jueves, 28 de septiembre de 2023

ESTRENOS DE CINE - 29 DE SEPTIEMBRE DE 2023

CERRAR LOS OJOS

Cuando se cumplen cincuenta años de su primer largometraje, El espíritu de la colmena, Víctor Erice estrena en salas Cerrar los ojos
Coescrita junto a Michel Gaztambide (ganador de un Goya por No habrá paz para los malvados), Cerrar los ojos habla también de una búsqueda, tejiendo un viaje a través del tiempo en busca de redención y cuyos personajes protagonizan una oda a la amistad que perdura en el recuerdo.

Cerrar los ojos está protagonizada por Manolo Solo, junto a José Coronado y Ana Torrent. El reparto se completa con una buena selección de grandes nombres como Petra Martínez, María León, Soledad Villamil, Mario Pardo, Helena Miquel, y José María Pou, entre otros, presentando a la joven Venecia Franco.

SinopsisUn célebre actor español, Julio Arenas, desaparece durante el rodaje de una película. Aunque nunca se llega a encontrar su cadáver, la policía concluye que ha sufrido un accidente al borde del mar. Muchos años después, esta suerte de misterio vuelve a la actualidad a raíz de un programa de televisión que pretende evocar la figura del actor, ofreciendo como primicia imágenes de las últimas escenas en que participó, rodadas por el que fue su íntimo amigo, el director Miguel Garay…


Cerrar los ojos es una coproducción de La mirada del adiós A.I.E, liderada por Cristina Zumárraga a través de Tandem Films su compañía con Pablo E. Bossi, junto a Pecado Films de Jose Alba y Odile Antonio-Baez en la parte andaluza, con Pampa Films en coproducción desde Argentina y el propio Erice con su productora Nautilus Films. Cuenta con la participación de RTVE, MOVISTAR PLUS+, VODAFONE, CANAL SUR, EiTB y TELEMADRID, y con el apoyo del ICAA, Junta de Andalucía, Comunidad de Madrid y Diputación de Granada. El rodaje transcurrió en diversas localizaciones de Granada, Almería, Madrid, Alcalá de Henares, Segovia y Asturias.

Para su nuevo largometraje Erice ha contado con Valentín Álvarez como director de fotografía, con quien ya trabajara en “La Morte Rouge” y “Vidros partidos”, la aportación de Erice a “Centro Histórico”, la película promovida por la celebración de la ciudad portuguesa de Guimarães como Capital Europea de la Cultura, y que incluía también episodios de Pedro Costa, Manoel de Oliveira y Aki Kaurismaki.

Y con el sonidista Iván Marín (“La piel que habito”, “El buen patrón”) que trabajó con Erice en “Ten Minutes Older”, y en “Erice-Kiarostami: Correspondencias”. La postproducción de sonido ha sido realizada por Juan Ferro.

En el equipo de Cerrar los ojos destacan también nombres como Curru Garabal (“Intemperie”) responsable de la dirección de arte, Helena Sanchis (“Días contados”, “La carta esférica”) a cargo del vestuario, o Ascen Marchena (“La isla interior”), quien firma el montaje. La banda sonora la firma Federico Jusid (“El secreto de sus ojos”).

Más allá del reconocimiento de este año del Festival de San Sebastian, Víctor Erice, ha sido merecedor de innumerables reconocimientos entre los que destacan la Concha de Oro del Festival de San Sebastián en 1973 por su primera película “El Espíritu de la Colmena”; el Hugo de Oro del festival de cine de Chicago en 1983 por su segundo largometraje, “El Sur” que se presentó en la Sección Oficial de Cannes; y posteriormente, sendos premios del Jurado y de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes de 1992, por “El sol del membrillo”. Esta película, realizada junto al pintor Antonio López, obtuvo un especial reconocimiento al ser elegida en votación como la mejor película de su década por las Filmotecas y Centros Culturales de todo el mudo.

Años más tarde, Erice contribuye a la película colectiva “Ten Minutes Older: The Trumpet” (2022) con el episodio “Lifeline”. En 2006 escribe y dirige el mediometraje “La Morte Rouge”, así como diferentes proyectos audiovisuales y videoinstalaciones, pero no había vuelto a dirigir ningún largo de ficción hasta este momento.

En 1993, Víctor Erice recibió el Premio Nacional de Cinematografía, y en 1995 la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes. Más recientemente, en 2014, el Festival de Locarno le distinguió con el Leopardo de Honor dedicado a toda su carrera como cineasta.

Ahora regresa a la gran pantalla con Cerrar los ojos su cuarto largometraje, que llega a los cines españoles de la mano de Avalon y contará con Film Factory para llevar a cabo las ventas internacionales.

LA TERNURA

La película
 La Ternura, dirigida por Vicente Villanueva (Toc Toc, Sevillanas de Brooklyn) se presenta este jueves en el marco del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, dentro de la Gala de RTVE. A la proyección en el teatro Victoria Eugenia de la ciudad donostiarra, acudirá el director acompañado del equipo artístico. El film llega exclusivamente a las salas de cine de toda España de la mano de 
Universal Pictures International Spain.

La Ternura esta basada en el texto teatral del dramaturgo español Alfredo Sanzol, uno de los fenómenos teatrales de los últimos años. Protagonizada por: Emma Suarez (Josefina, La consagración de la primavera), Gonzalo de Castro (La familia perfecta, A Ciegas), Alexandra Jiménez (Bajo terapia, Historias para no contar), Fernando Guallar (El juego de las llaves, Tras la pared), Anna Moliner (Las chicas del cable, Hache) y Carlos Cuevas (Donde caben dos, La piel del tambor), quienes dan vida a los náufragos de esta historia llena de enredos, risas y grandes dosis de ternura. 

