¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
SALITRE: CUANDO EL AMOR DE UNA MADRE SE CONVIERTE EN UNA PRISIÓN
Festival de Sitges 2026 | Sección Oficial Fantàstic a Competició
El amor de una madre puede ser uno de los sentimientos más poderosos que existen, pero ¿qué sucede cuando ese amor se transforma en una necesidad enfermiza de posesión? ¿Dónde termina la protección y comienza el control? La directora bilbaína Norma Vila debuta en el largometraje con Salitre, una inquietante producción vasca que ha celebrado su estreno mundial en el Festival de Sitges y que convierte el síndrome del nido vacío en el punto de partida de una perturbadora historia de terror psicológico. Una propuesta que explora los rincones más oscuros de la maternidad y demuestra que, en ocasiones, los monstruos más aterradores no proceden del exterior, sino de nuestros propios miedos.
Maite (Nagore Aranburu) vive junto a su hija adolescente Nerea (Haizea Carneros) en una casa situada junto a la costa vasca, donde regenta un negocio relacionado con el marisco. Su existencia parece transcurrir dentro de una rutina perfectamente establecida, hasta que la joven anuncia su intención de trasladarse a Barcelona para continuar sus estudios artísticos. Lo que debería representar un motivo de satisfacción para cualquier madre se convierte para Maite en una amenaza capaz de desmoronar todo su universo emocional. Paralelamente, una extraña presencia comienza a manifestarse en el entorno de la vivienda, introduciendo un elemento fantástico que irá adquiriendo una importancia cada vez mayor.
Uno de los grandes aciertos de Salitre reside en su aproximación psicológica al síndrome del nido vacío, especialmente cuando este aparece acompañado de una dependencia emocional profundamente arraigada. Maite ha construido buena parte de su identidad alrededor de su condición de madre, hasta el punto de que la posibilidad de quedarse sola parece despojarla de cualquier otro propósito vital. La directora retrata con acierto esa angustia anticipatoria que experimentan algunas personas ante una separación que todavía no se ha producido. Sin embargo, lo verdaderamente inquietante es observar cómo ese miedo va transformándose progresivamente en una necesidad obsesiva de controlar la vida de su hija, confundiendo el afecto con la posesión y la protección con una forma cada vez más asfixiante de dominación.
La relación entre ambas protagonistas constituye el auténtico corazón de la película. Mientras Nerea representa el deseo natural de independencia, de descubrir el mundo y construir una identidad propia, Maite contempla esa emancipación como una especie de abandono personal. Las llamadas insistentes, la necesidad permanente de conocer sus movimientos y la dificultad para respetar sus espacios de intimidad dibujan una relación marcada por unos límites emocionales cada vez más difusos. Resulta especialmente interesante cómo la película plantea una contradicción profundamente humana: una madre que cree actuar por amor, pero cuyas decisiones terminan amenazando precisamente aquello que más desea proteger. El miedo a perder a su hija acaba convirtiéndose en el principal peligro para la relación que ambas mantienen.
Norma Vila encuentra en el terror corporal y en los elementos fantásticos una poderosa herramienta para representar visualmente ese deterioro psicológico. La presencia de una extraña criatura marina funciona como una inquietante materialización de los temores que atormentan a Maite, una amenaza que parece alimentarse de sus inseguridades y de su incapacidad para aceptar los cambios. El entorno costero, la humedad, el aislamiento de la vivienda y la proximidad constante del mar contribuyen a construir una atmósfera opresiva donde lo cotidiano adquiere progresivamente una dimensión perturbadora. Hay algo especialmente sugerente en esa conexión entre el cuerpo, la mente y la naturaleza, como si aquello que permanece oculto bajo la superficie terminara encontrando inevitablemente una forma de manifestarse.
En el apartado interpretativo destaca especialmente Nagore Aranburu, una actriz de extraordinaria solvencia que vuelve a demostrar su capacidad para construir personajes emocionalmente complejos. Su Maite transita entre la vulnerabilidad, la angustia y una creciente oscuridad interior, consiguiendo que el espectador pueda comprender el origen de su sufrimiento sin justificar necesariamente sus comportamientos. Frente a ella, Haizea Carneros aporta la naturalidad y la sensibilidad necesarias para representar a una adolescente que comienza a descubrir que el amor materno también puede convertirse en una experiencia asfixiante. La confrontación entre ambas sostiene buena parte de la tensión narrativa y permite que la película funcione incluso cuando los elementos sobrenaturales permanecen en segundo plano.
Salitre reserva para su tramo final una explosión de terror físico que conecta directamente con algunas de las imágenes más reconocibles del cine fantástico, incorporando incluso ciertas pinceladas de humor grotesco que encajan perfectamente con el espíritu del Festival de Sitges. Puede que esta apuesta por lo excesivo provoque un contraste deliberado con la contención psicológica de buena parte del metraje, pero también permite llevar hasta sus últimas consecuencias una metáfora tan incómoda como sugerente. Norma Vila firma un debut con personalidad, capaz de utilizar los códigos del género para reflexionar sobre la maternidad, la dependencia emocional y el miedo a la soledad. Salitre nos recuerda que educar a un hijo, a una hija, también significa aprender a dejarlo marchar y que, cuando el amor se convierte en una forma de posesión, aquello que debería protegernos puede terminar transformándose en nuestra peor pesadilla.
La voz quebrada, el documental dirigido por Manuel Menchón (Palabras para un fin del mundo), llega a los cines este jueves distribuida por Sideral.
El asesinato de Federico García Lorca en 1936 convirtió al poeta y dramaturgo en un mito universal. Pero durante décadas permanecieron ocultos un nombre, una relación de amor y un plan de huida a México que podrían haber cambiado el destino del poeta.
La voz quebrada reconstruye la relación entre Lorca y Juan Ramírez de Lucas, considerado por los investigadores su último amor, a partir de un extraordinario conjunto de materiales inéditos conservados durante décadas: cartas, poemas y recuerdos. Juan dejó escrito que, tras su muerte, todo debía saberse.
