ESTRENOS DE CARTELERA - 22 DE MAYO DE 2026

THE MANDALORIAN AND GROGU (ESTRENO 21 DE MAYO)

Este jueves se estrena solo en cines Star Wars: The Mandalorian and Grogu, la vuelta de Star Wars a la gran pantalla después de 7 años.

La película se estrena en 950 pantallas de 355 cines en España y lleva vendidas aproximadamente 50.000 entradas en preventa.

El director, coguionista y productor Jon Favreau y el Mandaloriano y Grogu, visitaron Madrid como parte del tour global de la película que marca el regreso de Star Wars a la gran pantalla siete años después. 

La nueva película de Star Wars está dirigida por Jon Favreau y protagonizada por Pedro Pascal, Sigourney Weaver y Jeremy Allen White. Producida por Jon Favreau, Kathleen Kennedy, Dave Filoni e Ian Bryce, con música compuesta por Ludwig Göransson.

Sinopsis: El Imperio ha caído y los señores de la guerra imperiales siguen dispersos por toda la galaxia. Mientras la incipiente Nueva República trabaja para proteger todo por lo que luchó la Rebelión, ha reclutado la ayuda del legendario cazarrecompensas mandaloriano Din Djarin (Pedro Pascal) y su joven aprendiz Grogu. 

COWGIRL

Cowgirl, dirigida por Cristina Fernández Pintado y Miguel Llorens (Cosas que hacer antes de morir), y protagonizada por Isabel Rocatti, Carlos Cuevas, Pep Munné y Joaquín Climent, se estrena en cines de la mano de Filmax. Completan el reparto de esta comedia romántica Carles Sanjaime, Verónica Andrés y Àngel Fígols, y cuenta con la colaboración especial de Mamen García y Amparo Fernández. Rafael Albert firma el guion, con la colaboración de Cristina Fernández Pintado y Miguel Llorens. Una feel good-movie de personajes entrañables y que pone en valor la vida rodeada de naturaleza.

Sinopsis: Empar, una granjera de 60 años, necesita que su vaca Tona se quede preñada para mantener su granja. Tras varios intentos fallidos, pide ayuda a Bernat, dueño de la mayor granja de la zona. Cuando Tona lo consigue, el veterinario advierte que la gestación es de riesgo. Empar se enfrenta al pueblo para proteger la tranquilidad de su vaca. Con la ayuda de Riqui, un joven recién llegado, y Bernat, descubrirá quenunca es tarde para comenzar de nuevo.

Rodada en el parque natural de La Tinença de Benifassà y las comarcas de El Maestrat y Els Ports de Cowgirl es una producción de The Fly Hunter, Aguacate & Calabaza Films y Produccions Quart; con la producción y producción ejecutiva de Lorena Torres, Núria Velasco, Anaïs Schaaff y Abigail Schaaff, y la producción delegada de Jorge Velasco. Cuenta con la participación de RTVE, À Punt, 3Cat, y con el apoyo de IVC e ICEC.

Notas de los directores. "Cowgirl es una historia en la que la fertilidad de una vaca se convierte en destino para la vida de una mujer de 62 años que vive sola en una masía de un pueblo diminuto de la comarca de Els Ports (Castellón). A través de esta simple peripecia, la película nos va descubriendo la vida de Empar, el complejo universo de relaciones humanas en un pueblecito de montaña, y una forma de vida que está íntimamente relacionado con la tierra, la tradición. Una historia donde las segundas oportunidades se revelan para todos los protagonistas de esta comedia romántica.

Cowgirl contiene mucho de aquello que conforma la vida, mucho de lo que nos agita y conmueve. Hay emoción, comedia, misterio y aventura; hay amor y drama. Un complejo cosmos donde las relaciones, las experiencias y los vínculos con el paisaje son los absolutos protagonistas."

ASESINATO EN LA 3a PLANTA

A Contracorriente Films estrena este viernes Asesinato en la 3ª planta, la nueva comedia de Rémi Bezançon (La biblioteca de los libros rechazados).

La película reúne a tres de los actores más destacados del cine francés: Gilles Lellouche (Pequeñas mentiras sin importancia), Laetitia Casta (Un hombre fiel) y Guillaume Gallienne (Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!). Juntos dan vida a un juego de dobles identidades en el que realidad y ficción se confunden, aportando humor, ritmo y una marcada complicidad en pantalla.

