ENTREVISTA A LA ACTRIZ MÍA ZAFRA

Foto: @Prinfrey

Mía Zafra es una actriz española nacida en Granada que, con tan solo 17 años, se trasladó a Madrid para iniciar su formación y construir una carrera marcada por la disciplina, la búsqueda de la verdad interpretativa y una clara vocación internacional. 

Se gradúa en Interpretación en la escuela de Cristina Rota y muy pronto es descubierta por la directora Gracia Querejeta, con quien protagoniza Cordelias, trabajo por el que recibe su primer premio como actriz y cuya trayectoria lleva al cortometraje a la nominación a los Premios Goya en 2016. Paralelamente, continúa ampliando su formación con maestros de referencia como Juan Carlos Corazza, participando en seminarios avanzados de entrenamiento para actores profesionales, sin dejar de cultivar otras disciplinas fundamentales en su lenguaje artístico como la danza —con Luis Santamaría— y el canto —con Jose Masegosa y Óscar Martínez—. 

En 2014, tras trabajar en Disneyland París, forma parte del musical Disney Live! Mickey’s Music Festival, con el que realiza una gira internacional como actriz y bailarina durante dos años por Italia y diversas ciudades de España, consolidando una sólida experiencia escénica y de trabajo en grandes formatos. 

En 2017 es la imagen del Festival de Cine Español en Estados Unidos, el Recent Spanish Cinema, celebrado en Miami y Los Ángeles, experiencia que supone un punto de inflexión en su proyección internacional y la impulsa a trasladarse a Nueva York. Allí recibe una beca de la reconocida coach de actores de Hollywood Susan Batson, con quien se forma durante dos años, al tiempo que participa en producciones teatrales Off-Broadway como Closer y A Sketch of New York. Durante esta etapa, profundiza también en el análisis de texto y la interpretación orgánica en el estudio de John Strasberg. 

A su regreso a España, combina su trabajo en cine y televisión con un entrenamiento actoral constante. Participa en la película Ola de crímenes y en series como Nasdrovia, Madres, El instante decisivo y Ana Tramel, consolidando una presencia cada vez más reconocible en el audiovisual español. 

A partir de 2020, Mía inicia una etapa de especial madurez artística, caracterizada por la continuidad profesional, la colaboración con directores de prestigio y la apertura definitiva al mercado internacional. En 2022 interviene en varias producciones de alcance global como La chica de nieve (Netflix), Historias para no dormir T2 (Amazon Prime Video), Mentiras pasajeras (Paramount Global / El Deseo) y A Human Resources Story, ampliando su registro y afianzando su trabajo frente a cámara. 

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Ese mismo año comienza su colaboración con el director Salvador Calvo en Historias para no dormir, relación creativa que marcaría un antes y un después en su trayectoria. En 2024, y tras haberse trasladado a México —donde reside durante dos años y medio—, Salvador Calvo vuelve a contar con ella para su primer papel de reparto de gran relevancia en una serie internacional: Si es martes, es asesinato, una coproducción de Disney+ y la Zona y rodada en Lisboa. En esta ficción interpreta a Carolina, el personaje más significativo de su carrera hasta la fecha, consolidando su proyección internacional y su vínculo artístico con el director. 

En paralelo a su trabajo como actriz, Mía desarrolla también una labor como acting coach, trabajando con intérpretes jóvenes y adolescentes en proyectos profesionales de televisión, lo que refuerza su mirada técnica y su profundidad interpretativa. 

Su trabajo más reciente ha sido protagonizar un videoclip musical junto a su hermano, el artista Antony Z y Pablo Alborán. Una pieza de fuerte carga identitaria que conecta con sus raíces familiares y culturales, vinculadas a la tradición trabajadora de los pueblos aceituneros del sur de España. 

Actualmente, Mía Zafra se encuentra en un momento de plena madurez creativa, orientada a proyectos cinematográficos y televisivos de alcance internacional, con especial interés en personajes femeninos complejos, contemporáneos y de gran profundidad emocional. Su trayectoria se define por la formación constante, la coherencia en el camino recorrido y una identidad artística auténtica, sólida y en expansión. 

Habla inglés y francés con fluidez, tiene nociones de italiano y una gran facilidad para los acentos latinos.

Gracias a nuestrxs amigxs de Prisma Ideas hemos tenido la oportunidad de entrevistarla. Éste es el resultado de la entrevista:

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Carlos Penela.- Mía, con solo 17 años decidiste trasladarte a Madrid para perseguir tu sueño de ser actriz. ¿Recuerdas cómo fue ese momento?

MÍA ZAFRA.- Era como un sentimiento muy primario. Era como comer o dormir. Es un sentimiento que te nace desde las tripas y que si no, si no lo hacía, sentía que me moría. Ese era el sentimiento que me trajo a Madrid y a dedicarme a esto. Es una cosa profundamente vocacional con la que he tenido que hacer las paces toda mi vida porque en los momentos difíciles uno siempre piensa, "¿Pero por qué me sigo dedicando a esto?", "¿Por qué lo hago?" Y es una cosa tan profunda que no había discusión posible dentro de mí. Era una cosa que estaba muy clara. Para los que no estaba tan claro era para mis padres en aquel momento, fue lo que más me costó, convencerles y hacerles ver que esto era una pasión muy grande. Al final, cuando accedieron a través de mi decisión también descubrieron muchas cosas de la vida y del arte que a día de hoy me agradecen.

Carlos Penela.- Muchas personas creen que el talento es lo más importante para triunfar en la interpretación. Después de todo tu recorrido, ¿Qué peso tienen realmente la disciplina, la formación y la perseverancia?

MÍA ZAFRA.- Yo creo que es fundamental para mantener la calidad en el trabajo, pero también es muy importante saberse relacionar con las personas, con los seres humanos que convergen en esta industria y saber también mucho a nivel técnico, quién es quién, cómo se comporta un productor ejecutivo dentro de una producción, o quién lleva todo el equipo eléctrico, de qué se encarga la gente de sonido, etc. Creo que al principio uno está como muy confundido por saber solamente cuál es su oficio dentro del engranaje que es formarse como actor y no sé, pero siento que a las nuevas generaciones se les debería también enseñar de qué se encargan el resto de los departamentos para saber exactamente en qué industria te estás metiendo y cómo se mueven las cosas.

