace), el Premi Dafne al mejor proyecto social por Princesa, y el Premio MUM por su defensa de la igualdad.
Cecilia Gessa: una cineasta con voz propia y visión transformadora
Cecilia Gessa, procedente de un entorno artístico, cuenta con una sólida trayectoria en el sector audiovisual. Ha trabajado como actriz en 58 títulos, ha dirigido 12 producciones teatrales y ha estado al frente de 18 proyectos audiovisuales, siendo reconocida con 11 premios a lo largo de su carrera. Actualmente, ejerce como directora y productora al frente de su propia compañía, Gessas Producciones S.L.
Ha sido galardonada con el Premio MUM (Mujeres Unidas contra el Maltrato) en el Ateneo de Madrid por su defensa de la igualdad y la erradicación de la violencia contra las mujeres. También ha recibido el Premi Dafne al millor projecte social 2023 por el cortometraje Princesa, el Premio Rayo Verde otorgado por la Academia de Cine y Greenpeace por su compromiso medioambiental y social, y el Premio Linda Chacón en el Certamen Internacional de Cortometrajes El Pecado.
Entre sus trabajos más destacados figura su primera serie como creadora y productora, Relatos con-fin-a-dos, realizada junto a Álvaro Longoria (Morena Films) para Amazon Prime Video. También impulsó la campaña Juntas somos más fuertes con motivo del 8M, que contó con la participación de relevantes figuras del ámbito cultural.
Es miembro de CIMA (Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales), EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales) y DAMA (Derechos de Autor de Medios Audiovisuales).
Corredora, la ópera prima de Laura García Alonso, llegará a los cines el próximo 29 de mayo distribuida por Elastica. Antes de su estreno en salas, la película competirá esta tarde en la Sección Oficial de la 29 edición del Festival de Málaga.
Corredora es el debut como protagonista de la actriz Alba Sáez, junto a Marina Salas y Àlex Brendemühl. El guion es de Laura García Alonso y Pol Cortecans (Sé quién eres, Todos mienten).
Corredora retrata un universo poco explorado en la ficción, el de la salud mental en el deporte de élite. Y sobre este eje pivotan temas tan humanos y universales como la aceptación, la reconciliación, la autoexigencia o el miedo al fracaso.
Sinopsis: Cris, una corredora de élite, sufre un brote psicótico que la obliga a alejarse de la alta competición. No todos a su alrededor podrán o sabrán cómo ayudarla pero Natàlia, su hermana, será su lugar de refugio para aceptar su condición y redefinir su ritmo de vida.
El último cortometraje de García Alonso, Tormenta de verano, producido por Miriam Porté y ganador de la Biznaga de Plata al Mejor Actor en el Festival de Málaga 2023, también reflexiona sobre la enfermedad mental en el entorno familiar. Tras esta experiencia ambas vieron que este tema merecía una exploración más profunda, e iniciaron juntas el desarrollo del largometraje Corredora. A diferencia del corto, en el que el tema se trataba desde el punto de vista del cuidador, en el caso de Corredora los hechos se narran desde la perspectiva de quien vive el trastorno en primera persona.
La directora expresa: “La protagonista vive aquello que más temen los deportistas: una lesión. Sufre un brote psicótico que requiere hospitalización. Su lesión resulta invisible para los otros, incluso a veces para ella misma. Tengo la sensación de que la representación que hace el cine sobre la enfermedad mental está frecuentemente estigmatizada. Quiero creer que podemos construir una narrativa diferente, una historia donde haya espacio para la lucha y la renuncia, para el conflicto y la aceptación.”
Corredora es una producción de Miriam Porté para Distinto Films (Sorda, Una quinta portuguesa), en coproducción con María Zamora para Elastica (Romería, Alcarràs, O Corno) y Àngels Masclans para Dos Soles Media (Romería, Esmorza amb mi). Cuenta con la financiación de ICEC e ICAA y con la participación de 3Cat y RTVE. La película será distribuida en España por Elastica. De las ventas internacionales se encarga Latido Films.
El proyecto, en fase de escritura, formó parte del prestigioso laboratorio de guiones internacional del Mediterranean Film Institute (MFI, Grecia), y a nivel nacional ha participado en el Laboratorio de Escritura de Guion de la SGAE, Acció Viver de Dones Visuals y la Residencia de escritura de guiones Faberllull. Durante el proceso de postproducción participó en los laboratorios C EU Soon del MIA Market y el European Work in Progress en Hamburgo donde fue galardonado con un premio para la postproducción de sonido.
La película, en versión original catalana, se rodó en Barcelona y Zaragoza. La dirección de fotografía de la película se ha confiado en Gina Ferrer García, conocida por éxitos como 20.000 especies de abejas y Sorda.
Las productoras de la película, Miriam Porté, Àngels Masclans y María Zamora, explican su motivación a la hora de hacer esta película: "Tanto la directora como nosotras, como productoras, estamos interesadas en hablar sobre la salud mental. Son enfermedades invisibles y cinematográficamente hay pocas propuestas que lo traten en toda su complejidad. Actualmente vivimos en un entorno lleno de presiones, tanto internas como externas, que favorecen la aparición de este tipo de trastornos, y por ello creemos que es un tema que nos interpela cada vez más como sociedad. Nos interesa mucho la mirada de Laura García Alonso sobre este tema, por la solidez y madurez de su puesta en escena en esta ópera prima, y por su punto de vista tan cercano a lo que nos cuenta".
LAURA GARCÍA ALONSO
Graduada en ESCAC. Su cortometraje, Tormenta de verano, protagonizado por Àlex Monner y Lola Dueñas, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI), y participó en la Sección Oficial del Festival de Cine de Málaga, donde Àlex Monner obtuvo la Biznaga de Plata al Mejor Actor.
Su primer cortometraje, Alex, protagonizado por Greta Fernández, Mónica López y Laia Marull, fue seleccionado en el 62 Festival de Cine de San Sebastián y estuvo nominado a los VII Premios Gaudí de la Academia del Cine Catalán.
Corredora es su debut como directora en el campo del largometraje.
El largometraje documental Forqué. El oficio de hacer cine, codirigido por Gaizka Urresti y Rafael Maluenda, participa hoy en la 29ª edición del Festival de Málaga dentro de la sección Documentales. Pases Especiales. La película se proyecta este sábado 7 de marzo a las 21:00 horas en el Auditorio Christine Ruiz-Picasso.