El rodaje transcurrió por diversas localizaciones de Las Palmas de Gran Canarias, Madrid y la playa de Cosón, en Samaná (República Dominicana).

El cantante y compositor Carlos Sadness, ha compuesto una canción original de igual título que la película; La ternura.

La Ternura es una coproducción hispano-dominicana de Pris&Batty (8 Apellidos vascos, 8 Apellidos catalanes, Toc Toc)La Ternura la película A.I.E, y Bahía Carey por parte dominicana; y cuenta con la participación de RTVE y Movistar Plus+.

Sinopsis:

La Ternura es una divertida comedia romántica que cuenta la historia de una Reina algo maga y sus dos hijas princesas que viajan en la Flota de Indias para casarse en matrimonios convenidos por el Rey. 

La Reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre han condicionado su vida y le han quitado la libertad, así que no está dispuesta a que sus hijas tengan el mismo destino que ella. Cuando la Flota pasa cerca de una isla que la Reina cree desierta invoca una tempestad que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esa isla con sus hijas para no volver a ver un hombre en su vida. 

El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años viven un leñador con sus dos hijos que huyeron allí para no volver a ver una mujer en su vida. En cuanto la Reina y las dos princesas descubren que no están solas, temiendo por su vida, se visten de hombres para protegerse. 

Y aquí comienzan las aventuras, los líos, los enamoramientos y las confusiones.

MISIÓN A MARTE

El primer largometraje de Amat Vallmajor del PozoMISIÓN A MARTE, ha participado en la 71.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, proyectándose en la sección Zinemira. Además, la película se estrena en salas de cine españolas este viernes con distribución de Vitrine Filmes.

Estrenada a nivel mundial en la 60.ª edición del FICX - Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón, donde consiguió una Mención Especial del Jurado de Cine Español, MISIÓN A MARTE ha recibido el Premio a la Mejor Película de la sección Latexos del Festival Internacional de Cine de Pontevedra - Novos Cinemas, y también ha participado en la 13.ª edición del Festival D’A de Barcelona. Su estreno internacional tuvo lugar en la novena Semana de la Crítica de Berlín, una muestra paralela del Festival Internacional de Cine de Berlín.

El director de la cinta, Amat Vallmajor  del Pozo, rodó su opera prima en 2020 y 2021 en País Vasco y Cataluña, durante sus estudios de master en creación en la Elias Querejeta Zine Eskola (EQZE) en San Sebastián.  

Inspirada en obras como Dead Man (Jim Jarmusch, 1995) o Nebraska (Alexander Payne, 2013), MISIÓN A MARTE es una road-movie futurista, familiar, lisérgica y plagada de surrealismo y ciencia ficción que presenta un País Vasco post-apocalíptico donde dos hermanos parten en una misión a Marte. Filmada en 16mm con un proceso artesanal —el propio Amat y el director de Fotografía revelaron el film en la Zine Eskola—, está protagonizada por Txomin del Pozo, Gerardo “Gene” del Pozo, Mila del Pozo y Manel Vallmajor, familiares del director. Estos actores no profesionales han creado los diálogos aportando espontaneidad, frescura e incorrección política.

Producida por Muxika Zinema, Vitrine Fims y la productora israelí Mina Films, esta cinta ha participado en WIP Europa de la 69.ª edición del Festival de Cine de San Sebastián, WIP del Film Festival Entrevues Belfort (Francia) y el LAB del D'A Film Festival Barcelona. Con guion del propio Vallmajor del Pozo y de Carles Txorres Bruguera, la dirección de Fotografía corre a cargo de Jorge Castrillo y Alba Bresolí. Lucía Amado se ocupa del sonido directo y la edición de sonido; y Xanti Salvador, de la edición de Sonido y Mezcla. Carles Txorres Bruguera, Shira Hochman y Michael Wahrmann firman el montaje


Uno de los atractivos del film reside en su BSO, basada casi en su totalidad en canciones de la banda de punk vasco HERTZAINAK. De hecho, uno de los actores principales del film, Gerardo GENE del Pozo, fue miembro fundador del grupo, escribiendo varias de las letras, entre ellas Ta zer ez da berdin, tema con el que se cierra el film.

El póster de la película está diseñado por Michael Wahrmann con la ayuda de un programa informático de Inteligencia Artificial.

SinopsisTxomin, un arqueólogo vasco en paro, recibe el encargo de un peritaje en Marte. Con su hermano Gene al volante, parten de Eibar en una aventura por el norte de España. La frágil salud de Gene y una bruma tóxica que aparece misteriosamente, los hace desviarse del camino y acudir a su hermana Mila. El reencuentro de los tres despierta viejos reproches familiares mientras la salud de Gene empeora. Con la ayuda de algunos fantasmas y del propio Jesuscristo, los dos hermanos deciden terminar su misión y llegar a Marte.

Declaraciones del director: "El origen de esta película está en mis viajes de la infancia con mis tíos entre Catalunya y Eibar. A partir de esta memoria, recreo esos viajes dejando volar la imaginación. La estética de esta película es tanto la de una generación en su finitud, como la de una forma de hacer cine, que también está en sus últimos momentos. Y ese es también el tema principal de esta película, el final, la muerte; la muerte de Gene enfermo, y también la muerte de una generación. Es el final de la generación punk vasca de los años 80, de la utopía, de la rebeldía. O tal vez, es la última acción de rebeldía: de los dos hermanos frente a su hermana, para terminar la misión. Es el vacío de esta finitud generacional".