Carlos Penela.- Has trabajado en cine, televisión, teatro, musical, te has continuado formando en ciudades como Nueva York ¿Qué te ha enseñado cada una de estas experiencias sobre ti misma como actriz?

MÍA ZAFRA.- Creo que lo que más me ha enseñado es a quererme a mí misma cada vez un poco más y a abrazar muchas partes de mí. Al final creo que cuando un actor tiene esta vocación es en parte a nivel psicológico, porque conviven distintos tipos de sensibilidad dentro de uno, por lo que cada experiencia te lleva a explorar una sensibilidad distinta, una parte de ti. En Nueva York tuve la posibilidad de explorar quién soy yo cuando hablo en inglés y estoy indefensa en un país donde no tenía papeles, cuando ahora he estado viviendo en México, me ha enseñado quién soy yo aprendiendo a hablar en otro acento, manteniendo mi verdad. Todo esto son partes de mí misma que si no me dedicara a esto se quedarían sin explorar, por lo tanto serían como bebés sin nacer, yo lo describo así y así lo siento. Por eso también me he visto tan impulsada a explorar otros territorios, otras formaciones fuera de España, cada una de esas experiencias me da alas para explorar y abrazar una parte de mí.

Carlos Penela.- En una época dominada por las redes sociales y la búsqueda constante de aprobación, sobre todo por los jóvenes, ¿Cómo consigues mantener tu identidad y tu autenticidad como intérprete?

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MÍA ZAFRA.- Pues mira, me sigo formando mucho como actriz, me gusta estar en constante formación y cuando pasan más de seis meses que no he estado haciendo un curso o llamado a mi coach para preparar alguna prueba o algo así, siento como que se me evapora la actriz. Creo que eso es lo que más auténtica me mantiene, más fiel a mí. Las redes sociales para mí son un grandísimo escaparate para una, poder explorar las diferentes facetas que tienes y ponerlas ahí y que la gente decida "ah, mira, pues esto me gusta, no me gusta", como bien dice el corazoncito de Instagram, pero más allá de eso (que es un producto más de la Matrix donde vivimos), creo que la autenticidad de uno está en el día a día, en volver al "por qué me dedico a esto", "¿quiero dedicarme a esto para mi vida", el ver la gente con la que te quieres rodear. La calidad humana a mí me mantiene mucho en modo auténtica, mis amigos, mi familia, ellos me mantienen los pies en la tierra. 

Carlos Penela.- ¿Ha habido algún casting fallido, algún momento difícil que hoy veas como una lección importante en tu carrera?

MÍA ZAFRA.- Uf, qué buena pregunta. Te diría que todos, todos los rechazos. Cuando uno sigue después de un rechazo, ahí ya está la lección per se, porque es muy duro cuando te rechazan. Ha habido últimamente un rechazo que me ha dolido especialmente, fíjate. Una de las últimas pruebas que he tenido ha sido para un biopic. Tiene una pinta espléndida, increíble. Yo estaba evolucionando para ser ese personaje (no te puedo revelar la identidad) y me preparé muy a conciencia, con muchísima dedicación la energía del personaje, con muchísimo respeto, cuando ya finalmente me llamaron para decirme que no. Esto me afectó bastante, me hacía muchísima ilusión interpretar ese personaje. ¡Me hubiera encantado meterme en su universo! Pero a la vez ha sido una gran lección, pues fíjate que si no hubiera tenido esa prueba nunca me hubiera acercado a estudiar a esa persona.

Carlos Penela.- Mía, has trabajado también como acting coach con jóvenes intérpretes. ¿Qué es lo que más te sorprende de las nuevas generaciones que quieren dedicarse a la actuación?

MÍA ZAFRA.- Pues me encanta que sigan con esa pasión por el cine y por de verdad transformarse y meterse en la piel de otra persona. Me recuerdan muchísimo a la niña de 17 años que era yo cuando me vine a Madrid, y eso es algo que me devuelve la chispa. Es increíble trabajar con gente que está iniciándose en esto, que está arrancando camino, me devuelve muchísima energía.

Carlos Penela.- Y si pudieras darle algún consejo a una chica, un chico, de 16 o 17 años que sueñe con convertirse en actor o actriz, ¿Qué les dirías?

MÍA ZAFRA.- Que nunca dejen de perseguir su sueño si ese sueño les viene de las tripas, pero que si en algún momento sienten que el sufrimiento es más grande que el amor que sienten por la profesión, que se sientan libres de escoger otro camino.

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Carlos Penela.- Después de participar en proyectos nacionales e internacionales, ¿Hay muchas diferencias entre trabajar dentro y fuera de España?

MÍA ZAFRA.- Sí, hay mucha diferencia, pero yo he tenido la suerte de que en los proyectos que he trabajado siempre me han cuidado mucho y me he sentido muy respetada y muy valorada. Entonces, no sé, como que no establezco la diferencia entre trabajar dentro de España y fuera, sino más bien respecto al tipo de producción o las personas que conforman el equipo. Pero es verdad que en México, por ejemplo, hay otra forma de trabajar que es como mucho más intensiva, las jornadas son más largas y la presión por sacar adelante el trabajo es grande, hay que hacer mucho trabajo en menos tiempo. Pero aún así, al final si estás a gusto dentro del equipo da igual donde estés rodando.

Carlos Penela.- En tu trayectoria hay una constante muy presente, la formación continua. ¿Crees que un actor, una actriz, termina alguna vez de aprender?

MÍA ZAFRA.- No, en absoluto, el actor se nutre de la vida y en la vida estamos aprendiendo y tratando de entender algo cada día. Como actor uno tendría que seguir explorando, lo que pasa es que a nivel de la industria sí entiendo que el engranaje funciona de una forma concreta: yo te ubico como actriz cómica, que sabes hacer esto muy bien, y a partir de ahí  ya se me dificulta verte de otra forma que no sea esa. Eso es parte del engranaje de la industria, pero no parte de lo artístico. Lo artístico se renueva constantemente y yo lo siento. Lo último que he explorado, por ejemplo, en un seminario ha sido a una villana villana, a una mujer muy cruel, muy fría, Hedda Gabler, es un personaje de una obra de teatro del escritor y dramaturgo noruego Henrik Ibsen. Es una mujer bastante despiadada y muy cruel, con sus motivos, y me quise meter ahí a explorar cómo es tener una cabeza así, como se despierta una persona por la mañana y toma ese tipo de decisiones. Era divertidísimo y súper enriquecedor ver que eso, si no fuera por el oficio al que me dedico, es algo impensable, nunca me hubiera muerto sin saber cómo funciona una cabeza así. Y eso me gusta, la idea de pasar por esta vida y poder explorar cosas como esa.