Con 103 minutos de duración, el documental recupera la figura de José María Forqué, cineasta cuyo nombre identifica hoy uno de los galardones más relevantes del cine español, pero cuya figura permanece menos reconocida de lo que su aportación histórica merece.
“Estamos muy agradecidos por la invitación a presentar nuestra película en el Festival de Málaga. Es un punto de encuentro clave para los profesionales del cine español y, en ese marco, la figura de Forqué cobra un sentido especial: fue un profesional modélico que amaba el cine y que, con EGEDA, dio un paso decisivo para el impulso de nuestra industria. Presentar este documental aquí es, en cierto modo, volver a situar su legado en el centro del sector”, afirma Rafael Maluenda.
Para Gaizka Urresti —nominado al Forqué y al Goya por Eloy de la Iglesia. Adicto al cine— el proyecto nace de una voluntad de reivindicación histórica y de un proceso creativo que dialoga con su trabajo reciente: “La creación de este documental coincidió con la de Eloy de la Iglesia. Adicto al cine. Paradójicamente, el filme sobre José María Forqué estaba más avanzado, pero tuvimos que posponerlo para terminar el de Eloy. Trabajar en paralelo sobre ambos ha sido apasionante: dos vidas y dos filmografías casi antagónicas, dos maneras muy distintas de entender el cine, la del cineasta poseído por la necesidad de filmar y la del profesional que hizo del oficio su vocación. Dos caminos distintos, y ambos capaces de dar lugar a grandes películas.
Desde adolescente sentí fascinación por los documentales dedicados a las estrellas del cine clásico de Hollywood, películas que no solo retrataban a cineastas y actores, sino que explicaban una forma de entender el oficio y toda una época del cine. Con este documental hemos querido acercarnos a ese modelo, trasladándolo a nuestra propia historia y reivindicando la importancia del cine clásico español a través de figuras como José María Forqué, que contribuyeron decisivamente a construir nuestra industria y nuestro imaginario cinematográfico.”
En el documental participan, entre otros, Rafael Maza —quien interpreta a José María Forqué— junto a Enrique Cerezo, Pedro Mari Sánchez, Nacho G. Velilla, Ana Asión, Agustín Sánchez Vidal, Luis Alegre, Julia Gutiérrez Caba, Luisa Gavasa, Emilio Gutiérrez Caba, Carlos Areces, Juanjo Puigcorbé, Santiago Aguilar, Antón Castro, Vicky Calavia, Alberto Jiménez, Julio Peña, Pepe Sacristán, Jorge Asín, Fernando Méndez-Leite y Bernardo Sánchez.
El documental está producido por Urresti Producciones, Un hombre sin más AIE e Imval Producciones con la colaboración de Aragón TV, Movistar y RTVE, y el apoyo de DPZ, Ayuntamiento de Zaragoza, Comunidad de Madrid, Gobierno de Aragón e ICCA-Ministerio de Cultura. Distribuye 39 Escalones.
La dirección corre a cargo de Gaizka Urresti y Rafael Maluenda, con guion de Rafael Maluenda. La producción está firmada por Elisa Múgica, Luis Ángel Ramírez y Gaizka Urresti, con producción ejecutiva de Elisa Múgica.
La dirección de fotografía es de Pepe Añón; el montaje, de Alejandro Miranda y Gaizka Urresti; la música, de Miguel Ángel Remiro; la edición de sonido, de Lilián Violadé; la mezcla, de Adolfo García (Estudios Roma); la dirección de arte, de Ana Sanagustín; y el maquillaje y peluquería, de Irene Tudela y Abilio Langa.
SINOPSIS
Los premios que llevan su nombre son símbolo de prestigio en el cine español, pero José María Forqué sigue siendo una figura poco reconocida. Este documental recupera su legado a través de su propia voz y la de quienes trabajaron con él. Un recorrido por el cine popular español —desde los éxitos de los años 50 y el Oso de Plata en Berlín hasta su consolidación en la comedia y la televisión— y el retrato íntimo de un cineasta que solía decir que era conocido solo como ‘el padre de Verónica Forqué’.
LA ENTREVISTA
Gracias a nuestras amigas del Ana Ros Comunicación hemos podido entrevistar a Gaizka Urresti y Rafael Maluenda, directores de la cinta, antes del pase de la cinta esta noche en Málaga. Éste es el resultado de la entrevista, que os ofrecemos en nuestra colaboración con MagaZinema:
LOS DIRECTORES
Gaizka Urresti (Bilbao, 1967) es director, productor y guionista de cine. Ha producido a cineastas como Carlos Saura, Agustí Villaronga y Santiago Tabernero, entre otros. Ha dirigido 17 cortometrajes y 8 largometrajes —siete de ellos documentales, como El último guion. Buñuel en la memoria, Autorretrato o Terapia de parejas, y la ficción Bendita Calamidad—, todos reconocidos con múltiples premios.
Entre sus galardones destacan el Goya al cortometraje por Abstenerse Agencias (2014) y el Goya y el Forqué al largometraje documental por Labordeta, un hombre sin más (2023). El pasado año estrenó en cines Eloy de la Iglesia. Adicto al cine, que supone su quinta nominación a los Premios Goya con una película dirigida y producida por él, además de la nominación al Forqué 2025.
Rafael Maluenda (Monóvar, Alicante, 1967) es cineasta y gestor cultural. Formó parte de los equipos de dirección de Luis García Berlanga en títulos como Todos a la cárcel, Blasco Ibáñez y París Tombuctú. Ha dirigido el documental Berlanga!! (2023) y fue director del Festival Internacional de Cine de Valencia – Cinema Jove entre 2000 y 2016. En 2011 creó el Berlanga Film Museum y actualmente produce y dirige en Valencia las sesiones Claves para el cine en el Centro del Carmen Cultura Contemporánea.
Calle Málaga de la directora hispano-marroquí Maryam Touzani, ha sido la película que ha inaugurado la 29a edición del Festival de Cine Español de Málaga, compitiendo además en la Sección Oficial del certamen. Producida por Nabil Ayouch y coproducida por la española MOD Producciones, la película tuvo su estreno mundial en el Festival de Venecia, donde resultó ganadora del Premio del Público. El 1 de abril llegará a cines de toda España, de la mano de Caramel Films.
