¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
El olor a leche quemada: las raíces también pueden convertirse en una jaula
Hay mundos que no desaparecen de golpe, se van apagando lentamente, casi sin hacer ruido, mientras quienes los habitan continúan trabajando como si todavía fuera posible detener el tiempo. El olor a leche quemada, ópera prima de Justine Bauer, observa uno de esos universos al borde de la extinción: el de las pequeñas explotaciones agrícolas, estranguladas por la falta de rentabilidad y condenadas a dejar paso a un modelo de vida que parece haber olvidado de dónde procede todo aquello que se consume.
Katinka vive junto a sus hermanas, su madre y su abuela en una granja lechera del sur de Alemania. Tres generaciones de mujeres sostienen la explotación, cuidan de los animales y mantienen vivo el negocio familiar. Sin embargo, Katinka no podrá heredarlo: la granja está reservada a su hermano. El hombre apenas aparece, pero el privilegio que representa lo impregna todo. Bauer construye así una elocuente reflexión sobre un patriarcado que no necesita estar físicamente presente para decidir el futuro de las mujeres.
Lo más valioso de la película es que nunca convierte sus conflictos en un discurso subrayado. La directora prefiere detenerse en los trabajos diarios, las conversaciones aparentemente insignificantes, las bromas secas y los silencios compartidos. La vida y la muerte conviven aquí con absoluta naturalidad: los animales nacen, enferman o son sacrificados sin que la cámara busque el dramatismo fácil. No hay grandes revelaciones ni escenas concebidas para provocar una emoción inmediata. Hay algo mucho más difícil de capturar: la textura de una existencia.
Rodada en formato 4:3 y en dialecto hohenlohisch, con una mayoría de intérpretes no profesionales, El olor a leche quemada se mueve en una fértil frontera entre la ficción y el documental. Bauer, criada en una granja de avestruces, conoce bien aquello que filma. Esa cercanía le permite retratar el campo sin idealizarlo, pero también sin mirarlo desde la superioridad urbana. El paisaje puede ser hermoso, aunque esa belleza conviva con el barro, la precariedad y unas explotaciones que mueren mientras en su lugar comienzan a levantarse nuevas urbanizaciones.
Entre todo ello todavía queda espacio para un verano adolescente. Katinka y su amiga Anna se bañan, bromean y hablan del futuro. Anna afronta un embarazo inesperado; Katinka, la posibilidad de que le arrebaten la vida que ha elegido. Ambas se encuentran ante una misma pregunta formulada desde lugares distintos: ¿hasta qué punto estamos obligados a continuar aquello que hemos heredado?
Justine Bauer responde sin estridencias y sin soluciones sencillas. Su película habla del apego a la tierra, de la amistad, de la maternidad y de unas tradiciones que pueden ser, al mismo tiempo, refugio y condena. También reivindica a quienes conocen demasiado bien un oficio como para idealizarlo, pero lo aman demasiado como para abandonarlo.
Como esa leche olvidada al fuego, el mundo retratado en la película está a punto de transformarse para siempre. Y Bauer consigue que percibamos su olor antes de que sea demasiado tarde.
Eixam (Enjambre), elprimer largometraje de ficción del realizador Óscar Bernàcer, llega a los cines este viernes de la mano deA Contracorriente Films.
Se trata de un thriller rural protagonizado por Pablo Molinero ('Tú también lo harías', 'Chinas', 'La mort de Guillem') y Cristina Fernández Pintado ('Kepler Sexto B', 'Coses a fer abans de morir', 'La promesa').
La película ha celebrado su premier mundial en el marco del Atlàntida Mallorca Film Fest (Talent Balear).
El reparto coral de este intenso y revelador relato contemporáneo sobre una sociedad alternativa se completa con María Maroto ('Los años nuevos', 'L'àvia i el foraster', 'La boda de Rosa'), Pablo Derqui ('Los sin nombre', 'Su majestad'), Marta Belenguer ('La casa', 'Camera Café, la película'), Jordi Aguilar ('La casa', 'El bar'), Glòria March ('Después de Kim', La mort de Guillem', 'La boda de Rosa'), Àngel Fígols ('Coses a fer abans de morir', 'La Forastera'), Abdelatif Hwidar ('Raqa', 'Bird Box: Barcelona'), Elías Hwidar ('Cuéntame cómo pasó') y el debut de June Bernàcer.
Además, Eixam (Enjambre) cuenta con la colaboración especial de Nuria Herrero ('4 estrellas', 'Eva & Nicole'), Neus Asensi ('Padre no hay más que uno 4: Campanas de boda', 'Los del túnel') y Sergio Caballero ('Després de tu', 'La promesa').
La película también incluye la participación de La Maria, cantante y compositora revelación de la escena valenciana, reconocida por fusionar tradición y vanguardia en su propuesta artística. Su presencia aporta un valor añadido a la producción.
Sinopsis: Lluc (Pablo Molinero) lo ha perdido todo cuando Alba (Cristina Fernández) le ofrece una salida: integrarse en una aldea aislada donde un grupo de desheredados convive en aparente armonía. Lluc se agarra a esta segunda oportunidad, aprende a vivir bajo las normas comunitarias y encuentra el amor de Silvia (María Maroto). Pero el espejismo se resquebraja, revelando la perversión del sistema creado por Alba y los oscuros secretos de su origen. En su intento por recuperar su libertad, Lluc se juega lo único que le queda: su vida.
En la oscuridad de la colmena, las normas que rigen la sociedad de las abejas son inflexibles. Todas trabajan para todas, todas tienen una labor asignada, todas se ayudan entre sí. Juntas forman un ente superior que las protege: el enjambre. ¿Cuánto vale la vida de una abeja obrera? Quien pone en peligro a la Comunidad, lo paga.
