¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
La Maldición de Shelby Oaks es una escalofriante película de terror que llegará a los cines españoles el próximo 20 de febrero de la mano de DeAPlaneta.
Bajo el sello de Mike Flanagan ("Misa de medianoche", "La maldición de Hill House", La vida de Chuck) como productor ejecutivo, La Maldición de Shelby Oaks despunta como uno de los debuts de género más estimulantes de los últimos años. Esta original propuesta con toques de misterio sobrenatural se presentó en el Festival Fantasía y el Fantastic Fest e inauguró la sección Panorama de la última edición del Sitges - Festival Internacional de cinema fantàstic de Catalunya.
Chris Stuckmann debuta en el largometraje tras haberse convertido en uno de los críticos de cine más populares de Internet, con un canal de Youtube que sobrepasa los 2 millones de suscriptores y dónde el cineasta sigue colgando, a día de hoy, varias vídeo críticas a la semana.
Stuckmann ya había sorprendido al público previamente con el cortometraje "Notes from Melanie" (2019), que fue distinguido en diversos certámenes especializados. La Maldición de Shelby Oaks, su ópera prima, recaudó 1,4 millones de dólares en Kickstarter, convirtiéndose en la película de terror con mayor financiación en la historia de la plataforma.
"Hace nueve años, grabé un vídeo de YouTube con mi mujer y ahora esa pieza se ha convertido en un largometraje. [···] La mayoría de los realizadores dicen que sus películas los cambian y, sin duda, ese ha sido mi caso. Mi vida ha dado un giro con LLa Maldición de Shelby Oaks. Y no puedo estar más ilusionado", comenta Chris Stuckmann emocionado al hablar de su primera película.
Sinopsis: La búsqueda desesperada de una mujer por encontrar a su hermana desaparecida se vuelve obsesiva al descubrir que el demonio que las atormentaba en su infancia no era fruto de su imaginación.
MUBI, la distribuidora cinematográfica global, servicio de streaming y productora, ha compartido el tráiler y cartel oficiales de La Grazia, la esperadísima nueva película del guionista y director ganador del Premio Oscar Paolo Sorrentino (La gran belleza, Il divo, Fue la mano de Dios).
La película se estrenará en cines de España el próximo 1 de abril, tras su estreno mundial como película inaugural del Festival de Cine de Veneciade este año, dónde Toni Servillo fue galardonado con la Coppa Volpi al Mejor Actor. La Grazia también se ha presentado en el Festival de Cine de Londres - BFI y en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
Del aclamado director Paolo Sorrentino, ganador de premios Óscar y BAFTA, llega La Grazia, una profunda exploración del amor, el deber y la libertad personal. Toni Servillo, ganador del premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Venecia de 2025, interpreta a Mariano De Santis, presidente saliente de Italia, quien se enfrenta a una encrucijada moral y personal con la ayuda de su hija y confidente Dorotea (Anna Ferzetti). Con la inconfundible visión poética de Sorrentino y una evocadora banda sonora, esta conmovedora obra maestra es una íntima reflexión sobre la paternidad, la conciencia y la eterna pregunta: ¿quién es dueño de nuestros días?
La Grazia es una película de Fremantle film producida por The Apartment, Fremantle Company, para Numero 10, en asociación con PiperFilm. Producida por Annamaria Morelli y Paolo Sorrentino, Andrea Scrosati para Fremantle, y Massimiliano Orfei, Luisa Borella y Davide Novelli para PiperFilm.
Acerca de MUBI
MUBI es un servicio global de streaming, productora y distribuidora de películas dedicada a elevar el gran cine. MUBI crea, cura, adquiere y defiende películas visionarias, llevándolas a audiencias de todo el mundo. MUBI es un lugar para descubrir películas ambiciosas de cineastas visionarios. Desde directores icónicos hasta autores emergentes. Todo cuidadosamente elegido por los curadores de MUBI. Con MUBI GO, los miembros de países seleccionados pueden obtener una entrada gratuita cada semana para ver las mejores películas nuevas en los cines. Y Notebook explora todos los lados de la cultura cinematográfica, tanto impresa como en línea.
Fundada en 2007 por Efe Cakarel, MUBI es la mayor comunidad de amantes del cine del mundo, con miembros en 190 países diferentes. MUBI adquirió el renombrado agente de ventas y productora The Match Factory y Match Factory Productions en enero de 2022, y una participación mayoritaria en la distribuidora líder de cine del Benelux, Cinéart, en febrero de 2024.
Los lanzamientos de MUBI también incluyen: Die My Love de Lynne Ramsay, Valor Sentimental de Joachim Trier, La sombra de mi padre de Akinola Davies Jr, El sonido de la caída de Mascha Schilinski, No hay otra opción de Park Chan-wook, Un simple accidente de Jafar Panahi, La sustancia de Coralie Fargeat, Queer de Luca Guadagnino, Priscilla de Sofia Coppola, Passages de Ira Sachs, How to Have Sex de Molly Manning Walker, Fallen Leaves de Aki Kaurismäki, Aftersun de Charlotte Wells, Decision to Leave de Park Chan-wook y Close de Lukas Dhont.
Las producciones de MUBI incluyen The Mastermind, de Kelly Reichardt y protagonizada por Josh O'Connor, 1949 de Paweł Pawlikowski con Sandra Hüller, Let Love In de Felix Van Groeningen y Teenage Sex and Death at Camp Miasma de Jane Schoenbrun. Las coproducciones de MUBI incluyen A Long Winter de Andrew Haigh y Father Mother Sister Brother de Jim Jarmusch.