El tercer largometraje de Touzani participó en la Sección Oficial - Spotlight de Venecia, obteniendo el Premio del Público y después formó parte de la sección Special Presentations del Festival de Toronto. Calle Málaga también fue galardonada con el Premio del Público en 48º Denver Film Festival y en el Festival Internacional de Mar del Plata donde además del Premio del Público, obtuvo el Premio Astor Piazzola a Mejor largometraje y el Premio Astor Piazzola a Mejor actriz para Carmen Maura. La interpretación de Carmen Maura ha sido unánimemente alabada en todos los festivales en los que ha participado esta película.
Las selecciones en festivales internacionales consagran la mirada singular de Maryam Touzani tras los éxitos de público y crítica de sus películas 'Adam' (Un Certain Regard - Cannes 2019) y 'El caftán azul' (Un Certain Regard - Cannes 2022), esta última convertida en el mayor éxito histórico de un filme marroquí a nivel mundial después de ser preseleccionada para la shortlist del Oscar como Mejor Película Internacional, y haber cosechado más de 60 premios en festivales, entre ellos el premio FIPRESCI de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes. Calle Málagafue la película elegida para representar a Marruecos en los premios Óscar 2026.
Sinopsis: Calle Málaga, rodada en Marruecos en lengua española, cuenta la historia de María Ángeles (Carmen Maura), una española de 79 años que vive sola en Tánger, en el norte de Marruecos, donde disfruta de su ciudad y de su vida diaria. Su vida da un giro cuando su hija Clara (Marta Etura) llega desde Madrid para vender el apartamento en el que siempre ha vivido. Decidida a quedarse en la ciudad que la vio crecer, hará todo lo posible para mantener su hogar y recuperar los objetos de toda una vida. Por el camino, redescubre, contra todo pronóstico, el amor y el deseo.
Este luminoso drama vitalista aborda temas como el vínculo visceral con un lugar y el derecho al deseo en la madurez. Con la precisión y profundidad que la han convertido en una de las grandes actrices del cine español, Carmen Maura interpreta a esta mujer que lucha con una humanidad conmovedora, entre fragilidad y fuerza, en un papel lleno de matices.
Calle Málaga está producida por Nabil Ayouch. Es una producción de Les Films du Nouveau Monde (Amine Benjelloun, Jean-Rémi Ducourtioux), coproducida con España (Mod Producciones - Simón de Santiago, Fernando Bovaira), Alemania (One Two Films - Fred Burle, Sol Bondy), Bélgica (Velvet Films - Sebastian Schelenz), y Marruecos (Ali n' Productions). Por la parte española cuenta con la participación de RTVE y Movistar Plus +, y con la financiación del ICAA.
Caramel Films estrenará en cines Calle Málaga el 1 de abril de 2026.
MARYAM TOUZANI
Nacida en Tánger, Maryam Touzani, es una documentalista, guionista, actriz y realizadora hispano-marroquí. En 2019 debutó en la dirección con el largometraje 'Adam', que fue seleccionada por Marruecos como candidata a los Oscar y tuvo su estreno mundial en la sección Un certain regard del Festival de Cannes. Su segundo largometraje, 'El caftán azul' (2022) fue presentado en la misma sección, se hizo con el premio FIPRESCI y también fue elegido para representar a su país en los Oscar.
MOD PRODUCCIONES
MOD es una productora de cine y televisión creada en 2007 por Fernando Bovaira, que en su amplia trayectoria profesional ha estado al frente de algunos de los títulos de mayor éxito de nuestra cinematografía.
Películas como 'Los otros', 'Mar adentro' (Oscar® a la Mejor Película de Habla no Inglesa) de Alejandro Amenábar, 'Lucía y el sexo', de Julio Medem o 'La lengua de las mariposas' de José Luis Cuerda, son algunos de títulos que prefiguraron la impronta de calidad y conexión con la taquilla bajo la que nacería Mod.
Así, Mod inaugura su línea de producción con películas como 'Ágora', de Alejandro Amenábar -presentada en el Festival de Cannes y película más taquillera del año- o 'Biutiful', de Alejandro G. Iñárritu -Premio al Mejor Actor en Cannes y nominada al Oscar® como Mejor Película de Habla no Inglesa-. Desde entonces, ha continuado produciendo películas de gran éxito entre crítica y público como 'Caníbal', de Manuel Martín Cuenca, 'La gran familia española' y 'Primos', ambas de Daniel Sánchez Arévalo; 'Promoción fantasma', de Javier Ruiz Caldera o, más recientemente, 'Lo dejo cuando quiera', de Carlos Therón, o 'Mientras dure la guerra', de Alejandro Amenábar.
Las producciones de Mod también han destacado en el ámbito televisivo, con series como 'Crematorio', dirigida por Jorge Sánchez-Cabezudo o 'El día de mañana', dirigida por Mariano Barroso.
En el año 2021 estrena 'La Hija', de Manuel Martín Cuenca, y 'La Fortuna', la primera incursión en las series de televisión de Alejandro Amenábar. Al año siguiente se estrenan en salas 'Llenos de gracia', de Roberto Bueso, y 'La vida padre', de Joaquín Mazón.
A finales de 2023, Amazon Prime lanza con gran éxito la ambiciosa serie 'Los Farad', dirigida por Mariano Barroso.
En febrero de 2024 llega a las salas con gran éxito 'La estrella azul', ópera prima de Javier Macipe. En verano de ese mismo año se estrena 'El Campeón', película original de Netflix dirigida por Carlos Therón, y el estreno en TVE de la serie 'Las Abogadas', creada por Patricia Ferreira.
En otoño del mismo año se estrena 'Los destellos', tercera película de la directora Pilar Palomero y en primavera de 2025, 'La buena letra', adaptación de la novela homónima de Rafael Chirbes, dirigida por Celia Rico.
'El Cautivo' de Alejandro Amenábar, se convirtió en uno de los éxitos de la pasada temporada.