Una historia de amor truncada que permite acercarse a una dimensión íntima y desconocida de uno de los grandes nombres de la cultura española.
Para devolver la voz a los protagonistas de esta historia, Álvaro Morte interpreta a Federico García Lorca, que junto a Francesco Carril, Joaquín Notario, Pedro Casablanc, Verónica Sánchez, Víctor Clavijo, María Galiana y Alberto San Juan también participan con sus voces en la película.
Más allá del personaje histórico y del mito universal, la película conecta memoria, amor y creación artística para ofrecer una nueva mirada sobre Lorca en el 90 aniversario de su asesinato.
A través de un extraordinario material documental y una cuidada reconstrucción sonora, La voz quebrada propone una mirada inédita sobre Federico García Lorca, alejándose del mito para acercarse al hombre, al amante y al creador. Una película que reivindica la memoria desde la emoción y que invita a descubrir una de las historias más desconocidas de nuestra cultura.
La película es una producción de K&S Films (Belén, El Eternauta, Relatos salvajes), Imagine! Films (Palabras para un fin del mundo), Pantalla Partida (Saura(s), La primera mirada), con la participación de RTVE y Canal Sur, con el apoyo de ICAA, Ayuntamiento de Madrid, Junta de Andalucía y Diputación de Granada-Film in Granada.
EL MAL HIJO
El mal hijo, ópera prima del director Jaime Lorente, inauguró la sección New Directors de la 74ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. El filme llega a los cines de la mano de Karma Films y AF Pictures. Las ventas internacionales están a cargo de Film Factory.
Jaime Lorente da el salto a la dirección con una historia inspirada en la novela homónima de Salvador S. Molina, que también firma el guion. La historia narra el viaje emocional de Rubén, un niño de once años que, tras la misteriosa desaparición de su padre, debe convivir con una abuela a la que apenas conoce junto a la que irá descubriendo una historia familiar marcada por el silencio, la culpa y las heridas que se transmiten de generación en generación.
El mal hijo está protagonizada por Susi Sánchez, ganadora de dos premios Goya a Mejor Actriz Protagonista por La enfermedad del domingo y a Mejor Actriz de Reparto por Cinco lobitos, trabajo por el que también recibió el Premio Feroz, el Premio Platino y la Biznaga de Plata del Festival de Málaga, Miguel Ángel Puro (Los años nuevos, A diente de perro), Hugo Arbués (The Walking Dead: Daryl Dixon, Las largas sombras), Óscar de la Fuente, ganador del Premio Feroz a Mejor Actor de Reparto por su interpretación en La casa, y Abel de la Fuente, en el papel de Rubén, el niño protagonista.
En el equipo técnico destacan los nombres de Elías M. Félix (‘Fragmentos’, ‘No matarás’) en la dirección de fotografía; Fernando González (‘La casa de papel’, ‘Vis a vis’) en la dirección de arte; Marta Goenaga (‘Berlín’, ‘La casa de papel’) como jefa de vestuario; Ernesto Jiménez y Paco López (‘La silla’, ‘Casi todo bien’) como jefes de maquillaje y peluquería respectivamente y Antuan Mejías (‘Hamburgo’, ‘Te estoy amando locamente’) como jefe de sonido. La canción original, “Déjame que te sienta”, ha sido compuesta por Niño de Elche para la película.
El mal hijo es una producción de El mal hijo la película en asociación con EMEDIA Canary Projects con la participación de AF Canary Islands Studios, Match Point y CREA SGR y con el apoyo de Canary Islands Film.
Sinopsis: Cuando el padre de Rubén, un niño de once años, desaparece misteriosamente, éste se ve obligado a irse a vivir con su abuela a la que apenas conoce. En un entorno rural donde el tiempo parece haberse detenido, el niño aprenderá de la mano de su abuela cómo las heridas familiares se transmiten de generación en generación y luchará a medida que crece por intentar sanarlas.
LA MALETA
La Maleta es una trepidante comedia de acción a contrarreloj dirigida por Carlos Therón (Operación Camarón, Es por tu bien y Lo dejo cuando quiera), producida por Telecinco Cinema y Zeta Cinema, con la participación de Mediaset España, Netflix y Mediterráneo Mediaset España Group, con la financiación del ICAA-Gobierno de España; y distribuida en cines por Universal Pictures International Spain.
La trama central de la película comienza cuando Laura y Nacho, dos jóvenes que acaban de conocerse en un avión, cogen por error una maleta en la cinta de equipajes del aeropuerto. Este incidente desencadena una huida desesperada al verse perseguidos por una peligrosa banda, propietaria de la maleta, que les pisa los talones intentando recuperarla.
La película está protagonizada por Lucía Caraballo (Un lío de millones, Todos los lados de la cama), Alejandro Speitzer (Disco, Ibiza, Locomía, Straight), Leonor Watling (La vida breve, Chinas), David Lorente (Cristo y Rey, Cuatro Estrellas) y Víctor Clavijo (La Infiltrada, La Espera). La Maleta, está escrita a partir de una idea original de Diego San José, y con guion de Carlos de Pando y Sara Antuña.
Sinopsis: Laura (Lucía Caraballo), un huracán amante del rock y de vivir deprisa, y Nacho (Alejandro Speitzer), un amante de las normas con miedo a volar, se conocen en un vuelo Londres-Madrid y saltan chispas. Tanto que Laura no quiere dejarlo escapar y le propone un juego: si en la cinta de equipajes sale primero la maleta de él, se van cada uno por su lado. Pero si sale la de ella, continúan la noche con gin tonics y hasta donde los lleve. Nacho acepta con la boca pequeña y, para salirse con la suya, ella coge la primera maleta que ve... sin saber que pertenece a unos terroristas.
La Maleta es una producción sostenible que incorpora herramientas, protocolos y medidas que garantizan los criterios de sostenibilidad en los ámbitos medioambiental, económico y social.
WHALEFALL
Whalefall, la nueva película de 20th Century Studios e Imagine Entertainment es un thriller de supervivencia que narra el encuentro de un joven con un enorme cachalote.
