ESTRENOS DE CARTELERA - 29 DE NOVIEMBRE DE 2024

VAIANA 2

Sinopsis: Vaiana 2 reúne a Vaiana y Maui tres años después en un nuevo y emocionante viaje junto a una tripulación de insólitos marineros. Tras recibir una inesperada llamada de sus antepasados, Vaiana debe viajar a los lejanos mares de Oceanía y adentrarse en peligrosas aguas perdidas desde hace mucho tiempo para vivir una aventura sin precedentes.

Vaiana vuelve a la gran pantalla en una nueva película con las voces de Auli'i Cravalho como Vaiana y Dwayne Johnson como el semidiós Maui en la versión original. El reparto de voces en la versión original también incluye a Rachel House (Gramma Tala), Temuera Morrison (Chief Tui) y Nicole Scherzinger (Sina), así como a Hualālai Chung, David Fane y Rose Matafeo como los nuevos miembros de la tripulación de Vaiana: Moni, Kele y Loto, respectivamente. Awhimai Fraser pone voz al misterioso nuevo personaje Matangi; Gerald Ramsey interpreta al antepasado de Vaiana, Tautai Vasa; y Khaleesi Lambert-Tsuda presta su voz a la adorable hermana pequeña de Vaiana, Simea.

Dirigida por David Derrick Jr, Jason Hand y Dana Ledoux Miller, y producida por Christina Chen e Yvett Merino, Vaiana 2 cuenta con música de las ganadoras del Grammy Abigail Barlow y Emily Bear, la nominada al Grammy Opetaia Foaʻi, y el tres veces ganador del Grammy Mark Mancina. Jared Bush y Miller escriben la película, que cuenta con la producción ejecutiva de Jennifer Lee, Bush y Johnson.

LA LEYENDA DEL ESCANYAPOBRES

El western Escanyapobres llega a los cines de la mano de Caràcter Films, tras su estreno en el BCN Film Fest, el paso por el Festival Internacional de Cine en Catalán (FIC-CAT), donde recogió el premio al mejor largometraje, el Festival Internacional de Cine Joven de Valencia y el New York City Independent Film Festival, entre otros certámenes. La adaptación libre de la novela homónima de Narcís Oller, dirigida por Ibai Abad (The Girl from the Song) y protagonizada por Àlex Brendemühl (Creatura, Petra) y Mireia Vilapuig (Selftape, Pulseras rojas), también cuenta con Quim Àvila (Girasoles silvestres, Poliamor para principiantes) y Laura Conejero en su reparto. Escanyapobres es una producción de Abacus, Astra Pictures y Nakamura Films rodada en catalán. Cuenta con la colaboración del Instituto Catalán de las Empresas Culturales y el Instituto Valenciano de Cultura, y la participación de 3Cat, À Punt Mèdia y CREA SGR.

La película está ambientada a finales del siglo XIX cuando Europa vivía un momento de profunda transformación económica y cambio social. El capitalismo perturba la tranquilidad de la Cataluña rural con la llegada del primer tren, símbolo de la Revolución Industrial. Con su segunda obra, Ibai Abad ha actualizado un clásico que leyó en el instituto y que todavía tiene por él un mensaje plenamente vigente: “Con la crisis financiera y los bancos apropiándose de miles de casas, me di cuenta de que la temática de la novela, hoy en día, era más relevante que nunca”. En el guión, que revisa y fortalece a los personajes femeninos de la novela, le acompaña Elisenda Gorgues (Oro líquido, Tabúes).

La aproximación al western ha sido un trabajo conjunto con la directora de fotografía Maria Codina, que debuta en el largometraje de ficción con esta película. "Me fascinó la idea del capitalismo llegando en forma de tren a un remoto pueblo de Catalunya, al igual que en los westerns de John Ford", explica el director. La película se rodó en Valencia y la Cataluña interior, en lugares como Mutxamel y Crevillent (Alicante), Salàs de Pallars (Pallars Jussà), La Saira (Segrià), Calaf (Anoia) y Mora la Nova (Ribera d' Ebro). Estos paisajes han permitido reproducir elementos icónicos de nuestro imaginario colectivo asociado al western, como las estampas infinitas de campos de trigo, las largas líneas de vías del ferrocarril hacia tierras salvajes o las cuevas y minas. 

Sinopsis:  Finales del s. XIX. La llegada del tren a un pueblo aislado le lleva el ansiado progreso, pero también a Oleguer, un oscuro usurero con negocios turbios. Cuando expropía la masía de Cileta y de su familia y se la queda, la joven campesina hará todo lo posible para recuperar su casa. Aunque esto signifique seguir los oscuros pasos del usurero.

Ibai Abad

Tras graduarse en ESCAC, dirigió los cortometrajes Historia de un entierro y Tahití, premiados internacionalmente. En 2012 fundó la productora Mayo Films, con la que ha producido sus dos largometrajes y dirigido publicidad, videoclips y videoarte, así como la promoción para el Festival Sonar y teatro con la compañía Sognatore. En 2016 dirigió el largometraje The Girl from the Song, una revisión de Orfeo y Eurídice rodada entre Londres y el Festival Burning Man. En 2017 se estrena en Netflix y se coloca entre las cinco películas más vistas en la plataforma. A raíz de este éxito, comienza el desarrollo de los largometrajes de Escanyapobres y de Calypso, seleccionado en la Script Station de Berlín y ganador del premio de desarrollo PROA. Como showrunner ha desarrollado dos proyectos de series: Oro líquido, una comedia negra al estilo Fargo, y Olympo, con Zeta Studios para NETFLIX, que se estrenará el próximo año. También ha escrito y dirigido el cortometraje La otra vida, seleccionado en el Festival de Sitges y en el Festival Cinequest de California, y la macroproducción VR de Intel Studios La femme, una inmersión en el cine negro rodada en Los Ángeles y en fase de postproducción.

DESMONTANDO A LUCÍA

Desmontando a Lucía, escrita y dirigida por Alberto Utrera (Yrreal, Impuros, Smoking Club) y protagonizada por Hugo Silva (Marbella, Un amor, Los amantes pasajeros), Susana Abaitua (Los Farad, Patria) y Julián Villagrán (Superstar, Goya al Mejor Actor de Reparto por Grupo 7), producida por Garajonay Producciones, llega a los cines distribuida por Tripictures.

Sinopsis: Lucía es detenida conduciendo el coche de su novio Héctor a toda velocidad, aturdida y ensangrentada. Tras un fin de semana en la playa con él y con Elena, su mejor amiga, los dos están desaparecidos. Lucía solo recuerda una “pequeña” discusión que terminó con una botella rota en la cabeza de Héctor, pero eso es todo. Esto complica la vida de Simón. ¿Un investigador privado? Simón prefiere considerarse a sí mismo un simple “perito judicial”. Cuando su socio Óliver, un abogado con problemas económicos a causa del juego, le encarga investigar a Lucía y las desapariciones, Simón no sabe que está a punto de llevar el peritaje a otro nivel. Obsesionado con las películas de cine negro de Bogart, Simón traspasará todos los límites al enamorarse de Lucía, la amnésica sospechosa del asesinato que investiga.

Con un universo visual muy particular, Desmontando a Lucía, se enmarca dentro de un nuevo cine negro con tintes de comedia ácida.

En palabras de su director, Alberto Utrera: «Las circunstancias que nos rodean marcan muchísimo nuestras acciones y decisiones pero, ¿también las justifican? Desmontando a Lucía es la historia de unos personajes que tratan de sobrevivir a estas circunstancias, haciendo lo que pueden con lo que tienen que, en el fondo, creo que es lo que todos hacemos. El espectador va a viajar con Simón, Óliver y Lucía, en un ejercicio de supervivencia marcado por una fina línea entre la locura y la cordura. La película es una declaración de amor al cine con el que crecí».

Desmontando a Lucía cuenta en el equipo técnico con Miguel Ángel García (Smoking Club, Sembrando el futuro) en la dirección de fotografía, María del Busto (Neverfilms, Pan y Circo) como directora de arte. Carlos Bonmatí (Obaba, Las 13 rosas, Airbag), como responsable del sonido. Alberto Utrera en montaje, Concha Campins (Tregua(s), Cervantes, la búsqueda) en la dirección de producción, Óscar Guimarey (Palacio Estilistas, Nasdrovia) en vestuario, Elena Castaño en maquillaje (El fantástico caso del Golem, Paraíso, Amar es para siempre) o Nuño Benito (Yrreal, Bajo la red), en los efectos visuales, The Lobby firma la música. Carlota Amor, Fede Pájaro y Juanjo Amor están a cargo de la producción ejecutiva. El rodaje se desarrolló en localizaciones de Madrid y Las Palmas de Gran Canaria.