THE CREATOR

Dirigida por Gareth Edwards (Rogue One: Una historia de Star WarsGodzilla), la película está protagonizada por John David Washington (Tenet), Gemma Chan (Eternals), Ken Watanabe (Origen), Sturgill Simpson (Dog: Un viaje salvaje), la debutante Madeleine Yuna Voyles y la ganadora del Premio de la Academia Allison Janney (Yo, Tonya). El guion es de Gareth Edwards y Chris Weitz, con argumento de Edwards. Los productores son Gareth Edwards, p.g.a., Kiri Hart, Jim Spencer, p.g.a. y Arnon Milchan. Los productores ejecutivos son Yariv Milchan, Michael Schaefer, Natalie Lehmann, Nick Meyer y Zev Foreman.

Sinopsis: En medio de una futura guerra entre la raza humana y las fuerzas de la inteligencia artificial, Joshua (Washington), un curtido ex agente de las fuerzas especiales que sufre por la desaparición de su esposa (Chan), es reclutado para cazar y matar al Creador, el arquitecto de IA avanzada que ha desarrollado un arma misteriosa con el poder de poner fin a la guerra, e incluso a toda la humanidad. Joshua y su equipo de agentes de élite viajan a través de las líneas enemigas hasta el corazón oscuro del territorio ocupado por la IA. Una vez allí, descubren que el arma que acabará con el mundo y que les han ordenado destruir es una IA que ha adoptado la forma de un niño pequeño.

Este thriller de acción y ciencia ficción llega a nuestros cines de la mano de 20th Century Studios, New Regency y Entertainment One


SAW X

La esperada nueva entrega de la saga SawSaw X, que llega a los cines españoles de la mano de DeAPlaneta, coincidiendo con su estreno en Estados Unidos.

Tobin Bell, el mítico Jigsaw de las primeras entregas, regresa a esta escalofriante saga que le ha coronado como uno de los rostros del cine de terror estadounidense. Le acompaña Shawnee Smith, que interpretó a la retorcida Amanda en las cuatro primeras películas de la franquicia y dónde recuperará su temible máscara de cerdo.

Dirigida por Kevin Greutert, montador de las tres primeras entregas de Saw y que ejerció como director en Saw VI y Saw VII 3D y escrita por el dúo de guionistas Josh Stolberg y Pete Goldfinger (Saw VIII, Spiral. Saw y la saga Piraña), la décima entrega promete grandes dosis de gore, terror y angustia.

SinopsisEl infame John Kramer (Tobin Bell) regresa por todo lo alto con la entrega más salvaje de la franquicia y el juego más personal de Jigsaw hasta la fecha. Situada entre los acontecimientos sucedidos en Saw Saw II, John, desesperado y enfermo, viaja a México para someterse a un tratamiento experimental y muy arriesgado con la esperanza de curar su cáncer mortal. Sin embargo, toda la operación resulta ser un fraude para engañar a aquellos más vulnerables. Lleno de rabia y con un nuevo y escabroso propósito, John retomará su trabajo como asesino en serie y dará a probar su propia medicina a los embaucadores. Bajo la atenta mirada de Jigsaw, los jóvenes se enfrentaran a las trampas más ingeniosas, mortales y tortuosas en un visceral y despiadado juego.


LOS MERCEN4RIOS

Cuarta entrega de la célebre y exitosa saga de acción protagonizada por algunas de las estrellas de Hollywood más importantes del momento como Sylvester Stallone (RockyRambo), Jason Statham (Fast & FuriousMegalodón) o Dolph Lundgren (Aquaman Creed II: La leyenda de Rocky). 
Completan el reparto de esta nueva aventura llena de adrenalina Megan Fox (Transformers, Jennifer´s Body), el famoso rapero 50 Cent, que ya protagonizó su autobiografía Get rich or die tryin, Andy García (Ocean's Eleven: Hagan juego, El Padrino: Parte III, La ciudad perdida) o Tony Jaa, uno de los especialistas en artes marciales más importantes de la industria.

Los Mercen4rios llega a los cines españoles de la mano de Vértice 360.

SinopsisEl veterano mercenario Barney “Esquizo” Ross (Sylvester Stallone) y su equipo de estrellas, formado por los hombres más duros (Jason Statham, Dolph Lundgren, 50 Cent…), afrontan un nuevo desafío, en una trama cargada de acción. Para superarlo y salir airosos, deberán recurrir a su ingenio, experiencia y a la fuerza bruta que los caracteriza.

Stallone, referente y cabecilla de la saga, ha anunciado ya que la cuarta entrega será su última participación como “Mercenario”, ya que le cederá el relevo a su fiel compañero de aventuras, Jason Statham, quien, a partir de ahora, asumirá el mando del equipo, tanto a nivel de producción como en el reparto y la trama.

Los Mercen4rios marca un punto de inflexión en la historia de Los Mercenarios, que ahora deberán proseguir sin su líder indiscutible para seguir intentando vencer a los enemigos que surgirán por el camino.


GOLPE DE SUERTE

Golpe de suerte
, rodada en París y protagonizada por los actores franceses Lou de LaâgeMelvil Poupaud y Niels Schneider, es la película número 50 de Woody Allen y su primer film rodado en francés. Golpe de suerte trata sobre el papel fundamental que juegan el azar y la suerte en las vidas de todos nosotros.