Hay películas que nacen con vocación de sorpresa. Aves de corral, el debut en el largometraje de Antonio Vicent, pertenece a esa categoría cada vez más escasa: cine español que no pide permiso para jugar con los géneros, que mezcla humor negro, thriller y un cierto espíritu gamberro que recuerda a aquellos relatos criminales donde todo parece a punto de desmoronarse. Y lo mejor es que esa sensación de caos está cuidadosamente diseñada.
Vicent propone un universo donde los asesinos a sueldo discuten con la misma naturalidad con la que preparan un golpe, donde una simple distracción puede desencadenar un efecto dominó y donde los personajes —más que héroes o villanos— son piezas de un mecanismo narrativo que se mueve con precisión quirúrgica.
La película funciona como un puzzle. No uno de esos rompecabezas que el espectador debe resolver con esfuerzo, sino de los que se van encajando ante nuestros ojos casi sin que nos demos cuenta. Vicent juega con la estructura, con los tiempos, con los encuentros aparentemente casuales que en realidad son pequeñas bombas narrativas que estallan más tarde.
Hay algo muy estimulante en la forma en la que el director va soltando información: pequeñas piezas, gestos, frases que en el momento parecen triviales y que, minutos después, adquieren un peso inesperado. Esa sensación de que todo está conectado convierte el relato en una especie de mecanismo de relojería donde el caos es solo una ilusión, ¿o no?
Humor negro con bala en la recámara
El guion es, sin duda, uno de los grandes triunfos de Aves de corral. Los diálogos son rápidos, mordaces, cargados de ese humor negro que nace de lo absurdo de las situaciones. Nadie habla demasiado, nadie se explica más de lo necesario, pero cada frase parece tener filo.
Vicent demuestra tener un oído muy afinado para el ritmo verbal. Los personajes se cruzan reproches, ironías y comentarios aparentemente inocentes que terminan revelando mucho más de lo que dicen. Es un humor que no busca el chiste evidente sino la incomodidad, la sonrisa torcida.
En más de una escena uno tiene la sensación de estar asistiendo a conversaciones que podrían haber salido perfectamente de un bar a medianoche… si en ese bar hubiese asesinos profesionales planeando un crimen.
Lo fascinante de la película es la manera en que combina la tensión del thriller con un humor negro casi juguetón. Aves de corral sabe que está jugando con los códigos del género y los utiliza a su favor.
Hay persecuciones a campo abierto, conspiraciones y un plan criminal que se tambalea constantemente, pero todo ello está atravesado por una ironía que desactiva el dramatismo excesivo. El resultado es un equilibrio curioso: la historia avanza con suspense, pero siempre con la sensación de que algo absurdo está a punto de ocurrir, y el espectador...¡con ganas de que ocurra!
Ecos de los Coen, Tarantino y Guy Ritchie
Las referencias no se ocultan. El espíritu de los hermanos Coen aparece en esa galería de personajes excéntricos que parecen vivir al borde del desastre. Tarantino asoma en la musicalidad de los diálogos y en ese gusto por convertir conversaciones aparentemente triviales en escenas memorables. Y el dinamismo narrativo recuerda, por momentos, a Guy Ritchie y sus historias criminales llenas de piezas que encajan en el último segundo.
Pero lo interesante es que Vicent no imita; absorbe. Las influencias están ahí, sí, pero se mezclan con un tono muy propio, muy cercano al humor y al carácter typical spanish.
Un reparto coral que funciona como una banda perfectamente afinada
La película se apoya en un reparto amplio donde nadie intenta robar protagonismo al resto. Cada actor aporta una textura distinta al conjunto.
Chechu Salgado se mueve con naturalidad en ese territorio entre la amenaza y la ironía; Diego Anido aporta una presencia imprevisible que siempre parece estar a punto de desatar el caos; Pedro Casablanc añade ese toque de autoridad ambigua que domina con elegancia. A su alrededor orbitan intérpretes como Olivia Baglivi, Antonio Durán “Morris”, Roberto Enríquez o Clara Alvarado, componiendo una galería de personajes que funcionan como engranajes dentro del relato.
Aquí no hay estrellas, hay personajes, y eso, en una historia coral como esta, es exactamente lo que la historia necesita.
Un estilo visual sobrio pero muy calculado
Vicent apuesta por una puesta en escena aparentemente sencilla, pero muy pensada. No hay grandes alardes visuales, ni los necesita. La cámara observa a los personajes con una distancia justa, permitiendo que las situaciones (y los propios personajes) respiren.
Los espacios están filmados con una naturalidad que refuerza el contraste entre lo ordinario del entorno y lo extraordinario de lo que sucede en él. Esa combinación contribuye a que el universo de la película resulte creíble incluso cuando la historia se vuelve cada vez más delirante.
La fotografía apuesta por tonos contenidos, con una iluminación que juega mucho con los contrastes y las sombras. No es una película luminosa en el sentido clásico, pero tampoco se recrea en la oscuridad. Es un equilibrio que acompaña perfectamente el tono del relato.
Hay planos donde la luz parece filtrarse de forma casi accidental, como si estuviera espiando a los personajes. Y ese detalle encaja muy bien con el espíritu del film: todos observan a todos, todos esconden algo.
Un debut con personalidad
Lo más interesante de Aves de corral es que Antonio Vicent no parece tener miedo. Su debut no intenta agradar a todo el mundo ni seguir un molde reconocible del cine español reciente. Prefiere jugar, experimentar con el tono y confiar en la inteligencia del espectador. Y esa confianza se agradece.
Porque, al final, la película funciona como una pequeña máquina de entretenimiento: afilada, irónica y llena de personajes que parecen moverse siempre un paso por delante… o un paso demasiado tarde.
Y cuando los créditos finales aparecen, uno tiene la sensación de haber asistido a algo que, sin hacer demasiado ruido, demuestra que el thriller en España todavía tiene muchas historias —y muchas balas— en la recámara.
FlixOlé celebra la trayectoria de uno de los cineastas más libres y singulares del panorama español, Gonzalo Suárez, de quien estrena cuatro títulos fundamentales tanto en su carrera como en la historia del audiovisual español:Ditirambo(1969),Aoom(1970),Morbo(1972) yMi nombre es sombra(1996). Cuatro obras que revelan la inagotable imaginación de un director que navega a la aventura por territorios insólitos del séptimo arte.