En estos tiempos convulsos de incertidumbre y miedo al futuro, Eixam (Enjambre)nos traslada hasta el pequeño universo rural de Malpàs, una utopía con la que todos hemos soñado alguna vez. En palabras de la guionista Joana M. Ortueta: "Un paraíso tentador en el que vivir de espaldas al mundo, pero que poco a poco va mostrando su reverso oscuro. La historia se va oscureciendo imperceptiblemente hasta que la necesidad de huir lo impregna todo".
Eixam (Enjambre) pretende reflejar las luces y sombras de nuestra sociedad en un revelador viaje a través de nuestras contradicciones, individuales y colectivas. Un poderoso espejo cinematográfico sobre el fanatismo, el poder y la libertad.
Esta producción de Maqueta Films, Nakamura Films y Corte y Confección de Películas, con la producción ejecutiva de Araceli Isaac Delso ('La casa', ‘Mientras seas tú, el aquí y ahora de Carme Elias’) y Núria Domenech (‘Muyeres’), cuenta con un guion escrito por Joana M. Ortueta ('La casa' - Nominada a los Goya como Mejor Guion Adaptado) y Jorge Juan Martinez ('Salvajes' - Goya al Mejor Guion Adaptado).
Su rodaje se desarrolló en distintas localizaciones de la Comunidad Valenciana, como El Molinar (El Toro), en el término municipal de Bejís, Chelva o Calles.
Gracias a nuestras amigas de Revolutionary Press hemos podido entrevistar al director de la cinta, Óscar Bernàcer, a la guionista de la misma, Joana M. Ortueta, y a los actores Cristina Fernández Pintado y Pablo Molinero. Este es el resultado de la entrevista:
Carlos Penela.- Joana, ¿Cómo surge el guion de Enjambre (Eixam)?
JOANA M. ORTUETA.- A mí siempre me han fascinado este tipo de historias, coger a un grupo de personas, sacarlas de su zona de confort y ponerlas en una situación de tener que empezar de cero, tener que construir algo solo con las personas con las que cuentan. Me vienen a la cabeza ejemplos como "El Señor de las moscas", "Lost" (salvando las distancias), o una peli que a mí me golpeó siendo muy pequeñita, que fue la adaptación en dibujos animados de "Rebelión en la granja", que no estaba destinada a un público infantil y a mí me la pusieron con seis años. Cuando me llegó el bofetón de la historia de Orwell y vi la violencia, el abuso de poder, la explotación del débil, me quedé muy impactada y creo que es como una idea que se me ha quedado, una obsesión de decir ¿Qué nos pasa? ¿Qué le pasa al ser humano que teniéndolo todo a favor para construir algo justo y equilibrado, acabamos sistemáticamente cayendo en esta violencia, en esta explotación y en esta confrontación constante. Un poco, de esa necesidad y un momento vital en que la crisis financiera se llevó nuestro sustento por delante, que eran las series diarias (se dejaron hacer series diarias en la Comunidad Valenciana), me dije "ya no tengo excusas, ahora tengo tiempo". Le propuse hacer el guion a un compañero de trabajo de aquellas series,que tenía más experiencia que yo y mucha mano con el thriller y con la novela negra, Jorge Juan Martínez, le dije que a mí me apetecía mucho escribir esta historia, le encantó y aquí estamos.
Carlos Penela.- Malpàs nace como refugio para personas que lo han perdido todo, pero termina reproduciendo aquello de lo que pretendía escapar. ¿La película sugiere que el problema no está tanto en el sistema como nuestra propia relación con el poder?
ÓSCAR BERNÀCER.- Bueno, yo creo que el sistema tiene fallos y hay que intentar solucionarlos, pero al final, simplemente con que se cumplieran ciertas cosas del actual sistema a nivel social y a nivel de protección, no tanto de unos pocos, sino de que funcione para que el bien común sea uno de los patrones a seguir dentro de la administración de los recursos, ya avanzaríamos mucho. Yo creo que la peli tampoco está hablando del sistema comunal, sino que lo que hace es reproducir el sistema que tenemos. Todos los fallos del sistema se van allí también, no es que las utopías no funcionen. No hablamos de eso. Hablamos de que ahí se están reproduciendo esos mismos errores y que las mochilas personales de cada uno están siendo también algo que hace que las cosas no funcionen, que acaben por salir los problemas de los que tú guías.
JOANA M. ORTUETA.- Y evidentemente tenemos un problema con el poder.
ÓSCAR BERNÀCER.- Sí, al final los políticos son la correa de transmisión de la sociedad para la sociedad. Si esa correa de transmisión va hacia sólo unos pocos en detrimento de la gran mayoría, la sensación es que el sistema se rompe. La ruptura es muy grande. Y eso es lo que genera que haya discursos como los que hay hoy, que están llenando, están abarcando mucho espacio mediático y están adquiriendo poder.
Carlos Penela.- Cristina, tu personaje, Alba, ofrece refugio y una nueva vida, pero también establece las condiciones de esa salvación. ¿Cómo construiste un personaje capaz de percibirse a sí mismo como protector mientras va privando de libertad a quienes pretende proteger?
CRISTINA FERNÁNDEZ PINTADO.- Bueno, es que creo que ahí está el peligro. En el momento en que tú sientes que eres la persona que da las segundas oportunidades, que protege, que gracias a ti las demás personas evolucionan, Alba ya se coloca en una situación de poder, una situación de poder que a ella le interesa para poder llevar las cosas hacia donde las lleva. Entonces, yo creo que era un personaje complejo, con muchas aristas, cargada de razón en su momento para crear algo así, pero no en la manera de llevarlo a cabo, ni en la manera de sobrevivir a cualquier ataque o a cualquier amenaza. Entonces, bueno, lo construí a través de la contención, para no mostrar su vulnerabilidad, porque es lo que la puede hacer perder ese poder. Y a raíz de ahí, con los compañeros, sobre todo con las relaciones que íbamos creando, con todo lo que iba surgiendo en los ensayos, también con la guionista, el director, la visión que tenían, porque al final era quienes habían creado estos personajes. Pero vamos, podría decirte que desde la contención.