Sobre el director

Alberto Utrera ha compaginado la publicidad, el cine y la televisión donde ha podido poner en práctica su bagaje en todos los departamentos de una productora. En el campo de la publicidad, se ocupa de la dirección y el montaje, desarrollando un destacado sentido del ritmo en diferentes tipos de narrativa. Su filmografía es la siguiente:

• Yrreal (serie ficción, 2021) Mención Especial del jurado en el Festival TV de Luchon
• Impuros (documental, 2021) Seminci, 66 Edición
• Sembrando el Futuro (documental, 2021)
• Bajo La Red (serie ficción, 2019) Globo de Oro en el World Media Festival de Hamburgo
• El Sentido del Cacao (documental, 2019) Biznaga de Plata al mejor cortometraje en el Festival de Málaga
• Neverfilms (serie ficción, 2018)
• Smoking Club (largometraje, 2017)

PÍDEME LO QUE QUIERAS

Pídeme lo que quieras es la adaptación cinematográfica de la popular novela erótica best seller de Megan Maxwell, dirigida por Lucía Alemany y protagonizada por Gabriela Andrada cómo Judith y Mario Ermito cómo Eric. El reparto principal de este proyecto está integrado por Paco Tous, David Solans, Celia Freijeiro, Alba Ribas y Joel Bosqued.

La saga Pídeme lo que quieras es un éxito en España y Latino América, acumulando más de 6 millones de ejemplares vendidos.

Sinopsis: Judith Flores es una chica normal. Tiene un trabajo que le apasiona, muy buenos amigos y un padre encantador, pero su vida cambia radicalmente el día que conoce a Eric Zimmerman, dueño de la empresa donde ella trabaja. Su relación con Eric está a punto de dinamitar su vida por completo.

Pídeme lo que quieras es una historia de amor basada en el exitoso best seller homónimo, que acumula más de 2 millones de ejemplares vendidos, escrita por Megan Maxwell, autora nº1 en ventas en el grupo Planeta.

Warner Bros Pictures presenta Pídeme lo que quieras una producción de Versus Entertainment, S.L, Warner Bros. Entertainment España, S.L, Guerreras Maxwell, A.I.E., Lyo Media, S.L. y 4 Cats Pictures, S.L.U. y con la participación de MAX y RTVE.

WINNIE THE POOH: EL BOSQUE SANGRIENTO

Sinopsis: Christopher Robin se alejaba de sus amigos Winnie-the-Pooh, Piglet, Owl y Tigger para ir a la universidad. Esto puso en peligro su supervivencia y provocó que tuviesen que valerse por sí mismos durante mucho tiempo, lo que los condujo a recuperar sus raíces salvajes. En esta secuela en su hogar, lo más profundo del Bosque de los Cien Acres, crece una furia destructiva cuando ven peligrar sus vidas después de que Christopher Robin revele su existencia. Abandonando la oscuridad en lo que se resguardaba, el grupo decide llevar su lucha al pueblo de Ashdown, hogar de Christopher Robin, dejando un sangriento rastro de muerte y caos a su paso.

Ficha técnica

Título original: Winnie The Pooh, Blood and Honey 2

Título Español: Winnie The Pooh, El Bosque Sangriento

País: usa

Estreno en USA: 26/3/2024

Estreno en España: 29/11/2024

Director: Rhys Frake-Waterfield

Reparto: Scott Chambers, Tallulah Evans, Ryan Oliva, Teresa Banham

Género: Terror

Distribuye en cines: Flins y Pinículas

EL MINISTRO DE PROPAGANDA

A Contracorriente Films estrena en cines El Ministro de Propaganda. Dirigida por Joachim A. Lang, la película narra cómo se creó la propaganda nazi de Goebbels, a quien da vida Robert Stadlober (serie Das Boot (El submarino)). Fritz Karl (Höhenangst) y Franziska Weisz (En el lugar del crimen) completan el reparto. La película opta por una ficcionalización basada en fuentes históricas, incluidos diálogos auténticos.

Sinopsis: El ministro de propaganda nazi, Joseph Goebbels, es el encargado de generar apoyo público para el Holocausto y para la guerra que está a punto de iniciar. Un maestro de la manipulación con gran poder de seducción que convenció al pueblo alemán de que solamente una persona podía volver a hacerlo grande: Adolf Hitler.

Hace unos 80 años tuvieron lugar los mayores crímenes de la humanidad: el Holocausto y la Segunda Guerra Mundial. El Ministro de Propaganda busca respuestas a importantes preguntas de la historia de una manera nunca antes demostrada: ¿Cómo pudieron los perpetradores llevar a cabo sus crímenes y por qué la mayoría de los alemanes siguieron a Hitler en esta catástrofe?

Esto no habría sido posible sin la poderosa maquinaria propagandística encabezada por Joseph Goebbels. El ministro dio forma a la imagen pública del nazismo, una imagen que sigue ejerciendo una influencia destructiva hasta el día de hoy. Goebbels transformó insidiosa y eficazmente las noticias en mentiras, las películas en obras de odio antisemitas, los documentos en falsificaciones y los discursos en diatribas. E incluso hoy, en la era de las noticias falsas y la guerra de desinformación, los agitadores y gobernantes modernos utilizan los mismos mecanismos de propaganda para ganar poder.

ESPERANDO LA NOCHE

Karma Films estrena en cines Esperando la noche, una película dirigida por la cineasta francesa Céline Rouzet que con su ópera prima, presentada en la Selección Oficial Orizzonti del Festival de cine de Venecia, nos propone una nueva mirada al cine de vampiros.

Inspirada en películas como La Mosca de David Cronenberg, Eduardo Manostijeras de Tim Burton o El Hombre Elefante de David Lynch, Esperando la noche es un drama fantástico, ambientado en la década de los 90, con un protagonista que no encaja en su entorno pero que quiere ser aceptado. La película formó parte de la Selección Noves Visions del Festival de Cine de Sitges donde destacó por su renovada visión de la mítica figura del vampiro.

Céline Rouzet nos sumerge en una atmósfera de misterio con elementos románticos y fantásticos que bajo el prisma del cine de género explora la adolescencia, la búsqueda de identidad y la aceptación. Con ello se une a una corriente de cineastas francesas independientes como Julia Ducournau (Crudo, 2016), Claire Denis (High Life, 2018) o Coralie Fargeat (La Sustancia, 2024) que apuestan por el género para contar sus historias desde una perspectiva diferente.

En Esperando la noche su protagonista Philémon no es un adolescente como los demás. Acaba de mudarse con su familia a un tranquilo barrio de las afueras donde hace todo lo posible por integrarse. Hasta el día en que se enamora de su vecina Camila. A partir de ese momento será difícil seguir ocultando su verdadera naturaleza.

BIRD

Este viernes llega a los cines Bird, la nueva y esperada película de Andrea Arnold, de la mano de AVALON.

Los actores de moda Barry Keoghan (Saltburn, Dunkerque, El sacrificio de un ciervo sagrado) y Franz Rogowski (Disco Boy, Passages), junto con la debutante Nykiya Adams, protagonizan lo nuevo de Arnold, Bird: una vitalista, poderosa y sorprendente película social con toques de fantasía.

La película celebró su premier mundial en la Sección Oficial del Festival de Cannes y también formó parte de PERLAK en el Festival de San Sebastián.

Sinopsis: Bailey, de 12 años, vive con su padre soltero Bug y su hermano Hunter en una casa ocupada del norte de Kent. Bug no tiene mucho tiempo para sus hijos y Bailey, que se acerca a la pubertad, busca atención y aventuras por su cuenta.

Recibida por la crítica como un gran paso adelante en el relato de la realidad social característico de Arnold, Bird supone toda una experiencia vital y emocional en pantalla grande. La cineasta, tres veces ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, nos invita a vivir un emotivo viaje, del realismo sucio al mágico, con un nuevo retrato del extrarradio... en el que siempre hay lugar para la imaginación.

Arnold mezcla nuevamente a actores naturales y profesionales con resultados excitantes. Un carismático triángulo protagonista formado por Keoghan, Rogowski y Adams alza el vuelo en Bird, una intensa y emotiva historia de supervivencia, pero también una celebración de la vida.

La que es una figura clave e indispensable del new social cinema británico agita sus alas para recordarnos que lo crudo y lo bello conviven a nuestro alrededor. La crítica ha destacado la originalidad de la propuesta, que introduce nuevos y sorprendentes elementos a su narrativa, y su poderosa energía, así como unas claras vibraciones que recuerdan al cine de Frank Capra.

Andrea Arnold

Arnold despuntó primero con sus cortometrajes, alzándose gracias a 'Wasp' con el Gran Premio del Jurado del Festival de Sundance y el Oscar en 2004.

Con su anterior largometraje, 'American Honey' (2016), alcanzó un logro casi único repitiendo por tercera ocasión el Gran Premio del Jurado del Festival de Cannes tras ganarlo con 'Red Road' (2006) y 'Fish Tank' (2009). Además, ha dirigido el laureado documental 'Vaca' así como episodios de series tan exitosas como 'Big Little Lies' y 'Transparent'.