Rémi Bezançon, nominado a los Premios César por El primer día del resto de tu vida, firma una cinta que mezcla suspense con humor negro, y rinde homenaje al cine clásico, evocando a una versión contemporánea de "La ventana indiscreta" de Alfred Hitchock.

A través de una investigación aparentemente trivial de un matrimonio que decide ponerse en la piel de dos detectives, la película explora cómo la ficción puede influir en la realidad y transformar la vida de sus protagonistas, ofreciéndoles una segunda oportunidad para encauzar su relación.

Sinopsis: Colette, profesora especializada en el cine de Alfred Hitchcock, sospecha que su nuevo vecino de enfrente ha matado a su mujer. Su marido, François, un escritor de novelas de intriga un tanto anticuadas, se muestra escéptico ante el supuesto crimen. A pesar de todo, los dos se embarcan en una rocambolesca investigación donde la rutina no parece ser lo único que puede matar a una pareja.

TRES MUJERES

Tres Mujeres es lo nuevo de la aclamada cineasta y guionista franco-tunecina Leyla Bouzid (Una historia de amor y deseo, À peine j'ouvre les yeux), una de las directoras más relevantes del cine árabe contemporáneo. Este necesario drama familiar con toques de thriller, protagonizado por mujeres, narra una historia de secretos y silencios familiares dentro de una sociedad donde la homosexualidad está penada.

Tras su exitoso paso por la Competición Oficial del Festival Internacional de Cine de Berlín, la película se estrena en cines de la mano de LAZONA.

Se trata del tercer largometraje de Bouzid, directora con voz propia caracterizada por la defensa de la libertad de expresión. Con esta película, explora temas como la herencia familiar, la represión sexual, la identidad y el amor como refugio, siguiendo el viaje emocional e intimista de su protagonista.

Gracias a sus anteriores trabajos, Bouzid ya se ha consagrado internacionalmente: As I Open My Eyes (À peine j'ouvre les yeux), presentada en el Festival de Venecia donde obtuvo el Premio del Público BNL y el Europa Cinemas Label Awary, además de otros 40 premios en todo el mundo; y posteriormente por A Tale of Love and Desire (Una historia de amor y deseo), seleccionada en la Semana de la Crítica de Cannes 2021 donde tuvo su première mundial.

Tres mujeres está protagonizada por Eya Bouteraa (Les enfants rouges), la reconocida actriz Hiam Abbass (Blade Runner 2049, Succession, Insidious: La Puerta Roja) y Marion Barbeau (nominada al César a Mejor Actriz Revelación por En Corps). A raíz de la investigación de una muerte inesperada, la película aborda las diferencias generacionales siguiendo la mirada de tres mujeres en un entorno social homófobo, una temática muy poco tratada en la ficción del cine árabe en general y del cine tunecino en particular, tal y como explica la propia directora:

“Para mí, también es una oportunidad de representar y filmar el amor entre estas dos mujeres, ya que ningún film ha explorado todavía la homosexualidad femenina en un territorio árabe y musulmán. Estas dos mujeres que se aman en Túnez no existen. Tampoco existen en las representaciones, en las películas producidas en países árabes. Ni siquiera existen a los ojos de quienes las criminalizan. Son completamente despreciadas”, Leyla Bouzid.

La película construye un viaje emocional e intimista. La muerte del tío de Lilia (Eya Bouteraa), producida en extrañas circunstancias, hará que la protagonista viva un proceso de autodescubrimiento que la enfrentará a sus propias contradicciones. Este recorrido está profundamente ligado a un impulso personal de la cineasta, a una necesidad de filmar un lugar muy significativo de su memoria: la casa de su abuela, un espacio que, según la propia Leyla Bouzid “parece desprender una energía mística, la de las vidas que allí se vivieron, ahora desaparecidas, y cuyo misterio intenta capturar la cámara”. La directora, añade así, un gesto íntimo de memoria y resistencia frente al paso del tiempo y los cambios del entorno, ya que la casa será vendida y demolida para construir bloques de pisos.

La película está producida por Caroline Nataf, a través de la productora francesa Unité, es una coproducción con Cinétéléfilms y el productor tunecino Habib Attia. El proyecto cuenta además con el respaldo de Canal+, Ciné+ / OCS, France Télévisions y el Centre National du Cinéma et de l’Image Animée (CNC), así como con el apoyo de organismos como Procirep-Angoa y la Unión Europea, consolidando una sólida colaboración internacional entre Francia y Túnez.