Carlos Penela.- Pablo, Lluc encuentra en Malpàs no solo cobijo, sino también amor. Ese vínculo sentimental, ¿le devuelve la voluntad de vivir o paradójicamente hace todavía más difícil que pueda escapar del lugar?
PABLO MOLINERO.- Yo creo que de alguna manera eso lo devuelve a la vida, a volver a sentir. Vivir es sentir, pero así como en algún momento ese amor es un bien a cuidar y a querer potenciar para tener un proyecto común, intentan escapar de allá, pero finalmente se convierte en una cadena que también hace que él renuncie y sea parte de ese rebaño de abejas, esas abejas obreras de las que habla la película, y sea una abeja más que tenga que quedarse allí en la colmena.
Carlos Penela.- Joana, venías de una historia tan íntima y familiar como La casa. Aquí vuelves a hablar de convivencia, pertenencia y heridas personales, pero desde una comunidad alternativa. ¿Consideras que existe un hilo entre ambas películas: nuestra incapacidad para convivir sin negociar afectos, espacios y poder?
JOANA M. ORTUETA.- A ver, es verdad que cronológicamente "Enjambre (Eixam)"se gesta muchos años antes que "La casa", y luego ha ido evolucionando con el tiempo, pero también que "Enjambre (Eixam)" es un proyecto personal que nace de una inquietud propia. "La casa" es una novela gráfica del gran Paco Roca de la que yo era fan entusiasta y además tenía muchos paralelismos con mi propia vida, acababa de perder a mi padre, tenemos una casita súper similar en una zona muy cercana, y yo me dedico a hacer las cosas que hace el protagonista de la novela y, además, Alex Montoya es amigo y vecino. Entonces, cuando nosotros le coproducíamos la película, cuando supe que estaba ese momento del guion que nos llega a todos, en que de pronto dudas de todo, ya no sabes por dónde meterle mano, le dija "Álex, ¿necesitas una guionista profesional, rápida, que sabe del cultivo y de la pérdida?. Y entonces ahí es cuando entré. Es verdad que el proyecto es de Álex, el trabajo de adaptación lo hizo él, y yo entré más como guionista de hacer versiones y revisiones. Pero al final, sí, las dos son un tipo de historias que a mí me gustan mucho como espectador, que son esas historias en las que puedes ponerte en la piel de los distintos personajes, que no hay buenos y malos, sino que todos tienen sus razones. Yo siempre digo que todos somos los protagonistas de nuestra película. Si tú le preguntas a Darth Vader y te cuenta la película desde su punto de vista, el protagonista es él y el antagonista es el otro. A mí me gusta ese tipo de películas que hablan de las relaciones personales como es en la vida, con tu familia, con tus amigos, que van a contarle esto a tu manera, tú eres el bueno y el que está cargado de razones para ofenderte, pero si le preguntas a la otra persona igual no es tan así. En ese sentido, es verdad que en ambas películas ocurre eso, y a mí me gusta mucho. Creo que son estas películas que luego te dan para tomar algo, hablar con la persona que la has visto, compartir y debatir sobre quién tiene razón en cada momento y por qué.
Carlos Penela.- Óscar, la película se va oscureciendo de manera gradual, casi imperceptible. ¿Cómo trabajaste la puesta en escena para que el espectador sintiera primero la seducción de la utopía y sólo después comenzara a percibir que algo inquietante latía bajo ella?
ÓSCAR BERNÀCER.- Pues había un trabajo de tono con los actores que creo que está bastante logrado. Ese oscurecimiento viene sembrado porque en toda esa primera parte de la película queríamos jugar a generar siempre una incomodidad, un extrañamiento en el espectador, de decir "vale sí, el plano es bonito, el diálogo, la imagen, las sensaciones, pero hay algo raro, algo está en la atmósfera que no acaba de decir esto es la hostia, es perfecto." Eso fue trabajado con los actores a base de posar mucho las escenas, generar momentos de silencio, de mirada, de subtexto en alguna palabra, para que siempre tuviéramos esa carga. Ayuda mucho también la fotografía, el color que tiene la película, jugamos mucho con la entrada y salida de los paisajes para que formen parte de un personaje más, etc. Al principio parece que estás en un espacio libre, pero el mismo paisaje de repente se vuelve un mensaje de que aquí siempre ha estado latente algo que no cuadra, esa era la intención.
Carlos Penela.- Pablo y Cristina, ¿hubo alguna escena o ensayo en el que descubristeis algo de Lluc o Alba que no estaba expresamente escrito en el guion y que cambió vuestra manera de interpretarlos?
PABLO MOLINERO.-
Carlos Penela.- Óscar, el paisaje rural suele asociarse cinematográficamente con la libertad y el regreso a lo esencial, pero aquí también genera aislamiento y amenaza. ¿Cómo convertisteis las localizaciones valencianas en una prolongación del estado psicológico de los personajes?
ÓSCAR BERNÀCER.- Pues era muy importante que no parecieran muy mediterráneas, porque eso creo que en el imaginario común funciona de otra manera: el pino mediterráneo, el sol, la piedra más terrosa... Entonces íbamos más hacia una zona más continental, más de piedra gris, más dura, donde el tipo de árboles son diferentes. Creo que eso en el imaginario colectivo funciona de otra manera. Pero no por ello deja de ser un paisaje evidentemente valenciano, porque lo que se ve en pantalla es la comarca del Alto Palancia y allí la verdad es que ha sido un hallazgo, buscábamos algo como eso, las aldeas que buscábamos eran como esas paredes de piedra, que las propias paredes tuvieran un peso específico en quién ha hecho esa casa, en quién ha decidido vivir ahí.
JOANA M. ORTUETA.- Lo que sí que teníamos clarísimo es que ese aislamiento que requería la historia fuera real en el propio rodaje, porque si no en sala no os lo ibais a creer.
Carlos Penela.- El mundo rural normalmente se representa en el cine como algo idílico, algo bonito, pero aquí es muy diferente. ¿Cómo fue rodaje? ¿Cómo convivisteis con el entorno rural?