Avalon

POR DONDE PASA EL SILENCIO

BTEAM PICTURES estrena Por donde pasa el silencio, la ópera prima de Sandra Romero. La película está basada en su corto homónimo y tuvo su estreno en el Festival de San Sebastián - Nuevos Directores. Ha podido verse también en el Festival de Sevilla.

Protagonizada por el trío de hermanos Antonio, Javier y María Araque junto a la nominada al Goya, Mona Martínez (Adiós, Las Niñas de Cristal); Nicolás Montoya (La Maniobra de la Tortuga), Emmanuel Medina y Tamara Casellas (Ama).

En palabras de la directora: "Por donde pasa el silencio, es una historia donde el tono oscila entre el drama y la comicidad de sus protagonistas, que suelen tratar con cierta ligereza los temas que más les afectan a nivel emocional, casi como una máscara que los protege de lo trágico. La idea es que este retrato parta de las voces y puntos de vista de sus protagonistas, para poder conseguir un relato único, complejo, con el drama y el humor, cada vez más necesario, que caracteriza a esta familia y que fue lo que más me hizo conectar con ella".

Sandra Romero consiguió el premio a la Mejor Dirección en el Festival de Málaga en el año 2020 con su cortometraje Por donde pasa el silencio y su siguiente corto, El perro de un torero, se estrenó en SEMINCI, con el apoyo de Comunidad de Madrid e ICAA, y en coproducción con Movistar+.

Por donde pasa el silencio es su primer largometraje y una de las óperas primas más esperadas del año.Durante el proceso de desarrollo formó parte del prestigioso programa Script Station de la Berlinale (2022) y de las Residencias de la Academia de Cine (2021/22), además participó en los laboratorios CIMA Impulsa (2020) y, Campus de Verano de la Academia (2022).

Sinopsis: En medio de la Semana Santa andaluza, Antonio se ve obligado a volver a Écija, desde Madrid, lugar donde reside. Su hermano mellizo, Javier, necesita su ayuda. Con ese regreso a la casa familiar, Antonio transita la vida que dejó allí. Lo que no sabe es si necesitará quedarse para siempre o podrá retomar el camino que él ha elegido.

Producida por PLAYA CHICA, MAMMUT (Ráfagas de vida salvaje), ICONICA (Nina, El Autor), AUNA PRODUCCIONES (La Pecera) y PASA EL SILENCIO A.I.E. Cuenta con la participación de RTVE, CANAL SUR y FILMIN, con el apoyo del ICAA, JUNTA DE ANDALUCÍA y COMUNIDAD DE MADRID.

LAS MARGARITAS

ATALANTE estrena en cines Las Margaritas, el clásico de culto de Vera Chytilová que llega a la gran pantalla por primera vez restaurada en 4K.

La nueva restauración en 4K de Las Margaritas se presentó en el Festival de Cannes 2022, como parte del programa Cannes Classics, y en Berlinale Restrospective en 2023. Considerada una de las grandes obras del cine feminista y de vanguardia del último siglo, Las Margaritas es una incontestable obra maestra del cine europeo, iconoclasta, rompedora y divertidísima. Una película tan actual hoy como en 1966, que desafió todas las normas de la época y que le costó a su directora, Vera Chytilová, una censura de hasta 7 años por parte de las autoridades checoslovacas.

Protagonizada por Jitka Cerhová e Ivana Karbanová, que interpretan a dos chicas que se llaman Marie y que hacen literalmente lo que les da la gana: comen, bromean, tocan la trompeta, nadan, bailan, comen más... Con una vitalidad y desparpajo que no tiene límites, Las Margaritas es una sátira punk y desenfrenada que revolucionó la Nueva Ola checoslovaca. Un llamado a la rebelión dirigido directamente a quienes defienden la opresión autoritaria en cualquier forma.

Sinopsis: Cuando el mundo parece estar echado a perder, dos jóvenes incontrolables se embarcan en una serie de travesuras en las que nada —la comida, la ropa, los hombres, la guerra— se toma en serio. Con una vitalidad y desparpajo que no tiene límites, Marie I y Marie II matan su aburrimiento aprovechándose de hombres mayores que las invitan a deliciosos banquetes, saboteando espectáculos públicos y haciendo añicos todo lo que se les pasa por la cabeza, en una odisea cada vez más desenfrenada y surrealista de glotonería, destrucción vertiginosa, y resistencia antipatriarcal en la Checoslovaquia de los años 60.

Considerada una de las grandes obras del cine feminista del último siglo, Las Margaritas es una sátira rebelde y visualmente deslumbrante con la que Vera Chytilová desafió todas las normas de la época. Una película adelantada a su tiempo, por primera vez en cines restaurada en 4K.

Sobre Vera Chytilová

Vera Chytilová (República Checa, 1929-2014) fue una directora de cine vanguardista y una de las pioneras de la llamada Nueva Ola del cine checoslovaco. Es considerada una de las más grandes directoras del país.

Estudió filosofía y arquitectura antes de ingresar en la Academia de Cine de Praga (FAMU), donde se convirtió en la primera mujer en estudiar dirección en la Escuela de Cine y Televisión. Desde el inicio de su carrera, su obra se caracterizó por la provocación, la crítica a los clichés formales de la institución cinematográfica, y por reflejar fuertes valores éticos personales. Las mujeres y su posición en la sociedad son algunos de los temas centrales de su obra.

Tras su primer largometraje, Hablemos de otra cosa (1963), Chytilová desempeñó un papel importante en la revitalización del cine checoslovaco, siendo parte de la Nueva Ola junto a directores como Milos Forman e Ivan Passer, y participando en la película manifiesto del movimiento, Las perlas del fondo del agua (1966). Su mayor éxito llegó con Las margaritas (1966), una sátira anarquista y experimental que le valió el reconocimiento internacional. Hoy en día es considerada una obra maestra vanguardista y un trabajo pionero del cine feminista.

Sin embargo, tras la ocupación de Checoslovaquia en 1968 por parte de la URSS, el cine irreverente y transgresor de Chytilová fue censurado por el gobierno comunista, y se le prohibió trabajar hasta 1975. Durante este tiempo, se dedicó a su familia, rodando ocasionalmente anuncios televisivos bajo el nombre de su segundo esposo, el director de fotografía Jaroslav Kucera.

A pesar de la opresión a la que continuó enfrentándose, Chytilová dirigió más de veinte largometrajes, documentales y episodios de televisión, manteniendo su estilo personal y mirada crítica y abordando temas controvertidos con un humor oscuro y ácido. Tras la Revolución de Terciopelo en 1989, se incorporó como profesora en la Academia de Cine de Praga, y en 2005 pasó a encabezar el Departamento de Dirección. Falleció en Praga el 12 de marzo de 2014, a los 85 años.

SANTIAGO: UN CAMINO ESPIRITUAL

Sinopsis: Santiago: Un Camino espiritual muestra el viaje espiritual de los peregrinos del Camino de Santiago, la ruta antigua hasta el lugar de la tumba del apóstol Santiago en la Catedral de Santiago de Compostela. El recorrido, físicamente exigente y espiritualmente desafiante, ha fascinado a personas de todo el mundo desde la Edad Media. La película sigue a algunos viajeros, compartiendo sus historias, la transformación de sus almas y el resplandor que se revela al final de sus jornadas. Dirigida por el obispo Donald Hying, la peregrinación a través de esa tierra santa busca inspirar al espectador en su propio viaje interior hacia una relación contemplativa con Dios.

Ficha técnica

Duración: 95 minutos

Año: 2023

País: Estados Unidos

Productora: Ahava Productions

Dirección: Erin Berghouse

Género: Documental

Distribuye en cines: European Dreams Factory

ENTREVISTA A CRISTIAN BETETA, DIRECTOR DEL CORTOMETRAJE "MI ZONA" - CANDIDATO A UNA NOMINACIÓN A LOS PREMIOS GOYA 2025

Mi zona, es el cuarto cortometraje de Cristian Beteta, que ya forma parte de los cortometrajes elegidos para ser candidato a Mejor Cortometraje de Ficción en los Premios Goya. Mi zona nace del amor que profesa Cristian a dos géneros cinematográficos: el wéstern y el terror.

Sinopsis: Paula conduce por medio del desierto cuando repentinamente su coche sufre una avería. La joven, que viene de una fiesta, decide esperar a que alguien aparezca para ayudarla.

Mi zona es una producción de Betetafilms, Holidays Production y Full Metal Media. La distribución corre a cargo de Distribition with Glasses.

Además de la dirección, Beteta se hace cargo del guion y el montaje de Mi zona, que esta protagonizado por Paula Usero y Diego Anido. 

Con más de sesenta selecciones en festivales, y pasando ya la treintena de premios, el cortometraje ha sido galardonado tanto en España como en el resto del mundo, poniendo como ejemplo: Cortogenia, Buenos Aires Rojo Sangre, Cinema de Terror de Sabadell, Premios Fugaz, Ribadedeva en Corto, Pucela Fantástica, Plasencia en Corto….entre otros.