“Creo que la suerte y el azar juegan un papel mucho más importante de lo que la gente está dispuesta a reconocer: les gusta pensar que si trabajan duro, si se aplican y son disciplinados, podrán controlar sus vidas. Pero eso solo es una verdad a medias, a pesar de que es una idea que puede resultar desconcertante”. – Woody Allen

“Cuando recibí el guion, venía con una nota en la que Woody me decía que me ofrecía el papel, pero que, si no me gustaba, podía rechazarlo sin problemas. Ese tipo de elegancia no es muy habitual... Sabía que Woody Allen era un director que ofrecía papeles importantes a las actrices. Y ha cumplido con todas mis expectativas. Fue una suerte inmensa recibir un guion que era a la vez profundo y alegre”. - Lou de Laâge

SinopsisFanny (Lou de Laâge) y Jean (Melvil Poupaud) parecen el matrimonio ideal: ambos tienen éxito en su trabajo, viven en un piso precioso en un exclusivo barrio de París y parecen estar tan enamorados como cuando se conocieron. Pero cuando Fanny se topa accidentalmente con Alain (Niels Schneider), un antiguo compañero de instituto, se vuelve loca de amor. No tardan en volver a verse y cada vez intiman más...


MONSTRUO

Se trata de la esperada nueva película del director japonés Hirokazu Kore-eda
Con Monstruo, Kore-eda vuelve con una película que, sin duda, será clave en su extensa y apreciada filmografía. De este modo, Monstruo se une a otras obras muy valoradas del cineasta como 'Nadie sabe', 'Nuestra hermana pequeña', 'Still Walking', 'De tal padre, tal hijo', 'Kiseki', o 'Un asunto de familia', entre otras.

El ganador de una Palma de Oro rodó Monstruo en secreto en su país natal, donde volvió a filmar desde 2018 (sus dos últimas cintas fueron rodadas en Francia y Corea del Sur, respectivamente). Para la realización de Monstruo, Kore-eda ha contado con la inestimable colaboración del guionista Yûji Sakamoto y el compositor Ryuichi Sakamoto, tristemente fallecido hace meses.

SinopsisCuando su joven hijo Minato empieza a comportarse de forma extraña, su madre siente que algo va mal. Al descubrir que el responsable de todo ello es un profesor, irrumpe en la escuela exigiendo saber qué está pasando. Pero a medida que la historia se desarrolla a través de los ojos de la madre, el profesor y el niño, la verdad va saliendo a la luz, poco a poco…




miércoles, 27 de septiembre de 2023

RESEÑA DE "LA VOZ DEL SOL"

Sinopsis e introducción

ADSO FILMS estrenó en cines el pasado viernes la película La voz del Sol. 
Se trata de la ópera prima de la directora Carol Polakoff que reúne casi 10 años después a Carmen Machi y Karra Elejalde (ambos ganadores del Goya en 2015 por sus interpretaciones en Ocho Apellidos Vascos) en la gran pantalla. En esta ocasión protagonizan una historia vitalista e inspiradora que trae de vuelta las vivencias reales que marcaron la vida del escritor Alan Jolis durante el verano de 1965.

Junto a Machi y Elejalde, protagoniza la película el joven Matteo Artuñedo que interpreta al hijo de los diplomáticos parisinos para los que trabaja la pareja.

Sinopsis: Maruja y su esposo Manolo se vieron obligados a escapar de España tras la guerra civil, viven en París desde entonces, pero jamás han conseguido dejar atrás su pasado y los motivos que les llevaron a exiliarse.

Trabajan como servicio para un embajador estadounidense y su familia: los Jolis. La Sra. Jolis y el Sr. Jolis están abrumados por todas las reuniones sociales que tienen, por lo que su hijo Alan, prácticamente ha sido criado por Maruja y Manolo.

Este año, Maruja descubre que podría ser su último verano, algo que la alentará a confrontar su pasado y volver a sus orígenes en un viaje a España donde tendrá que asegurarse de que Alan crecerá para ser un buen hombre. Al hacerlo, Manolo será desafiado por los secretos que su matrimonio consiguió enterrar hace mucho tiempo.

¿Podrán regresar de este viaje más fuertes o sus secretos destruirían a esta familia poco convencional?

Detrás de la película se encuentra la productora Babieka Films, en coproducción con Viewfinder Pictures. Donde el talento de Denise O'Dell ha sido fundamental para esta importante producción internacional en nuestro país. Con una destacada trayectoria profesional de más de 50 años, ha colaborado con nombres y producciones destacadas de la industria del cine, como Steven Spielberg, Ridley Scott, David Lean, saga de James Bond, "Indiana Jones"... Productora versátil, destaca por realizar una de las primeras películas de ciencia ficción a gran escala en España, "Cold Skin", dirigida por Xavier Gens y protagonizada por el difunto Ray Stevenson, David Oakes y Aura Garrido.

En La voz del Sol Denise O'Dell trabaja en estrecha colaboración con los productores ejecutivos Denis Pedregosa y Orlando Pedregosa, socios fundadores de Babieka Films, así como con la productora asociada Marta Ferrer. Todos ellos juntos conforman el equipo directivo de Babieka Films, donde llevan a cabo numerosas producciones internacionales en España, ya sea produciendo, coproduciendo o brindando servicios de producción.

Cabe destacar el importante papel de la guionista, productora y directora Carol Polakoff en la adaptación de la novela Speak Sunlight de Alan Jolis. En colaboración con John Milarky y Natxo López, este último nominado a los premios Goya por Jefe. El talento y dedicación de la directora Carol Polakoff, la han llevado a recibir prestigiosos galardones como el Directors Guild of America en 1988 y el Outstanding Directorial Achievement in Dramatic Shows - Daytime.

Dentro del equipo técnico, destaca la participación de uno de los directores de fotografía más importantes de España, José Luis Alcaine, quien ha trabajado junto a los grandes directores del cine español como Vicente Aranda, Víctor Erice, Carlos Saura, Pilar Miró, Fernando Trueba o Pedro Almodóvar. Su luz se caracteriza por ser de elaboración suave, pero con fuertes contrastes, muy expresiva y generadora de volúmenes.

Por otro lado, se encuentra Teresa Font en la parte de edición, ganadora de 2 premios Goya a Mejor Montaje por Dolor y Gloria y Días Contados.