CRISTINA FERNÁNDEZ PINTADO.- Nos ayudó muchísimo llegar al espacio, estar en los ensayos, en el plató, de repente estar trabajando no solo en la ciudad. Estabas trabajando en espacios cerrados y de repente llegas con aquella comunidad que también tiene las luces y las sombras de nuestro paisaje (quemado por los incendios que hubo hace cuatro años), y de repente notas ese poder salvaje que tiene ese lugar. Lo hablábamos todo el rato, era muy importante sentirnos aislados. Y allí te sentías aislado, era un espacio muy alejado de todo, para llegar allí teníamos un recorrido de furgoneta muy concreto, llegamos a espacios que eran angostos. Luego dormíamos allí en un hotel rural que estaba cerrado (se cerró por los incendios) para el turismo, estábamos todos juntos. De repente sentíamos esa potencia de estar allí, aislados, sentir la potencia del bosque, de la naturaleza... El paisaje es un personaje más en esta película.
Carlos Penela.- Cristina, Pablo, ¿Qué habéis aprendido y con qué os quedáis de haber hecho Enjambre (Eixam)?
CRISTINA FERNÁNDEZ PINTADO.- Me quedo con lo maravilloso que es seguir haciéndose preguntas. A veces se nos olvida hacernos preguntas porque vamos a tal velocidad que no nos paramos a pensar, también es incómodo hacerse preguntas y esa incomodidad creo que es necesaria. En esta peli yo me he hecho muchas preguntas desde cuando empecé a leer el guion hasta ahora, como espectadora, y eso es fantástico.
PABLO MOLINERO.- Sí, cuestionarte un poco las decisiones de los personajes, de muchos de ellos. No creo que sea una película que sea dogmática en ese sentido, priori los personajes tienen buenas intenciones, pero no todo es como toca, la otra persona quiere otra cosa. Me parece que hay algo de cuestionarnos en los personajes que te puede ayudar a pensar en la complejidad de nosotros como seres individuales y en relación con el otro. Cuestionar un poco cómo lo hacemos, por qué a veces ponemos la supervivencia por delante a algo que podía ser no tan animal sino un poquito más evolucionado como seres y que nos iría mucho mejor, enseguida nos atacan con los miedos y ya nos ponemos cerebro de reptil y a defender, matar y a luchar. Seamos más civilizados.
Barcelona, 17 de agosto de 2017. Tras el atentado terrorista de Las Ramblas de Barcelona, a las 17:34 se activa el dispositivo policial CRONOS, una operación que duró 124 horas y terminó con el abatimiento del último terrorista huido.
Casi una década después de uno de los episodios más trágicos de nuestra historia reciente, el 4 de septiembre llegará a los cines Cronos, un thriller dramático dirigido por Fernando González Molina (Trilogía del Baztán; Palmeras en la nieve) y escrito por Alberto Marini (El Desconocido; La Unidad).
La película cuenta con un reparto coral liderado por Enric Auquer, Mónica López y Diana Gómez. Completan el elenco Pablo Derqui, Xavi Sáez, Joan Pedrola, Mima Riera, David Vert, José Pérez Ocaña e Israel Elejalde, entre otros.
Sinopsis: Barcelona, 17 de agosto de 2017. En una calurosa tarde de verano, con las calles llenas de gente, un atentado lo cambia todo para siempre. Mientras el caos se apodera de la ciudad, se activa el dispositivo Cronos: un operativo policial con el objetivo de capturar a los responsables del ataque, no solo por lo que han hecho sino por lo que aún pueden hacer. Durante los días que siguen, las fuerzas de seguridad lideran una operación contrarreloj mientras la población responde unida con tres palabras: No tinc por (No tengo miedo).
Cronos se rodó durante 8 semanas en diferentes localizaciones reales de Catalunya tras más de dos años de un arduo trabajo de investigación llevada a cabo por los prestigiosos periodistas de investigación, Nacho Carretero y Arturo Lezcano.
La película cuenta con gran apoyo de las principales instituciones implicadas en el operativo en 2017: Mossos d’Esquadra, Guàrdia Urbana de Barcelona (Districte Ciutat Vella, Districte Eixample, Filmación), Bombers de Barcelona, SEM, Districte Eixample: Cap de l’Oficina de Promoció económica, Direcció de Servei de Llicències i Espai Públic, Districte de Ciutat Vella: Direcció de Servei de Llicències i Espai Públic, CUESB (Centre d’Urgències i Emergències Socials de Barcelona), BIMSA (Barcelona d'Infraestructures Municipals SA), Barcelona Film Commission e Institut de Cultura de Barcelona.
Cronos está producida por Nostromo Pictures, Beta Fiction Spain y Hogar Produccion AIE, en coproducción con 3Cat y cuenta con la participación de RTVE, Movistar Plus, HBO Max, el apoyo del ICAA e ICEC y las ventas internacionales de Film Factory. La película será distribuida en España por Beta Fiction Spain.
ENJAMBRE
Eixam (Enjambre), el primer largometraje de ficción del realizador Óscar Bernàcer, llega a los cines este viernes de la mano de A Contracorriente Films.
Se trata de un thriller rural protagonizado por Pablo Molinero ('Tú también lo harías', 'Chinas', 'La mort de Guillem') y Cristina Fernández Pintado ('Kepler Sexto B', 'Coses a fer abans de morir', 'La promesa').
La película ha celebrado su premier mundial en el marco del Atlàntida Mallorca Film Fest (Talent Balear).
El reparto coral de este intenso y revelador relato contemporáneo sobre una sociedad alternativa se completa con María Maroto ('Los años nuevos', 'L'àvia i el foraster', 'La boda de Rosa'), Pablo Derqui ('Los sin nombre', 'Su majestad'), Marta Belenguer ('La casa', 'Camera Café, la película'), Jordi Aguilar ('La casa', 'El bar'), Glòria March ('Después de Kim', La mort de Guillem', 'La boda de Rosa'), Àngel Fígols ('Coses a fer abans de morir', 'La Forastera'), Abdelatif Hwidar ('Raqa', 'Bird Box: Barcelona'), Elías Hwidar ('Cuéntame cómo pasó') y el debut de June Bernàcer.