La película, dirigida por Brian Duffield y con guion de Brian Duffield y Daniel Kraus basado en el libro homónimo de Daniel Kraus, está protagonizada por Austin Abrams, Josh Brolin, Elisabeth Shue, John Ortiz, Jane Levy y Emily Rudd. Los productores son Brian Grazer, Brian Duffield, Jeb Brody y Allan Mandelbaum, con Doug Merrifield, Richard Abate y Will Rowbotham como productores ejecutivos.
Sinopsis: Tras la muerte de su padre (Josh Brolin), Jay Gardiner (Austin Abrams) se sumerge en la costa central de California en busca de sus restos, pero es tragado por una ballena. Atrapado en su interior con solo una hora de oxígeno restante, Jay se da cuenta de que las lecciones que su padre le enseñó pueden ser la clave para escapar.
Brian Duffield (director, coguionista y productor): "Para llevar a la pantalla la novela de Daniel Kraus, el reparto y el equipo pasamos todo un verano dentro de una ballena construida en un plató de Studio City, California. Tengo muchas ganas de que el público descubra las interpretaciones y el enorme trabajo que hay detrás de esta historia tan intensa y emotiva cuando llegue a los cines este octubre".
BOIÚNA: LA LEYENDA DEL AMAZONAS
Boiúna: la leyenda del Amazonas es la vertiginosa propuesta de supervivencia y terror dirigida por Mike P. Nelson (Noche de paz, noche de horror, V/H/S/85, Wrong Turn: Sendero al infierno) y producida por el responsable de la saga Resident Evil, Jeremy Bolt.
Esta sangrienta e implacable lucha por la supervivencia revive el mito de una colosal serpiente prehistórica que despierta en las profundidades del Amazonas para reclamar su territorio y decidir quién vive y quién muere.
Boiúna: la leyenda del Amazonas está protagonizada por Logan Marshall-Green conocido, entre otros, por sus papeles en La odisea (Christopher Nolan) y Prometheus (Ridley Scott), Jessica Rothe, conocida por interpretar a Tree Gelbman en el slasher Feliz día de tu muerte y su secuela y Kiana Madeira conocida por las trilogías de La calle del terror y After.
El 17 de septiembre, Boiúna: la leyenda del Amazonas celebró su premiere mundial en el Fantastic Fest y, dentro de la 59º Sitges Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya, ha tenido lugar su premiere española, antes de llegar a los cines españoles de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel.
Sinopsis: En lo más profundo del Amazonas, una misión médica se convierte en una lucha por la supervivencia cuando Boiúna, una colosal depredadora ancestral, despierta para reclamar su territorio. En la selva, donde la naturaleza ejerce un poder absoluto, ella decide quién vive y quién muere.
Este proyecto surgió de una idea llamada «Titanoboa», que es el término científico real de la serpiente prehistórica que existió y que hace 60 millones de años era el depredador más importante del Amazonas.
El título hace referencia a la mitología brasileña. En las leyendas amazónicas, la Boiúna (o Cobra Grande) es una serpiente gigante y terrorífica que habita en los ríos de la región creando los canales y arroyos (igarapés) al arrastrarse por la tierra y que además tiene la capacidad de transformarse en barcos para atraer, engañar y devorar a los navegantes desprevenidos.
Boiúna: la leyenda del Amazonas se rodó en las selvas de Colombia.
Robert Kulzer, de Constantin Film (responsable del reboot de Resident Evil), produce esta película de terror y supervivencia ambientada en Brasil junto a Jeremy Bolt (Adicción perfecta, Black Beauty), de JB Pictures (colaborador creativo de Paul W. S. Anderson desde hace mucho tiempo) con un equipo de productores ejecutivos formado por Mike P. Nelson, Simon Beltrán Echeverri, Warren Goz, Samuel Hall, Michael Rothstein y Juan Pablo Solano.
STREET FIGHTER
Sinopsis: Ambientada en 1993, la historia sigue a los luchadores callejeros Ryu (Andrew Koji) y Ken Masters (Noah Centineo), distanciados entre sí, quienes se ven arrastrados de nuevo al combate cuando la misteriosa Chun-Li (Callina Liang) los recluta para el próximo Torneo "World Warrior", un enfrentamiento brutal de puños, destino y furia. Sin embargo, tras esta gran batalla se esconde una conspiración mortal que los obliga a enfrentarse tanto entre ellos como a los demonios de su pasado. Y si no lo logran... ¡será el fin de la partida!
Bajo la dirección de Kitao Sakurai, Street Fighter promete trasladar la batalla de las máquinas recreativas a la gran pantalla, con "Hadoukens", patadas giratorias y todos tus personajes favoritos.
Paramount Pictures y Legendary Pictures presentan en asociación con Capcom una producción de Legendary Pictures.
El reparto está integrado por Noah Centineo como "Ken Masters", Andrew Koji como "Ryu", Callina Liang como "Chun-Li", Joe “Roman Reigns” Anoai como “Akuma”, David Dastmalchian como "M. Bison", Cody Rhodes como "Guile", Andrew Schulz como "Dan Hibiki", Eric André como "Don Sauvage", Vidyut Jammwal como "Dhalsim", Orville Peck como "Vega", Olivier Richters como "Zangief", Hirooki Goto como "E. Honda", Rayna Vallandingham como "Juli", Alexander Volkanovski como "Joe", con Curtis '50 Cent' Jackson como "Balrog" yJason Momoa como "Blanka".
LA INVITACIÓN
¿Hasta dónde llegarías para salvar tu matrimonio? La Invitación, el tercer largometraje como directora de Olivia Wilde, explora los entresijos del amor (y el desamor) a través de la historia de Joe (Seth Rogen) y Angela (Olivia Wilde), un matrimonio a la deriva que, en tiempos desesperados, necesita medidas desesperadas. Cuando la pareja invita a cenar a sus enigmáticos vecinos de arriba, Pina (Penélope Cruz) y Hawk (Edward Norton), la noche adquiere un rumbo inesperado que les impulsará a abrirse a nuevas experiencias.