Desde sus comienzos, este autor próximo a la vanguardista Escuela de Barcelona capeó las inercias narrativas y estéticas para alejar la gran pantalla de la cotidianidad y los convencionalismos, apostando por uncine experimental y arriesgado, profundamenteligado a la literatura. Su filmografía no busca encontrarse con la realidad, sino expandirla. A lo largo de décadas, ha desbordado los márgenes de la narrativa tradicional para revelar un universo inclasificable e ingenioso.
Por ampliar los horizontes del cine español, Gonzalo Suárez recibirá el Goya de Honor el próximo 28 de febrero, reconocimiento a una trayectoria marcada por la coherencia artística y la independencia. Con motivo de esta distinción, FlixOlé estrena los títulos mencionados, restaurados en la mejor calidad de imagen y sonido en sus laboratorios, e inaugura un especial compuesto por un total de 13 películas, además de la serie Los pazos de Ulloa (1985) y el documental Gonzalo Suárez: 90 años remando al viento (2024), un recorrido por la vida y obra del realizador.
Los comienzos experimentales
Entre las películas que llegarán a la plataforma destaca la ópera prima del asturiano, Ditirambo (1969). Con el aroma del film noir confluyendo en su imaginario, Gonzalo Suárez dio el salto a la dirección asumiendo también el protagonismo ante la cámara junto a Charo López, quien comenzaba a hacer sus primeros pinitos en la gran pantalla. La película sigue a un detective envuelto en un intrigante caso que lo conducirá a un imprevisible final. Cuestionando los límites entre ficción y realidad, es considerada como una de las primeras cintas modernas en el panorama nacional. Un salto al vacío que abrió una vía alternativa del audiovisual de finales de los años sesenta y que reivindicaba la experimentación y libertad creativa.
Ditirambo se presentará en la plataforma en próximas fechas. Mientras tanto, desde este viernes, 20 de febrero, se podrá acceder a otro de los títulos esenciales del director, Aoom, ejemplo anticonvencional del afán de Suárez por desdibujar las fronteras entre géneros y su gusto por la improvisación —no había un guion previo—. A medio camino entre el humor absurdo, la ciencia ficción, el romanticismo y la tragedia, la película narra la historia de un actor que, hastiado de su existencia, decide abandonar su cuerpo e instalarse en el de una muñeca. Su amante iniciará entonces su búsqueda, acompañada por un grupo de personajes excéntricos que protagonizan situaciones desconcertantes y deliberadamente descontextualizadas para despertar la reacción del espectador. Filme maldito reconvertido con el tiempo en obra de culto, Aoom es también célebre por la fascinación que despertó en el cineasta Sam Peckinpah, marcando el inicio de una amistad que duraría hasta la muerte del estadounidense.
El mismo 20 de febrero se incorporarán también Morbo (1972) y Mi nombre es sombra (1996). La primera construye un inquietante relato sobre la pulsión erótica y la violencia latente en unos recién casados que pasan la luna de miel aislados en un bosque que parece observarles. Protagonizada por Ana Belén y Víctor Manuel, la química entre ambos traspasó la pantalla y culminó en boda pocos meses tras el rodaje.
Por su parte, Mi nombre es sombra refleja la estrecha relación de Suárez con la literatura al revisitar el mito de Dr. Jekyll y Mr. Hyde desde una mirada personal. Más que una adaptación al uso, la película reformula el clásico para reflexionar sobre la identidad, la dualidad y los monstruos íntimos que habitan en cada individuo, confirmando la atracción del cineasta por la difusa y contradictoria línea que separa el bien y el mal.
Colección especial FlixOlé
Todas estas películas formarán parte de una colección especial dedicada al universo de Gonzalo Suárez, donde podrán encontrarse otros títulos esenciales de su trayectoria. Entre ellos, Epílogo (1984), una personal reflexión sobre el proceso creativo; Remando al viento(1988), una de las grandes obras maestras del cine español —Concha de Plata en el Festival de San Sebastián y ganadora de seis premios Goya—, que recrea el encuentro entre Mary Shelley (Lizzy McInnerny), Lord Byron (Hugh Grant) y otros poetas románticos en Villa Diodati, evento del que surgiría la criatura Frankenstein; y El detective y la muerte (1994), singular revisión del cine negro en la que la trama se convierte en vehículo para reflexionar sobre el poder, la corrupción, el destino y la inexorabilidad de la muerte.
Con este especial, FlixOlé reivindica la figura de Gonzalo Suárez como uno de los grandes autores del cine español: un creador que ha hecho de la imaginación su territorio natural y de la libertad creativa su principio irrenunciable.
La plataforma está disponible en Smart TV, tabletas y teléfonos IOS y Android, Fire TV, Orange TV, ZapiTV, Amazon Prime Vídeo, Movistar Plus+ y a través del ordenador, además las películas se pueden descargar para verlas sin conexión a internet en cualquier dispositivo móvil
De Maggie Gyllenhaal (escritora/directora de La hija oscura, nominada a los Oscar) y protagonizada por la nominada a los Oscar, Jessie Buckley, y el ganador del Oscar, Christian Bale, llega ¡La novia!: una mirada audaz iconoclástica sobre una de las historias más irresistibles del mundo.
Sinopsis: Un “Frank” solitario (Bale) viaja al Chicago de los 1930 para pedir a la Dra. Euphronious, una científica innovadora (la cinco veces nominada al Oscar, Annette Bening), que cree una compañera para él. Los dos reaniman a una joven asesinada y nace La novia (Buckley). Lo que desencadena va más allá de lo que cualquiera de ellos hubiera imaginado: ¡Asesinato! ¡Posesión! ¡Un movimiento cultural salvaje y radical! ¡Y amantes proscritos en un romance desenfrenado y combustible!
La película está protagonizada por Buckley, Bale, Peter Sarsgaard, Annette Bening, el nominado al Oscar, Jake Gyllenhaal, y la ganadora del Oscar, Penélope Cruz. Maggie Gyllenhaal dirige su propio guion y lo produce junto con la nominada al Oscar, Emma Tillinger Koskoff, Talia Kleinhendler y Osnat Handelsman Keren. Los productores ejecutivos son Carla Raij, David Webb y Courtney Kivowitz.