Carlos Penela.- Mirando a la Mía que dejó Granada para empezar esta aventura y a la Mía de hoy, ¿Qué conversación crees que tendríais?

MÍA ZAFRA.- Creo que le diría "seguimos en la lucha y que dure, seguimos en el camino", y "qué montón de aprendizajes estamos teniendo gracias a la decisión que tomamos", y "qué dicha y qué felicidad podernos seguir dedicando a esto", y "qué diferente hubiera sido la vida si hubiéramos elegido lo que otros querían para nosotras", y "qué bonito es poder dedicarse al arte". Yo creo que donde más me enfocaría en la conversación con ella sería en el montón de personas que hemos conocido y que nos han hecho entender y ver que nuestra existencia es muy valiosa, así como nuestra manera de ver el mundo. También que todo es muy valioso y muy necesario, así como que las personas necesitan el entretenimiento, la luz, la risa y cómo se lo podemos aportar. Lo último que le diría: "Qué bien que nos dedicamos a esto para podérselo aportar desde el arte, desde esa trinchera del arte."

Carlos Penela.- Para finalizar he preparado cinco frases rápidas por si las puedes completar con lo primero que te venga a la cabeza:

• Un personaje que te habría encantado interpretar sería: El de Julia Roberts en Notting Hill.

• El mejor consejo que te han dado como actriz: No pierdas nunca la ilusión.

• Una película o serie que recomendarías a cualquier aspirante a actor o actriz: Paquita Salas.

• Una cualidad imprescindible para dedicarse a esta profesión: La resiliencia.

• Un sueño profesional que aún te quede por cumplir: Trabajar con Meryl Streep y Javier Bardem.

ENTREVISTA A JANICKE ASKEVOLD - DIRECTORA DE "SOLOMAMMA"

La ópera prima de la cineasta noruega Janicke Askevold, que protagonizan Lisa Loven Kongsli (Fuerza Mayor) y Herbert Nordrum (La peor persona del mundo) llegó a nuestras pantallas el pasado fin de semana de la mano de Karma Films.

Sinopsis: Una historia íntima y profundamente humana sobre la familia contemporánea y los nuevos modelos de maternidad en la que acompañamos a Edith, una periodista madre soltera que inesperadamente descubre la identidad de su donante y decide buscarlo y entrevistarle para el periódico en el que trabaja. Este pretexto que para Edith es el camino para conocer y comprender mejor las necesidades de su pequeño hijo Sigurd, acabará trastocando no solo su día a día sino el de todos los que la rodean. Un viaje físico y emocional que explora los desafíos de la maternidad en solitario y los límites que estamos dispuestos a cruzar.

Protagonizada por Lisa Loven Kongsli (Fuerza Mayor) y Herbert Nordrum (La peor persona del mundo), Solomamma tuvo su première mundial en la Sección Oficial de Locarno y ha formado parte de la selección oficial a competición del Barcelona Film Fest, donde ganó los premios a Mejor Guion, Mejor Actriz y el Premio de la Crítica ACCEC.

Gracias a nuestr@s amig@s de Karma Films, en el pasado BCN Film Fest pudimos entrevistar a Janicke Askevold, directora de la cinta. Este es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- ¿Podría contarnos cómo surgió el proyecto?

JANICKE ASKEVOLD.- El origen del proyecto es que en Noruega cada vez hay más mujeres que escogen ser madres solteras. Tengo una amiga que encontró la identidad de su donante de esperma y decidió contactar con él en las redes sociales, acabaron conociéndose y salieron durante un tiempo. Así pues, pensé que era interesante como punto de partida para hacer una película sobre las madres solteras y la maternidad.

Carlos Penela.- Más allá de la experiencia de su amiga, ¿Cómo fue todo el proceso de investigación para la película?

JANICKE ASKEVOLD.- Una madre soltera amiga mía publicó en las redes sociales que yo estaba haciendo una película sobre madres solteras y recibí muchísimas respuestas de mujeres que querían explicar su historia. Hablé con mujeres de toda Noruega para poder entender qué quiere decir ser madre soltera y cuáles son los beneficios y las dificultades y qué dudas se plantean. Aprendí que hay una red online de apoyo donde las madres solteras se encuentran como una comunidad de apoyo. Pensé que eso era muy inspirador. Otra cosa que fue muy sorprendente fue ver cuánta información puedes obtener del donante, y me preguntaba si ves al donante solo como donante cuando acabas teniendo tanta información personal sobre él, sobre todo en la sociedad actual donde es tan fácil encontrar a alguien. En relación con este tema también me cuestionaba si cuando un hombre escoge ser donante se da cuenta del riesgo que corre cuando se sepa su identidad.

Carlos Penela.- Una de las cosas que me gusta mucho de la película es que nunca se cuestiona la decisión que ha tomado Edith, así como la necesidad de normalizar esta forma de maternidad que se sitúa, evidentemente, fuera del modelo patriarcal.

JANICKE ASKEVOLD.- Sí, porque no quería debatir si era moralmente correcto o incorrecto. En Escandinavia ya estamos más allá de esa línea y realmente lo que queremos es explorar su trayectoria emocional de lo que consiste ser madre soltera y su aceptación de que es una familia al completo.

Carlos Penela.- Edith es un personaje lleno de capas, muchas veces contradictorio. Tiene una seguridad exterior abrumadora, pero también una vulnerabilidad interna. ¿Cómo trabajó esa dualidad con Lisa Loven Kongsli?

JANICKE ASKEVOLD.- Era importante que fuera un ser humano como todo el mundo, con sus inseguridades y sus puntos fuertes. Es una mujer independiente, está apasionada por su trabajo y a la vez tiene ese trauma de su infancia. Su padre la abandonó cuando era pequeña y creció con un vacío. Me parece que teme que su hijo haya heredado el vacío que ella tiene y siente de la ausencia del padre.

Carlos Penela.- No sé si Solomamma habla solo de maternidad o más bien habla de identidad, de quiénes somos y cómo afrontamos una decisión vital tan importante.