Gracias a nuestrxs amigxs de Prisma Ideas hemos tenido la oportunidad de entrevistar al director del cortometraje, Cristian Beteta, cortometraje candidato a recibir una nominación a los Premios Goya 2025. Éste es el resultado de la entrevista:

BIOGRAFÍA DIRECTOR

Cristian Beteta (Barcelona, España, 20/02/1992). Su trabajo de final de grado fue el largometraje «Themesis» (2020), película en distribución que ha pasado por festivales de México, Canadá y España. En 2020 realiza un máster en Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC), donde dirige y produce los cortometrajes «Hasta siempre» e «Imaginario» (2021), seleccionados en festivales tan relevantes como Sitges Film Festival, Cortogenia, New Directors New Film Festival, Lille, Zaragoza, Elche, etc. Su trabajo final de máster, el cortometraje «Ayúdame» (2022), también ha tenido un exitoso recorrido en festivales y ha sido candidato a los Premios Gaudí. «Mi zona» es su cuarto cortometraje como director. PREMIOS Y SELECCIONES: Mi zona (My Zone) - Distribution with Glasses

EL CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN "CAFUNÈ", DE CARLOS F. VIGO Y LORENA ARES, SIGUE IMPARABLE SU RECORRIDO POR FESTIVALES

En tan solo 7 meses, desde su premiado estreno en el Festival de Málaga (Mención especial del Jurado), Cafunè, suma ya 28 galardones y más de 120 selecciones en todo el mundo, llevando su mensaje por festivales internacionales en Italia, India, Brasil, República Checa, Inglaterra, Ecuador, México, Francia, Grecia, Rumanía, Estados Unidos, Colombia, Nigeria…entre otros.

Cafunè narra la historia de Alma, una niña solitaria que revive su traumático pasado cuando su muñeca cae a la piscina, arrastrándola de vuelta al naufragio de la patera de la que fue la única superviviente. Luna, su rescatadora, la ayuda a superar su trauma y reconstruir su vida. Esta es la sinopsis de Cafunè el nuevo cortometraje de Carlos F. de Vigo y Lorena Ares, candidato a los Premios Goya al Mejor Cortometraje de Animación.

Premiado el pasado septiembre en el Festival de San Sebastián en el marco de la primera edición del Premio Loterías, Cafunè se convierte en una de las escasísimas películas de animación que han llegado a formar parte del palmarés de las 72 ediciones del festival.

Amnistía Internacional ha apoyado el proyecto desde sus inicios. En 2022 Cafunè fue la producción seleccionada en la convocatoria anual que la internacional ONG lanza en el marco del festival de Abycine, con el objetivo de premiar proyectos que visibilizan la situación de los derechos humanos en el mundo a través de historias y formatos artísticos.

Cafunè es una producción de Dr. Platypus & Ms. Wombat, White Leaf Producciones y Damián Perea Producciones. Cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura ICAA, Gobierno de Navarra, Fundación La Caixa y Fundación Caja Navarra, además de la mencionada Amnistía Internacional.

Con música de Mikel Salas, con más de 20 años de experiencia (Premio Europeo por Un día más con vida), y con la voz de la actriz gallega María Castro, Cafunè consigue en 8 minutos sobrecogerte el corazón al tiempo que llenarlo de esperanza.

Cafunè se ha realizado en animación tradicional digital 2d, contando con un equipo de artistas internacionales de primer nivel, evitando feísmos o movimientos abruptos, para amabilizar la historia y conseguir conectarla con el espectador.

NOTAS DE LOS DIRECTORES

“Cafunè es una bellísima palabra de la lengua portuguesa que no tiene traducción a nuestro idioma. Cafunè es acariciar el cabello de una persona querida mientras se duerme. Una palabra única para una historia que no deja de repetirse. Podrías pensar que para nosotros es una denuncia sobre el drama de los refugiados y el terrible papel de las mafias que lo retroalimentan a base de vidas humanas. O tal vez una crítica a un autodenominado “primer mundo” que ha aturdido su humanidad alistándose para justificarlo todo. Y sí, estarías pensando bien. Pero para nosotros, Cafunè es, sobre todo, una historia de amor. El amor de una madre que da su vida por ofrecer una oportunidad a su hija, el amor de una voluntaria por ayudar a los refugiados y que crece hasta convertirse en el salvavidas de Alma, una niña que representa demasiadas historias y vidas. Y el amor como emoción abanderada de la esperanza. Alma, nuestra protagonista, representa el drama de unos y las vergüenzas de otros.

Ni por un momento hemos dudado que Cafunè tiene que contarse a través de la técnica de la animación, adquiriendo forma de poema visual, para que la relativa distancia que el dibujo ofrece impida al espectador apartar la vista, y que la sensibilidad de los artistas aporte una nueva visión, más intuitiva, en busca de imprimir en su subconsciente las emociones que ya no sentimos de tanto ver esas imágenes y noticias a las que, día sí y día también, nos han expuesto hasta convertirlas en algo lejano que ya no nos emociona”.

BIOGRAFÍA DIRECTORES

Lorena Ares y Carlos F. De Vigo dirigen juntos los estudios Dr. Platypus & Ms. Wombat. Sus proyectos han sido seleccionados en más de 250 festivales, y cada uno de ellos ha sido nominado al Goya en dos ocasiones.

Su primer proyecto cinematográfico como codirectores y coguionistas fue el cortometraje de animación “Amanece la noche más larga” (2022), que estuvo nominado al Goya, ganó la Biznaga de Plata en el Festival de Málaga y estuvo preseleccionado para los Oscar, además de haber tenido más de 100 selecciones en festivales y 22 premios. La ópera prima de Carlos fue el largometraje de animación 2D “Memorias de un hombre en Pijama” (2018), nominada al Goya y premios Platino, entre otros, y ganador del premio Gaudí. Por su parte, la ópera prima de Lorena Ares “Hanna y los Monstruos” (2023) fue nominada al Goya y a los Gaudí, entre otros festivales. Su segundo cortometraje como codirectores, “Cafunè” (2024), ha sido premiado en el Festival de San Sebastián y en el Festival de Málaga y, en apenas 7 meses, acumula más de 120 selecciones y 28 premios. Actualmente codirigen “DinoGames”, un largometraje de animación 3D que es una coproducción internacional con Bélgica y cuenta con el apoyo de ICAA, RTVE, Gobierno de Navarra y distribución y ventas por parte de Filmax.

ACERCA DE DR. PLATYPUS & MS. WOMBAT

Dr. Platypus & Ms. Wombat Studios, es una productora especializada en animación 2D/3D, videojuegos y efectos digitales fundada hace 20 años por Carlos F. de Vigo. La compañía compagina la producción propia de proyectos con la prestación de servicios internacionales.

Entre otras, ha participado en el largometraje premiado en Cannes "Les Hirondelles de Kaboul" o la nominada al Goya “Hanna y los monstruos”, y en series de TV como la producción de HBO “Tiny Toon Looniversity”. A su experiencia se suman videojuegos distribuidos internacionalmente en las plataformas PlayStation 4 o WiiU. La línea editorial de la productora incluye la producción de cortometrajes independientes de alta calidad artística, como los multipremiados cortometrajes “Amanece la noche más larga” (2022), que cuenta con más de 100 selecciones y 22 premios en festivales, destacando una nominación al Goya y la Biznaga de Plata del Festival de Málaga y “Cafunè” (2024), que acumula más de 120 selecciones y 28 premios en festivales, entre los que destacan un premio en el Festival de San Sebastián y una Mención Honorífica en el Festival de Málaga. Actualmente están produciendo el largometraje de animación 3D “DinoGames”, (coproducción internacional con Bélgica, con el apoyo de ICAA, RTVE, Gobierno de Navarra y ventas internacionales de Filmax). “DinoGames” ha sido finalista en Annecy MIFA Pitch y en el Eurimages Co-production Development Award. Otros proyectos son: el cortometraje “SKIZO”en fase de producción, premio a proyecto de Movistar + en la Semana de Cine de Medina del Campo y la serie de animación 2D, en desarrollo, “Eva y Evariste” que se presentó en la última edición del Festival de Annecy.