Además, Eixam (Enjambre) cuenta con la colaboración especial de Nuria Herrero ('4 estrellas', 'Eva & Nicole'), Neus Asensi ('Padre no hay más que uno 4: Campanas de boda', 'Los del túnel') y Sergio Caballero ('Després de tu', 'La promesa').
La película también incluye la participación de La Maria, cantante y compositora revelación de la escena valenciana, reconocida por fusionar tradición y vanguardia en su propuesta artística. Su presencia aporta un valor añadido a la producción.
Sinopsis: Lluc (Pablo Molinero) lo ha perdido todo cuando Alba (Cristina Fernández) le ofrece una salida: integrarse en una aldea aislada donde un grupo de desheredados convive en aparente armonía. Lluc se agarra a esta segunda oportunidad, aprende a vivir bajo las normas comunitarias y encuentra el amor de Silvia (María Maroto). Pero el espejismo se resquebraja, revelando la perversión del sistema creado por Alba y los oscuros secretos de su origen. En su intento por recuperar su libertad, Lluc se juega lo único que le queda: su vida.
En la oscuridad de la colmena, las normas que rigen la sociedad de las abejas son inflexibles. Todas trabajan para todas, todas tienen una labor asignada, todas se ayudan entre sí. Juntas forman un ente superior que las protege: el enjambre. ¿Cuánto vale la vida de una abeja obrera? Quien pone en peligro a la Comunidad, lo paga.
Según su director: "A los habitantes de Malpàs les une la necesidad de volver a empezar y cuentan, aparentemente, con todo lo necesario para ser felices. Pero el precio a pagar por vivir en un espacio más justo, equitativo y seguro es demasiado elevado. Esta es una historia universal sobre el poder y la libertad".
En estos tiempos convulsos de incertidumbre y miedo al futuro, Eixam (Enjambre)nos traslada hasta el pequeño universo rural de Malpàs, una utopía con la que todos hemos soñado alguna vez. En palabras de la guionista Joana M. Ortueta: "Un paraíso tentador en el que vivir de espaldas al mundo, pero que poco a poco va mostrando su reverso oscuro. La historia se va oscureciendo imperceptiblemente hasta que la necesidad de huir lo impregna todo".
Eixam (Enjambre) pretende reflejar las luces y sombras de nuestra sociedad en un revelador viaje a través de nuestras contradicciones, individuales y colectivas. Un poderoso espejo cinematográfico sobre el fanatismo, el poder y la libertad.
Esta producción de Maqueta Films, Nakamura Films y Corte y Confección de Películas, con la producción ejecutiva de Araceli Isaac Delso ('La casa', ‘Mientras seas tú, el aquí y ahora de Carme Elias’) y Núria Domenech (‘Muyeres’), cuenta con un guion escrito por Joana M. Ortueta ('La casa' - Nominada a los Goya como Mejor Guion Adaptado) y Jorge Juan Martinez ('Salvajes' - Goya al Mejor Guion Adaptado).
Su rodaje se desarrolló en distintas localizaciones de la Comunidad Valenciana, como El Molinar (El Toro), en el término municipal de Bejís, Chelva o Calles.
Eixam (Enjambre) cuenta con la financiación del Institut Valencià de Cultura, del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales y del Instituto de Crédito Oficial. Además, cuenta con la participación de Netflix, Radio Televisión Española, À Punt y CREA SGR. En España será distribuida en cines por A Contracorriente Films. De las ventas internacionales se encarga Feelsales.
Óscar Bernàcer. Guionista, director, productor y docente que, desde sus inicios, ha combinado su trabajo entre la ficción y el documental.
Stanbrook, Bikini, Apolo 81 o Desayuno con diadema, entre otros, son algunos de sus cortometrajes con un largo recorrido en festivales de todo el mundo, llegando a formar parte de la shortlist de los Premios Goya en tres ediciones.
Sus largometrajes documentales son de cuidado contenido y estética, La receta del equilibrio se estrenó en SSIFF (Culinary Zinema) y Los que buscamos y El hombre que embotelló el sol en Seminci. Todos están disponibles en plataformas y han contado con la participación de televisiones públicas.
En TV destaca su trabajo en la serie de ficción La Forastera y en la serie documental Cuineres i Cuiners. Su última producción ha sido Una vida Bárbara, estrenada en ATRESMEDIA, que fue líder de audiencia. Se puede encontrar entre las series documentales más vistas en la plataforma Netflix.
DULCE SABOR A MUERTE
¿Qué pasaría si las vacaciones perfectas se convirtieran en vuestra peor pesadilla? Sin duda, este no es el verano relajado y de desconexión que esperabais vivir.
Dulce Sabor a Muerte es la historia de cómo un verano en un idílico y tranquilo pueblo puede desencadenar una serie de sucesos muy sangrientos cuando el heladero desata una maldición que convierte a todos los niños en máquinas de matar. Los adultos irán muriendo poco a poco de las maneras más brutales posibles. Los tres niños que han logrado librarse de esta maldición tendrán que luchar por salvar al resto antes de que mueran todos.
El director y guionista Eli Roth (Hostel, Black Friday), que debutó con su éxito La cabaña sangrienta en el Festival de Toronto, también se pone delante de la cámara. Ahora nos propone un giro a las historias sobre padres e hijos para narrar qué ocurre cuando lo que parece ser algo inocente y sin preocupaciones —un helado en mitad de un caluroso verano— se convierte en tu peor pesadilla. El director promete tripas, desmadre y muchísima sangre en tono de humor negro.