JANICKE ASKEVOLD.- Me parece que las familias son muy diversas, ¿Verdad? Pueden ser muchas cosas distintas. Antes los padres eran los padres biológicos, genéticos y sociales, los mismos. Ahora puede ser todo diferente, así que es muy interesante. Es una pregunta existencial muy interesante la que se plantea con todo esto, acerca de qué es hoy en día una familia. Me parece que todavía tenemos un poquito esa necesidad animalista de entender de dónde venimos.

Carlos Penela.-  ¿Cómo gestionamos todo eso emocionalmente? ¿Cómo acompañamos a una mujer que decide tomar esa decisión? ¿Cómo se sigue juzgando moralmente? 

JANICKE ASKEVOLD.- Me parece que muchas mujeres con las que he hablado, madres solteras, querían demostrar que pueden hacerlo todo solas porque han tomado esta decisión y quieren demostrar también que son suficiente. Pero al mismo tiempo, muchas mujeres tienen esa inseguridad de si son suficiente para sus hijos. Me parece que esta inseguridad es muy interesante y muy humana, todos los padres se pueden reconocer en ello. Si eres suficiente para tu hijo o no, con ello se identifican las madres solteras, se reúnen, se encuentran como red de apoyo y eso es bonito para poder aceptar sus opciones. Sí, tenía mucha curiosidad porque hemos ido a países donde es estrictamente prohibido optar por un donante, el público italiano, en Polonia, Letonia. Pero me sorprendió mucho ver que las reacciones son las mismas en todas partes, porque incluso en Noruega donde es legal y ya se está normalizando, hay personas que no lo conocen tanto, o sea que hay una cierta curiosidad por entender esto, pero sobre todo países como Polonia, el público se ha visto muy sorprendido por la posibilidad de hacer esto, pero bueno, era una curiosidad en positivo.

Carlos Penela.- Para finalizar, ¿Le gustaría que el espectador o la espectadora saliera de la película con respuestas o con más preguntas de las que tenemos?

JANICKE ASKEVOLD.- Más preguntas, mejor más preguntas y quiere normalizar también que hay distintos tipos de familias.

ESTRENOS DE CARTELERA - 19 DE JUNIO DE 2025

VIVA

Viva, de la actriz, directora, guionista y productora Aina Clotet, llega a los cines este viernes de la mano de Caramel Films. La película ha sido galardonada con el PREMIO REVELACIÓN en la Semaine de la Critique del Festival de Cannes 2026.

Viva, el debut en el largometraje de Clotet, fue seleccionada en la competición oficial de una de las secciones paralelas más prestigiosas del Festival de Cannes, lo que confirma la fuerza de una propuesta íntima, luminosa y profundamente emocional que ha conectado con el jurado y el público del festival.

Producida por Ikiru Films y Funicular Films, Viva supone el primer largometraje dirigido por Aina Clotet tras una extensa trayectoria como actriz en cine, televisión y teatro. El guion está firmado por la propia Clotet junto a Valentina Viso.

Viva es una tragicomedia contemporánea que explora el deseo de vivir, el miedo a la muerte y la complejidad de los vínculos afectivos. La película sigue a Nora, una mujer de cuarenta y pocos años que acaba de superar una enfermedad y que, tras esa experiencia, siente una urgencia radical por vivir intensamente.

Acostumbrada a exigirse al máximo en todos los ámbitos de su vida, Nora se encuentra dividida entre el orden y la seguridad de su relación de toda la vida con Tom y la aparición inesperada de Max, un joven que despierta en ella una nueva pulsión de deseo y libertad.

Completan el reparto Naby Dakhli, Marc Soler, Loll Beltran y Zaira Pérez, con la colaboración especial de Guillermo Toledo y Josh Zuckerman.

Con este reconocimiento, Viva se consolida como una de las óperas primas españolas más destacadas del año y sitúa a Aina Clotet como una nueva voz autoral dentro del panorama cinematográfico europeo.

Viva es una producción de Ikiru Films y Funicular Films. Cuenta con la financiación del ICAA, el apoyo del ICEC, la participación de 3CAT, RTVE y Movistar Plus+, y la coproducción de La Terraza Films.

Primer largometraje de Aina Clotet

Aina Clotet es actriz, directora, guionista y productora, con una larga trayectoria en cine, televisión y teatro. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios de interpretación, entre ellos dos Biznagas de Plata en el Festival de Málaga y el premio a Mejor Interpretación en Canneseries.

En 2021 fundó la productora Funicular Films junto a su hermano Marc Clotet, Marta Baldó y Jan Andreu, con la que desarrolla proyectos audiovisuales propios.

Su primera serie como creadora, directora y actriz protagonista, Esto no es Suecia, se estrenó con gran éxito internacional y obtuvo, entre otros reconocimientos, el premio a Mejor Interpretación en Canneseries, el Prix Europa a Mejor Ficción Europea para TV y el Premio Ondas a Mejor Serie de Comedia.

Viva supone su debut en la dirección del largometraje de ficción.

ANTES DEL AMOR

Antes del amor, el nuevo trabajo de Beda Docampo, es una película intimista, sobre personajes en la búsqueda del amor. Se encarga de la distribución 39 Escalones Films.

El casting está formado por cuatros grandes actores: Aída Folch, Marta Belmonte, Juan Grandinetti y Roberto Enríquez.

El guion de la película plantea las complejidades de las relaciones de pareja y sus contradicciones a través de la historia de dos matrimonios que viven en casas contiguas y que se ven envueltos en una historia de amor prohibido.

Sinopsis: Dos casas vecinas, dos matrimonios con sus más y sus menos. Entre una mujer especial y un audaz vecino surge una potente atracción sin que sepan donde los lleva.

La película es presentada por NonsStop Studios. Estrenaron El Susurro en el Festival de Sitges y Hugo 24 en el Festival de Málaga. Rolo Pulpeiro se encarga de la dirección de fotografía.

Antes del amor es una producción de Before Love SL, en asociación con NonStop Studios, AsMovies, E-Canary Media y TVGroup Canarias, con el apoyo de Canary Island Film.