ACERCA DE WHITE LEAF PRODUCCIONES

White Leaf Producciones es una productora cinematográfica fundada en el año 2011 con sede en Madrid. Su productor, Sergy Moreno, lleva más de 20 años trabajando en el sector. Sus tres pilares clave son la honestidad, el cariño y la perseverancia. La productora estrenó en 2021 su último largometraje titulado 'Josefina' que contó con la participación de RTVE, Telemadrid, Castilla La Mancha Media y el apoyo de ICAA y la Comunidad de Madrid. 'Josefina' tuvo su première mundial en la sección New Directors del Festival Internacional de San Sebastián 2021 con una maravillosa acogida y contó con 3 nominaciones a los Premios Goya de 2022. Entre sus producciones también encontramos el largometraje de ficción 'No sé decir adiós' (2017) premio Goya 2018 a Mejor actriz protagonista. De todos sus cortometrajes hasta la fecha, cabe destacar 'Australia' (2017), nominado a los Goya 2018, 'Mi vida al principio' (2022) y 'Muero por volver' (2019), ambas candidatas a los Goya en sus respectivos años. Sus producciones suman más de 200 premios nacionales e internacionales. En la actualidad, White Leaf está terminando la postproducción de su nuevo largometraje de ficción 'Singular', dirigido por Alberto Gastesi ('La quietud en la tormenta'), protagonizada por Patricia López Arnaiz (Goya por ‘Ane’) y Javier Rey (Biznaga de Plata por ‘Sin fin’,); con la participación de RTVE, EITB y el apoyo de ICAA, Gobierno Vasco, Comunidad de Madrid y Ayuntamiento de Madrid'. Para 2025 está previsto el rodaje de ” Sam” largometraje de ficción dirigido por Albert Blanch, en coproducción con DDM Visual, Filmax y con la participación de ICEC y TV3.

ACERCA DE DAMIÁN PEREA PRODUCCIONES

Una carrera prolífica que abarca cine, publicidad y videoclips, con destacados como el premiado corto Podría Ser Peor (1999), que recibió múltiples reconocimientos internacionales y una nominación a los Premios Goya. Dirigió la animación de campañas publicitarias aclamadas (Los García, 2001) galardonadas con premios europeos. Realizó proyectos de animación notables como Locos por el Cine (2003), seleccionados en festivales internacionales, y produjo obras encargadas para iniciativas culturales capital cultural europea (Una Luz en el Océano y Dreams come true). Es uno de los creadores del Festival Internacional de Cine de Animación Videojuegos y Efectos Visuales Animayo. El único festival español que califica a los Oscars.

"ELIO" - YA DISPONIBLES EL NUEVO TRÁILER Y PÓSTER

¿Qué pasaría si lo que estás buscando te encontrase a ti primero? En la odisea cómica de Pixar Animation Studios, Elio, obsesionado con los alienígenas, descubre la respuesta a su pregunta cuando le transportan al Comuniverso, un paraíso interplanetario que alberga vida inteligente de galaxias muy, muy lejanas. Pero cuando le confunden con el líder de la Tierra, tendrá que crear vínculos inesperados, sortear una crisis de proporciones intergalácticas y asegurarse de no perder la oportunidad de hacer realidad su mayor sueño.

Elio, que se estrenará solo en cines en verano de 2025, cuenta con las voces en la versión original de Yonas Kibreab como Elio, Zoe Saldaña como Tía Olga, Remy Edgerly como Glordon, Brad Garrett como Lord Grigon, Jameela Jamil como la Embajadora Questa y Shirley Henderson como OOOOO.

La película está dirigida por Madeline Sharafian (cortometraje Madriguera de Sparkshort), Domee Shi (cortometraje de Bao, Red) y Adrian Molina (coguionista/codirector de Coco) y producida por Mary Alice Drumm (productora asociada de Coco).

ENTREVISTA A MANUEL CASTILLO HUBER, DIRECTOR DEL CORTOMETRAJE "EL MONSTRUO DE LA FORTUNA" - CANDIDATO A UNA NOMINACIÓN A LOS PREMIOS GOYA 2025

Ramón Salazar, aclamado director de La Enfermedad del Domingo y la exitosa serie Élite, presenta su más reciente proyecto como productor: El Monstruo de la Fortuna, dirigido por Manuel Castillo Huber. Este cortometraje sigue acumulando premios, incluyendo los más recientes en el Festival de Cine de Zamora, donde ganó Mejor Cortometraje y Mejor Actor (Raúl Prieto). Ahora, se presenta como un fuerte candidato para lograr una nominación a los Premios Goya 2025, posicionándose entre las producciones más destacadas de la temporada.

El cortometraje ha debutado internacionalmente comenzando con el prestigioso Puerto Rican Heritage Film Festival de Nueva York, seguido del VitaFest en Santiago de Chile a finales de mes.

El Monstruo de la Fortuna (Manuel Castillo Huber, 2024) ha sido descrito como una de las propuestas más seductoras y atractivas de los festivales recientes. La historia narra el posible encuentro secreto entre la reina Isabel de Borbón y el dramaturgo de la corte Pedro Calderón de la Barca. Ambientada en un único escenario, los aposentos de la reina, la cinta logra capturar el interés constante de la audiencia con una trama que equilibra intrigas palaciegas y la lucha de la mujer por encontrar su lugar en la historia del arte.

Gracias a las magistrales interpretaciones de Raúl Prieto y Maria Olga Matte, la película profundiza en las tensiones de poder y ambición en la corte de Felipe IV, mientras aborda la invisibilidad de las mujeres en la creación artística. Los diálogos, aunque no en verso, incorporan el lenguaje y los matices del castellano antiguo, lo que añade autenticidad y una atmósfera barroca que evoca los mejores trabajos de Pilar Miró. La música y el diseño visual, con tonos que recuerdan a Alatriste y la decadencia de Barry Lyndon, ofrecen una experiencia estética inolvidable.

La fuerza de El Monstruo de la Fortuna reside en la actuación de sus protagonistas, Raúl Prieto (Antidisturbios, Un cuerpo en llamas) y la actriz chilena Maria Olga Matte (Araña, Machuca), quienes llevan a cabo un tour de force en pantalla, generando una tensión palpable entre sus personajes que ha conquistado a la crítica y al público por igual.

El cineasta Ramón Salazar y Manuel Castillo Huber fundaron la productora La Sierra Produce en 2021, con el objetivo de crear contenidos originales que exploran las complejidades humanas. El Monstruo de la Fortuna es la primera producción de La Sierra Produce, realizada con el apoyo de Elamedia Estudios con Roberto Butragueño, y Quiet Producciones, fundada por la actriz de Élite Mina El Hammani, ambos productores asociados en este proyecto.

Gracias a nuestrxs amigxs de Prisma Ideas hemos tenido la oportunidad de entrevistar al director del cortometraje, Manuel Castillo Huber, cortometraje candidato a recibir una nominación a los Premios Goya 2025. Éste es el resultado de la entrevista:

Biografía de Manuel Castillo Huber

Manuel Castillo Huber es director, productor y profesor de actores. Imparte clases de interpretación en España y Latinoamérica, con una extensa carrera como actor antes de dar el salto a la dirección. Tras años de trabajar frente a las cámaras y en teatro, decidió formarse como director en Los Ángeles y debutó con su primer cortometraje, Ahí, Dentro, que se estrenó en el prestigioso festival ZINEBI. El Monstruo de la Fortuna es su segundo proyecto cinematográfico, donde explora la historia, el poder y las complejidades humanas desde una perspectiva fresca y moderna.

Con una agenda de festivales llena y una candidatura oficial a los Premios Goya 2025, El Monstruo de la Fortuna sigue captando la atención de la crítica y el público.

ESTRENOS DE CARTELERA - 22 DE NOVIEMBRE DE 2024

WICKED

Sinopsis: Tras dos décadas como uno de los musicales más aclamados y longevos en escena, Wicked llega a la gran pantalla para convertirse en un esperadísimo y espectacular evento cinematográfico que definirá una era.

Dirigida por el aclamado cineasta Jon M. Chu (Crazy Rich Asians (Locamente millonarios), En un barrio de Nueva York), Wicked es el primer capítulo de una fascinante celebración en dos partes de todo un fenómeno cultural. 

Wicked, la historia jamás contada de las brujas de Oz, está protagonizada por la deslumbrante ganadora de un Emmy, un Grammy y un Tony Cynthia Erivo (Harriet, el musical de Broadway El color púrpura) en el papel de Elphaba, una joven incomprendida por su inusual color verde de piel que aún no ha descubierto su verdadero poder, y por la superestrella mundial ganadora de varios Grammy y discos de platino, Ariana Grande, interpretando a Glinda, una popular joven marcada por sus privilegios y su ambición que aún no ha descubierto su verdadera pasión.

Las dos se conocen como estudiantes de la Universidad de Shiz en la fantástica Tierra de Oz y forjan una insólita pero profunda amistad. Tras un encuentro con el Maravilloso Mago de Oz, su amistad llega a una encrucijada y sus vidas toman sendas muy distintas. Con su inquebrantable deseo de popularidad, Glinda se deja seducir por el poder, mientras que la determinación de Elphaba de permanecer fiel a sí misma y a los de su alrededor tendrá inesperadas e impactantes consecuencias en su futuro. Las extraordinarias aventuras de ambas en Oz acabarán llevándolas a cumplir sus respectivos destinos como Glinda, la Bruja Buena, y la Malvada Bruja del Oeste.