Dos parejas, dos vidas completamente opuestas. La combinación perfecta para esta comedia en la que sus cuatro protagonistas brillan y se apoderan de la historia. Un retrato inteligente de las relaciones actuales, los miedos en pareja y la institución del matrimonio dirigido por Wilde.
Sinopsis: El matrimonio de Joe y Angela (Seth Rogen y Olivia Wilde) atraviesa una situación muy delicada. Cuando invitan a sus enigmáticos vecinos de arriba, Pina y Hawk, (Penélope Cruz y Edward Norton) a una cena, la noche toma un rumbo inesperado. ¿Habrán conseguido reavivar la chispa de su relación o será la mecha definitiva que hará estallar todo?
La Invitación se estrena en cines de la mano de Diamond Films.
KAKERU (SHEEP IN THE BOX)
Kakeru es la nueva película del reconocido cineasta japonés Hirokazu Koreeda, y acaba de participar en la 59.ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges dentro de la sección Sección Oficial Fantàstic Competición.
Este es el regreso del director de Un asunto de familia (Palma de Oro en el Festival de Cannes y nominada a los Premios Oscar como Mejor película de habla no inglesa), De tal padre, tal hijo (Premio del Jurado en el Festival de Cannes y Premio del Público en el Festival de San Sebastián) y Monstruo (Premio a Mejor Guion en el Festival de Cannes).
Y lo hace con una historia sobre la familia, los vínculos afectivos, el duelo y la pérdida. Además, en esta ocasión Koreeda se adentra por primera vez en un territorio cercano a la ciencia ficción poniendo el foco a cómo la tecnología nos puede ayudar a superar la pérdida de un ser querido. Su estreno en cines llega de la mano de Vértigo Films.
Está protagonizada por Haruka Ayase, una de las grandes estrellas del cine japonés contemporáneo, Daigo y Rimu Kuwaki, quien interpreta al pequeño Kakeru. El reparto cuenta también con Nana Seino, Kanichiro, Hinata Hiiragi, Kimiko Yo y Min Tanaka.
Con su participación en Sitges, uno de los grandes festivales internacionales especializados en cine fantástico y de género, Kakeru amplía así su recorrido internacional que ya comenzó en la Sección Oficial del 79.º Festival de Cannes. Vértigo Films también distribuirá Look Back, la próxima película de Koreeda que ya ha podido verse en festivales.
Sinopsis: En un futuro cercano, una pareja marcada por la pérdida de su hijo acepta acoger en casa a un niño humanoide creado a su imagen con inteligencia artificial. Lo que empieza como un intento desesperado de aliviar el dolor se convierte en una nueva vida familiar, tan luminosa como inquietante. ¿Puede la tecnología devolvernos a quienes amamos?
NIGHTBORN
Sinopsis: Saga y su marido Jon abandonan el Reino Unido para formar una familia en una vieja casa aislada en los bosques de Finlandia. Pero, tras el nacimiento de su hijo, el comportamiento cada vez más inquietanțe del bebé convierte la maternidad en una pesadilla y amenaza con destruir su matrimonio.
Una fábula visceral, cautivadora y aterradora sobre la maternidad y el amor incondicional. Esta provocadora combinación de terror folclórico y humor negro, tan perturbadora como visualmente deslumbrante, compitió en la sección oficial de la Berlinale, fue premiada como mejor película en Fantasia y se acaba de proyectar en el Festival de Sitges a competición.
Su directora, Hanna Bergholm, saltó al reconocimiento internacional con su ópera prima Ego, un aclamado thriller de terror corporal estrenado en el Festival de Sundance (2022), que fue vendido a más de 75 países. Rotten Tomatoes la nombró la 8a mejor película de terror de 2022 en los premios Golden Tomato Awards. Ha ganado numerosos premios, incluyendo el Gran Premio y el Premio del Jurado Joven en el Festival de Cine de Gérardmer en Francia, el premio a los mejores efectos especiales en Sitges y tres premios Jussi en Finlandia, donde nació. Nightborn es su primer rodaje en inglés, protagonizado por Seidi Haarla (Compartimento Nº6) y Rupert Grint (saga Harry Potter).
Nightborn llega a nuestras pantallas de la mano de La Aventura Audiovisual.
CHOPIN
Tras su paso por Atlàntida Mallorca Film Fest y el Festival de Sevilla, Chopin, la nueva película del director polaco Michał Kwieciński, llega a nuestras salas de cine de la mano de LAZONA.
Protagonizada por Eryk Kulm (Al servicio del Reich, Boxeador), Lambert Wilson (Matrix Reloaded, Matrix Revolutions y Catwoman), Joséphine de La Baume (Rush, El otro guardaespaldas) y Victor Meutelet (Les innocents, Alex Hugo), la película se acerca a la figura de Frédéric Chopin desde una perspectiva contemporánea, alejándose del biopic convencional. Chopin retrata al compositor como una auténtica estrella de su tiempo: brillante, magnético y contradictorio, convertido en el protagonista absulto de la vida cultural del París del siglo XIX.
Dirigida por Michał Kwieciński, productor habitual del maestro Andrzej Wajda, cuenta con una impresionante recreación del París de 1830, a cargo de la directora de arte Katarzyna Sobańska (Cold War, Fatherland). La película incorpora además una banda sonora que combina las composiciones originales de Chopin con elementos de música electrónica, conectando el universo del compositor con las nuevas generaciones.
Con un presupuesto superior a los 17 millones de euros, Chopin se ha consolidado como una de las grandes producciones europeas recientes dedicadas a la música clásica.
Sinopsis: ¿Quién es este joven y valiente pianista? ¿Quién es este compositor polaco que trasciende el poder de la música? ¿Quién es esta estrella que hace que todos los ojos parisinos se vuelvan hacia él? Lo llaman Chopin. Es el centro de todas las conversaciones, la figura más romántica de las noches decadentes de París. Cuando sus pulmones comienzan a sangrar, Chopin sabe que sus días están contados. Componer se convierte en su única obsesión. El reloj, que avanza rápidamente, lo empuja a revolucionar la música.