Bio de Beda Docampo. Películas basadas en sus guiones han sido nominadas al Óscar, ganado el Goya, ganado premios en festivales de clase A, premios de la crítica, etcétera. Ha sido guionista y director de diez largometrajes, que han obtenido varios premios, entre ellos: El Marido Perfecto, Los amores de Kafka, Quiéreme, Amores Locos, Francisco: el padre Jorge y La maldición del guapo. Ha dirigido actores de la talla de Tim Roth, Peter Firth, Aitana Sánchez Gijón, Ana Belén, Ariadna Gil, Malena Alterio, Dario Grandinetti, Irene Visedo, Carlos Hipólito, Ginés García Millán, Cayetana Guillén Cuervo, Gonzalo de Castro, Marisa Paredes, etcétera. Es el cocreador de la miniserie de Disney, El mejor infarto de mi vida. Premios internacionales de cuento y novela. Ha estrenado seis obras de teatro.

DREAMS

Dreams, la nueva película de Michel Franco (Memory, Nuevo Orden), protagonizada por la ganadora del Oscar Jessica Chastain y el célebre primer bailarín del American Ballet Theatre, Isaac Hernández, llega a las salas de cine españolas de la mano de Sideral.

Dreams es un intenso y perturbador drama emocional que explora las dinámicas de poder, la ambición y la dependencia afectiva. A través de la relación entre una filántropa estadounidense y un joven bailarín mexicano dispuesto a sacrificarlo todo por su sueño, Michel Franco traza un retrato incisivo de las desigualdades emocionales, sociales y políticas que atraviesan ambos lados de la frontera. “Dreams profundiza en la compleja dinámica de poder entre sus protagonistas, abordando la dependencia mutua y la pugna por la dignidad”, señala el director, quien utiliza la historia íntima de la pareja para reflejar las tensiones entre Estados Unidos y México, donde las fronteras, físicas y psicológicas, condicionan el destino de los individuos.

Sinopsis: Fernando (Isaac Hernández), un joven bailarín de ballet mexicano, sueña con el reconocimiento internacional y una vida en Estados Unidos. Creyendo que le apoyará su amante Jennifer (Jessica Chastain), una filántropa de la alta sociedad, lo deja todo atrás. Sin embargo, ella hará lo que sea para proteger el futuro de ambos y la vida que ha construido.

Dreams es una producción de Teorema (México), Freckle Films (Estados Unidos), AR Content y Easter Film Investment, cuyas ventas internacionales lidera MUBI - The Match Factory.

CASO 137

Caso 137, la nueva película de Dominik Moll, uno de los nombres más reconocidos del thriller europeo reciente, se estrena en cines este viernes19 de junio. Tras el éxito de La noche del 12, el cineasta vuelve a sumergirse en una investigación marcada por la ambigüedad moral y las zonas grises del sistema.

Presentada en el Festival de Cannes y nominada a ocho premios César —incluyendo mejor película—, la cinta ha sido reconocida con el galardón a la mejor actriz para Léa Drucker (Close, El cuadro robado). Un thriller intenso y profundamente contemporáneo que pone el foco en los mecanismos internos de la policía y en los dilemas éticos que atraviesan quienes deben investigarla.

Sinopsis: Stéphanie, agente de policía de Asuntos Internos, es asignada a un caso relacionado con un joven gravemente herido durante una tensa y caótica manifestación en París. Si bien no encuentra pruebas de violencia policial ilegítima, el caso adquiere un cariz personal al descubrir que la víctima es de su ciudad natal y transformará el caso 137 en algo más que un simple número.

Un thriller anclado en la realidad política reciente

Caso 137 se adentra en el clima de tensión social que marcó a Francia en los últimos años, especialmente durante las protestas de los chalecos amarillos. La película plantea un retrato incisivo de la violencia policial y de los mecanismos de protección interna dentro del propio sistema, colocando al espectador en un terreno incómodo entre el deber institucional y la responsabilidad individual.

Con la precisión que ya caracterizaba a La noche del 12, Dominik Moll construye aquí un thriller de marcado carácter procedimental que examina cómo se investiga —y hasta qué punto se limita— la rendición de cuentas dentro del cuerpo policial. Para ello, llevó a cabo una exhaustiva labor de documentación, incluyendo encuentros con miembros de la Inspección General de la Policía Nacional (IGPN) y abogados especializados. “Prácticamente todo lo que aparece en la película proviene de cosas que observé, leí o pregunté”, explica el director. A esta vocación realista se suma la integración de imágenes reales rodadas durante las manifestaciones, que se entrelazan con la ficción y refuerzan la sensación de inmediatez. El resultado es un retrato directo y sin concesiones de una institución atravesada por sus propias contradicciones.

Una interpretación que vale un César

Dominik Moll reconoció que no concebía la película sin Léa Drucker: “Durante el proceso de escritura, ya empecé a pensar en ella para el papel y al final ya no podía imaginar a otra actriz en este papel”. La actriz, a quien ya había dirigido anteriormente, aceptó el proyecto desde el primer momento: “Tenía una gran confianza en el guion y en su visión”.

Drucker construye aquí un auténtico tour de force interpretativo que le ha valido el César a la mejor actriz. Su personaje, eje narrativo de la película, guía al espectador a través de la investigación mientras se enfrenta a una creciente tensión entre su lealtad al cuerpo y su propia conciencia. Para prepararlo, la actriz llevó a cabo un intenso proceso de documentación, acompañando durante meses a profesionales de Asuntos Internos y observando de cerca sus métodos de trabajo. El resultado es una interpretación contenida y precisa, que se apoya en los matices y en la interacción constante con el resto de personajes para sostener la complejidad moral del relato.

EL PLACER ES MÍO

Este viernes, de la mano de DeAPlaneta, llega a los cines españoles la simpática comedia francesa El placer es mío. La película se alzó como el mejor estreno de la semana en Francia a principios de mayo, entrando directamente en el TOP5 de la taquilla y superando los 270.000 espectadores en su primera semana en cines. Actualmente, El placer es mío ha sobrepasado el medio millón de espectadores en el país galo.

Inspirada en el matrimonio que inventó "The Womanizer", el consolador femenino que revolucionó el mercado de los juguetes sexuales, El placer es mío es la primera película que reúne a dos pesos pesados de la comedia francesa: Alexandra Lamy (¿Quién es quién?) y François Cluzet (Intocable).

Ambos se dan la réplica en esta emotiva y simpática película sobre el placer femenino y el sexo en la madurez. Dirige (y co-escribe junto a Gari Kikoïne y David Solal) Reem Kherici (La wedding planner, París a toda costa), quién también interpreta un papel clave en la comedia: el de la sexóloga que abrirá los ojos a la protagonista femenina.