Una nueva y súper explosiva propuesta que indaga en la idea de la inocencia infantil y la hace saltar por los aires. El humor negro y la violencia desatada contrastan con esas sonrisas inocentes de los niños. Estos angelitos son realmente más peligrosos que cualquier otro villano que hayáis conocido.
Sinopsis: Cuando un misterioso heladero desata una maldición que convierte a los niños en asesinos, tres amigos que lograron escapar deberán descubrir el origen del horror y detenerlo antes de que el verano perfecto se transforme en una pesadilla y todo su tranquilo vecindario sucumba al caos.
Dulce sabor a muerte llega a nuestros cines de la mano de Diamond Films.
BLACK BOX: VUELO 298
Black Box: Vuelo 298 es un thriller sobrenatural dirigido por el estadounidense Steven Quale reconocido por su trabajo en el género de acción y catástrofes (Destino Final 5, En el ojo de la tormenta…), que sigue los escalofriantes sucesos misteriosos a bordo del vuelo 298 de Vero Airlines, que cubre la ruta de Nueva Orleans a Seattle.
Black Box: Vuelo 298 está protagonizada por Tom Brittney (Greyhound: Enemigos bajo el mar,Grantchester), Holly White (Bilched), Betsy-Blue English (Sky Monster) y Asa Ali (Euphoria).
La película llega a los cines españoles de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel.
Sinopsis: El vuelo comercial 298 que cubre la ruta de Nueva Orleans a Seattle acaba estrellándose y convirtiéndose en el centro de un escalofriante misterio sobrenatural. El motivo del accidente se desconoce hasta que se encuentran las grabaciones entre los restos. Lo que les sucedió a los pasajeros del vuelo 298 escapa totalmente a la razón humana…
Este inquietante thriller fue filmado en Bulgaria. Su trama se basa en el cortometraje de terror y ciencia ficción The Vessel, escrito por los hermanos Duffer, creadores de Stranger Things, en el que Clark Baker narra la historia del vuelo 298, un vuelo nocturno que va de Boston a San Francisco y en el que, a mitad del trayecto, los pasajeros se topan con una fuerza sobrenatural y se ven envueltos en una lucha por la supervivencia.
El guion de Black Box: Vuelo 298 es obra de Stephen Susco (Do Not Enter, Test Screening) y Capstone Studios y Hammerstone Studios son las productoras.
JIM QUEEN
¿Qué ocurriría si un extraño virus empezara a convertir a los hombres gays en heterosexuales? A partir de esta premisa tan delirante, Jim Queen construye una desternillante, ingeniosa, emotiva y disparatada sátira sobre la cultura queer, las redes sociales y la necesidad de aceptarse a uno mismo.
Tras el éxito de sus cortometrajes y series de animación, los debutantes Nicolas Athané y Marco Nguyen debutan en el largometraje con una propuesta tan inclasificable como divertida. Producida por el estudio de animación Bobbypills, responsable de algunas de las producciones de animación para adultos más innovadoras de los últimos años, tuvo su estreno mundial en la sección Midnight Screenings de la última edición del Festival de Cannes, donde se convirtió en una de las propuestas más comentadas por su humor provocador, su imaginario visual y su mirada tan irreverente como profundamente humanista.
Jim Queen llega a los cines de nuestro país este viernes de la mano de Elastica tras su paso por el Atlàntida Mallorca Film Fest.
Sinopsis: Jim, un influencer sexy de la escena gay parisina, ve cómo su vida da un vuelco absoluto cuando contrae la Heterosis, ¡un extraño virus que transforma a los hombres gays... en heterosexuales! A partir de ese momento, todo el mundo empieza a darle la espalda con la única excepción de su último seguidor (y primer admirador), Lucien, un joven al que le cuesta aceptarse a sí mismo. Juntos se embarcarán en la búsqueda de un misterioso remedio capaz de curar a Jim y de evitar la extinción de la homosexualidad.
Jim Queen utiliza la fantasía y el absurdo para hablar de cuestiones muy reales: la diversidad, la identidad, el sentimiento de pertenencia, los prejuicios dentro y fuera de la comunidad LGTBIQ+ y la importancia de la empatía frente al miedo a lo diferente.
CINCO SEGUNDOS
VerCine estrena Cinco segundos en cines. El director y guionista Paolo Virzì (Locas de alegría, El capital humano) plantea en esta película un conflicto intergeneracional sobre la vida y la muerte.
Cinco segundos está protagonizada por Valerio Mastandrea (Siempre nos quedará mañana), Valeria Bruni Tedeschi (Locas de alegría) y Galatea Bellugi (Tres adioses) y obtuvo 4 nominaciones en los Premios David di Donatello, incluyendo Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Actriz de Reparto y Mejor Guion Original.
“Es una película que comienza misteriosamente, revelando gradualmente su dolorosa trama, para luego desatar un conflicto vibrante y cómico, y terminar con una sensación de confianza. Una película sobre la muerte y la vida, sobre cómo incluso el dolor puede generar ternura y protección. Adriano parece buscar obstinadamente la soledad, que se ve interrumpida por la llegada de una comunidad de jóvenes. Entre ellos está Matilde, embarazada pero indiferente a la idea de que su hijo por nacer tenga padre. El tema de la paternidad —sea útil o no— anima el duelo entre Adriano y Matilde. Su mutua irritación se transforma en una alianza, una protección para ella, quizás un renacimiento para él. A su alrededor está la Naturaleza, que se asemeja a nosotros: un viñedo salvaje que, si se cuida, produce un vino que inspira euforia." -Paolo Virzì.
Sinopsis: Adriano Sereni (Valerio Mastandrea) vive apartado del mundo en una antigua finca casi en ruinas. Cuando una comunidad de jóvenes llega a la villa vecina dispuestos a devolver la vida a los viñedos abandonados, su tranquila rutina se ve alterada por completo. Entre ellos está Matilde (Galatéa Bellugi), la nieta del último propietario, que pronto siente curiosidad por ese hombre solitario y reservado que parece esconder algo de su pasado. Lo que comienza como un conflicto entre dos mundos opuestos acabará convirtiéndose en un encuentro capaz de cambiar sus vidas.