Marty Supreme es la apasionante historia de un buscavidas, Marty Mauser, interpretado de manera magistral por el dos veces nominado al Oscar Timothée Chalamet (Call me by your name, A Complete Unknown). Con un magnífico Josh Safdie (Diamantes en Bruto, Good Time) detrás de las cámaras, la película llega a los cines españoles de la mano de Diamond Films.
Marty Supreme es un thriller frenético, divertido, tenso y absolutamente extraordinario. Tras recibir el Premio al Mejor Actor en los Globos de Oro y Critics Choice Awards, el filme suena en todas las quinielas de los Oscars al haberse colado entre las favoritas con nada menos que nueve candidaturas: Mejor película, Mejor dirección (Josh Safdie), Mejor actor (Timothée Chalamet), Mejor guion original, Mejor fotografía, Mejor montaje, Mejor diseño de producción, Mejor vestuario y Mejor casting.
Timothée Chalamet no solo se convierte, desde Marlon Brando, en el actor más joven en obtener tres nominaciones a los Oscar en categorías interpretativas, sino que además logra una doble nominación este año al figurar también como productor de la película. Con ello, pasa a ser el actor de menor edad en participar en ocho películas nominadas en estos premios.
Marty Supreme destaca como una de las mejores películas del año. Completan un espectacular reparto la ganadora al Oscar Gwyneth Paltrow (Shakespeare enamorado, El talento de Mr. Ripley), que regresa tras varios años alejada de la gran pantalla; Odessa A'zion (Grand Army); el varias veces nominado a los Emmy Kevin O'Leary (Shark Tank); el rapero californiano Tyler Okonma, “The Creator”, en su debut como actor y la ganadora de dos premios Emmy Fran Drescher (La niñera).
Sinopsis: Josh Safdie firma su primer trabajo en solitario como director de este apasionante filme sobre Marty Mauser (Timothée Chalamet), un joven con una ambición desmesurada, que está dispuesto a todo para cumplir su sueño. Con ayuda, entre otros, de la estrella de cine Carol Dunne (Gwyneth Paltrow) demostrará al mundo entero su grandeza.
AÍDA Y VUELTA
La espera ha terminado. Aída y vuelta supone el salto a la gran pantalla de los personajes más icónicos de la televisión española. El largometraje, dirigido por Paco León y escrito junto a Fer Pérez, se estrenará exclusivamente en cines distribuida por Sony Pictures Entertainment Iberia.
Se trata de una producción de Globomedia (THE MEDIAPRO STUDIO) y Telecinco Cinema, con la participación de Mediaset España, Mediterráneo Mediaset España Group y Prime Video, donde estará disponible tras su paso por las salas. Laura Fernández Espeso y Javier Méndez son los productores de la película por parte de Globomedia (THE MEDIAPRO STUDIO) y Ghislain Barrois y Álvaro Augustin por parte de Telecinco Cinema.
Aída y vuelta es mucho más que una película: es el reencuentro de toda una generación con Esperanza Sur, el barrio que conquistó a millones de espectadores y que ahora salta a la gran pantalla con una historia que promete emoción, humor y nostalgia.
El reparto principal reúne a Carmen Machi, Miren Ibarguren, Mariano Peña, Eduardo Casanova, Pepe Viyuela, Melani Olivares, Canco Rodríguez, Secun de la Rosa, David Castillo, Marisol Ayuso, Pepa Rus, Óscar Reyes y Adrián Gordillo, junto a un total de 96 actores, buena parte de ellos seleccionados entre un multitudinario casting online que arrancó a principios de año a través de la cuenta oficial de la película en Instagram, @Aidalapeli, que ya ha superado los 100.000 seguidores.
‘Aída’ fue un fenómeno social y televisivo, una serie que cosechó récords de audiencia y acuñó frases míticas que forman parte de la cultura popular española. Aída y vuelta, el largometraje, aborda el rodaje de un capítulo de la serie con tramas que transcurren tanto dentro de la ficción con los personajes de ‘Aída’, como fuera de ella con los propios actores y sus relaciones, yendo más allá y dando pie a reflexionar sobre temas como los límites del humor, del trabajo del cómico y la fama.
SEND HELP
Send Help es una película de suspense psicológico con toques de comedia negra de 20th Century Studios, dirigida por Sam Raimi.
La película está protagonizada por la actriz nominada al Óscar y al Tony Award Rachel McAdams (Spotlight, Mean Girls), Dylan O'Brien (Twinless, Saturday Night), Edyll Ismail (La Brea), Dennis Haysbert (Far from Heaven), Xavier Samuel (Elvis), Chris Pang (Crazy Rich Asians), Thaneth Warakulnukroh (Thai Cave Rescue) y Emma Raimi (Happy Pills).
"Siempre me han gustado las historias en las que personajes interesantes y dinámicos se ven empujados al límite", afirma el director Sam Raimi. "En nuestra historia, los cambios de poder crean una situación cada vez más tensa, llena de giros inesperados y suspense".
Send Help está producida por Raimi y Zainab Azizi (65), con JJ Hook (The Amateur) como productor ejecutivo y Damian Shannon y Mark Swift (Viernes 13, Los vigilantes de la playa) como guionistas, y cuenta con música original de Danny Elfman (Pesadilla antes de Navidad, Batman).
Sinopsis: En Send Help, dos compañeros de trabajo quedan varados en una isla desierta, únicos supervivientes de un accidente aéreo. En la isla, deben superar sus rencores del pasado y trabajar juntos para sobrevivir, pero, en última instancia, se trata de una inquietante batalla de voluntades e ingenio, con un humor negro, para salir con vida.