La música de La voz del Sol corre a cargo del compositor Lucas Vidal, reconocido por sus trabajos en Palmeras en la nieveNadie quiere la noche o Fast and Furious 6.

Sobre la película

Maruja (Carmen Machi) y Manolo (Karra Elejalde) son un matrimonio de españoles exiliado en Paris en época franquista. Trabajan como servicio en casa del embajador norteamericano. Ellos prácticamente han sido los que han criado a Alan (Matteo Artuñedo), hijo de los embajadores. Ante la enfermedad que padece, Maruja decide regresar a España para cerrar viejos temas del pasado junto a su marido y junto a Alan para mostrarle parte de la cultura española.

Película dirigida por Carol Polakoff e interpretada por Carmen Machi, Karra Elejalde y Matteo Artuñedo. Tras los éxitos de “Ocho apellidos…” y viendo que en la comedia se desenvuelven como pez en el agua, había expectación para ver como lo harían en un emotivo drama. Acostumbrado a verlos en papeles de comedia se hace un tanto extraño verlos en papeles dramáticos y tristones. Pero, la verdad, es que también en el drama están maravillosos. La historia, de por sí, ya es muy buena pero tanto Machi como Elejalde le dan un punto superior. También cabe destacar que en la visita a Navarra, se utiliza el euskera y en la visita a Galicia, el gallego, que no deja de ser la muestra de la diversidad cultural de España y un punto que la hace más creíble es que solo se hablaban en entornos privados ya que en época franquista estaban perseguidos.

En definitiva, película que se hace muy amena por su emotividad. Por la cantidad de emociones que puede llegar a presentar desde tristeza de la enfermedad, hasta la alegría de las fiestas populares o la ira de los problemas familiares pasados sin resolver.

Un reseña de Luis Gómez Gómez

SSIFF71 - "20.000 ESPECIES DE ABEJAS" - ENTREVISTA A ESTÍBALIZ URRESOLA

SinopsisCocó, de ocho años, no encaja en las expectativas del resto y no entiende por qué. Todos a su alrededor insisten en llamarle Aitor pero no se reconoce en ese nombre ni en la mirada de los demás. Su madre Ane (Patricia López Arnaiz), sumida en una crisis profesional y sentimental, aprovechará las vacaciones para viajar con sus tres hijos a la casa materna, donde reside su madre Lita (Itziar Lazkano) y su tía Lourdes (Ane Gabarain), estrechamente ligada a la cría de abejas y la producción de miel. Este verano que cambiará sus vidas obligará a estas mujeres de tres generaciones muy distintas a enfrentarse a sus dudas y temores. Y sobre todo, a Ane a ser por fin honesta consigo misma.

El primer largometraje escrito y dirigido por Estibaliz Urresola Solaguren20.000 especies de abejas, se ha estrenó en nuestro país el pasado 21 de abril, tras ganar el Premio a Mejor Actriz para todo el reparto en el 47º Festival Internacional de Cine de Hong Kong, y después de haber triunfado en los festivales de Berlín y Málaga. La película ha participado además en los festivales internacionales de Estambul, Uruguay y Las Palmas de Gran Canarias; y en el de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián

20.000 especies de abejas llegó a las salas de cine tras ganar tres galardones en la 26.ª edición del Festival de Málaga (Biznaga de Oro a la mejor película española, Biznaga de Plata a la mejor interpretación femenina de reparto para Patricia López Arnaiz y Premio Feroz Puerta Oscura a la mejor película en competición en la sección oficial) y otros tres galardones en el 73.° Festival Internacional de Cine de Berlín (Oso de Plata a la Mejor Interpretación para Sofía Otero, Guild Film Prize y Premio del Jurado, Berlinale Morgenpost Readers' Jury Award). Además, la película clausuró la última edición de D'A Festival de Cine de Barcelona.

Producida por la empresa vizcaína GARIZA FILMS (NoraAkelarreCuerdas) y la catalana INICIA FILMS (Estiu 1993Las NiñasLa maternal), y con la producción asociada de la vasca SIRIMIRI FILMS (Polvo SomosCuerdas), 20.000 especies de abejas es una película que cuenta con un equipo artístico y técnico integrado casi exclusivamente por mujeres. El casting está encabezado por la joven Sofía Otero en su primer trabajo en el cine, Patricia López Arnaiz (ganadora del premio Goya a Mejor Interpretación Femenina por Ane), Ane Gabarain (Patria), Itziar Lazkano (Estoy vivo), Martxelo Rubio (Maixabel), Sara Cózar (Erlauntza), Miguel Garcés (Intimidad), Unax Hayden (Irati), Andere Garabieta.

Rodada durante siete semanas en verano de 2022 en distintas localizaciones del País Vasco, como Llodio y Hendaya, el guion de la película tiene su origen en las Residencias Artísticas “Una habitación Propia” organizadas por Gariza Films. Después continuó en Noka de Zineuskadi y en The Screen - La Incubadora de la Ecam, entre otros.

Rodada en castellano, euskera y francés con una duración de 125 minutos, 20.000 especies de abejas está escrita y dirigida por Estibaliz Urresola SolagurenLara Izagirre y Valérie Delpierre son las productoras del film, que cuenta con la dirección de fotografía de Gina Ferrer García y la dirección de arte de Izaskun Urkijo AlijoEva Valiño se encarga del sonido, y Koldo Corrella del diseño de sonido. Raúl Barreras firma el montaje; Noma Acting se ocupa del casting; Silvina Guglielmotti es ayudante de dirección; y Pablo Vidal es director de producción. Nerea Torrijos es la figurinista y Ainhoa Eskisabel es la responsable del maquillaje y peluquería.