Sinopsis: De regreso en Túnez para el funeral de su tío, Lilia se reencuentra con una familia que no sabe nada sobre su vida en París, especialmente sobre la amorosa. Decidida a desentrañar el misterio que rodea la repentina muerte de su tío, Lilia se enfrenta a secretos familiares en una casa donde tres generaciones de mujeres cohabitan entre silencios y tradiciones.

EL PASAJERO NOCTURNO

Paramount Pictures presenta, en asociación con Domain Entertainment, una producción de 18Hz y Coin Operated: El pasajero nocturno. 

Sinopsis: Después de presenciar un brutal accidente nocturno en la carretera, una joven pareja comprende que algo los ha seguido. Una presencia demoníaca, conocida como El Pasajero Nocturno, se ha unido a ellos y no se detendrá hasta reclamarlos a ambos, convirtiendo su viaje en una aunténtica pesadilla.

Dirigida por André Øvredal y protagonizada por Jacob Scipio, Lou Llobell y Melissa Leo, la película cuenta con un guión de Zachary Donohue y T.W. Burgess. Llega a nuestras pantallas de la mano de Paramount Pictures.

BEAST (LA BESTIA)

Sinopsis: Con la ayuda de su antiguo entrenador (Crowe), un campeón de MMA retirado e invicto (MacPherson), regresa a la jaula para vengar la muerte de su hermano y resolver sus problemas financieros.

Dirigida por Tyler Atkins, la pelíucla cuenta en su reparto con Russell Crowe, Daniel MacPherson, Luke Hemsworth y Bren Foster.

Beast (La Bestia) llega a nuestras pantallas de la mano de Tripictures.

LOVE ME TENDER

BTEAM PICTURES estrena Love me tender, segundo largometraje de la directora francesa Anna Cazenave Cambet, nominado al Premio LUX del Público.

Nominada tanto a Mejor Película, como a la Queer Palm en Un Certain Regard, tuvo su estreno mundial en el marco del festival de Cannes 2025, donde comenzó su recorrido por festivales internacionales. Entre ellos, pudo verse en Río de Janeiro (Premio Especial del Jurado), Londres, Göteborg, Karlovy Vary y Tesalónica.

Love me tender participó en el Festival de Gijón (donde se alzó con el Premio CIMA) y se presentó en la Sección Oficial Fuera de Concurso del reciente BCN Film Fest.

Se trata de una adaptación de la novela homónima de Constance Debré, en la que el personaje de Clémence (interpretado por una magnífica Vicky Krieps) deberá enfrentarse a su marido tras confesarle que mantiene relaciones amorosas con mujeres. Debré traslada a la literatura su propia experiencia personal como madre y mujer bisexual, así como el duro y largo proceso que vivió con su ex pareja por la custodia de su hijo.

La actriz luxemburguesa fue nominada a por su interpretación en los Premios EFA, así como los Premios Lumiére de la Academia Francesa.

“Este libro de Constance Debré ponía palabras nuevas, actuales, sobre esa idea de lo absoluto, la de la relación con el hijo, hasta el punto de cuestionarla, al tiempo que rozaba auténticos tabúes: ¿estamos obligadas a seguir queriendo a nuestro hijo eternamente, incluso cuando ya no lo volvemos a ver nunca más? ¿Hasta dónde llega ese compromiso, esa responsabilidad? ¿Existe el duelo materno? Todo aquello me había conmovido profundamente. No esperaba que, dos años después, esta novela volviera de esta manera a mi vida.” comenta la directora

Sinopsis: Al final del verano, Clémence (Vicky Krieps) confiesa a su exmarido (Antoine Reinartz) que mantiene relaciones amorosas con mujeres. Su vida da un vuelco cuando él se queda con la custodia del hijo que tienen en común. Decidida a no renunciar a nada, Clémence deberá luchar por seguir siendo madre, mujer y libre.