Apoyan a Gyllenhaal detrás de la cámara un equipo de artesanos premiados que incluyen al director de fotografía Lawrence Sher, la diseñadora de producción Karen Murphy, el director de montaje Dylan Tichenor, el supervisor musical Randall Poster, la compositora Hildur Gudnadóttir y la diseñadora del vestuario Sandy Powell.
Warner Bros. Pictures presenta una película de Maggie Gyllenhaal: ¡La novia!
CAMINANDO CON EL DIABLO
Sinopsis: España, años ochenta. Miguel y Alicia arrastran la desaparición de su hijo Gabriel. Miguel se consume por la culpa de aquella noche de alcohol en la que lo perdió. Para Alicia, en cambio, quien murió ese día no fue su hijo, sino su marido. Lejos de ese infierno, Philippe, un niño francés de diez años, viaja en caravana junto a sus padres. Sus caminos se cruzan con los de Miguel y Alicia. Ese encuentro desencadena un viaje sin retorno al lado más oscuro del ser humano.
Dirigida por Rubén Pérez Barrena, la película cuenta en su reparto con Tamar Novas, Marina Salas, Iván Marcos, Annick Weerts, Alban Petit, Mateo Medina y Vicente Vergara.
Caminando con el diablo llega a nuestros cines de la mano de Filmax.
AVES DE CORRAL
De la mano de Alfa Pictures, llega a los cines de toda España Aves de Corral, el primer largometraje de Antonio Vicent.
Este thriller con elementos de comedia cuenta con un reparto de primer nivel encabezado por Diego Anido, Pedro Casablanc, Chechu Salgado, Olivia Baglivi, Antonio Durán “Morris”, José Luis García Pérez, Roberto Enríquez, Belén Écija, Daniel Ibáñez, Clara Alvarado y Roberto García. La película es una propuesta novedosa en la industria cinematográfica española, influenciada por el cine clásico anglosajón.
Al reparto se suma el talento de artistas emergentes como Álvaro Díaz, Ramón Robles, Roberto Hoyo y Lukas Cantó.
Sinopsis: Una peculiar banda criminal planea asesinar a un dirigente del CNI, pero el plan de fin de semana de una pareja de novios se cruza en su camino.
Notas del director: “En esta historia nadie tiene el control. No importa cuál sea el plan: algo va a fallar. Y eso aplica tanto a los personajes como, en cierto modo, al espectador. He hecho esta película pensando siempre en el público, en la hora y media que me dan para entretenerles cuando se sienten a verla. Es el público, al final, la razón de ser de la gran pantalla.”
Aves de Corral es una producción de Delicias 13 Pictures rodada en Madrid gracias al apoyo de la Comunidad de Madrid y la Film Office, en Toledo y el Guadalajara.
Antonio Vicent (Madrid, 1997) es director y guionista. Su pasión por el cine nació en la infancia, etapa en la que elegir cada noche una película para ver junto a su familia se convirtió en su más importante misión. Estudió Economía en la Universidad Complutense de Madrid y amplió su formación en el Trinity College de Dublín, donde descubrió su pasión por la escritura, un hábito que practica desde entonces casi a diario. En 2019 se trasladó a Nueva York para cursar un máster en Fordham University, periodo en el que escribió sus primeros guiones y dio comienzo a su trayectoria como cineasta. De vuelta en Madrid rueda su ópera prima, Aves de corral (2026).
CLEANER: RESCATE VERTICAL
Cleaner: Rescate Vertical, el nuevo thriller de alta tensión de Martin Campbell, responsable de algunas de las películas de acción más impresionantes e influyentes de la era moderna, entre las que destacan GoldenEye y Casino Royale.
Cleaner: Rescate Vertical evoca al cine de acción de los años ´90 y ha sido calificada como un cruce entre Misión Imposible y La jungla de cristal.
La actriz británica Daisy Ridley (La joven y el mar, Star Wars: El despertar de la Fuerza) una habitual de las escenas de acción trepidante encabeza el reparto de Cleaner: Rescate Vertical en el papel de Joey Locke, una exsoldado convertida en limpiadora de ventanas, cuyas habilidades se ponen a prueba cuando un grupo de activistas irrumpe en su edificio y comienza a tomar rehenes.
Clive Owen (Hijos de los hombres, Closer) y el español Taz Skylar (One Piece, Boiling Point), en su papel más intenso hasta la fecha, son los otros dos protagonistas de esta intensa película de acción y alto riesgo que cuenta con un guion escrito por Simon Uttley, Paul Andrew Williams y Matthew Orton.
Cleaner: Rescate Vertical llega a las salas españolas de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel Media.
Sinopsis: Un grupo de activistas toma el control de la gala anual de una empresa energética en Londres y secuestra a los 300 asistentes para denunciar la corrupción de los anfitriones. Todo se complica cuando las discrepancias entre los extremistas y su líder (Clive Owen) amenazan con el asesinato de todos los presentes. Suspendida a 50 pisos de altura en el exterior del edificio, una exsoldado convertida en limpiadora de ventanas (Daisy Ridley) será la única que podrá rescatarlos a todos. Incluido a su hermano.
EL MAGO DEL KREMLIN
Este viernes llega a los cines españoles, de la mano de DeAPlaneta, la película El mago del Kremlin. El doblemente nominado al Oscar Jude Law (Cold Mountain, El talento de Mr. Ripley) da vida a Vladímir Putin en este fascinante y demoledor thriller político que expone los secretos mejor guardados del Kremlin.
Dirigida por Olivier Assayas, premio al mejor director en el Festival de Cannes por Personal Shopper hace 10 años, El mago del Kremlin se presentó mundialmente dentro de la Selección Oficial del Festival de Venecia, participó en la 50ª edición del Festival de cine de Toronto y formó parte de la prestigiosa sección Perlas del Festival de cine de San Sebastián.
El actor nominado al BAFTA Paul Dano (Golpe a Wall Street, Pozos de ambición) protagoniza la película encarnando al asesor ficticio Vadim Baranov, el cerebro detrás del ascenso de Putin al poder y de su implacable régimen político. Le acompañan la ganadora del Oscar Alicia Vikander (La chica danesa, La Luz entre los océanos), el nominado al Oscar Jeffrey Wright (American Fiction), Tom Sturridge (En el camino) y el ya mencionado anteriormente, Jude Law, en una sorprendente interpretación que le ha valido el aplauso unánime de la prensa y del público en todos los certámenes dónde se ha presentado la cinta.