LA LUCHA
La lucha del director José Alayón (Slimane, 2013) se estrena en cines de la mano de Sideral. Después de su estreno en el pasado Festival Internacional de cine de San Sebastián, en la sección New Directors y su paso por festivales internacionales, donde ha cosechado diferentes premios, llega a los cines esta historia intimista que muestra por primera vez, a través de la ficción, con actores no profesionales pero luchadores verdaderos, esta disciplina ancestral, la lucha canaria.
La película, rodada en 16mm lo que otorga una textura muy especial al paisaje agreste de Fuerteventura, narra la relación entre un padre y una hija tras la muerte de la madre.
Interpretada por el veterano y reconocido luchador Tomasín Padrón, el personaje de la hija está protagonizado por la joven Yazmina Estupiñán, también luchadora, que fue elegida tras un multitudinario casting capitaneado por la directora de casting Cendrine Lapuyade (El Agua, Adú).
Sinopsis: En la árida isla de Fuerteventura, Miguel y su hija Mariana intentan seguir adelante tras la muerte de su esposa, una pérdida que los ha dejado a la deriva. La lucha canaria es su refugio, su forma de hacerse un lugar en el mundo. Pero el cuerpo de Miguel empieza a fallar, y la rabia de Mariana la empuja a desafiar las normas. Con la final del campeonato cerca, padre e hija buscan reencontrarse antes de que sea demasiado tarde.
El equipo técnico cuenta con la dirección de fotografía de Mauro Herce (Sirat, Slimane), Marina Alberti, nieta de los escritores María Teresa León y Rafael Alberti y guionista junto a Samuel M. Delgado, además de productora ejecutiva; Silvia Navarro es la directora de arte (Eles transportan a morte) y Emma Tusell, la montadora (La Hojarasca).
En palabras del director:
"La lucha canaria es, en sí misma, un espejo de nuestra historia. Es un rito que existía antes de la colonización, que en su origen fue una forma de defensa, de tradición, de entretenimiento y que en el siglo pasado se convirtió en deporte. El germen inicial de esta película fue la poderosa metáfora que encierra el propio acto de luchar: resistir, aguantar, no dejarse caer.
La Lucha es también una película sobre la pérdida, sobre el aprendizaje de dejar cosas atrás en el camino que nos impone la vida. El duelo se convierte en una forma de combate silencioso, y en ese terreno físico y emocional conviven lo personal y lo colectivo. Quisimos apartarnos de la imagen turística con la que, tantas veces, se ha representado el imaginario de las islas y acercarnos a una mirada íntima, donde el sudor, la respiración y la arena pudieran contar su propia historia."
José Alayón estrenó en 2013 su primer largo como director, Slimane, seleccionado en los festivales de Dubai, Tesalónica o D'A y premiado en FEstival de Las Palmas y en el IBAFF de Murcia .
Tras varios años ejerciendo como productor con Dead Slow Ahead de Mauro Herce o El mar nos mira de lejos de Manuel Muñoz Rivas, y como director de fotografía de Blanco en blanco de Theo Court, Eles transportan a morte de Helena Girón y Samuel M. Delgado, La ciudad oculta de Víctor Moreno, Entre perro y lobo de Irene Gutiérrez, Aitana de Marina Alberti y La Hojarasca de Macu Machín, ahora presenta su segundo largometraje.
La lucha es una coproducción internacional entre El Viaje Films (España) y Blond Indian Films (Colombia), con la financiación de Ibermedia, MEDIA (subprograma de Europa Creativa), ICAA (Ministerio de cultura), Gobierno de Canarias, Cabildo de Tenerife y la TV Canaria.
La película cuenta también con la producción asociada de Macaronesia Films, y el apoyo de la Federación canaria de Lucha Canaria, la Federación de Lucha de Fuerteventura, los ayuntamientos de Puerto del Rosario, Tuineje, Pájara y Antigua, la Fuerteventura Film Commission, y diferentes clubes y colectivos de lucha canaria.
LA CHICA ZURDA
Este viernes se estrena en cines La chica zurda, dirigida por la taiwanesa Shih-Ching Tsou que tuvo su estreno mundial en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes y su estreno nacional en la Sección Oficial de la Seminci.
El oscarizado Sean Baker (Anora) ha coescrito, editado y coproducido la película, que además fue finalista a la Mejor película internacional (representando a Taiwán) en los próximos Premios Óscar de la Academia de Hollywood. La película llegará a las salas españolas con distribución a cargo de Avalon y Filmin.
Filmin y Avalon son las distribuidoras de la película en España.
Sinopsis: Una madre soltera y sus dos hijas regresan a Taipei tras varios años viviendo en el campo para abrir un puesto en un bullicioso mercado nocturno. Cada una a su manera, tendrán que adaptarse a este nuevo entorno para llegar a fin de mes y conseguir mantener la unidad familiar. Tres generaciones de secretos familiares empiezan a desvelarse después de que su abuelo le diga a la hija menor, que es zurda, que nunca use la «mano del diablo».
Tsou es una colaboradora habitual de Sean Baker: codirigieron juntos “Take Out” (2004) y ella ha producido buena parte de su filmografía posterior, como “Starlet”, “Tangerine”, “The Florida Project” y “Red Rocket”. La chica zurda supone la primera vez que Baker edita una película dirigida por otra persona. Tsou explica: “Es una historia muy personal. Un día le conté a Sean que mi abuelo siempre decía que la mano izquierda era la mano del diablo”, a lo que Baker añade: “Como en todas las demás películas en las que he trabajado, partíamos del deseo de contar una historia que tuviera un dimensión muy humana. En mis películas, efectivamente, me gusta extraer la autenticidad de cada detalle; y aquí ocurrió lo mismo, solo que nos basamos en las vivencias de Shih-Ching para construir la historia y para dramatizarla”.