Tras estudiar fotografía, Anna Cazenave Cambet entra en La Fémis para estudiar dirección de cine, donde se gradúa en el 2017 con honores del jurado, presidido por Claire Denis. Allí dirige su primer cortometraje, Gabber Lover, seleccionado en la Cinéfondation y premiado con la Queer Palm en el Festival de Cannes 2016. Después, continúa explorando relatos íntimos con un segundo cortometraje, Iemanja – Coeur océan. En el 2020, dirige su ópera prima, Gold for Dogs, que recibe el sello de la Semana de la Crítica. Para su segundo largometraje, adapta la novela de Constance Debré, Love Me Tender, con Vicky Krieps como protagonista. La cinta es presentada en Una Cierta Mirada en Cannes 2025 y seleccionada en numerosos festivales internacionales.

UN MUNDO FRÁGIL Y MARAVILLOSO

Un mundo frágil y maravilloso, candidata al Oscar por El Líbano, llega a cines gracias a ADSO FILMS. Los espectadores del Festival de Venecia, de la SEMINCI y del Middle East Now Film Festival escogieron la cinta de Cyril Aris como favorita, recibiendo en todos ellos el Premio del Público.

Otros festivales han reconocido a la cinta de Aris con el Gran Premio en el Arte Mare Festival y el Premio del Jurado Joven a Mejor Película y Mejor Música en el Festival Internacional del Cine Mediterráneo de Montpellier / CINÉMED.

Participó también en el Festival de Hamburgo y fue seleccionada en el BFI (London Film Festival). En España, pudo verse dentro de la Sección Radar del D’A.

Protagonizan el film la realizadora y actriz Mounia Akl (colaboradora habitual de Aris), junto a Hasan Akil, Julia Kassar, Camille Salameh, Anthony Karam, Nadyn Chalhoub.

Se trata de un relato tierno y conmovedor que, con gran sutileza, explora la dicotomía entre permanecer en el país de origen o marcharse en busca de una vida mejor, así como la reflexión sobre si vale la pena formar una familia en el mundo actual. Todo ello se desarrolla a través de una narrativa profundamente humana y visualmente cuidada.

Cyril Aris, cuya obra anterior ha sido reconocida en festivales como Toronto, Karlovy Vary, Montpellier o Cinema Jove, vuelve a sorprender con una propuesta que combina profundidad emocional, reflexión política y una mirada sutilmente crítica sobre las estructuras narrativas tradicionales.

“En medio de las crisis perpetuas del Líbano, fui testigo de cómo el humor y el amor se convirtieron en nuestros escudos contra la oscuridad. Esta película abraza ese sentido único del humor libanés mientras explora temas más profundos como la paternidad y el legado. Durante el rodaje, mientras se desarrollaba otra gran guerra en el Líbano, mi propio hijo nacía a miles de kilómetros de distancia, un acontecimiento fatídico que cristalizó mi creencia de que, ante el caos, es nuestro amor mutuo lo que nos hace avanzar” comenta el director.

Sinopsis: Nino y Yasmina nacieron el mismo día, en medio de una tragedia que sacudió Beirut. A lo largo de tres décadas marcadas por pasión, desamor y esperanza, sus caminos se cruzan una y otra vez, atrapados en una relación magnética que desafía el tiempo y las heridas del pasado. Él sueña con echar raíces, mientras ella solo piensa en huir. En un país que cada día les rompe un poco más el corazón, deberán enfrentarse a una elección imposible: ¿apostar por el amor y formar una familia, o rendirse ante la necesidad de sobrevivir?

Cyril Aris es un director de cine libanés. Su largometraje documental The Swing (2018) se estrenó en Karlovy Vary. Su segundo largometraje documental, Dancing on the Edge of a Volcano (2023), que recibió una beca del Instituto Sundance, se estrenó en la competición principal de Karlovy Vary, ganó una mención especial del jurado y se proyectó en el BFI, CPH DOX, DOC NYC y más de 80 festivales. Su cortometraje The President’s Visit (2017) se estrenó en el TIFF y se proyectó en más de 100 festivales. Tiene un máster en Bellas Artes por la Universidad de Columbia y es miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

LAS CATADORAS DE HITLER

Las catadoras de Hitler, la nueva película de Silvio Soldini llega a las salas españolas de la mano de Mirror Audiovisual. La película, que pasó por el Festival de Málaga, en la sección Mosaico: Panorama Internacional, es una producción entre Italia, Bélgica y Suiza.