LUXBOX se encarga de las ventas internacionales y Bteam Pictures estrena la película en España.

Con motivo de su paso por el Festival Internacional de Cine de San Sebastian, recordamos la entrevista que realizamos a la directora vasca:

Carlos.- ¿Cómo surge "20.000 especies de abejas"?

ESTIBALIZ URRESOLA.- Mira, a veces me da un poco de pudor de tanto decirlo, pero no quiero crear como esta banalización del suceso porque sí que tiene que ver con una triste pérdida. Un niño de 14 años se quitó la vida y dejó escrito que tomaba esa decisión para visibilizar una realidad que en el año 2018 lo cierto es que no existía para la mayoría de la sociedad. Lo recuerdo como un pequeño despertar ante la realidad de las infancias trans. En mi caso, me quedé muy emocionada tanto con su carta, que se publicó en los medios en el País Vasco, como con la carta del padre, que unas semanas más tarde escribió y se publicó también. Estas dos cartas me sacudieron por dentro muchísimo y me quise acercar a la Asociación de Familias a la que pertinecían (Naizen). Ahí empezó un proceso de entrevistas, un poco sin saber tampoco ni siquiera que iba a hacer una película, sino como un proceso de inquietud y de conocer mejor cómo se viven los procesos de acompañamiento cuando los niños y las niñas tienen tan corta edad. En ese proceso encontré esta idea que se repetía en varias familias de cómo ese acompañamiento había sido algo que les había acercado y les había unido mucho más como familias. Algunas familias llegaron a decir que había sido un regalo, y esa manifestación tan contundente me parecía algo tan inmensamente ausente en el relato sobre las infancias trans, que siempre se retratan desde lo conflictivo y sufriente, y no como desde que pueda ser un regalo para la familia, porque el proceso obliga a detenerse, a mirarse, no solo a quien tienes delante sino también a mirarte a ti, a todos los prejuicios que traes, a todas las convenciones desde las que operamos automáticamente sin darnos cuenta de que también hay unas articulaciones sociales heredadas. Vi que ese proceso había reconstituido muchos vínculos familiares, saneado incluso la relación con los otros hermanos, o incluso a veces con la propia madre. Había saneado casi la constelación familiar de una forma que me parecía importante poder retratar. 

Carlos.- ¿Cómo llega Sofía Otero al reparto?

ESTIBALIZ URRESOLA.- Ella vino a la primera sesión de casting, a la segunda, a la tercera y a la cuarta, pero es verdad que como es una niña tan alegre nunca vimos que ahí estuviera el personaje de Cocó, le atribuimos otro rol, el de hacer de la niña de la piscina. Entonces me quedaba sin tiempo, tenía que decidirme ya para pasar a otra fase de la película, y dije "quizás estamos pasando algo por alto". Volvimos al principio y me di cuenta justamente de eso, de que Sofía venía apareciendo en todas las sesiones de casting. Pensé también que eso significaba que había unos padres detrás que la estaban apoyando y que no desistían ante la falta de un "sí", y pensé que nunca le habíamos hecho una prueba específica para ese papel. La convoqué, le hicimos la prueba, la vimos y la vimos ahí. Por fin la ví, no había sido capaz de verla quizás porque le habíamos atribuido ese papel ya de otra niña. Eso es algo que me parece muy interesante porque me parece que es algo que se refleja en la película, cómo a veces atribuimos un rol o un papel a una persona y ya no somos capaces de ver más alla. 

Carlos.- Una de las cosas que me ha gustado mucho de la película es que trabajas con mujeres de tres generaciones distintas, y las enfrentas en escenas muy complejas a nivel interpretativo de cada uno de los personajes. ¿Cómo trabajaste este aspecto con ellas?

ESTIBALIZ URRESOLA.- La verdad es que he tenido una suerte inmensa, tengo un elenco que cada vez que lo veo la verdad es que están todas increíbles. Sí que es verdad que ha habido una particularidad a la hora de abordar el trabajo de acting con ellas, y ha sido que como íbamos a trabajar también con niños y niñas y yo quería dar un poco de margen a cierta improvisación, o a la posibilidad incluso que sin improvisar a la hora de decir las ideas que los niños y las niñas expresan en la película, darles la información para que ellos lo dijeran a su forma, ello implicaba que cada vez lo dijeran de una forma distinta. Eso hace que como actrices también tengas que estar muy presente en la escucha, el cómo reaccionas a esa información cuando es dicha de una forma o de otra ligeramente distinta pero sacando la escena adelante. En los ensayos ha sido un trabajo de generar mucho esos espacios de relaciones entre ellos, crear esa memoria familiar y generar muchas situaciones que no iban a ser luego las de la película en sí mismas, pero en las que trabajaban los conflictos centrales de esas escenas. Generar acercamientos, conflictos, distintas cualidades de las relaciones de una familia para que eso lo trajeran todos como en la memoria de cómo se relacionan ya, esa abuela y esos nietos, o esa madre y esa tía con ellas. Fue un trabajo muy bonito. Y con Sofía en concreto no quise nunca darle el guión literal para que lo aprendiera, pero sí que era consciente de que necesitaba ser perfectamente consciente de cúal era su personaje y de cúantas tramas desarrollaba: está la trama con la abuela y todo lo que concierne a esa búsqueda del Santo que están llevando, está la trama con la tía, la trama con la amiguita que hace o con el grupo de niños, etc. Fui como abordando cada una de esas tramas con ella en sesiones individuales para que ella fuera como dibujando las escenas que yo le iba contando y haciéndolas suyas de alguna forma. Con esos dibujos formamos un gran mapa que fue el guión para ella.