A nivel estético, la película también guarda continuidad con el cine de Baker: el uso de localizaciones reales y el trabajo con luz natural y colores del entorno definen la puesta en escena. Además, La chica zurda fue rodada íntegramente con iPhone, igual que Baker hizo con “Tangerine” en 2015. La elección del mercado nocturno de Taipéi refuerza esta cercanía visual y atmosférica. Como explica Baker: “Sabíamos que la energía y la vida que emana de este lugar lo haría particularmente cinematográfico: tiene una animación permanente, tiene luces propias, tiene la comida que se hace al momento y, más aún, tiene todos esos colores”.
YUNAN
Yunan sigue la travesía interior de Munir, un escritor árabe exiliado que vive en Hamburgo, atrapado en una profunda crisis existencial. Afectado por la soledad, el bloqueo creativo y una sensación de vacío permanente, Munir decide viajar hacia una isla remota del mar del Norte con la intención de morir en soledad. Allí conocerá a Valeska, una mujer excéntrica que regenta una pequeña pensión, y a su hijo Karl, un hombre ce carácter duro y reservado. A través de encuentros silenciosos, la inmensidad del paisaje y la crudeza de la naturaleza, el viaje de Munir se convierte en una exploración poética sobre el dolor del exilio, la memoria, la identidad y la posibilidad de redención.
El film se presenta como una obra evocadora y visualmente poderosa, con un enfoque intimista que invita a la reflexión. Destaca su atmósfera, su manejo visual y las actuaciones de los protagonistas que enriquecen la dimensión humana del relato: el actor George Khabbaz (Ghadi) se distingue por su presencia silenciosa, y la actriz alemana Hanna Schygulla, actriz fetiche del cine de Fassbinder y rescatada recientemente en producciones relevantes (Pobres Criaturas), deslumbra por su profundidad emocional.
Coproducción europea con Palestina, entre otros países, Yunan posee un mensaje humanista con una clara intención lírica y explora temas como la soledad, el desarraigo y la conexión humana. La isla remota, con su belleza salvaje y su aislamiento severo, funciona como una metáfora de la mente del protagonista: un espacio donde el tiempo y los recuerdos se mezclan, donde la soledad puede ser tanto cárcel como revelación.
Sinopsis: Un escritor árabe exiliado vive en Hamburgo y, sumido en la desesperación y el deseo de terminar con su vida, viaja a una remota isla del mar del Norte. Allí, el encuentro con una mujer mayor y su hijo desencadena un proceso de introspección y recuperación de su voluntad de vivir.
FESTIVALES
Festival Internacional de Cine de Berlín 2025 (Berlinale) – Competencia oficial
24ºFestival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria
49º Festival Internacional de Cine de Hong Kong
49º São Paulo International Film Festival, Brasil
Sydney Film Festival, Australia, 2025.
Ameer Fakher Eldin (nacido en Kiev, 1991) es un director de cine sirio residente en Alemania, de padres sirios expatriados. Dirigió varios cortometrajes, antes de debutar como director de largometrajes con The Stranger (al-Gharīb), estrenada en el programa Giornate degli Autori del 78.º Festival Internacional de Cine de Venecia. La película, es la primera de una trilogía planificada de películas sobre personas del mundo árabe que viven en el exilio. Fue seleccionada como la película palestina a Mejor Largometraje Internacional en la 94.ª edición de los Premios Óscar.
Yunan, es su segunda película de la trilogía, estrenada en el 75.º Festival Internacional de Cine de Berlín.
FRANZ KAFKA
Franz Kafka, de la cineasta polaca Agnieszka Holland, se estrena en cines de la mano de Filmin. Lo nuevo de la directora de “Green Border” y “Europa Europa” es un magistral tour de force que traza un retrato atípico del legendario escritor Franz Kafka, aún hoy celebrado en todo el mundo por sus novelas, relatos, fábulas y aforismos.
La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Toronto y fue seleccionada en el Festival de San Sebastián, donde Holland compitió por tercera vez por la Concha de Oro. Además, esta producción sumó tres nominaciones a los Premios del Cine Europeo, se alzó con tres galardones en el Polish Film Festival y es la representante de Polonia en los Premios Óscar, a los que la directora ha estado nominada en tres ocasiones.
El film nos presenta a Kafka (interpretado por el estelar y debutante Idan Weiss) como un joven abogado que trabaja en el sector asegurador, mientras navega entre su pasión por la literatura y las responsabilidades de ser hijo y futuro esposo en una sociedad conservadora, económicamente inestable y al borde de la Primera Guerra Mundial. Con un talento desbordante y una clara inclinación contra las burocracias y la condición humana –ya sea enfrentándose a situaciones surrealistas o a su propia naturaleza–, el mundo de Kafka se vio acotado por una larga lucha contra la tuberculosis, que acabó con su vida a los 40 años.
Un biopic kafkiano. El autor de “La metamorfosis” no podía tener un biopic al uso. Su vida y obra, marcadas por lo onírico y lo absurdo, no merecían menos que un retrato caleidoscópico que la propia Holland ha definido como su “proyecto más ambicioso”.
Con Franz Kafka, la directora evita la estructura biográfica tradicional y opta por una propuesta no lineal que mezcla momentos clave de su vida con incursiones en sus mundos ficticios, recuerdos, simbolismos y referencias a su legado actual. Según Holland, “no me gusta el cliché de que Kafka sea siempre oscuro, atormentado y deprimido. Vi en él una conexión con gente joven de hoy: con todos esos miedos, inseguridades y confusiones”, lo que permite mostrar tanto la psicología fracturada de Kafka como su dimensión creativa y su influencia en el presente.