Completan el reparto François-Xavier Demaison (El club de los divorciados), Kyan Khojandi (El brindis) y Delphine Barril (Misterioso asesinato en la montaña).

El placer es mío tuvo su premiere española en la 10ª edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), dentro de la sección "Cinema amb Gracia", dedicada exclusivamente a comedias de carácter popular procedentes de distintas partes del mundo. Posteriormente, la película se proyectó en el Silver Film Festival de Bilbao, el Festival Internacional de cine 55+ que tuvo lugar a finales de abril.

Sinopsis: Fanny y Tom llevan 20 años felizmente casados. Sin embargo, un día sale a la luz un secreto revelador: Fanny nunca ha tenido un orgasmo. Tom, ingeniero de profesión, decide ponerse manos a la obra para crear el invento que revolucione el placer femenino. Todo un desafío. La pareja se embarcará entonces en una aventura tan disparatada como conmovedora que transformará su relación para siempre.

"Estoy segura de que [la película] dará lugar a conversaciones entre amigos y parejas [···] Me emociona y me siento orgullosa porque quizá permita derribar algunas barreras, cambiar la vida de algunas mujeres y ayudar a otras a dejar de lado ese sentimiento de culpa. El placer es mío es una película entretenida, una comedia que despertará carcajadas entre el público, pero también es un filme con un mensaje potente y un compromiso muy humano. Es mi película más universal" concluye la cineasta y actriz Reem Kherici.

HABITACIÓN Nº13

Tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Sitges, llega a los cines Habitación nº13, del director sueco Mattias J. Skoglund. La película está basada en la novela de Mats Strandberg, un reconocido autor sueco de terror y novelas juveniles (conocido por la trilogía El Círculo), que también ha colaborado en el guion.

Habitación nº13 nace tras el profundo impacto que causó en el director Mattias J. Skoglund la lectura de la novela de Mats Strandberg. De esa experiencia surge una película de terror psicológico tan perturbadora como emocionalmente compleja, que combina una atmósfera inquietante con un intenso retrato de los vínculos familiares y el peso de los traumas no resueltos.

Ambientada en un entorno sueco reconocible, auténtico y cercano, la película trasciende los códigos del género para adentrarse en un relato sobre la culpa, la memoria y aquello que nunca termina de quedarse atrás.

Sinopsis: Joel regresa a regañadientes a la casa donde creció para ayudar a su madre, quien ha sufrido un grave ictus que la dejó clínicamente muerta durante varios minutos. Aunque ha logrado sobrevivir, ya no parece ser la misma, y Joel está convencido de que algo la ha seguido de regreso desde el otro lado.

En palabras del director, Mattias J. Skoglund, “Habitación nº13 es la historia de un hijo que intenta salvar a su madre de una posible posesión sobrenatural, pero también es la historia de una persona que lucha por enfrentarse a un trauma profundo sin perder la cordura. ¿Está Joel intentando salvar a su madre… o a sí mismo?”

Habitación nº13 esta distribuida por CINEMARAN. 

15 PRUEBAS DE AMOR

Sinopsis: Céline espera su primer hijo. Pero no es ella quien está embarazada. En tres meses, su esposa Nadia dará a luz a su hija. Bajo la mirada de sus amigos, de su madre y de la ley, Céline busca su lugar y su sentido de la legitimidad, mientras lucha contra un sistema que le pone trabas para conseguir lo único que desea, ser la madre de su propia hija.

Estrenada en la Semana de la Crítica de Cannes, y premiada en Gijón, 15 pruebas de amor es la ópera prima de Alice Douard, que firma una conmovedora comedia sobre la maternidad. La película cuenta en su reparto con Ella Rumpf, Monia Chokri, Noémie Lvovsky, Emy Juretzko, Julien Gaspar-Oliveri, Jeanne Herry, Aude Pépin, Philippe Petit y Anne Le Ny.

15 pruebas de amor llega a nuestras pantallas de la mano de La Aventura Audiovisual.

BAJO EL MISMO SOL

La nueva película de Ulises Porra, se estrena en cines de la mano de ADSO FILMS tras su premiere mundial en la sección Centerpiece del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) y su paso por el Festival Biarritz Amérique Latine —donde se alzó con el Premio del Jurado, el Premio de los Biarritz y el Premio del Sindicato Francés de la Crítica de Cine.

El reparto está encabezado por David Castillo (Aída, Que nadie duerma, Los favoritos de Midas), la gran revelación Valentina Shen Wu (se alzó con el premio a la Mejor Actriz en el Havana Film Festival in New York) y el reconocido actor dominicano Jean Jean (Carpinteros).

Ambientada a comienzos del siglo XIX, la trama es un viaje de gran sutileza e intensidad. A través del cruce de tres identidades desterradas que deben unirse para sobrevivir, la película explora con maestría las complejidades del mestizaje, el arraigo y la ambición humana.

Ulises Porra, cuya obra anterior (Carajita, 2021) fue ampliamente reconocida a nivel internacional ganando la Mención Especial del Jurado en el Festival de San Sebastián, vuelve a sorprender con una propuesta épica e íntima a la vez, producida por Wooden Boat Productions, Alta Isla Films, Fasten Films y Cobalt Films.

Sinopsis: Año 1819. En el tenso y convulso cruce de culturas del Caribe colonial, tres destinos radicalmente opuestos se entrelazan en una elección imposible entre la traición y la supervivencia. Lázaro, un joven e inexperto heredero español marcado por la sombra de su padre fallecido, emprende una peligrosa expedición en la isla de La Española para poner en marcha una fábrica de seda de alta calidad. Para lograrlo cuenta con Mei, una enigmática tejedora china decidida a salvar sus orugas, y Baptiste, un fuerte y magnético desertor del ejército haitiano que se ha instalado en la finca. Desafiando las fronteras, las expropiaciones de tierras y las estructuras de la época, los tres comenzarán a trabajar conjuntamente, descubriendo que, bajo el mismo sol, sus lazos son más profundos que el convulso mundo que amenaza con derrumbar sus sueños.

Notas del director: "Bajo el mismo sol se despliega como una contemplación del drama y la belleza de la hibridez cultural en tiempos del colonialismo caribeño, al mismo tiempo que cuestiona el papel de los colonos de segunda generación. En el fondo, sin embargo, es una historia de personajes que, a mi parecer, nos devuelve la mirada desde el presente. La película cuenta la historia de tres figuras anónimas que luchan por sobrevivir y ser tenidas en cuenta. Un relato sobre el deseo de progresar, de amar, de ser mejores. Es también el retrato de un mundo que, por primera vez, se vuelve pequeño: un mundo marcado por la desigualdad y la codicia, al filo de un cambio radical. Un mundo que, de muchas formas, se parece al nuestro."