Paolo Virzì. Nacido en Livorno en 1964, comenzó a trabajar como guionista en 1994 con La buena vida (Cinta de Plata (Nastro d’Argento) y David di Donatello al Mejor Director Novel). Sus trabajos posteriores incluyen: Vacaciones de agosto (David 1996: Mejor Película); Los años dorados (1997, Gran Premio del Jurado en Venecia); Besos y abrazos (1999); Mi nombre es Tanino (2002); Caterina se va a Roma (2003); Napoleón y yo (2006); Toda la vida por delante (Cinta de Plata 2008 a la Mejor Película); La prima cosa bella (Cinta de Plata 2010 a la Mejor Película y Mejor Guion y tres Premios David di Donatello); Todo el santo día (2012); El capital humano (siete Premios David di Donatello, seis Cintas de Plata); Locas de alegría (cinco Premios David di Donatello en 2016); El viaje de sus vidas (2017); Noches mágicas (2018), Siccità (2022), Un altro Ferragosto (2023) y Cinco segundos (2025). Fue nominado dos veces a los Premios EFA como Mejor Director Europeo y representó a Italia dos veces en los Óscar.
En cuanto al componente musical de la película, hay dos aspectos a considerar: "la música de fondo y las canciones. Incluso durante la fase de escritura, imaginamos que el ruidoso grupo de habitantes de la villa tendría su propio mundo musical, que traerían guitarras y otros instrumentos pequeños y tocarían y cantarían canciones de diversos géneros. Compuse algunas canciones específicamente, desde una cancioncilla coral desenfadada hasta una balada al estilo de los Beatles, con la intención de crear una especie de repertorio familiar para ellos. Trabajamos con el reparto para explorar su potencial, buscando a aquellos con al menos un conocimiento básico de un instrumento o habilidad para cantar. En pocos días, esas canciones se convirtieron en melodías pegadizas en el set, incluso entre el paciente equipo de producción. Una de estas canciones ("Vento") llegó a ser la protagonista de una secuencia completa. Para la banda sonora, trabajé en ritmos profundos, casi cardíacos, a partir de los cuales extraje melodías que transmiten el profundo dolor del protagonista, pero también dulzura y anhelo."- Carlo Virzì -
EL OLOR A LECHE QUEMADA
El olor a leche quemada, ópera prima de Justine Bauer, llega a los cines españoles de la mano de ConUnPack Distribución.
Rodada en dialecto de Franconia y con mayoría de intérpretes no profesionales, la obra retrata el día a día de tres generaciones de mujeres agricultoras que conviven bajo el mismo techo en una granja en decadencia, alejadas de cualquier referencia masculina.
Justine Bauer criada en una granja de avestruces en Alemania, pretende ofrecer una lectura crítica de los roles de género en el campo, la pérdida de tradición y las tensiones entre lo bucólico y lo marginal.
El olor a leche quemada fue además reconocida con el Premio del Público en el Festival de Cine Alemán de Madrid, donde tuvo una acogida especialmente cálida.
Sinopsis
La leche lleva ya un tiempo siendo un producto poco rentable. La agricultura en general está pasando por dificultades y cada vez son más las explotaciones que se ven obligadas a cerrar. Pero Katinka se aferra al negocio familiar y busca su futuro en un lugar donde aún se recuerda cómo eran las cosas antes.
Es verano en Hohenlohe, una comarca rural del sur de Alemania. Katinka vive con sus hermanas, su madre Marlies -que las saca adelante sola- y su abuela Emma en una explotación de vacas lecheras que la familia mantiene a flote a duras penas, con la ayuda de una pequeña granja de alpacas. Quiere lo mismo que quisieron su madre y su abuela antes que ella. Pero la granja no será suya: eso está reservado a su hermano. Su madre, que conoce el trabajo como nadie, no le ve futuro y prefiere que sus hijas busquen otra cosa.
Mientras tanto, Anna, la amiga de Katinka, está embarazada sin haberlo buscado y no sabe si quiere seguir adelante. Ella lo llama el verano de las grandes preguntas.
Los días transcurren entre el establo, los campos y la balsa donde las chicas pasan cada minuto libre. Alrededor, el campo se muere sin ruido. El vecino, con casi noventa vacas, apenas puede alimentar a su familia: planta cruces de madera para que se vea su situación y apaga una hoguera de paja con leche ante las cámaras. Su protesta se disuelve sin efecto. Donde antes hubo una explotación, ahora se extiende una urbanización nueva.
No hay parto de ternero ni gran momento de revelación. Hay trabajo, bromas secas y la muerte de los animales tratada con la naturalidad de quien convive con ella.
Pero sobre todo hay una chica que conoce demasiado bien este oficio como para renunciar a él.
Notas de la distribuidora
Ganadora del Premio de Distribución ConUnPack en IbizaCineFest, El olor a leche quemada es la ópera prima de Justine Bauer, una directora que irrumpe con una voz cinematográfica de gran personalidad. Una historia sobre el peso de las raíces desde una mirada contenida y profundamente humana. Con una puesta en escena de gran sensibilidad, la película convierte los silencios y la rutina en el reflejo de un mundo rural que resiste al paso del tiempo.
Tras su estreno en el Festival de Cannes, donde fue presentada en Special Screenings de la Sección Oficial, la película participará en la Sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián. Tanto Diego Luna, como las actrices Anna Díaz, Adriana Paz y Teresa Lozano acudirán al festival donostiarra a presentar la película.
La adaptación cinematográfica de la aclamada novela de Brenda Navarro aborda, desde una mirada profundamente humana, temas tan universales y actuales como la migración, el desarraigo, la identidad y la familia.
La película está protagonizada por las actrices mexicanas Anna Díaz (La Cocina, Un cuento de pescadores) y Adriana Paz, ganadora del Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes por Emilia Pérez (galardón concedido al conjunto del reparto femenino) y reconocida con dos Premios Ariel por La Tirisia y Hilda.