El reputado cineasta francés Olivier Assayas, con una larga filmografía entre la que destacan títulos como la obra de culto Irma Vep (1997), la ovacionada miniserie "Carlos" (2010) y Viaje a Sils Maria (2014) con Kristen Stewart y Juliette Binoche, dirige y co-escribe el guion de El mago del Kremlin junto al ganador del Premio Princesa de Asturias de las Letras Emmanuele Carrère, autor de aclamados libros de no ficción como "Limonov" y "El adversario". El mago del Kremlin es una adaptación del libro homónimo de Giuliano Da Empoli, finalista al prestigio Premio Goncourt, traducido a treinta y cinco idiomas y editado por Seix Barral en España.
"Me pareció una novela muy original, tanto por su gran calidad literaria como por la forma tan inteligente y precisa con la que plasmaba las maquinaciones del poder contemporáneo" comenta Assayas a propósito de la novela de Da Empoli. "Tras el éxito del libro había recibido un montón de propuestas para llevarlo al cine, pero siempre quiso que fuéramos Emmanuel [Carrère] y yo quien nos encargáramos de adaptar su novela".
"La única obligación de un cineasta al hacer un filme sobre política contemporánea es mantenerse fiel a la verdad" Concluye Assayas al preguntarle por como abordó el proyecto. "Envié a Paul Dano una primera versión del filme para que me diera sus impresiones y me respondió con un análisis tan conciso como perspicaz: «El tema de la película es la complicidad y cómo el azar o los vaivenes de la vida nos pueden convertir en cómplices del mal»".
A finales de enero, El mago del Kremlin se alzó como el mejor estreno de la semana en Francia, recaudando más de 2 millones de euros en su primera semana en cartelera. Debutando en el TOP 3 de la taquilla, sólo por debajo de los fenómenos La asistenta y Avatar: fuego y ceniza, El mago del Kremlin se ha convertido en el mejor estreno de una película de Olivier Assayas en el país galo. Actualmente, la película ha superado el medio millón de espectadores.
Sinopsis: En medio del caos postsoviético de los años 90, el joven Vadim Baranov (Paul Dano) empieza a labrarse un camino como artista y productor de televisión. Su elocuencia y conexión con las altas esferas le llevan a convertirse, de la noche a la mañana, en el asesor de un agente del KGB con un brillante porvenir: Vladímir Putin (Jude Law). Desde las entrañas del poder, ambos darán forma a la nueva Rusia, difuminando los límites entre la verdad y la mentira.
EL ÚLTIMO VIKINGO
AVALON estrenará en cines El Último Vikingo. Anders Thomas Jensen vuelve a rodearse de su compañía habitual de intérpretes, Mads Mikkelsen (Otra ronda) y Nikolaj Lie Kaas (Frankenstein) -con quienes ya trabajó en su anterior largometraje Jinetes de la justicia- en este nuevo proyecto que se mueve con soltura entre la comedia negra y el drama y que tuvo su premiere mundial en la 82ª Mostra de Venecia (Fuera de Concurso).
Tras su estreno en Venecia, la película celebró su premiere norteamericana en el Festival de Toronto (TIFF), consolidando un recorrido festivalero de primera línea. En España, el título fue además película inaugural del Festival de Cine Europeo de Sevilla, donde se presentó dentro de la Selección Oficial.
El Último Vikingo reafirma además la química creativa entre Jensen, Mikkelsen y Lie Kaas: una alianza que, según el propio director, permite “ir más lejos” con los personajes y el tono, porque se apoya en relaciones de trabajo consolidadas y en la confianza para arriesgar con propuestas tan radicales como emotivas. Esa complicidad se traduce en interpretaciones que sostienen el equilibrio entre la comedia más incómoda y la emoción más directa construyendo una fábula contemporánea sobre la identidad y las realidades que nos inventamos para sobrevivir.
El reparto, encabezado por Mikkelsen y Lie Kaas, es uno de los grandes motores del film, que suma, entre otros, a Sofie Gråbøl, Søren Malling, Bodil Jørgensen, Lars Brygmann y Nicolas Bro, aportando un conjunto coral de personajes excéntricos y profundamente humanos.
El film llegó a convertirse en un fenómeno en la taquilla de Dinamarca, donde se estrenó el 9 de octubre de 2025, con un fin de semana de estreno de récord (el mejor arranque doméstico de Jensen y el más fuerte para un live-action danés desde 2018). Además, recibió el Premio del Público en los Premios del Cine Danés.
Sinopsis: Anker sale de prisión tras cumplir una condena de quince años por robo. El dinero del atraco fue enterrado por su hermano Manfred. Solo él sabe dónde está. Por desgracia, desde entonces Manfred ha desarrollado un trastorno mental que le ha hecho olvidarlo todo y le lleva a creer que es uno de los integrantes de los Beatles. Juntos, los hermanos emprenden un viaje inesperado para encontrar el dinero y descubrir quiénes son en realidad.
LÍNEA DE EXTINCIÓN
Sinopsis: El mundo ha cambiado. El único lugar habitable que le queda a la humanidad se encuentra en las altas montañas, a más de 2500 metros de altura. Por debajo de esos 2500 metros, habitan las criaturas que exterminaron al 95% de la población humana hace menos de tres años. Para salvar la vida de su hijo pequeño, un padre (Anthony Mackie) se ve obligado a aventurarse bajo “La Línea” con una científica (Morena Baccarin) a la que desprecia, pero que podría tener la clave para derrotar a los monstruos, y una joven (Maddie Hasson) decidida a mantenerlos con vida el tiempo suficiente para salvar a la raza humana.
Dirigida porGeorge Nolfi, la película cuenta en su reparto con Anthony Mackie, Morena Baccarin, Maddie Hasson y Danny Boyd Jr.
Línea de extinción llega a nuestros cines de la mano de Tripictures.
PILLION
Descrita como un “divertido y poco convencional romance con corazón”, Pillion está protagonizada por Alexander Skarsgård (The Northman, Succession) y Harry Melling (Premio a Mejor Actor en la SEMINCI, donde compitió dentro de la Sección Oficial), y producida por Element Pictures (productores habituales de Yorgos Lanthimos y Lenny Abrahamson), por la BBC y Freemantle.