Carlos.- Dentro de esas tramas, hay una trama interior que me parece muy interesante cómo se plantea y me gustaría que hablaras de ello. Cocó encuentra su fuerza interior un poco a través de la religión, a través de la fe (que aparece mucho en la película) o cuando conoce quién fue Santa Lucía. Me parece "interesante" que encuentre cierta fuerza en la religión cuando la Iglesia Católica, en general, no trata a estas personas como a cualquier otra, sino que habla de las mismas como personas desviadas. 

ESTIBALIZ URRESOLA.- Sí, a ver cómo me explico. El tema de lo trans creo que al final nos invita a resimbolizar todos los iconos, conceptos, etc. Por ejemplo, ¿qué es una mujer? Pues una mujer con pene es una mujer también, ¿no? Esos ejercicios de resimbolización me parecen muy interesantes, abren nuevos espacios de pensamiento donde se pueden dar nuevas asociaciones. Me parecía interesante que eso se viera a través de la mirada de una niña. Soy consciente de que desde "la" Iglesia Católica, con mayúsculas, no se consideran ni se legitiman estas identidades, sin embargo, dentro de la Iglesia Católica hay personas, y eso lo he encontrado también en la fase de documentación, por ejemplo curas de pueblo, que han permitido a estos niños y a estas niñas volver a hacer la Comunión, pero esta vez en la forma en la que ellas querían hacerla vestidas. Esos pequeños ejercicios me parecen también de una fuerza muy poderosa. Pero volviendo a la película, el hecho de que la protagonista tenga ocho años y que sea a través de su mirada que descubrimos el mundo y descubrimos lo vilento que es el mundo en situaciones donde como adultos hemos olvidado y naturalizado, la violencia de muchas de las normas que nos ordenan, como esa entrada en la recepción de la piscina, es a través de la mirada de Cocó que podemos ver esa violencia ahí. También a través de esa mirada limpia podemos de repente entrar en un mundo, que es al que le lleva su abuela de la mano, que es donde menos te puedes esperar que ella vaya a poder encontrar una herramienta para avanzar en su auto reivindicación de su identidad, y sin embargo ahí la encuentra, que es donde quizás la madre no le hubiera llevado nunca, ella le dice "no quiero que la lleves a la Iglesia", y es una madre moderna, abierta, que trata de darle un montón de herramientas a sus hijos, y ella jamás la hubiera llevado ahí, y es justamente ahí donde empieza a encontrar su identidad. Justamente por eso me parece interesante esa idea de la colmena, donde al final todos suman, hasta esa abuela haciendo lo que se le ha dicho que no haga, pero llevándola donde ella encuentra también algo de valor, de repente el personaje de Cocó encuentra esta idea de la fe, que se convierte en algo que le da fuerza para seguir creyendo en sí misma, y que a pesar de que el mundo se lo niegue, aquello en lo que cree y siente tiene entidad propia.  


Carlos.- La película también muestra el cuestionamiento social al que es sometido día tras día la mujer, que parece que tenga que ser perfecta en todo, y eso se muestra a través del personaje de Patricia López Arnáiz, tiene que ser la madre perfecta, la trabajadora perfecta, etc. 

ESTIBALIZ URRESOLA.- Sí, siempre en la medida que esté en mi mano intento hacer un retrato real, lleno de matices y complejidades de los personajes femeninos que puedo poner en la pantalla. En mi cortometraje "Cuerdas" intentaba también hacer un poco lo mismo, dar otra cara, visibilidad y enfoque a esa mujer mayor que normalmente consideramos como en sus espacios de ocio y divertimento y no, verla de repente como un sujeto político sorprende, pero está ahí. Siempre intento aportar valor y matices a las representaciones de los personajes femeninos. 

Carlos.- ¿Qué has aprendido y con qué te quedas de haber hecho "20.000 especies de abejas"?

ESTIBALIZ URRESOLA.- Por supuesto, todas las relaciones personales y humanas que me llevo de esta película son de un valor increíble. Lo que se ha establecido con todo el elenco de actrices es mágico, incluso, y lo digo de verdad, con los padres de Sofía y con Sofía. Siento un pequeño nacer de una familia cinematográfica. En cuanto a lo temático, no es algo que en el fondo haya aprendido con esta película, ya que es lo que me impulsó a hacerla, pero he reforzado aún más el valor de lo diferente y de la diversidad. También me llevo esa idea de la fe, de creer en una misma y de luchar por lo que quieres hacer y por cómo lo quieres hacer. Aunque ha habido mucha oscuridad, muchas dudas y mucha niebla durante estos cinco años de creación de la película, al final, cuando la ves plasmada en la pantalla y te sientes que te reconoces en lo que has hecho porque se parece a lo que querías hacer, a pesar de las batallas que has tenido que emprender, también da fuerza para seguir creyendo en una y en el valor del cine como una herramienta de acercamiento. También, lo que estamos viendo con el público es tan increible... Me parece mágico que de repente esos cinco años de trabajo adquieran una forma plástica que penetra en los ojos y en la vida de una persona que yo no conozco de nada y que le impulsa acercarse a mi a contarme su experiencia. Ese puente que se establece entre la pantalla y el espectador también es algo que me da mucha fe en que el diálogo es posible, y en que conversar y acercar a las personas a través del cine también lo es.

domingo, 24 de septiembre de 2023

SSIFF71 - RESEÑA DE "DISPARARON AL PIANISTA", DE FERNANDO TRUEBA Y JAVIER MARISCAL

Este sábado por la mañana iniciamos nuestra jornada en el Festival viendo la nueva película de Fernando Trueba y Javier Mariscal, Dispararon al pianista.