Agnieszka Holland es una de las cineastas europeas más prestigiosas y respetadas del panorama internacional. Con una carrera que se extiende a lo largo de más de cuatro décadas, su filmografía ha sido nominada en tres ocasiones al Oscar por "Angry Harvest" (1985), "Europa Europa" (1990) e "In Darkness" (2011), y obtuvo el Globo de Oro a la mejor película de Habla No Inglesa por "Europa Europa", uno de los títulos más emblemáticos de su trayectoria. Sus películas han sido seleccionadas y premiadas en los principales festivales internacionales, como Cannes, Berlín y Venecia, consolidando una obra exigente que la sitúa como una figura clave del cine europeo contemporáneo, que combina el cine de autor con un gran reconocimiento internacional.
HOMBRE BALA
Esta ópera prima de Anuska Ariztimuño parte de la premisa de dos preguntas que quiere responder “¿qué separa lo normal de lo extraordinario? y ¿cómo se llega hasta aquí?”. Desde ahí arranca Ariztimuño la búsqueda para ver quién está detrás del personaje artístico. “Siempre ha sido una persona de pocas palabras y muy celoso de su intimidad”, es un viaje antropológico y melómano avisa la directora.
Sinopsis: Los 40 años de carrera musical de Mikel Erentxun, sus 60 años y sus 25 de relación con su pareja sirven de excusa para contar la vida e historia de uno de los artistas más influyentes del panorama musical estatal. Navegar entre la trayectoria profesional del artista y su vida personal es parte de la esencia de esta cinta. Abrazar su miedo a la muerte y, sobre todo, al paso del tiempo hace que Mikel tenga que tomar decisiones importantes en su vida.
Anuska Ariztimuño, directora y guionista nacida en Errentería en 1984, es parte de una de las generaciones de mujeres que está cambiando la mirada del cine. Tiene un fuerte bagaje en la dirección de publicidad habiendo trabajado en marcas nacionales e internacionales. Se ha especializado en brandend content, un híbrido entre documental y publicidad que permite crear piezas de duración media muy ligadas a la ficción y al documental.
BERTOLUCCI. NUESTRA MAGNÍFICA OBSESIÓN
A Contracorriente Films estrena Bertolucci. Nuestra magnífica obsesión. Un emocionante documental que se adentra en la figura de Bertolucci como uno de los grandes autores del cine italiano e internacional, cuya visión transformó la cultura cinematográfica mundial e influenció a una generación de directores de todo el mundo.
Utilizando material de archivo inédito, la película, producida por Minerva Pictures y Arte, en colaboración con Rai Documentari, retrata el ambiente artístico, las complicidades, las discusiones y la pasión desbordante por el séptimo arte que marcaron a un grupo único que, bajo el liderazgo de un director tan talentoso como precoz, llegaron a ganar premios Oscar y a escribir algunas de las páginas más memorables de la historia del cine.
La narración está articulada a partir de las voces y miradas de figuras estrechamente vinculadas al cine de Bertolucci. Entre ellas se encuentra Stefania Sandrelli, actriz que más veces trabajó con Bertolucci y protagonista de hitos como "Partner" (1968), "El conformista" (1970), "Novecento" (1976) y "Belleza robada" (1996), junto a las intervenciones de Wim Wenders, Dario Argento, Pupi Avati y Marisa Paredes.
El documental está dirigido por Marco Spagnoli, uno de los documentalistas italianos más reconocidos. Tres veces nominado al David di Donatello y ganador de dos premios Nastro d’Argento, Marco Spagnoli también ha escrito y dirigido numerosos documentales para Rai y grandes estudios internacionales como NBCUniversal o Disney, incluido "Franco Battiato: La voz del maestro", el documental musical italiano más visto en cines en 2022.
Con una filmografía tan amplia como contundente, Susan Sarandon, nombre crucial del Hollywood contemporáneo, representa la combinación perfecta entre talento y éxito profesional, glamour y compromiso social y político. La protagonista de títulos legendarios como Thelma y Louise, El cliente, Las Brujas de Eastwick, The Rocky Horror Picture Show, Atlantic City, El ansia y Pena de muerte, por la que ganó el Premio Oscar, recibirá el Goya Internacional 2026 en Barcelona el próximo 28 de febrero en una gala especial, en la que se celebran los 40 años de los Premios Goya.
Creado para reconocer a personalidades que contribuyen al cine como arte que une culturas y espectadores de todo el mundo, este reconocimiento se otorga a Susan Sarandon por ser “una de las actrices más destacadas del cine de Hollywood: con una filmografía que reúne un buen número de incuestionables obras maestras y también películas icónicas que han pasado a la cultura popular y joyas de culto recordadas por cinéfilos de todo el mundo. Durante décadas, ha sido uno de los rostros más destacados del Hollywood más admirado”. La Junta Directiva de la institución también ha valorado el valiente compromiso político y social de la actriz y productora.
Susan Sarandon, siempre considerada una actriz de carácter, desde el principio de su carrera en la década de los 70 se decantó por personajes que reflejaran esa idea y tuvo el propósito de no repetirse y buscar la variedad. Paul Newman, Jack Nicholson, Jack Lemmon, Richard Gere, Burt Lancaster, Kevin Costner, Ed Harris, Tommy Lee Jones, Tim Robbins, David Bowie, Sean Penn, Cher, Michelle Pfeiffer, Julia Roberts o Geena Davis son algunos de los muchos compañeros de reparto, que acreditan su talento y su compromiso con la profesión y la sociedad en la que vive.