Las catadoras de Hitler está basada en el libro "La Catadora" de Rosella Postorino. En 2012, a los 95 años, poco antes de morir, Margot Wölk reveló que había sido una de las jóvenes alemanas obligadas a probar los platos de Hitler. Nadie sabía de la existencia de los catadores. Margot Wölk fue la única de ellas que sobrevivió al final de la guerra. Su historia inspiró tanto la novela como la película.

Silvio Soldini, con una carrera muy consolidada a sus espaldas, consiguió su gran éxito internacional con Pane e tulipani, La película ganó 9 premios David di Donatello, 5 Nastri d'Argento, 9 Ciak d'Oro y recibió 3 nominaciones a los Premios de la Academia Europea.

Sinopsis: Otoño de 1943. La joven Rosa huye de un Berlín bombardeado y se refugia en un pueblo donde viven sus suegros. Rosa descubre rápidamente que en el bosque adyacente se encuentra el cuartel general de Hitler, la llamada "Guarida del Lobo". El Führer ve enemigos por todas partes. Su obsesión es que lo envenenen. Rosa es forzada, junto con otras mujeres, a probar la comida preparada para él. Divididas entre el miedo a la muerte y el hambre, las "catadoras" aceptan su destino no sin contradicciones. ¿Hay lugar para el amor a las puertas del infierno?

El reparto está encabezado por Elisa Schlott, Max Riemelt, Alma hasun, Esther Gemsch, Jürgen Wink, Emma flack, Olga Von Luckwald, Berit Vander.

Sobre Silvio Soldini. En 1983 dirigió su primer mediometraje en 16 mm, Paesaggio con figure, que, junto con Giulia en Octubre, recibió reconocimiento en varios festivales nacionales e internacionales. En 1984 fundó la productora Monogatari con sus colaboradores más cercanos. A partir de 1985, con Voci celate, comenzó a trabajar como documentalista y en 1990 se estrenó su primer largometraje, L’aria serena dell’ovest. La película alcanzó un considerable éxito de público, se presentó en competición en el Festival de Locarno, ganó la Grolla d’Oro al Mejor Guion en Saint-Vincent y recibió el Gran Premio en el Festival de Annecy. En 1993, Un’anima divisa in due fue seleccionada para el Festival de Cine de Venecia, donde Fabrizio Bentivoglio ganó el premio al Mejor Actor y Soldini recibió la Grolla d’Oro al Mejor Director. En 1997, dirigió Le acrobate, que compitió en los festivales de Locarno y San Francisco, ganó premios en los Rencontres Internationales de Cinéma en París y le valió a Valeria Golino una Grolla d'Oro. En 2000, alcanzó un gran éxito de crítica y comercial con Pane e tulipani, una película que obtuvo aclamación internacional en Suiza, Alemania, Argentina, Brasil y más allá. La película ganó 9 premios David di Donatello, 5 Nastri d'Argento, 9 Ciak d'Oro y recibió 3 nominaciones a los Premios de la Academia Europea. En 2002, dirigió Brucio nel vento, basada en la novela Ieri de Agota Kristof, filmada entre Suiza y la República Checa, y presentada en competencia en el Festival de Cine de Berlín. La película recibió ocho nominaciones al David di Donatello. En 2004, realizó Agata e la tempesta, protagonizada por Licia Maglietta y Giuseppe Battiston, marcando un regreso a la comedia después de Pane e tulipani, con muchos personajes y colores vibrantes, en una atmósfera menos de cuento de hadas y más surrealista. En 2007, Giorni e nuvole ganó el Premio del Público en el Festival de Cine de Roma y en 2010, Cosa voglio di più se presentó en el Festival de Cine de Berlín. En 2012 dirigió Il comandante e la cicogna, otro elenco y comedia surrealista. En 2016 realizó el documental Il fiume ha sempre ragione. En 2017, presentó Il colore nascosto delle cose en el Festival de Cine de Venecia, con Valeria Golino, una película inspirada en su experiencia realizando Per altri occhi, un documental sobre personas ciegas. En 2018, dirigió Fiume di parole, un documental dedicado al poeta Raffaello Baldini, seguido del cortometraje Olmo (2019), parte de Interdependence, una película colectiva sobre el cambio climático. En 2021, estrenó 3/19, un thriller psicológico protagonizado por Kasia Smutniak. Las Catadoras de Hitler es su duodécimo largometraje.