PUFA CONVERTIRÁ VALLADOLID EN UN GRAN ESCAPARATE DEL CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR CON 19 ESTRENOS INTERNACIONALES

Valladolid volverá a convertirse este verano en punto de encuentro para los aficionados al cine fantástico y de terror con la celebración de la tercera edición del Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Valladolid - PUFA (Pucela Fantástica), que tendrá lugar del 4 al 11 de julio.

Durante ocho días, el festival reunirá una programación integrada por 26 largometrajes -20 de ellos en competición-, 27 cortometrajes, encuentros con invitados nacionales e internacionales, proyecciones especiales, exposiciones y actividades paralelas que consolidan al certamen como una de las citas emergentes más destacadas del género en España.

La programación de largometrajes contará con 19 estrenos internacionales, entre ellos dos premieres mundiales, seis europeas y once españolas. El dato refuerza la apuesta de PUFA por acercar a Valladolid algunas de las producciones más relevantes del fantástico contemporáneo antes de su llegada a salas comerciales o plataformas, con películas procedentes de Europa, Asia, América y Oceanía que han pasado por festivales de referencia como Sundance, Berlinale, Toronto, Venecia, Rotterdam, Fantastic Fest, FrightFest, Fantaspoa, Panic Fest o BIFFF.

Insaciable (Saccharine) abrirá la tercera edición de PUFA

La encargada de inaugurar la tercera edición de PUFA será Insaciable, el nuevo largometraje de Natalie Erika James, una de las cineastas más destacadas de la nueva generación del terror australiano. Tras llamar la atención de la crítica internacional con Relic y consolidar su trayectoria con Apartment 7A, la directora regresa al body horror con una inquietante historia -Saccharine en su título original- sobre la obsesión por la imagen corporal y los límites de la transformación física.

La película, presentada en los festivales de Sundance y Berlín, celebrará en Valladolid su premier española y se convertirá además en la primera obra dirigida por una mujer que inaugura PUFA desde la creación del certamen. Tras su presentación en el festival, Insaciable llegará a los cines españoles el próximo 24 de julio, distribuida por Diamond Films.

'Insaciable' (Saccharine), de Natalie Erika James.

La presentación de la tercera edición de PUFA (Pucela Fantástica) ha tenido lugar este miércoles en Espacio Seminci, acto que ha contado con la presencia de Daniel Farriol y David Pérez, codirectores de PUFA; Blanca Jiménez, concejala de Turismo, Eventos y Marca Ciudad del Ayuntamiento de Valladolid; y Javier H. Estrada, codirector de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), además de representantes de las diferentes entidades patrocinadoras y colaboradoras con el festival, como Raúl Fernández Sobrino, director del departamento de Cultura y Patrimonio de Fundos, y Francisco Heras y Jason Heras, gerentes de Cines Broadway.

Los codirectores de PUFA, Daniel Farriol y David Pérez, coinciden en señalar que la tercera edición marcará un punto de inflexión en la consolidación del festival. Farriol destaca que el certamen ha realizado “un gran esfuerzo para mejorar en muchos aspectos y encontrar nuestra propia identidad como festival” y considera que la veintena de estrenos internacionales previstos para 2026 refleja la ambición de convertir Valladolid en “un lugar de referencia para el cine fantástico a nivel mundial”. Por su parte, Pérez subraya que la presencia de dos premieres mundiales y seis europeas demuestra que “fuera de nuestras fronteras ya ven Valladolid como un destino óptimo para presentar producciones de fantástico y terror” y asegura que esta edición “será un punto de inflexión para el crecimiento del festival”.

Por su parte, la concejala de Turismo, Eventos y Marca Ciudad, Blanca Jiménez, destaca que PUFA “se ha consolidado en muy poco tiempo como una de las citas cinematográficas más singulares y con mayor personalidad de Valladolid” y subraya que su apuesta por el cine fantástico y de terror contribuye a enriquecer la programación cultural de la ciudad con una propuesta diferenciadora. Asimismo, considera que festivales como PUFA ayudan a diversificar la oferta turística y permiten posicionar Valladolid como “un destino dinámico, creativo y abierto a experiencias innovadoras”.

Un homenaje al legado de Chicho Ibáñez Serrador

La tercera edición de PUFA estará dedicada a la figura de Narciso “Chicho” Ibáñez Serrador, creador fundamental en la historia del fantástico español y referente para varias generaciones de cineastas. El festival le concederá un Premio de Honor a título póstumo que será recogido por su hijo, Alejandro Ibáñez Nauta.

Coincidiendo con el 50 aniversario de ¿Quién puede matar a un niño?, el certamen proyectará una de las obras fundamentales del cine fantástico español y desarrollará diversas actividades vinculadas al legado del creador de Historias para no dormir.

En este contexto, PUFA reconocerá también la trayectoria de Paco Plaza, uno de los grandes nombres del fantástico español contemporáneo y heredero confeso de la influencia creativa de Ibáñez Serrador. El director valenciano recibirá el Premio de Honor PUFA 2026 y participará en un encuentro con el público en torno a La abuela.

Veinte largometrajes de cuatro continentes

La Sección Oficial volverá a reunir algunas de las producciones más destacadas del panorama internacional reciente. Junto a la película inaugural, competirán Appofeniacs, del neoyorquino Chris Marrs Piliero, una provocadora incursión en el tecno-terror contemporáneo que utiliza las deepfakes y la cultura cosplay para construir un relato coral de violencia extrema que ha pasado por festivales como FrightFest, Fantastic Fest y Screamfest; y Bad Haircut, de Kyle Misak, una sorprendente combinación de comedia negra, thriller psicológico y terror adolescente que ha destacado por su recorrido por certámenes como Fantastic Fest, Grimmfest y FilmQuest.