La película cuenta también en su reparto con la ganadora del Oscar Michelle Yeoh como Madame Morrible, la imponente directora de la Universidad de Shiz; Jonathan Bailey (Los Bridgerton, Compañeros de ruta) dando vida a Fiyero, un príncipe despreocupado y canalla; el nominado a los Tony Ethan Slater (el musical de Broadway de Bob Esponja, Fosse/Verdon) en el papel de Boq, un altruista estudiante munchkin; Marissa Bode en su debut en la gran pantalla encarnando a Nessarose, la querida hermana de Elphaba; y el icono de la cultura pop Jeff Goldblum convertido nada menos que en el legendario Mago de Oz.

El elenco de personajes incluye a Pfannee y ShenShen, dos conspiradoras compatriotas de Glinda interpretadas por la nominada al Emmy Bowen Yang (Saturday Night Live) y por Bronwyn James (Harlots: Cortesanas); un nuevo personaje creado para la película, la Srta. Coddle, interpretada por la nominada al Tony Keala Settle (El gran showman) y el cuatro veces ganador del Emmy Peter Dinklage (Juego de Tronos) dando voz al Doctor Dillamond.

Wicked está producida por Marc Platt (La ciudad de las estrellas (La La Land), La sirenita), cuyas películas, series de televisión y producciones teatrales le han valido un total de 46 nominaciones a los Oscar, 58 nominaciones a los Emmy y 36 nominaciones a los Tony; así como por el ganador de múltiples Tony David Stone (Kimberly Akimbo, Casi normales), con quien Platt ya produjo la superexitosa obra musical Wicked. Los productores ejecutivos son David Nicksay, Stephen Schwartz y Jared LeBoff.

Basada en el best seller de Gregory Maguire, Wicked ha sido adaptada para la gran pantalla por el autor de libretos para producciones teatrales Winnie Holzman y por el legendario compositor y letrista galardonado en los Grammy y los Oscar Stephen Schwartz. El musical de Broadway está producido por Universal Stage Productions, Marc Platt, the Araca Group, Jon B. Platt y David Stone.

LAS CHICAS DE LA ESTACIÓN

Coescrita por Juana Macías y la guionista Isa Sánchez (El ministerio del tiempo, Malaka, Alegría), y dirigida por Juana Macías, Las chicas de la estación cuenta con un elenco encabezado por Julieta Tobío, Salua Hadra y María Steelman en su primer trabajo como actrices seleccionadas tras un casting realizado en toda España durante más de un año por Eva Leira y Yolanda Serrano.

Las chicas de la estación es una producción de FeelGood Media (Juana Macías, Juan Moreno y Guilermo Sempere), Kowalski Films (Koldo Zuazua), La Perifèrica Produccions (Bàrbara Ferrer, Montse Rodríguez y Cesc Mulet) y Las chicas de la estación A.I.E. Cuenta con la participación de RTVE, IB3 y Movistar Plus+, y la ayuda del Ministerio de Cultura - ICAA, Fundació Mallorca Turisme, Mallorca Film Commission, Comunidad de Madrid y Ayuntamiento de Madrid. La película se estrenará en España en el último trimestre de 2024 con distribución de A Contracorriente Films y las ventas internacionales corren a cargo de Film Factory.

Las chicas de la estación tiene una banda sonora de música urbana, que es un hilo narrativo más en la película y un espejo en el que se miran las protagonistas. Una banda sonora en la que hay estrellas consolidadas y jóvenes promesas, pero en la que se prioriza la voz de artistas femeninas como Albany, Gata Cattana, Kitty110, L’Beel, La Blackie, La Zowi Dalila…cuyas letras hablan de supervivencia, de dolor, de respeto, violencia, desarraigo, que es el mundo que refleja la película.

Sinopsis: Jara, Álex y Miranda son tres chicas que han crecido en un centro de menores sin saber qué es el amor sin condiciones. Es el cumpleaños de Jara y las tres quieren celebrarlo en el concierto de su trap queen preferida. Ellas no tienen dinero ni muchas formas de conseguirlo, pero por el barrio está siempre una chica algo mayor, ex interna de su mismo centro, que les ofrece citas con adultos en los baños de la estación. Poco a poco y creyendo tener el control, se van viendo atrapadas en una red de prostitución de menores. La violación múltiple a una de ellas acabará por darle la vuelta a todo.

El origen de la historia

El 8 de enero de 2020 aparece publicada en un diario de Mallorca una noticia que causa gran alarma: una menor de 13 años ha sido presuntamente violada por un grupo de chicos en Nochebuena.

La atención mediática ayuda a poner encima de la mesa que son muchas las menores tuteladas que están siendo víctimas de abusos sexuales y que es algo que llevaba sucediendo años. La Policía lo sabía. Los educadores lo sabían. Parecía que ahora que la sociedad lo sabía las cosas iban a cambiar… Pero tiempo después de aquel escándalo, la situación sigue prácticamente igual. Los autores de la violación han sido condenados a un año de internamiento y 8.500 euros de indemnización para la víctima, pero la mayoría de denuncias continúan a la espera de juicio, los políticos siguen con acusaciones cruzadas y cada pocos meses, hay una nueva noticia que pone en evidencia la ineficacia del sistema para proteger a las menores tuteladas de toda España de los abusos sexuales y las redes de prostitución.

El “Caso Sana” en Madrid, o los 12 detenidos en Asturias el pasado mes de mayo por explotar sexualmente a 5 menores de centros de acogida son los últimos ejemplos, la punta del iceberg de un problema que tiene unas raíces demasiado grandes pero que no deja de asomar por las rendijas.

Notas de la directora

"Esta es una película sobre una realidad durísima. Una realidad invisible o, mejor dicho, una realidad a la que nadie quiere mirar, y cuando se hace, se tiende a culpabilizar a las víctimas porque tienen problemas feos, porque se escapan de los centros, beben, se drogan… y rara vez se pone el foco en los abusadores".

"Es una historia donde hay dureza y denuncia, pero donde he buscado también que haya energía y belleza. La belleza de la amistad, de la esperanza, de la música, de la adolescencia, de los proyectos de vida llenos de ilusión, de la ingenuidad".

"En el fondo, "Las chicas de la estación" es una historia sobre la capacidad infinita del ser humano de resistir y florecer en las peores circunstancias. Estoy segura de que los espectadores, además de descubrir la vida de nuestras protagonistas, descubrirán las lecciones que solo pueden enseñar aquellos a quienes les han tocado las peores cartas en la vida, y que, a pesar de eso, luchan cada día para mejorar su suerte".

RAQA

La nueva película dirigida por Gerardo Herrero, Raqa es un thriller de espías que nos adentra en el corazón del Estado Islámico y en las tinieblas de la Yihad.

La película tuvo su premier mundial el pasado fin de semana en el Festival de Sevilla y se pudo ver en el Festival Internacional de Cine de Almería, FICAL.

Raqa está protagonizada por Álvaro Morte (La casa de papel; Después de la tormenta) y Mina El Hammani (Élite, Operación Marea Negra; Historias para no dormir). Abdelatif Hwidar (The Crown, Mano de Hierro), Fariba Sheikhan (La Unidad), Ben Temple (Llegaron de noche), Sara Hwidar, Cristina Kovani (serie La Caza), Déborah François (El niño) y Juan Carlos Vellido (Bajo Terapia) completan el reparto.

El guion lo firma Irene Zoe Alameda y está basado en la novela “Vírgenes y verdugos” de Tomás Bárbulo, uno de los escritores que mejor conoce el mundo árabe.

Sinopsis: 2014. En las peligrosas calles de Raqa, el espía internacional, Haibala (alias El Saharaui), intenta dar caza a El Jordano, uno de los jefes del ISIS más buscados del momento. No es el único infiltrado en Siria. Malika, una enfermera de Ceuta al servicio de la Europol, ha llegado a Raqa con el mismo propósito. En un escenario marcado por las ejecuciones sumarias, la esclavitud de las mujeres y los bombardeos, Haibala y Malika intentarán cada uno por su lado cumplir con su misión: localizar y entregar al cabecilla de la organización fundamentalista y precipitar la caída del ISIS.

La película se rodó en Casablanca y Marrakech (Marruecos) y ya en España, en el desierto de las Bárdenas Reales, en Tafalla y en otras localizaciones de Navarra.

Raqa es una producción de Tornasol Media y Malika y el Saharaui A.I.E en coproducción con Angle Production (Marruecos) que cuenta con la participación de RTVE y Prime Video. La película será distribuida en España por DeAPlaneta. 

ODDITY

La película irlandesa Oddity, una de las cintas de terror más aclamadas del año y que se alzó con el Premio del Público al Mejor Largometraje en la 35 edición de la Semana de Cine de Terror de San Sebastián, se estrena este viernes en cines de toda España de la mano de Versión Digital y Yoda Films.

Elogiada por “Días de Cine” de RTVE, que la describió como “una cinta que no hay que perderle la pista”, Oddity ha recibido también el reconocimiento de los principales portales de cine de terror de nuestro país. Aullidos la califica como "una de las sensaciones del año", mientras que TerrorActo destaca sus “buenas interpretaciones, buen guion y buenos sustos”, posicionándola “directa a lo mejor de 2024”. Además, el cineasta Mike Flanagan (Doctor Sueño, La Maldición de Hill House), una de las figuras más reconocidas del terror contemporáneo, no ha dudado en recomendar la película, señalando que le “encantó” y que “todos deberían verla”, ya que es “alucinante y muy divertida”.