LAZONA nace en 2003 como productora de artes audiovisuales y escénicas, aunando cine, series y teatro. En 2023 amplía su horizonte con la creación de una nueva línea de distribución cinematográfica con LAZONA Pictures y una productora afincada en el País Vasco, LAZONA Zinema.
Desde entonces, ha producido una treintena de películas (Tres de más, Chinas, No habrá paz para los malvados, Ocho apellidos vascos o La consagración de la primavera), además de varias series (Gigantes, La noche más larga o Si es martes, es asesinato), más de setenta obras de teatro (La mujer rota, La vida es sueño o La ternura) y un creciente catálogo de largometrajes distribuidos (Cuando cae el otoño, La voz de Hind o El arquitecto). En todo este recorrido, ha combinado tanto éxitos de taquilla como de crítica y premios.
MISS JOBSON
Tras su estreno mundial en el festival de Tallinn (clase A) y su paso por Málaga, BAFICI y Docs Barcelona, la película ha obtenido numerosos reconocimientos en un recorrido por grandes festivales de documental todo el mundo, desde México a Kerala, pasando por Londres, NY o Berlín.
Dirigido por Amanda Sans Pantling, el largometraje documental Miss Jobson, llega por fin a los cines de nuestro país tras un impresionante recorrido por más de 30 grandes festivales internacionales.
Con una poderosa mezcla de humor y profundidad, Miss Jobson es el retrato íntimo de Diane Jobson, icono rastafari en Jamaica, abogada combativa y figura esencial en la vida de Bob Marley, quien la inspiró a abrazar el rastafarianismo y un compromiso radical con la justicia social. Esa conexión marcaría para siempre su identidad, su espiritualidad y el rumbo de su vida.
Tras la muerte del músico, Diane redobló su compromiso con la justicia social y dedicó su carrera a defender a las comunidades más desfavorecidas de Jamaica, convirtiéndose en la popular “abogada rasta” y “abogada de los pobres”. Hoy, con más de 80 años y rastas de más de tres metros que no se ha cortado en décadas, continúa ejerciendo con la misma determinación que a los veinte. Sin ordenador, tomando notas a mano y enfrentándose a un sistema judicial complejo y a menudo corrupto, sigue defendiendo a clientes que se enfrentan a la violencia policial y a complejos casos penales.
El documental acompaña a Diane entre los guetos de Jamaica y las cárceles, y su refugio espiritual en la naturaleza, alternando su intenso trabajo legal con momentos de contemplación, baños en el mar con su perro y largas charlas con su mejor amiga, Sally Henzell (icono hippie de los 70). Juntas, reflexionan sobre el paso del tiempo, el amor y el sentido de la vida mientras fuman marihuana. Ambas mantienen intacto su espíritu libre y lleno de picardía, lanzándose en tirolina, recorriendo la isla en un descapotable rojo vintage como unas “Thelma y Louise” traviesas y revisitando los lugares de su juventud.
Conmovida por sus recuerdos de Bob Marley, Diane visitará también a los hijos del cantante, que aún la ven como una tía querida y aventurera que les ayudó a criarse.
El público se enamorará de este retrato divertido, inspirador y profundamente conmovedor, que celebra a una mujer que ha vivido la vida lejos de las convenciones, desafiante y compasiva a la vez y decidida a exprimir hasta la última gota de la alegría de la vida.
Escrita, dirigida y producida por Amanda Sans Pantling, la película, rodada entre Jamaica y Miami, cuenta con Jurgen Lisse y Chris Browne a cargo de la fotografía y una potente banda sonora compuesta por Sergio Bertrán, que incluye temas de Toots & The Maytals, Family Man y por supuesto, Bob Marley.
Tras su estreno mundial en el festival de “clase A” de Tallinn, Black Nights Film Festival PÖFF, y su presentación en España en la Sección Oficial de Documentales del Festival de Cine de Málaga y DocsBarcelona la película ha obtenido un importante reconocimiento internacional, siendo seleccionada en más de 25 grandes festivales de todo el mundo, desde BAFICI (Argentina) a Kerala (India), pasando por las Secciones Oficiales de DocsMX (México), Galway (Irlanda), London Breeze FF (UK), Bahamas IFF o Doxumentale Berlin donde obtuvo la Mención Especial del Jurado y este mismo mes de agosto en Nuevo Film Fest (Italia) se alzó con Premio Mejor Largometraje Internacional… el periplo continúa.
Sinopsis: Miss Jobson es un retrato íntimo de Diane Jobson, icono rastafari en Jamaica, amiga íntima y abogada de Bob Marley. Ahora, con más de 80 años, Diane afronta el paso del tiempo y su legado como defensora de los indefensos con un sentido del humor irónico y una honestidad inquebrantable. Miss Jobson es, ante todo, el testamento vital de una mujer que ha vivido la vida según sus propios términos.
Amanda Sans Pantling, directora y guionista especializada en cine documental y series de no ficción, firma con Miss Jobson su quinto largometraje. Su carrera incluye títulos como Songs of Redemption, seleccionado en más de 30 festivales internacionales, así como su participación en el equipo de dirección galardonado con un Daytime Emmy por la serie Home (Apple TV+), producida por A24. Actualmente desarrolla su primer largometraje de ficción mientras consolida una filmografía centrada en historias reales de fuerte carga humana y social.
Este pasado lunes 12 de octubre se presentó en el Festival de Sitges- Festival Internacional de Cinema Fantastic de CatalunyaMoviedreams, película dirigida por Horacio Maldonado y Axel Maldonado, que fue seleccionada para el Blood Window Showcase del reciente Marché du Film (Cannes).
Moviedreams, es un thriller argentino de ciencia ficción que conecta con el público que hoy consume historias vinculadas a la tecnología, la inteligencia artificial, los universos paralelos y los límites entre lo real y lo que creemos real. La película está protagonizada por Maximiliano Maldonado, Valentía Podio, Agustín Olcese y Alexia Moyano.