Sinopsis: Colin, un chico introvertido, se queda prendado de Ray, el carismático y atractivo líder de una banda de moteros que le toma como su sumiso, dinamitando su rutina y cambiándole la vida.
Mejor Guión en Un Certain Regard del Festival de Cannes,
Mejor Actor en SEMINCI y nominada a 3 BAFTAs
Estos reconocimientos se suman al buen recorrido que está teniendo la película por festivales de cine, desde su estreno en el Festival de Cannes, donde fue una de las grandes sorpresas del certamen francés y donde obtuvo el Premio a Mejor Guión (Sección Un Certain Regard), hasta el Premio a Mejor Actor para Harry Melling en la SEMINCI por su interpretación.
Ha pasado además por los festivales de Telluride, Nueva York y el BFI London Film Festival y MADFER FILMS la estrena en cines.
LA SOMBRA DE MI PADRE
MUBI, distribuidora global, servicio de streaming y productora, estrena en cines en España La sombra de mi padre, la galardonada ópera prima como director de Akinola Davies Jr.
Protagonizada por Sopé Dìrísù (Gangs of London, Slow Horses) y presentando a Godwin Egbo y Chibuike Marvellous Egbo, La sombra de mi padre acaba de ganar el premio BAFTA al mejor debut de un guionista, director o guionista británico para Akinola Davies Jr. La película también ganó el Premio al Mejor Director en los Premios de cine independiente británicos 2025 y también fue elegida como representante del Reino Unido en los Oscar 2026 en la categoría de Mejor Película Internacional. Akinola Davies Jr. fue premiado como Mejor director revelación junto con Sopé Dìrísù como mejor actor protagonista en los Premios Gotham de este año. La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Cannes 2025 en la prestigiosa sección Un certain regard, donde Akinola Davies Jr. se hizo con la Mención especial del Jurado.
Un relato semiautobiográfico que transcurre en un solo día en Lagos, la metrópolis nigeriana, durante la crisis electoral de 1993. La historia sigue a un padre, distanciado de sus dos hijos pequeños, que viajan por la enorme ciudad mientras la inestabilidad política amenaza su regreso a casa.
Escrita por los hermanos en la vida real Wale Davies y Akinola Davies Jr., y exquisitamente filmada por el director de fotografía Jermaine Edwards, La sombra de mi padre capta, a través de los ojos de un niño, un momento de profunda agitación histórica, cuando todo está a punto de cambiar.
CARAVAN
Reverso Films estrena en salas Caravan, una road movie que sigue la historia de Ester, una madre soltera que, agobiada por la rutina de cuidar de su hijo David (quien tiene síndrome de Down y autismo), decide robar una vieja caravana y emprender un viaje improvisado por el sur de Italia. En la travesía se les une Zuza, una joven que altera la dinámica familiar y les ofrece una nueva perspectiva de libertad y vínculo.
La obra es el primer largometraje de ficción de Zuzana Kirchnerová, inspirado en aspectos de su propia vida, especialmente en su experiencia como madre de un hijo con síndrome de Down y autismo.
Caravan es una road movie íntima que no solo retrata un viaje físico por Italia, sino un viaje emocional profundo. La película explora temas complejos como la maternidad, la responsabilidad familiar y el deseo de libertad.
La película evita caer en sentimentalismos y desafía las visiones simplistas sobre el “amor maternal perfecto”, mostrando tanto el amor incondicional como el desgaste real que puede sufrir la madre como cuidadora y muestra la vida de su hijo David, con honestidad y respeto, incluyendo su curiosidad, su apertura al mundo y su propia sexualidad.
La dirección de Kirchnerová aporta una mirada sensible, honesta y sin concesiones a una historia que presenta una narrativa que fluctúa entre momentos de fragilidad, destellos de libertad y conexión humana real.
Caravan es una obra cinematográfica que invita a reflexionar sobre la vida, el amor, la responsabilidad y las aspiraciones personales desde una perspectiva humana y profundamente empática.
La película se estrenó mundialmente en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes 2025, marcando un momento histórico para el cine checo, ya que fue el primer largometraje de mayoría checa en participar en la selección oficial de Cannes en más de 30 años.
Sinopsis: Caravan cuenta la historia de Ester, una madre soltera que, agobiada por la rutina de cuidar de su hijo David (quien tiene síndrome de Down y autismo), decide robar una vieja caravana y emprender un viaje improvisado por el sur de Italia. En la travesía se les une Zuza, una joven que altera la dinámica familiar y les ofrece una nueva perspectiva de libertad y vínculo.
HOPPERS
Hoppers presenta a Mabel, una amante de los animales que aprovecha la oportunidad de utilizar una nueva tecnología para "saltar" su conciencia a un castor robótico y comunicarse directamente con los animales. Gracias a esta tecnología, Mabel descubre misterios del mundo animal que superan todo lo que podría haber imaginado.
La película está dirigida por Daniel Chong (Somos Osos), producida por Nicole Paradis Grindle (Los Increíbles 2) y cuenta con una banda sonora original del compositor Mark Mothersbaugh (Thor: Ragnarok). La nueva película de Disney Pixar se estrena solo en cines.
El reparto de voces en la versión original cuenta con de Meryl Streep (reina de los insectos), Dave Franco (Titus), Kathy Najimy (Dra. Sam), Eduardo Franco (Loaf), Melissa Villaseñor (Ellen), Ego Nwodim (reina de los peces), Vanessa Bayer (Diane), Sam Richardson (Conner), Aparna Nancherla (Nisha), Nichole Sakura (Reinas Reptiles), Isiah Whitlock Jr. (Rey Pájaro), Steve Purcell (Rey Anfibio), Karen Huie (Abuela Tanaka) y Tom Law (Tom Lagarto), junto con los miembros del reparto de voces anunciados anteriormente Piper Curda (Mabel), Bobby Moynihan (Rey George) y Jon Hamm (Alcalde Jerry).
"Hemos reunido un reparto legendario para Hoppers, y los actores de doblaje realmente lo han dado todo en la película. Ya sea con humor desternillante, emociones sinceras o locos sonidos de animales, han superado nuestras expectativas", afirmaron el director Daniel Chong y la productora Nicole Paradis Grindle.