Ha recibido nueve nominaciones a los Globos de Oro y cinco nominaciones al Oscar –por Atlantic City, Thelma y Louise, El aceite de la vida y El cliente–. Lo conseguiría finalmente por Pena de muerte, donde interpreta a una monja que acompaña a un condenado a muerte. Los búfalos de Durham, Quédate a mi lado, Mujercitas y la serie de televisión Feud, donde se convirtió en Bette Davis, también forman parte del currículum de esta artista neoyorquina conocida por su versatilidad, su voz en numerosas causas y su gusto por el riesgo y el cine experimental, en el que uno de sus personajes más recordados es Louise en el clásico del cine feminista Thelma y Louise.
Firme defensora de los Derechos Humanos, Sarandon –que creció en una familia numerosa siendo la mayor de nueve hermanos– fue criada en la religión católica, es una enamorada de España, país que volverá a visitar para recibir el quinto Goya Internacional de la Academia de Cine, premio que en anteriores ediciones han recibido Cate Blanchett, Juliette Binoche, Sigourney Weaver y Richard Gere.
‘Los domingos’, de Alauda Ruiz de Azúa, lidera el palmarés de los Premios Feroz 2026 que se han celebrado esta noche en el Pazo da Cultura de Pontevedra. La película, que ya fue destacada por la AICE con el Feroz Zinemaldia en el pasado Festival de San Sebastián, se ha alzado con 5 estatuillas: mejor película dramática, el Premio Feroz SGAE a la mejor dirección, mejor actriz protagonista para Patricia López Arnaiz (su cuarto feroz), Mejor actriz de reparto para Nagore Aranburu (que se llevó el galardón el año pasado como protagonista en una serie) y el Premio Feroz DAMA al mejor guión de una película.
La mejor película de comedia de este año es ‘La cena’; Jose Ramon Soroiz y Kandido Uranga son premiados por primera vez en los Feroz por sus papeles en ‘Maspalomas’ (protagonista y de reparto respectivamente); la Mejor música original es la del artista francés Kangding Ray por ‘Sirât’, que también ha logrado el galardón al mejor tráiler para Aitor Tapia. En la gala no faltó la mención a la doble nominación en los Premios Oscar del filme de Oliver Laxe: mejor película internacional y mejor sonido. Una de las tres responsables de este equipo íntegramente femenino que ha hecho historia en los Oscar, Laia Casanovas, ha estado también presente en la gala.
Su hito fue destacado en su discurso por María Guerra, presidenta de la AICE, en el que también resaltó los tiempos que vive la profesión, el estado de la industria y, como no, el sentir de todos por el trágico accidente de accidente de Adamuz.
El Premio Feroz Arrebato de ficción lo ha recibido ‘Ciudad sin sueño’ y el Premio Feroz Holded Arrebato de no ficción es para ‘Tardes de soledad’. La cinta de Albert Serra también se llevó el galardón al mejor cartel (obra de Ana Dominguez y Rafa Castañer).
En el apartado de series, de los siete premios posibles, 3 son para ‘Yakarta’ y 3 para ‘Poquita fe’: la mejor serie dramática y de comedia de la decimotercera edición de los Feroz.
Javier Cámara ya tiene tres feroces en su haber (de 11 nominaciones), de nuevo por una serie creada por Diego San José que, junto a Daniel Castro y Fernando Delgado-Hierro, también es el Premio Feroz DAMA al mejor guión de una serie de este año.
Esperanza Pedreño y Julia de Castro, hermanas en la ficción, reciben su primer feroz por su papel en la segunda temporada de ‘Poquita fe’.
Y también es el primer premio de la AICE para Secun de la Rosa como actor de reparto en ‘Superestar’.
Ilusionada y muy feliz, la veterana actriz Marta Fernández-Muro subió al escenario para recoger “un premio que me encanta”, su Feroz de Honor. Con el humor que la caracteriza, recibió la estatuilla de manos del actor Raúl Cimas ante el aplauso de todos los asistentes. Un reconocimiento a toda su carrera, de la desveló muchas curiosidades el pasado jueves en su charla magistral en el Teatro Principal de Pontevedra.
Petra Martínez, Samantha Hudson, Elisabet Casanovas y Antonio Durán ‘Morris’ han sido los maestros de ceremonias. Un cuarteto divertido y muy heterogéneo, para festejar un año de buen cine y excelentes series y sobre todo celebrar a los compañeros y compañeras y a todos los equipos que las han hecho posible.
Aitor Albizua realizó los comentarios en directo para los espectadores de La 2 y RTVE Play, como complemento a un guión ocurrente y descarado escrito por Diego Soto y Javier Durán.
Los Feroz terminan un ciclo bianual en Pontevedra, una ciudad acogedora e implicadísima. En los meses previos a la gala, se ha celebrado en la Boa Vila una gran cantidad de actividades previas, proyecciones, coloquios y encuentros con destacados personajes de la industria audiovisual, con una respuesta excepcional del público pontevedrés.
Los Premios Feroz 2026, que destacan lo mejor de la producción audiovisual española del año para la prensa especializada, están patrocinados por el Concello de Pontevedra, así como por Legado Ibérico, marca premium de ElPozo Alimentación y líder en el sector del ibérico. Además, cuentan con la colaboración de Audi —Vehículo Oficial—, Cafés Candelas —Café Oficial—, la entidad de gestión de derechos de autor DAMA; la Fundación SGAE que fomenta la creación y el desarrollo del sector cultural; Holded, software de facturación y mucho más para emprendedores, pymes y autónomos; el estudio de cine y televisión Ficción Producciones; Aquaservice, empresa líder en distribución de agua embotellada con dispensador; y la agencia de viajes B travel; con la financiación del Gobierno de España – Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) del Ministerio de Cultura; y con la participación de Crea SGR y la Diputación de Pontevedra.