Sinopsis: En un futuro cercano, la corporación LucidVisions lanza MOVIEDREAMS, una plataforma que induce sueños interactivos hiperrealistas. Diego, su creador, empieza a notar fallos y anomalías que revelan usos alternativos del sistema. A medida que profundiza, descubre una conspiración liderada por el CEO, Martín Lynch, quien negocia con agencias internacionales el uso del sistema como arma psicológica y de inteligencia masiva. Sofía y Diego buscarán una solución para enfrentarse a Martín y a la propia IA que ha desarrollado conciencia.
La película tendrá un pase especial para prensa y profesionales del sector en Madrid, el próximo jueves 29 de octubre a las 11.30hrs en la Sala Berlanga, calle Andrés Mellado, 53, Madrid.
SOBRE HORACIO MALDONADO
Moviedreams es el sexto largometraje dirigido por Horacio Maldonado, esta vez en codirección con Axel Maldonado. El director, guionista y productor cuenta con una extensa trayectoria vinculada al cine de género, entre cuyos títulos se encuentran: Alguien te está mirando, El desvío, Héroes y Demonios y Solo un ángel, mientras que, como productor, estuvo a cargo de largometrajes como Una cita, una fiesta y un gato negro y Rouge amargo, entre otras producciones.
SOBRE AXEL MALDONADO
Formado en el Centro de Investigación Cinematográfica (CIC) y en la Universidad del Cine (FUC), cuenta con una trayectoria que incluye cortometrajes de géneros como Cerrado, Stalker y Knockout, entre otros. Profesionalmente se desarrolló en el área de producción de series para destacadas plataformas y productoras audiovisuales, entre ellas El Marginal (Underground Producciones) y El Mundo de Mateo (Idealismo Cine y Kuarzo Entertainment). Es uno de los principales Productores Ejecutivos de CINERED FILMS.
5 minutos más es una película Original Movistar Plusdirigida por Javier Ruiz Caldera, escrita por Berto Romero y protagonizada por Javier Cámara, el propio Berto Romero y Belén Cuesta. Producida por El Terrat e Ikiru Films. Filmax se encarga de la distribución nacional y de las ventas internacionales.
5 minutos más colgó el cartel de sold out en las proyecciones del festival de cine fantástico a las pocas horas de que las entradas salieran a la venta, un éxito que viene precedido por el Premio de Público en el Festival de Cine Fantástico Europeo de Estrasburgo y por la Concha de Plata a Javier Cámara como Mejor actor de reparto en el pasado Festival de Cine de San Sebastián.
Berto Romero, guionista y actor: "Yo siempre me he expresado a través de la comedia y creo que es un vehículo maravilloso para expresar cualquier cosa. Cuando escribí el guion, a mí no me pareció para nada una comedia, me pareció una cosa oscura, desagradable, triste y me pareció una película muy negra. Siento que hay un prejuicio hacia la comedia y hacia lo fantástico también. Son géneros que, como son divertidos y son entretenidos parece que no pueden hablar de temas importantes. En toda mi experiencia como espectador, las películas que mejor me han explicado el mundo son las de género fantástico. A través de sus metáforas he entendido todo mejor. Creo que esta película es muy contemporánea porque retrata mucho el mundo en el que vivimos, es tener la sensación de que no puedes hacer otra cosa que reaccionar, que no se puede reflexionar".
Javier Ruiz Caldera, director: "Hace 35 años que vengo a Sitges y he ido haciendo comedias, pero siempre he pensado que tenía que hacer algo para venir aquí, que es casa". "Creíamos que habíamos hecho una película oscura, triste, cruel, que a los personajes les pasan cosas horribles y que se comportan de manera horrible, y lo que vemos es que la gente se parte de risa. Estamos descubriendo la película que hemos hecho a medida que estamos viajando con ella en los festivales".
Javier Cámara, actor: "Yo estaba de vacaciones cuando Berto me mandó el guion y cuando lo leí, le llamé y le dije: lo voy a hacer. Eran tres personajes desesperados en una situación complicada. Esta película me la bebí, me la disfruté, me reí y me emocionó. No sabía que estaba haciendo una película tan redonda". "Es una película que va a ir genial porque está hecha para el público, para que se la goce, para que se asuste y para que se ría".
Sinopsis: 5 minutos más narra la historia de una pareja inmersa en constantes discusiones que decide pasar un fin de semana en una casa rural aislada en medio del campo. Al llegar, los recibe un representante de la agencia de alquiler, que les enseña la casa y les entrega las llaves. Pero lo que comienza como una simple escapada de fin de semana pronto da un giro extraordinario, obligando a la pareja a enfrentarse a una serie de circunstancias excepcionales y a tomar decisiones igualmente extraordinarias.
Estreno en cines el 22 de enero de 2027. Tras su paso por salas, la película se podrá ver en exclusiva para todos los clientes de Movistar Plus.
Sobre la película
¿Y si el fin del mundo no sacara lo mejor de nosotros, sino todo aquello que intentamos ocultar? Javier Ruiz Caldera juega con esta inquietante posibilidad en 5 minutos más, una divertidísima e ingeniosa propuesta que, tras competir en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián y pasar por el Fantastic Fest de Austin, aterriza en Sitges demostrando que la comedia y el cine fantástico pueden entenderse maravillosamente bien. Con un guion de Berto Romero, que debuta en la escritura cinematográfica, la película supone una estimulante incursión en terrenos bastante más oscuros e imprevisibles de lo que cabría esperar.
La premisa es tan sencilla como irresistible: un matrimonio en crisis llega a una casa rural para pasar un fin de semana acompañado, involuntariamente, por un acontecimiento extraordinario que altera las reglas del tiempo. A partir de ahí, Ruiz Caldera construye un relato que juega constantemente con las expectativas del espectador, combinando situaciones disparatadas, tensión creciente y un humor negro que encaja perfectamente con el espíritu de Sitges. Lo verdaderamente divertido es que nunca sabemos cómo van a reaccionar sus tres protagonistas, capaces de sorprendernos con decisiones tan absurdas como inquietantemente humanas.