"Nunca ha sido más pertinente hablar de migración. Estoy muy emocionado de poder contar esta historia. Llevamos tres años trabajando para llegar a este momento. Soy muy afortunado de poder colaborar con este equipo, formado por voces diversas y enriquecedoras que están aquí por las razones correctas", afirma Diego Luna.
Ceniza en la boca está escrita por Abia Castillo, Diego Rabasa y Diego Luna, y producida por Inna Payán, Valérie Delpierre, Diego Rabasa, Luis Salinas y Diego Luna, en una coproducción entre México y España de La Corriente del Golfo, Animal de Luz, Inicia Films y Perro Azul.
Avalon estrenará la película en cines en España el 9 de octubre.
Sinopsis: En busca de una vida mejor, Lucila viaja con su hermano Diego desde México para encontrarse con su madre en Madrid, quien lleva ahí ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Al llegar, la vida que los espera resulta más dura de lo que imaginaban.
DIEGO LUNA
Director, actor y productor de cine, teatro y televisión, Diego Luna ha participado en más de treinta películas a lo largo de su carrera internacional.
Debutó como director en 2007 con el documental J.C. Chávez, estrenado en el Festival de Tribeca. Su primer largometraje de ficción, Abel (2010), fue seleccionado por el Festival de Cannes y obtuvo el Premio Horizontes Latinos en el Festival de San Sebastián. Posteriormente dirigió César Chávez (2014), presentada en la Berlinale y premiada en SXSW, y Mr. Pig (2016), estrenada en Sundance y galardonada en el Festival Internacional de Cine de Dallas.
SOBRE INICIA FILMS
Fundada en 2006 por Valérie Delpierre, Inicia Films es una de las productoras independientes de referencia del cine español.
Entre sus producciones destacan Reinas, ganadora del Grand Prix en Generation de la Berlinale; 20.000 especies de abejas, galardonada con el Oso de Plata en Berlín y tres Premios Goya; Las niñas, ganadora de cuatro Premios Goya, incluido el de Mejor Película; y Estiu 1993, reconocida con el premio a la Mejor Ópera Prima en la Berlinale. Su producción más reciente es L'Escletxa, dirigida por Àlex Lora.
SOBRE AVALON
Productora y distribuidora de cine independiente con 30 años de trayectoria. Como productora ha impulsado especialmente la carrera de jóvenes talentos y sus trabajos han recibido numerosos Premios Goya, así como selecciones en los mejores festivales del mundo.
Como distribuidora estrena en cines alrededor de doce películas al año. En muchos casos cintas ganadoras en Cannes, Venecia, Berlinale, Sundance... o incluso triunfadoras en los Oscar. Cabe destacar la apuesta por el mejor cine europeo (El triángulo de la tristeza, Fallen Leaves), indie americano (Club Kid, Father Mother Sister Brother), documentales (Searching for Sugar Man, The Act of Killing) y cine español (Magical Girl, Cerrar los ojos). Además, el catálogo de Avalon incluye títulos e incluso filmografías completas de autores tan relevantes como Azcona, Kaurismäki, Fassbinder o Wong Kar Wai, entre muchos otros.
El mal padre, escrita y dirigida por Roberto Bueso (Llenos de gracia, La banda), presenta tráiler y póster. La película, que celebrará su premiere mundial en la 74 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, ha sido seleccionada para competir por la Concha de Oro en la Sección Oficial.
Protagonizada por Eduard Fernández, reciente Premio Nacional de Cinematografía, ganador de cuatro Premios Goya y uno de los actores más admirados del cine español, El mal padre reúne a Adam Jezierski (Los Farad, Vota Juan), Francesco Carril (Tres adioses, Los años nuevos) y Meritxell Calvo (El cuerpo en llamas).
Cuenta también en su elenco con Cristina Plazas, María Maroto, Berta Bolufer, Joan Solé, Sonia Almarcha, Carles Sanjaime, Jorge Picó y Enric Juezas.
Con guion de Roberto Bueso y Óscar Díaz, la película explora las complejidades de las relaciones familiares a través de una historia que combina emoción, humor y una mirada profundamente humana sobre el paso del tiempo y la posibilidad de reconciliarse.
Sinopsis: Santiago Balmes, célebre escritor y académico, reúne a sus tres hijos antes de Navidad para hacerles una petición: pasar unos días juntos en la casa costera donde veraneaban en su niñez. Para los hermanos, distanciados de su padre desde que años atrás abandonase a su familia por otra mujer, la invitación se convierte en una oportunidad para confrontar viejas heridas y tratar de entender quién es su padre. Especialmente para Alberto, el hijo menor, a punto de convertirse en padre por primera vez.
Con un delicado equilibrio entre el drama y la comedia, El mal padre construye un emocionante retrato sobre la familia y la herencia emocional, recordándonos que, incluso cuando el amor parece roto, siempre puede existir una última oportunidad para volver a encontrarse.
En palabras del director Roberto Bueso, "El mal padre habla de una familia rota que trata de recomponerse, depersonajes torpes atravesados por el rencor y el miedo que buscan a tientas aprender a desplegar y recibir afecto. Como casi siempre y casi con todo, la salida de su confusión provendrá de la ternura. Poder compartir esta historia por primera vez en el Festival de San Sebastián supone una enorme emoción para todos nosotros".
El mal padre es una producción de MOD Producciones, MOD Pictures, Misent Producciones y Atresmedia Cine, que cuenta con la participación de Atresmedia, Netflix y À Punt, con la financiación del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales O.A. / Ministerio de Cultura / Gobierno de España, con la colaboración del Institut Valencià de Cultura y con la participación de CREA SGR.
Rodada íntegramente en localizaciones de la Comunidad Valenciana, la película llegará a los cines el 20 de noviembre de 2026, distribuida por Caramel Films. Las ventas internacionales corren a cargo de Film Factory.
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