DOS DÍAS

Sinopsis: Jose Antonio tiene 89 años y está perdiendo la memoria, pero se resiste a depender de los demás y dejar de hacer lo que lleva toda una vida haciendo. Aunque su familia se lo prohíbe, convence a su amigo Mindo, al que hace años que no ve, para salir a pescar en la barca. La salida se complica cuando se quedan sin gasolina y, con la noche y la niebla cayendo, quedan a la deriva en medio del mar. Atrapados en la diminuta barca, la travesía se convierte en un inesperado viaje acerca de la vejez, la amistad y la forma de aceptar el paso del tiempo.

Dirigida y con guion de Gonzaga Manso, la película cuenta en su reparto con Saturnino García, Jesús Outes y Aurora Maestre. Dos días llega a nuestras pantallas de la mano de Silencio Cinema.

SAL & DEAN: TRAS LOS PASOS DE KEROUAC

Este viernes llega a los cines el largometraje documental Sal & Dean. Tras los pasos de Kerouac de Rosa García Loire y Miguel Hualde. El filme está protagonizado por Jimmy Barnatán y Mike Inverno. 

La travesía que Jimmy y Mike emprenden en este largometraje sugiere que el sueño americano no es una verdad universal, sino una construcción cambiante, reinterpretada constantemente por quienes lo persiguen o lo cuestionan, reflejando las tensiones y riquezas de una sociedad profundamente plural.

Rosa García Loire, codirectora de 'Sal&Dean', explica que "este largometraje documental realiza un retrato de la sociedad estadounidense actual, siguiendo una obra literaria universal como es 'On the Road'. A lo largo del camino, personajes secundarios dan su visión del sueño americano y lo que queda de él. Recorremos el camino de Keroauc, revisitando el paisaje y los espacios. Creo que es interesante esa combinación de viaje, sociedad y cultura para mostrar, desde una óptica contemporánea, lo que queda de aquel viaje que el autor realizó hace más de medio siglo".

Dirigido por Rosa García Loire y Miguel Hualde con guion de Jimmy Barnatán, 'Sal&Dean' cuenta con Javier Rodríguez como director de fotografía. Ignacio Maquirrain se encarga del montaje y Álvaro Soto del diseño gráfico. Jimmy Barnatán y Mike Inverno firman la música. Juan San Martín, Jordi Carbonell y Oriol Cardús son los productores. La película cuenta con el apoyo de incentivos fiscales, tanto navarro como de territorio común.

Sinopsis

Jimmy Barnatán y Mike Inverno emprenden un viaje por la América profunda en el que recorren el interior de Estados Unidos descubriendo a sus gentes, sus rincones y contrastes, tan fotografiados como desconocidos. Un viaje lleno de encuentros con músicos, camareras, camioneros y otros personajes anónimos que, aunque secundarios como ellos mismos, se convierten en protagonistas.

Emulando a Sal Paradise y Neal Cassady, protagonistas de 'On the Road' (En el camino), la novela definitiva de la generación beat publicada por Jack Kerouac en 1957, estos viajeros,acompañados de una guitarra y una pluma, tratan de entender el sueño americano, descubriendo la complejidad y diversidad cultural que definen a este fascinante país.

Los protagonistas

Cantante, actor y escritor, Jimmy Barnatán inició su carrera musical como vocalista de Caronte's Ferry y, posteriormente, lideró la San Telmo Blues Band, versionando clásicos americanos en ambas formaciones. En 2010, lanzó su primer disco titulado "Black Note" , un homenaje a las leyendas del jazz, el blues y el soul que influenciaron su música al que siguió "After the Blue Times" (2011), grabado con el sello Warner Music Spain junto a la Back Door Band. Tras formar Jimmy Barnatán & The Cocooners, ha publicado "Motorclub" (2015), con colaboraciones destacadas, y "Jefe Original Soundtrack" (2018).

Miguel Hualde, conocido como Mike Inverno, es guitarrista y cantante. Su carrera comenzó con Greenhouse Effect, una banda que destacó en la escena musical. Ganaron la muestra Pop Rock del Gobierno de Navarra y el premio a la mejor canción por "About You", demostrando su habilidad y pasión. Esta victoria les permitió grabar su primer disco en los estudios Paco Loco en Puerto de Santa María, marcando un hito significativo en su trayectoria musical.