Pero detrás de las carcajadas se esconde una reflexión psicológica mucho más interesante de lo que aparenta. ¿Cómo reaccionaríamos si descubriéramos que nuestra existencia, tal y como la conocemos, está amenazada? ¿Seguiríamos comportándonos de acuerdo con nuestros principios o aflorarían nuestros instintos más egoístas? La película convierte una situación potencialmente catastrófica en un fascinante experimento sobre la condición humana, desnudando las contradicciones, frustraciones y miserias de unos personajes que, enfrentados a lo imposible, terminan revelando quiénes son realmente. Y quizás lo más perturbador sea descubrir que sus reacciones no resultan tan ajenas a las nuestras.
Belén Cuesta está sencillamente extraordinaria. Su personaje atraviesa un auténtico carrusel emocional que le permite transitar por registros radicalmente diferentes sin perder un ápice de credibilidad. Del desconcierto a la desesperación, de la vulnerabilidad a una determinación inesperada, la actriz construye una interpretación llena de matices, demostrando una capacidad admirable para hacer convivir comedia, angustia y drama. A su lado, Javier Cámara también sorprende con un personaje que le permite alejarse parcialmente de los registros a los que nos tiene acostumbrados, aportando una dimensión distinta a su habitual talento cómico. Berto Romero completa un trío protagonista cuya química y permanente imprevisibilidad constituyen uno de los grandes aciertos de la película.
También merece reconocimiento Javier Ruiz Caldera, que demuestra una notable habilidad para administrar los cambios de tono y sacar partido de un escenario aparentemente limitado. Su dirección encuentra el equilibrio entre la comedia de situaciones, el thriller fantástico y una creciente sensación de desconcierto, mientras el guion de Berto Romero aprovecha las posibilidades de su original premisa para plantear situaciones que resultan tan hilarantes como desconcertantes. Lo mejor es que el humor nunca termina por desactivar la inquietud, sino que, en numerosas ocasiones, contribuye a intensificarla.
5 minutos más es una de esas sorpresas que justifican la riqueza del cine fantástico español actual. Divertida, inteligente, retorcida por momentos y con unas interpretaciones magníficas, consigue algo que no siempre resulta sencillo: hacer reír mientras nos obliga a mirar hacia nuestros rincones menos confesables. Porque, cuando las reglas del mundo dejan de funcionar, quizás lo verdaderamente aterrador no sea lo que sucede a nuestro alrededor, sino descubrir de qué somos capaces. Una película tremendamente disfrutable, con una Belén Cuesta de diez y un espíritu absolutamente Sitges.
Tras celebrar su estreno mundial el pasado mes de junio en el Festival de Tribeca de Nueva York, Dante, el nuevo largometraje escrito y dirigido por Hugo Ruiz, tendrá su estreno europeo en la 59ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya-, que se celebrará del 8 al 18 de octubre. El thriller, protagonizado por Chino Darín y Ester Expósito, junto a Vicente Romero y Enrique Arce y con la colaboración especial de Asier Etxeandia, competirá en Òrbita, sección dedicada a los thrillers y al cine de acción y aventuras que transitan en territorios próximos al fantástico. La película se proyectó anoche en el Auditori, la sala principal y uno de los espacios más emblemáticos del Festival.
Dante, una producción de Gilda Productions y El Sueño Eterno Pictures en coproducción con Sissi Films y Jarana Films, llega a Sitges tras la destacada recepción de la crítica internacional durante su paso por Tribeca, donde FANGORIA la incluyó además entre las mejores películas de terror de la 25ª edición del certamen neoyorquino.
Con su presentación en Sitges, Dante continúa el recorrido internacional iniciado en Nueva York y descubre por primera vez ante el público español, que podrá descubrir el regreso de Hugo Ruiz a la noche madrileña. Su segundo largometraje transcurre, de hecho, durante la misma noche que Una noche con Adela, su ópera prima, con la que el cineasta obtuvo en 2023 el premio a Mejor Director Novel del Festival de Tribeca, certamen al que ahora regresa para presentar por primera vez en España su segunda película.
Chino Darín interpreta a Eduardo, un técnico de emergencias atrapado en un turno donde nada es lo que parece. Con una carrera consolidada entre Argentina y España, Darín ha protagonizado títulos como El reino, La odisea de los giles o La noche de 12 años, y asume aquí un papel que pone a prueba tanto su resistencia física como sus principios.
Ester Expósito, uno de los rostros más conocidos del audiovisual español contemporáneo (Élite, Venus, El llanto, Veneno, El talento), da vida a Mak, un personaje clave en el conflicto interno del protagonista, y cuyo papel con los hechos se revela a lo largo de la noche.
Vicente Romero (Modelo 77, Celda 211 o La unidad) encarna a Santo, un personaje ligado a los bajos fondos cuyo destino desata la trama de la película. Enrique Arce (La casa de papel, Terminator: Destino oscuro, Amor en polvo) se suma al elenco interpretando a un personaje del entorno más turbio de la historia, mientras que Asier Etxeandia (dos nominaciones a los Premios Goya por sus interpretaciones en La novia y Dolor y gloria) realiza una colaboración especial, dando Chemi.
Sinopsis: Eduardo, un afable técnico de emergencias sanitarias que conduce una ambulancia en el turno de noche, acude a una llamada. Un hombre llamado Mario, perteneciente a los bajos fondos de la ciudad, se encuentra muy grave en su casa. Al llegar, Mario está en las últimas, pero antes de morir dejará a Eduardo en una situación en la que, con cada segundo que pasa, resulta más difícil que él mismo termine la noche con vida.
Hugo Ruiz comenzó su trayectoria cinematográfica en 2011 de forma autodidacta, dirigiendo su primer cortometraje, Loli el poli. A este le siguieron títulos como Taxi fuera de servicio, S.O.S y La cena, todos premiados en festivales nacionales e internacionales.