Dispararon al pianista se estrenará en salas españolas, el próximo 6 de octubre y está distribuida por BTEAM Pictures. También tendrá su estreno en Norte América distribuida por Sony Pictures Classics. Ya con Chico y Rita, Fernando Trueba y Javier Mariscal, estuvieron nominados al Oscar como mejor película de animación y ganaron multitud de premios como el Premio Goya, el Premio Platino, El Premio de Cine Europeo, Annie Awards o el Cóndor de Plata entre otros….

La película está producida por Fernando Trueba S.A. They shot the piano player A.I.E., Les Films d’ici Méditerranée, Submarine Sublime, Animanostra, Gao Shan Pictures, Julian Piker & Fermin S.L., Arte France Cinéma con la participación de RTVE, Movistar Plus+, Televisió de Catalunya. Cuenta con el apoyo de los programas internacionales Eurimages, Europe Creative Media e Ibermedia, y con la financiación del ICAA, ICEC, CNC, Fondo Holandés e ICA portugués.


Fernando Tueba y Javier Mariscal (por suerte) vuelven a colaborar tras la genial Chico y Rita, para volver a firmar una película magistral, en la que la animación más que un género cinematográfico, se convierte en el mejor medio para narrar la historia que nos propone la dupla de directores. Y esta no es otra que la de la misteriosa desaparición de Tenório Júnior en el contexto de la dictadura argentina de 1976. Áquel, un músico brasileño conocido por su contribución al género de la bossa nova y el jazz en la década de 1960, su trabajo influyó en músicos posteriores y sigue siendo apreciado por su originalidad y creatividad en la música brasileña.

En este sentido, y retomando el tema de la animación, ésta permite a la dupla de realizadores contar la historia de una forma que no se hubiera podido producir en imagen real, y es la inclusión de fragmentos donde se repasan lo que habrían sido las actuaciones de Tenório Júnior, imposibles de reproducir en imagen real al no existir imágenes grabadas del músico brasileño.

La película se convierte en una especie de thriller-documental, en una investigación llevada a cabo por un escritor de ficción, denominado Jeff Harris (con voz en la versión original de Jeff Goldbum, quién ya protagonizó para Trueba en el año 1989 la película El sueño del mono loco), quien, en un principio, iba a escribir un libro sobre la Bossa Nova y el Jazz y, finalmente, acaba realizando un estudio de investigación mediante entrevistas-encuentros con alguna de las personas y/o músicos que interactuaron con el pianista brasileño.

Una película notable y solvente, con una animación detallada y propia (como no podía ser de otra manera) de la mano de Javier Mariscal. No hay dos sin tres. ¿Tendremos en un futuro otra colaboración de esta dupla tan entrañable?

Puntación Latidos por el cine: 8 sobre 10.

sábado, 23 de septiembre de 2023

SSIFF-71 -- RESEÑA DE "EL CHICO Y LA GARZA" - HAYAO MIYAZAKI

"EL CHICO Y LA GARZA" - HAYAO MIYAZAKI

El Chico y la Garza
inauguró
ayer la 71ª edición del Festival de San Sebastián, en Sección Oficial fuera de concurso. Se trata de la última película del director japonés Hayao Miyazaki, quien vuelve a dirigir un largometraje en Studio Ghibli desde 2013 (El Viento se Levanta).

Sinopsis: Un joven llamado Mahito, que añora a su madre, se aventura en un mundo compartido por los vivos y los muertos. Allí, la muerte llega a su fin y la vida encuentra un nuevo comienzo. Una fantasía semiautobiográfica sobre la vida, la muerte y la creación, en homenaje a la amistad, de la mente de Hayao Miyazaki.

Han sido hasta cuatro las ocasiones en las que las cintas de Studio Ghibli dirigidas por Hayao Miyazaki han llegado al Festival de San Sebastián. Sin embargo, en esta ocasión es la primera vez en la que una de las películas de Miyazaki forma parte de la Sección Oficial. Previamente, participó en el certamen con 'El viaje de Chihiro' y 'Ponyo en el acantilado' (2009) y en la sección Perlak con 'El viento se levanta'

Hayao Miyazaki es uno de los directores de animación más influyentes y queridos en la historia del cine, y su trabajo tiene características distintivas que han definido su estilo y lo han convertido en un maestro del cine de animación japonés. 

Las películas de Miyazaki suelen tener tramas intrincadas y personajes bien desarrollados. Sus historias a menudo exploran temas profundos y complejos, como la naturaleza, la ecología, la relación entre el hombre y la naturaleza, y la lucha entre el bien y el mal. El Chico y la Garza no es una excepción

Miyazaki vuelve a crear personajes memorables y carismáticos, personajes que desafían los estereotipos convencionales. El Chico y la Garza vuelve a tener protagonistas fuertes y valientes, independientemente de su género, y que evolucionan a lo largo de la historia.

El director nipon vuelve a regalarnos paisajes deslumbrantes, criaturas fantásticas, así como mundos imaginarios y mágicos inspirados en la naturaleza, la mitología y la cultura japonesa, con una atención meticulosa a los detalles y a la belleza visual. La cinta nos muestra, de nuevo, una de las características de su cine, el cómo la humanidad interactúa con la naturaleza y las consecuencias de sus acciones.

A pesar de abordar temas oscuros y desafiantes, El chico y la garza transmite un mensaje de esperanza y optimismo, y es que sus personajes, de nuevo, encuentran formas de superar obstáculos y crecer a nivel personal.

Puntuación Latidos por el cine: 7 sobre 10.



PRIME VIDEO DESVELA EL TRÁILER DEL DOCUMENTAL "SOY CELINE DION"

Prime Video ha desvelado el tráiler oficial del documental sobre Celine Dion , Soy Celine Dion . Dirigido por la cineasta nominada al O sca...