La Asociación de Informadores Cinematográficos de España es un grupo plural de alrededor de doscientos periodistas y críticos dedicados a informar sobre cine en televisión, radio, prensa e Internet de todo el país. Desde 2014 entregan los PREMIOS FEROZ® para destacar lo mejor de la producción audiovisual española del año. Además de los galardones anuales, la asociación otorga el Premio Feroz Zinemaldia en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, el Premio Feroz Puerta Oscura en el Festival de Málaga y el Premio Feroz Cinema Jove al mejor cortometraje en el seno del festival del mismo nombre. La AICE también organiza el festival Lo Que Viene, el campus de cine y series La Inmortal en Zaragoza y el programa de formación en periodismo de cine y series María Luz Morales.
Todos los detalles y novedades pueden seguirse en su web y redes sociales:
Frankie y los monstruoses una divertida vuelta de tuerca a la eterna historia de Frankenstein en la que los monstruos son los buenos y los humanos dan miedo y que seguro hará las delicias de grandes y pequeños.
Dirigida porSteve Hudson(Cranford, True North) Frankie y los monstruos cuenta con un reparto de voces estelar entre las que figuran: Asa Butterfield (Sex Education, La invención de Hugo), Joel Fry (Cruella, Yesterday), Tia Bannon (Cielo de medianoche, The Drifters), Alison Steadman (Better Man, Secretos y mentiras), Rob Brydon (Mi Lady Jane, Barbie)
Frankie y los monstruos llega a los cines españoles de la mano de Vértice 360, distribuidora de grupo Squirrel Media.
Sinopsis
En lo alto de la ciudad de Tarados de Arriba, un castillo-laboratorio guarda secretos, criaturas... y un pequeño héroe que está a punto de cambiarlo todo. Frankie, es la primera creación del más chiflado de los profesores chiflados, un ser diminuto, de cabeza calva cubierta de un mosaico de puntadas, ojos hipnóticos y un gran corazón.
¿Quién cuida del castillo? ¿Quién cuida de los monstruos? ¿Quién les enseña a no ser monstruosos, para que la gente del pueblo no forme una furiosa horda y queme el castillo? Frankie hace todo el trabajo, pero el profesor ni siquiera se fija en él.
Ahora, un original espectáculo llega a la ciudad, y su propietario, Boniface Buscamonstruos, necesita desesperadamente una nueva atracción para atraer a las multitudes.
Prepárate para una aventura monstruosamente divertida que habla de valentía, amistad y ser diferente.
Frankie y los monstruos está basada en la exitosa serie de libros infantiles escrita por Guy Bass e ilustrada por Pete Williamson La maravillosa historia de Carapuntada. El primer libro de la colección de seis, se publicó en 2011 y se ha estado publicando repetidamente desde entonces. En Reino Unido, el libro es un habitual en los planes de estudio de primaria, donde los profesores y los alumnos disfrutan no sólo de las historias y los personajes, sino también de los temas y los mensajes sobre «ser uno mismo».
Gringo Films GmbH (Happy Ho caracol, Vida en pausa) y Traumhaus Studios (Elli y el equipo de monstruos) son las compañías productoras.
Frankie y los monstruos se ha hecho en cooperación con Film- und Medienstiftung NRW, Creative Europe, FFA y con el apoyo del Programa Europa Creativa - MEDIA de la Unión Europea.
Sobre la película
Frankie y los Monstruospertenece a ese segundo grupo de cintas que pueden parecer pequeñas en escala, pero que sin duda son enormes en intención, sensibilidad y mirada. Aquí no estamos solo ante una historia de monstruos simpáticos, estamos ante una película que entiende la animación como lenguaje emocional, no como simple pirotecnia digital.
Visualmente, la película apuesta por un estilo de animación estilizado, con texturas visibles y diseños que huyen del hiperrealismo dominante. No busca competir con el músculo técnico de Pixar o DreamWorks, ni falta que le hace. Más bien dialoga con propuestas como La familia Addams (en su versión animada), ciertos trazos del cine de Aardman, o incluso con ese aire artesanal que tenían algunas producciones europeas de animación de principios de los 2000. Aquí los personajes no parecen renderizados: están dibujados con cariño, y eso se nota.
Los fondos respiran cuento ilustrado, los movimientos no son excesivamente fluidos —y ahí está parte de su encanto— y la paleta de colores juega constantemente entre lo oscuro y lo acogedor. Como si Tim Burton hubiera pasado por un filtro más luminoso y familiar, menos gótico y más emocional.
Pero donde Frankie y los Monstruos termina de ganar la partida es en lo que cuenta. Porque bajo su apariencia amable se esconden mensajes que conectan de lleno con el público infantil… y golpean con suavidad al adulto.
La película habla de la diferencia, de sentirse fuera de lugar, de crecer con la sensación de no encajar del todo. Habla de la identidad, del miedo a ser uno mismo y de lo liberador que resulta encontrar un espacio —y una familia— donde no tengas que fingir. Y lo hace sin subrayados, sin discursos impostados, sin moralejas gritadas al final.
Aquí los monstruos no son el problema. El problema es el miedo a lo distinto. Y eso, visto desde la animación, funciona como un espejo sorprendentemente honesto.