En 2012 se formó en escritura de guion con Fermín Cabal y participó en el programa de TVE ‘Oficios de la cultura’ junto a Antonio Onetti y el propio Cabal. Ese mismo año fundó el Centro Musical y Artístico ‘Las Armas’ en Zaragoza, un referente cultural con escuelas de cine, radio, música, interpretación, doblaje y danza, que dirigió hasta 2015. Ese mismo año se trasladó a Madrid para estudiar dirección cinematográfica en el Instituto del Cine de Madrid, mientras trabajaba como asesor de guion, corrector y realizador de publicidad. Entre 2015 y 2021 rodó los cortometrajes La cena, Kauyfú y yo y La duda.
En 2022 escribió y dirigió su primer largometraje, Una noche con Adela, seleccionado y premiado en el Festival de Tribeca, fundado por Robert De Niro y Jane Rosenthal, como Mejor Director Novel, consolidando a Hugo Ruiz como una de las voces emergentes más prometedoras del cine contemporáneo. Posteriormente, Ruiz recibió también el Premio Ópera Prima Ficción Jimmy Sierra en el Festival de Cine Global de Santo Domingo. La película también fue nominada a Mejor Dirección de Fotografía en los Premios Goya 2024 y, además, ha sido vendida y estrenada en Portugal (Alambique) y Japón (Nettai Museum). También se ha proyectado en festivales de prestigio como Reikiavik, São Paulo, Friburgo y Abycine, donde tuvo su estreno en España. Y a finales de 2025 se incluyó en el catálogo de Tribeca Films, además de estrenarse en las principales plataformas digitales de Estados Unidos y Canadá.
Dante es su segundo largometraje.
Sobre la película
Una noche de locura, sangre y personajes sin frenos. Hugo Ruiz convierte el turno de noche de un paramédico en un descenso a los infiernos tan salvaje como divertido. Un thriller canalla que lleva el sello de Sitges escrito con sangre.
La noche puede convertirse en el escenario perfecto para sacar a pasear nuestros peores instintos. Y si alguien parece sentirse especialmente cómodo explorando los rincones más oscuros del ser humano, ese es Hugo Ruiz, que después de sorprender con Una noche con Adela regresa con Dante, un thriller tan desquiciado como entretenido, donde la violencia, el humor negro y los personajes llevados al límite se dan la mano en una auténtica montaña rusa cinematográfica. Una propuesta que parece concebida para desatar el entusiasmo del público del Festival de Sitges.
Después de conseguir el premio a la mejor dirección novel en el Festival de Tribeca de 2023 con Una noche con Adela, protagonizada por Laura Galán y rodada en un impresionante plano secuencia, Ruiz vuelve a demostrar que las noches interminables son su territorio natural. Su segundo largometraje, estrenado mundialmente también en Tribeca, abandona aquel ejercicio formal para apostar por una narración más dinámica, imprevisible y abiertamente gamberra. Dos películas, dos noches infernales y una personalidad cinematográfica que empieza a resultar perfectamente reconocible.
La historia arranca cuando Eduardo (Chino Darín), un joven paramédico que trabaja en el turno de noche, acude a una llamada de emergencia para atender a un hombre gravemente herido. Lo que debería ser una intervención rutinaria se convierte en una pesadilla cuando termina atrapado en un enfrentamiento entre delincuentes de muy pocos escrúpulos. A partir de ese momento, todo se precipita hacia situaciones cada vez más extremas, donde la supervivencia depende tanto de las decisiones que se toman como de las imprevisibles reacciones de quienes le rodean.
Uno de los grandes atractivos de Dante reside precisamente en su galería de personajes, auténticas criaturas de una fauna nocturna donde la moralidad parece haberse tomado unas vacaciones. Chino Darín funciona como el punto de referencia del espectador dentro de semejante locura, mientras Ester Expósito se desenvuelve con soltura en un registro especialmente agresivo. Pero merece una mención particular Vicente Romero, que construye uno de los personajes más extremos y deliciosamente perturbadores de su trayectoria, combinando brutalidad, excentricidad y un inesperado sentido del humor. La presencia de Enrique Arce termina de reforzar un reparto que entiende perfectamente el tono excesivo de la propuesta.
En el apartado visual, la fotografía de Teo Delgado aprovecha la oscuridad y los espacios cerrados para construir una atmósfera opresiva, sucia y amenazadora. La noche no funciona únicamente como marco temporal, sino como un personaje más, un territorio donde todo parece permitido y donde la violencia puede estallar en cualquier instante. Hugo Ruiz imprime a la puesta en escena una energía nerviosa, casi febril, que acompaña a unos personajes incapaces de controlar el caos que ellos mismos generan. La sangre, los sobresaltos y las situaciones grotescas terminan componiendo un espectáculo visual tan incómodo como estimulante.
Pero detrás de toda esta orgía de excesos también encontramos una mirada irónica sobre la condición humana. Dante juega con las apariencias, con esa delgada frontera que separa a las víctimas de los verdugos y con la facilidad con la que una situación desesperada puede sacar a relucir lo peor de cada individuo. El humor aparece en los momentos más insospechados, incluso cuando la violencia alcanza sus cotas más disparatadas, proporcionando a la película ese carácter irreverente que permite disfrutar de situaciones que, fuera de la pantalla, resultarían absolutamente espeluznantes.
Dante es cine de género sin complejos, descarado, sangriento y orgullosamente excesivo. Hugo Ruiz no pretende que salgamos de la sala con el pulso tranquilo, sino que nos dejemos arrastrar por una noche de pesadilla donde cualquier disparate parece posible. Una película que abraza el espíritu más gamberro del Festival de Sitges, de esas que provocan risas nerviosas, alguna que otra exclamación y la satisfacción de haber asistido a un espectáculo tan salvaje como difícil de olvidar. Porque, a veces, para disfrutar del cine basta con dejarse llevar hasta el mismísimo infierno.
.jpg)