Oddity es un thriller sobrenatural en el que maldiciones, objetos embrujados y médiums se entrelazan en una historia llena de tensión, que se ha destacado por su original enfoque y su atmósfera inquietante. La trama sigue a Darcy, una psíquica y coleccionista de curiosidades que, un año después del asesinato de su hermana gemela, visita a su cuñado y su nueva pareja en la remota finca donde tuvo lugar el crimen. Convencida de que la muerte de su hermana oculta un oscuro secreto, Darcy llega acompañada de un siniestro muñeco de madera a tamaño real, una figura que se convierte en uno de los elementos más perturbadores y cruciales de la película.

Este muñeco de madera, similar a un gólem, ha sido uno de los puntos más comentados por el público y la crítica. Su presencia, aunque enigmática, añade una capa extra de terror, recordando a personajes icónicos del cine de horror, pero con una fuerza propia y única. El reparto cuenta con actores como Gwilym Lee (Bohemian Rhapsody), Carolyn Bracken (You are not my mother) y Tadhg Murphy (The Northman), entre otros.

El director Damian Mc Carthy, tras su debut internacional con Caveat en 2020, ha logrado distinguirse en el panorama del cine de terror por su enfoque innovador y su capacidad para transformar elementos clásicos del género en experiencias sorprendentes y perturbadoras. Oddity, su segundo largometraje, ganó a principios de este año el Premio del Público en la sección Midnighters del festival SXSW (South by Southwest) y actualmente mantiene un 96% de aprobación en Rotten Tomatoes, basado en más de 100 críticas profesionales.

Durante su estreno en España, la película estará disponible tanto en versión original subtitulada en español (VOSE) como en versión doblada al español (VE).

CLOUD

Cloud, la nueva película dirigida por Kiyoshi Kurosawa (La mujer del espía, Cure, Tokyo Sonata, Kairo (Pulse) o Bright Future), se estrena en cines este viernes de la mano de A Contracorriente Films. La película ha sido seleccionada por Japón para ser la candidata en la próxima edición de los Premios Oscar, como lo fue el año pasado Perfect Days de Wim Wenders.

Cloud se presentó en el Festival de Venecia, en el Festival de Toronto y en la Sección Òrbita del Festival de Sitges.

Kiyoshi Kurosawa, ganador del premio al Mejor Director en el Festival de Venecia por su película La mujer del espía, y quien este año ha recibido el premio al "Director asiático del año" en el Festival Internacional de Busan, escribe y dirige este thriller que reflexiona sobre el odio que se propaga en internet. Protagonizada por el popular actor Masaki Suda (Cien flores, Ah, Kôja, El chico y la garza), Kotone Furukawa (La ruleta de la fortuna y la fantasía, Revolver Lily), Daiken Okudaira (Kimi wa Hokago Insimnia, Maza) y Amane Okayama (Amor en aguas turbulentas).

Sinopsis: Ryosuke Yoshii trabaja en una pequeña fábrica de Tokio, mientras se gana la vida revendiendo productos por Internet. Comprar barato, vender caro: así de sencillo. Cuando consigue una gran cantidad de dinero, abandona la fábrica y se traslada al campo con su novia para dedicarse de lleno a la reventa. Paralelamente, la gente a la que ha engañado con sus productos, se organiza para vengarse.

EL VIGILANTE NOCTURNO

Tras su paso por el reciente festival de Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ( Sección Panorama), el esperado thriller psicológico El Vigilante nocturno: demonios heredados de Ole Bornedal, llega a los cines de toda España  de la mano de Filmax y Divisa Films.

El Vigilante nocturno: demonios heredados recupera los personajes y misterio del thriller original El vigilante nocturno, de 1994, que se convirtió en un éxito instantáneo, tanto en Dinamarca como a nivel internacional, y ganó 5 Premios Robert (los Goya del cine danés), incluyendo mejor película. El filme original se presentó en festivales de todo el mundo como Cannes, Toronto y Berlín y tuvo un remake protagonizado por Ewan McGregor y Nick Nolte, que el propio Bornedal dirigió.

Ahora, casi 30 años después, Bornedal vuelve a ese universo con los mismos protagonistas: Nikolaj Coster-Waldau (nominado al Emmy por Juego de tronos) y Kim Bodnia (nominado al BAFTA por Killing Eve). El reparto se completa con Fanny Leander Bornedal (Borgen, El puente), Paprika Steen (Concha de Plata a la mejor actriz en el Festival de San Sebastián por Corazón silencioso), Alex Høgh Andersen (A War (Una guerra)), Sara Viktoria Bjerregaard y Vibeke Hastrup.

Sinopsis: Emma (Fanny Leander Bornedal), una joven estudiante de medicina, ha aceptado el trabajo de vigilante nocturno en el departamento forense. Su padre, Martin (Nikolaj Coster-Waldau), es un hombre traumatizado que parece esconder un terrible secreto desde que su madre se suicidó cuando Emma tenía tan solo 10 años. Ahora, decidida a encontrar la verdad de lo que sucedió a sus padres, se cruzará con un asesino en serie que parece achecharla por un extraño motivo. Los demonios heredados despertarán sed de venganza…

Notas del director: “El Vigilante nocturno (1994) fue un éxito mucho mayor de lo que yo y todo el mundo esperábamos. Tanto a nivel nacional como internacional. Probablemente porque en muchos aspectos era una historia bastante personal con la que muchos podían identificarse: Bajo el suspense y el horror, era también una historia generacional sobre crecer, madurar y liberarse de la anarquía juvenil. Sólo entonces pudieron los dos jóvenes, Jens y Martin, convertirse en adultos. Y ahora ha llegado el momento de volver a ellos y a las nuevas generaciones que los rodean. El Vigilante nocturno: demonios heredados trata sobre el legado. Sobre el silencio en las familias. Sobre los traumas, los cortes y las heridas que se dejan vivir a través de las generaciones. Y además, es emocionante volver al género condensado que es el terror. Besar a los demonios, sacarlos a la luz por un momento. Mirarlos a los ojos y pensar: «Menos mal que sólo es una película»”.

Biografía del director: Ole Bornedal es director y guionista de cine, y tiene experiencia tanto en largometrajes como en series de televisión. Está detrás de varias películas danesas importantes, como “Just Another Love Story”, “Deliver us from Evil” y “The Way to Mandalay”. Tuvo su gran oportunidad con el clásico de culto “El Vigilante Nocturno”, de 1994, que también inició su carrera internacional con el remake estadounidense “La sombra de la noche”, de 1997. Las películas de Bornedal han sido aclamadas por la crítica en todo el mundo y es reconocido como uno de los creadores más influyentes del «Nuevo Cine Danés».

TIEMPO COMPARTIDO

La nueva película de Olivier Assayas (Personal Shopper, Viaje a Sils Maria) es una divertida comedia que tuvo su premiere mundial en la Sección Oficial a Competición de la Berlinale. A nivel nacional, la película estuvo en la Sección Oficial de la SEMINCI. 

Protagonizan la historia Vincent Macaigne (Dobles Vidas, Las cosas que nos decimos, las cosas que hacemos, Crónica de un amor efímero) y la comediante francesa Nora Hamzawi, colaboradores habituales en los proyectos de Assayas. Completan el reparto Micha Lescot (La gran juventud) y Nine d’Urso (El sucesor).

Sinopsis: Paul, un director de cine, y su hermano Etienne, un periodista musical, se encuentran atrapados en la casa de su infancia junto a sus parejas, Morgane y Carole. Mientras el mundo exterior se vuelve cada vez más inquietante, los cuatro deben enfrentarse al paso del tiempo, los recuerdos y los secretos ocultos. A medida que lidian con estas tensiones, descubren que sus mejores herramientas son las artes, el romance y la comedia, que impregnan incluso los momentos más cotidianos.

Tiempo compartido llega a nuestras pantallas de la mano de Adso Films.

UNA VIDA EN SECRETO

Sinopsis: Daniel, un rico soltero neoyorquino (Richard Gere), se ve obligado a evaluar sus elecciones de vida cuando descubre que una ex novia suya (Suzanne Clément) dio a luz a su hijo después de su separación hace 20 años.

Dirigida por Savi Gabizon, quien también firma el guión, la película cuenta en su reparto con Richard Gere, Suzanne Clément, Lisa Truong, Gordon Fulton, Carlos Jimenez-Rauda, Maya Misaljevic, Eve Murray, Vania Giusto, Michelle Giroux y Evan Buliung.

Una vida en secreto llega a nuestras carteleras de la mano de Tripictures. 