La competición oficial incluirá también IAI, del japonés Zenzo Sakai, una inquietante historia de horror psicológico y conflictos familiares presentada en festivales como Rotterdam y Fantaspoa; Went Up the Hill, de Samuel Van Grinsven, un elegante drama sobrenatural protagonizado por Vicky Krieps y Dacre Montgomery que ha podido verse en Toronto y Thessaloniki; Samakdo, de Ki-Jun Chae, una propuesta de terror folk ambientada en una remota isla surcoreana marcada por el legado de una antigua secta; Buffet Libre, de Zoe Berriatúa, una singular combinación de humor negro, violencia y elementos fantásticos protagonizada por una pareja de restauradores al borde de la ruina; Janur Ireng, del indonesio Kimo Stamboel, uno de los grandes referentes actuales del terror asiático; Capture, de Bruce Wemple, una historia de terror analógico y secretos familiares que remite a clásicos contemporáneos como Ringu o Sinister; y Cruel Hands, de Al Kalyk, un intenso thriller psicológico australiano construido sobre los códigos del survival y el terror doméstico.

'Appofeniacs', de Chris Marrs Piliero.

Aquelarres reunirá las propuestas más arriesgadas

Por su parte, Aquelarres volverá a reunir algunas de las propuestas más libres, arriesgadas y difíciles de clasificar del fantástico contemporáneo. Entre ellas figuran Grand Ciel (The Site), de Akihiro Hata, estrenada en la sección Orizzonti del Festival de Venecia y concebida como una poderosa reflexión sobre la inmigración ilegal y la explotación laboral a través del terror atmosférico; The Red Mask, de Ritesh Gupta, una divertida y autorreferencial combinación de slasher y home invasion que actualiza los códigos de películas como Scream y que ya ha pasado por FrightFest, Screamfest, Fantaspoa o BIFFF; y Babybacks, de Geno Marx, una combinación de terror, humor negro y violencia extrema ambientada en la América profunda que llegará a PUFA tras su paso por Panic Fest y el International Horror & Sci-Fi Film Festival de Phoenix y celebrará en Valladolid su premier europea.

La sección incluirá además Lenore, de David Ward, thriller psicológico con componentes de horror tecnológico galardonado con el Premio del Público en Fantaspoa; Yesterday Island, de Sam Voutas, una ingeniosa comedia de ciencia ficción ambientada en un bucle temporal que obtuvo el Premio de la Crítica en el BIFFF de Bruselas; El ritual de Lily, de Manu Herrera, una producción española de horror sobrenatural que ha recorrido festivales como Grimmfest, Panic Fest, Feratum y Mórbido; Cuántica Rave, de Paco Campano, una inclasificable comedia musical de ciencia ficción premiada en el Miami International Science Fiction Film Festival; The Waiting Man, de Carl Sundström, una perturbadora incursión en el universo de los creepypastas que celebrará en Valladolid su premiere mundial; El llanto del perro, de Jano Piccardo y Federico Venzi, una inquietante propuesta argentina situada entre el drama, la fantasía y el terror que llegará a PUFA tras su paso por Buenos Aires Rojo Sangre; y Killing Time, de Jang Jun-yeop, una frenética producción surcoreana que mezcla humor negro, suspense y cultura digital y que tendrá en Valladolid su estreno mundial.

'The Red Mask', de Ritesh Gupta.

El cortometraje vuelve a ser protagonista

PUFA volverá a reservar un espacio destacado para el cortometraje con una selección oficial integrada por 27 trabajos procedentes de España, Francia, Estados Unidos, Australia, Finlandia, Argentina y Ecuador. Repartidas en cuatro sesiones competitivas, las obras seleccionadas ofrecerán una amplia panorámica de las tendencias actuales del fantástico, el terror, la ciencia ficción, la animación y la fantasía contemporánea.

Maratón de terror y proyección especial

La tradicional maratón nocturna del festival volverá a celebrarse el viernes 10 de julio con dos propuestas especialmente dirigidas a los aficionados al terror más extremo. Frankie, Maniac Woman, de Pierre Tsigaridis, combina gore, sátira social y estética grindhouse para narrar la deriva psicótica de una mujer marcada por los traumas y la obsesión por la imagen; y Pinocchio Unstrung, dirigida por Rhys Frake-Waterfield, ofrece una relectura macabra del clásico personaje dentro del universo cinematográfico iniciado por Winnie the Pooh: Miel y sangre, con abundantes efectos prácticos y una marcada vocación gamberra y que celebrará en PUFA su premier española. La sesión contará además con promociones especiales para los asistentes y diversas acciones de animación en sala que convertirán la noche del viernes en una de las citas más festivas y participativas de la programación.

PUFA incluirá además en esta edición dos proyecciones especiales fuera de concurso con Aquel último tiburón, documental dirigido por Víctor Matellano y Ángel Sala que recupera una de las historias más insólitas de la distribución cinematográfica en España a través del caso de la película italiana L'ultimo squalo y su estreno en nuestro país como una falsa continuación de la saga Tiburón. También se proyectará Horror and Love, documental dirigido por Joaquín Oristrell que narra la singular historia de amor de Cristina y David, dos intérpretes de pasajes del terror que acabaron convirtiendo su pasión por el género en Horrorland, uno de los parques temáticos de terror más reconocidos de Europa.

'Pinocchio Unstrung', de Rhys Frake-Waterfield.

Exposición de Tesoros de Hollywood

Como complemento a la programación cinematográfica, PUFA organizará durante el mes de julio la exposición Tesoros de Hollywood en la Sala de Exposiciones de San Benito. La muestra reunirá cerca de cincuenta piezas vinculadas a algunas de las franquicias y títulos más populares de la historia del cine fantástico, de aventuras y de terror.

Nuevos premios y consolidación institucional

La edición de 2026 incorporará además el nuevo Premio FUNDOS Jóvenes Talentos, destinado a reconocer la trayectoria de profesionales menores de 35 años vinculados al cine fantástico y de terror. Asimismo, PUFA contará por primera vez con un premio de distribución concedido por #ConUnPack Distribución a través de su sello Panic House.

El Auditorio FUNDOS Fórum Valladolid reforzará además su papel como sede principal del festival, acogiendo proyecciones, encuentros con invitados, actividades paralelas, acreditaciones y servicios de información al público.

PUFA agradece el respaldo de las entidades y empresas que hacen posible esta tercera edición. El festival cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Valladolid, Valladolid City of Film, Valladolid Film Commission, Cines Broadway, Prometeo Escultura, Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) y Fundación Obra Social de Castilla y León (FUNDOS), así como con la financiación del programa Nos impulsa de la Junta de Castilla y León y con la colaboración de Fundación SGAE.