Hay también un mensaje precioso sobre la empatía intergeneracional: sobre escuchar, comprender y acompañar. Sobre aceptar que crecer no significa dejar de tener miedo, sino aprender a convivir con él.
Y todo esto envuelto en humor, ritmo narrativo ágil y situaciones que funcionan tanto para una sala llena de niños como para un visionado adulto con lecturas más profundas.
Frankie y los Monstruoste hará pensar que, demasiado a menudo, los verdaderos monstruos no tienen colmillos… ¡y que los más entrañables suelen esconderse justo donde menos los esperamos! Ideal para ver en familia. Perfecta para hablar después. Y necesaria para recordar que ser diferente nunca debería ser el problema.
Ya está disponible en Filmin una de las favoritas a los próximos Premios Goya:Maspalomas. Este drama queer de los cineastas vascos Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi (ganadores de 14 Premios Goya con su productora Moriarti, autores de “Handia” o "Marco") está nominado a 9 Premios Goya, entre ellos a mejor película. Su protagonista, José Ramón Soroiz ("Patria"), obtuvo la Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista en el Festival de San Sebastián y el Premio Forqué a la mejor interpretación masculina. Junto a él, Nagore Aramburu ("Querer") interpreta a la hija del protagonista.
Tras romper con su pareja, Vicente, un hombre abiertamente gay de 76 años, lleva la vida que le gusta en Maspalomas: su día a día lo pasa tumbado al sol, de fiesta y buscando el placer. Un accidente inesperado le obliga a regresar a San Sebastián, y reencontrarse con su hija, a quien abandonó años atrás. Vicente tendrá que vivir en una residencia donde se verá empujado a volver al armario y a ocultar una parte de sí mismo que creía resuelta. En este nuevo entorno, Vicente deberá preguntarse si aún está a tiempo de reconciliarse con los demás… y consigo mismo.
La sexualidad en la tercera edad
La idea de escribir "Maspalomas" surgió cuando Jose Mari leyó un artículo que señalaba que no es extraño que personas abiertamente homosexuales opten por “volver al armario” en la última etapa de sus vidas, a menudo como consecuencia de su ingreso en una residencia de ancianos. Aquí influyen varios factores: el miedo a no ser aceptado y la asunción de que las personas mayores no son sexualmente activas. “Vivimos en una sociedad que vive de espaldas a la sexualidad de la gente mayor. Parece que eso no existe”, explica Goenaga para Kinótico, a lo que Arregi añade “Es como si fuera malo que una persona mayor tuviera esos impulsos sexuales”. De aquí surge la pregunta: ¿Cómo se manifiestan las preferencias sexuales cuando muchos consideran que ni siquiera las hay?
Es difícil dejar atrás todo el camino que tanto costó abrir y es ahí cuando el protagonista se ve obligado a retroceder y tomar conciencia de la homofobia internalizada que lleva dentro. “A Vicente lo quisimos contar casi como un adolescente, con esa etapa que no vivió en su momento”, explica Arregi. “A mí también me pasó, salí del armario tarde y viví esa adolescencia tarde. Luego el protagonista vive un giro en que planteamos hasta qué punto él había superado toda esa homofobia interiorizada, cuando vuelve a vivir todos esos complejos, esos miedos… Al final, hace un viaje a la aceptación personal”, puntualiza Goenaga.
El último hogar
El lugar tampoco ayuda a esta confrontación. Hay una contraposición evidente entre la libertad de Maspalomas y la opresión de la residencia de San Sebastián, un entorno que no propicia que los internos desarrollen una personalidad propia. Si te despojan de tu identidad sexual y de tu expresión personal, ¿qué te queda?
“Investigamos en residencias de mayores, hablamos mucho también con Federico Armenteros, de la Fundación 26 de diciembre, nos leímos algún libro de testimonios de hombres que salieron del armario muy tarde… Antes de ponerme a escribir el tratamiento, estuve trabajando con una trabajadora social para documentarme sobre el funcionamiento de las residencias. Me contaba que ahora hay residencias que empiezan a dedicarse más en las personas y en sus proyectos de vida, pero también me encontré con muchos trabajadores muy críticos con su propio sector, que está muy limitado a nivel de recursos”, admite Jose Mari Goenaga, que plasma esta evolución en la película sin dejar de ser crítico con la situación.
50 años de carrera
Jose Ramón Soroiz lleva 50 años en pantalla, pero Vicente es su primer papel protagonista en el cine y con él ha conseguido ser el primer actor en ganar la Concha de Plata por un papel en euskera, un hito para el cine euskaldun.
Pero Soroiz no siempre estuvo seguro de aceptar el papel. En la primera propuesta de los directores, su respuesta fue: “¿Estáis seguros de que soy yo la mejor opción para hacer un protagonista? Soy muy lento, soy disléxico, tengo que leer 30 veces una secuencia para poder entenderla y después no hago entrevistas, ni voy a la tele ni nada. Ahora vosotros veréis”. Por supuesto, a ellos no les importó.
Luego, leyendo el guion, comenzaron las dudas por la cantidad de escenas íntimas que había, algo a lo que Soroiz nunca se había enfrentado: “Leí el guion y me encantó, me emocioné, pensé yo lo puedo hacer, pero estaba el otro tema... y les dije, dadme tiempo para pensarlo. Lo comenté en casa y me dijeron: Bueno tú verás, estás jubilado, ¿qué necesidad de hacer eso?”. Impulsado por la historia, el actor aceptó el reto y trabajó con las coordinadoras de intimidad para dar forma a una interpretación que ha cosechado un amplio reconocimiento tanto del público como de la crítica.