TODA UNA VIDA

VERCINE estrena en salas Toda una vida, película dirigida por Hans Steinbichler basada en la novela homónima de Robert Seethaler, un éxito de ventas con más de 1 millón de copias solo en Alemania y estuvo nominada a 4 Premios del Cine Alemán, entre los que destaca el de Mejor Película. Su protagonista, Stefan Gorski fue galardonado como Mejor Actor en los Premios Bávaros del Cine

Publicada por primera vez en 2014, Toda una vida es una obra maestra literaria que ha sido traducida a más de cuarenta idiomas y que fue preseleccionada para el Premio Internacional Booker en 2016. Paralelamente a su éxito comercial, recibió elogios de la crítica de todo el mundo y se la considera una novela que va en contra de la naturaleza inquieta del siglo XXI.

El autor, Robert Seethaler, también es guionista y actor. Su novela The Tabacconist y el guión de My mother, my bride and I, fueron ambos adaptados al cine. Esta última marcó su primera colaboración con el director Hans Steinbichler.

Sinopsis: A principios del siglo XX, el joven huérfano Andreas es enviado a vivir con su despiadado tío a una granja en un valle remoto; un valle que Andreas solo dejará una vez en su vida. Tratado no como familia sino como trabajador, Andreas vive una infancia sin afecto, llena de brutalidad y trabajos forzados. A la edad de 18 años, Andreas solo ha visto dificultades, pero encuentra el coraje para dejar a su opresor. Aunque en parte lisiado por su tío, se ha convertido en un hombre fuerte y encuentra trabajo como leñador. Trabaja en la construcción de un invento: el teleférico de montaña. Andreas no es ajeno al trabajo duro, y ahora que está ganando su propio dinero, se compra una pequeña parcela de tierra con una cabaña en lo alto del valle. Pronto encuentra algo que nunca antes había experimentado: el amor. Marie se convierte inmediatamente en la luz de su vida, pero su sueño de una vida feliz juntos pronto se hace añicos. Sintiéndose abatido, Andreas se alista como soldado en la Wehrmacht alemana. Al encontrarse cara a cara con la muerte en el Cáucaso ruso, solo piensa en Marie. Después de haber sobrevivido a la locura de la Segunda Guerra Mundial, Andreas regresa al valle y a un mundo diferente. Con Marie siempre en su corazón, Andreas acepta y valora el tiempo que le queda con serenidad.

“Como director, Toda una vida es para mí un gran paso hacia adelante. La historia se revela como un drama y afecta a mis orígenes y raíces. Sin embargo, mientras la película va avanzando y comienza a tomar forma, integrada en la tradición del gran cine narrativo europeo. Es una parábola sobre los temas polarizadores centrales de nuestras vidas: el amor y la muerte. Estos temas son un espejo de nuestra inquieta y auto-optimizada sociedad de la eficacia. El viaje del protagonista Andreas Egger fue para mí una experiencia existencial que ahora deseo compartir con espectadores de todo el mundo.”, comenta Steinbichler.

Sobre Hans Steinbichler: Su primer largometraje Hierankl (2003), protagonizado por Johanna Wokalek y Barbara Sukova, recibió numerosos premios. Su segundo largometraje, Winter Journey (Winterreise –2005), protagonizado por Sibel Kekili y Hannah Schygulla, se estrenó en competición oficial en el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary y fue nominado a Mejor Largometraje en los Premios del Cine Alemán. Con My mother, my bride and I (Die Zweite Frau – 2007), Steinbichler estrenó la película en el Festival Internacional de Cine de Toronto y ganó por segunda vez el prestigioso Premio Grimme a la dirección cinematográfica. Después de Promising the moon (Das Blaue vom Himmel – 2011), que ganó el premio a la Mejor Película en los Premios del Cine Bávaro, recibió una llamada de la Escuela Internacional de Cine de Colonia (IFS) para enseñar dirección. Regresó al cine en 2016 con The diary of Anne Frank (Das Tagebuch der Anne Frank). La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Berlín y le valió el Premio a la Dirección de la Metrópolis Alemana, que volvió a recibir dos años después por The unheard woman (Eine unerhörte Frau – 2018). Con Toda una vida (Ein ganzes Leben – 2023), Steinbichler se hace cargo de la adaptación de la exitosa novela publicada en todo el mundo.

BORGO

Este viernes llega a las salas de cine Borgo, el nuevo thriller carcelario del director de La chica del brazalete, Stéphane Demoustier.

Borgo está inspirada en un doble asesinato ocurrido en Córcega en 2017, donde la actriz Hafsia Herzi interpreta magistralmente a una guardia de prisión ambigua y contradictoria. ¿Cómo se puede pasar en tan solo unos meses de tener una vida normal a tener la de una criminal? Con Borgo el cineasta francés intenta darle una explicación a este cambio, o, más bien, a esta caída en picado.

Sinopsis: Melissa, una experimentada funcionaria de prisiones de 32 años, se muda a Córcega con sus dos hijos y su marido. Es su oportunidad para comenzar una nueva vida Empieza a trabajar en un centro penitenciario que es muy diferente a los demás. Allí, se dice que son los presos los que vigilan a los guardias. Melissa logra integrarse gracias a Saveriu un joven recluso que parece ser influyente allí dentro y la pone bajo su protección. Sin embargo, cuando Saveriu queda en libertad, vuelve a ponerse en contacto con Melissa para pedirle un favor, con el que se pone en marcha una peligrosa mecánica.

La película llega a nuestras carteleras de la mano de Festival Films.

MI HERMANO ALI

Sinopsis: Una increíble historia de amistad a lo largo de doce años, en los que la cineasta española, Paula Palacios ha seguido a Ali, un joven que huyó de la guerra en Somalia a la edad de catorce años. Su encuentro en una cárcel de Ucrania en 2012, provoca un giro en la vida de Ali. Filmada en Ucrania, EE.UU, Catar, Arabia Saudí y España, a menudo por el propio Ali, Mi hermano Ali es una historia sobre crecimiento personal en un mundo hostil, en el que intentando cumplir «el sueño americano», Ali cuestiona su suerte y se lanza en busca de una nueva tribu.

Mi hermano Ali llega a nuestras pantallas de la mano de Syldavia Cinema.

Ficha técnica

Año: 2024

Duración: 86 minutos

Género: Documental

País: España-Portugal

Guion y dirección: Paula Palacios

Productoras: Morada Films (España) y Serena Produccions (Portugal)

Fotografía: Marc Galver Lacruz, José Luis Salomón y Paula Palacios

Montaje: María Macías, Virgina Véricourt y Paula Palacios

Música original: Anne Victorio D'Almeida

Premios y Festivales

DocsMX 2024 Sección Oficial - Premiere mundial en Ciudad de México

SEMINCI - Sección Oficial Tiempo de Historia - Premiere España

PREFIERO CONDENARME

Sinopsis: La historia de las mil caras de Sagrario, mariscadora de la ría de Ferrol, nos enfrenta a una madre díscola, una órbita familiar en perpetuo desasosiego y un juicio por adulterio a los 33 años, en 1972, a causa de la hija que tiene con su amante, un carpintero “digno de querer”. Como una nueva Antígona, Sagrario se sitúa fuera de la regla y con su desobediencia reclama la ley aún no escrita a la par que el deseo. En el fondo, la igualdad con las de “arriba” que nadie critica.

Prefiero condenarme llega a nuestras pantallas de la mano de Atalante Cinema.

Ficha técnica

Producción: NÓS Productora Cinematográfica Galega

Dirección: Margarita Ledo Andión

Reparto: Sagrario Ribela Fra, Nardo Beceiro Ribela, Melania Cruz, Mónica Camaño, Iria Pinheiro, Antón Lopo

Idioma original: Gallego, Francés

Subtítulos: Español, Catalán

EL ARTISTA DEL CRISTAL

Sinopsis: Cuando el joven vidriero Vincent y la talentosa violinista Alliz se enamoran, deben encontrar el coraje para luchar por su amor en un mundo en conflicto. Vincent y su padre Tomas, quienes dirigen el mejor taller del vidrio del país en la ciudad costera de Waterfront, descubren cómo poco a poco sus vidas se ven afectadas por una inminente guerra en la que no quieren tomar parte. La llegada a la ciudad de un coronel del ejército y su joven y talentosa hija violinista, Alliz, sacude su realidad y pone a prueba la relación entre padre e hijo. El amor que surge entre Vincent y Alliz se ve desafiado constantemente por las opiniones opuestas de sus padres. ¿Podrá prevalecer el arte en una época en la que el patriotismo y la posición social se consideran más importantes que el libre pensamiento y las actividades artísticas? ¿Podrá sobrevivir amor en una época en la que los sentimientos no parecen ser relevantes?

El artista del cristal llega a nuestras pantallas de la mano de Selecta Vision.

Ficha técnica

Título original: The Glassworker

Dirección: Usman Riaz

Audio: Castellano e Inglés

País de producción: Pakistán

Año de producción: 2024

Duración: 98 minutos

Género: Animación, Drama, Fantasía