Mike Inverno también formó el grupo Defectos Personales, lanzando dos álbumes que definieron su sonido. "Diario de Viaje" y "Puzzles" los llevaron a una exitosa gira por España, conectando con una audiencia cada vez más amplia y demostrando su evolución constante y capacidad para cautivar con su música.

La directora. Rosa García Loire

Rosa García Loire (Pamplona, 1978) es directora, productora ejecutiva y directora de producción. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Navarra y en Ciencias Políticas y Sociología por la UNED, desarrolla una trayectoria vinculada al cine documental, la creación contemporánea y los proyectos culturales con impacto territorial. Actualmente es directora de producción de 601.

Como directora, firma los largometrajes documentales 'ANWAR' y 'Sal & Dean. Tras los pasos de Kerouac', una mirada contemporánea al imaginario de la generación beat y al sueño americano. Actualmente tiene en postproducción 'Lilit, el sexo bien entendido' y desarrolla 'Tocaré hasta que mis dedos sangren', centrado en la figura de Aurora Beltrán.

Como productora ejecutiva ha impulsado proyectos como 'Atlas Oculto', 'El Drogas', 'Ainarak', 'Kantauri', 'Caídos del Zielo', 'Ceditas' o 'El que no ve'.

Su trabajo se extiende también al ámbito de la mediación y la gestión cultural, participando en proyectos y festivales. Actualmente, se encuentra desarrollando 'Piano ma non piano', una iniciativa de creación comunitaria y participativa a partir de un piano en desuso que propone un proceso de cocreación de diferentes disciplinas.

Las productoras

Pocas veces encontramos dos personalidades tan diferentes como Oriol Cardús y Jordi Carbonell compartiendo una visión tan clara sobre qué producir y cómo hacerlo. Así es Sin Parpadear S.L., una productora todoterreno que combina la creatividad de Oriol Cardús para construir historias y la innovación de Jordi Carbonell para llevar esas historias.

El qué y el cómo hacen de Sin Parpadear una productora decidida a hacerse un lugar en la industria audiovisual. Apuesta por producciones de género con un punto de vista personal y dando voz al talento emergente.

Su objetivo, según sus propias palabras, es: "sentar al mayor número posible de espectadores frente a una pantalla y que rían, lloren, sufran y pasen miedo. En definitiva, que se emocionen."

Filmografía

• 'Una pistola, una bala y un oso panda' (Oriol Cardús, 2026)
• '¡Por las tetas de lucía!' (Paloma Mozo, Anna Carbonell, 2026)
• 'Sal & Dean. Tras los pasos de Kerouac' (Miguel Hualde, Rosa García, 2025).
• 'Entre mareas' (Oriol Cardús, 2025).
• 'Prou bé' (Anna Carbonell, 2024).
• 'Adrià. Un amor genuí o un deurere?' (Mariona Lliber, 2023).
• 'El productor' (Oriol Cardús, 2022).

601 es una productora con más de 20 años de trayectoria en producción de contenido para entidades, televisión, centros de interpretación y museos.

En el ámbito del documental, ha realizado obras de temática muy diversa, como 'Ainarak', sobre la emigración femenina navarro-aragonesa al país vasco-francés entre 1880-1936; 'ANWAR', que combina alpinismo, solidaridad y energía renovable de la mano del alpinista Alex Txikon; 'Awards Beyond the Limits of Hairdressing', sobre peluquería mundial de vanguardia; 'Sal & Dean. Tras los pasos de Kerouac' , un road docu que es un retrato de la sociedad estadounidense; 'Kantauri', largometraje documental sobre la vida del Cantábrico en un tono poético; 'Lilit, el sexo bien entendido', acerca de la educación y sexualidad femenina; o 'Atlas oculto', una coproducción con Francia sobre los territorios anegados por la construcción de pantanos.

Ha producido también los cortometrajes documentales 'Ceditas', sobre la soledad en la tercera edad; 'Migrantes', una reflexión documental sobre la migración humana y animal; o 'El que no ve', sobre la exclusión social contada en primera persona.

En fase de producción se encuentran otros proyectos como 'Loraldia', una coproducción con Álava sobre la escena musical en Iruña; 'Caídos del Zielo', una coproducción con Aragón acerca del teatro como herramienta sanadora para personas en riesgo de exclusión social; y los cortometrajes 'Encuentros con Xabier', sobre el artista Xabier Morrás y su participación en los Encuentros de Pamplona del 72; y 'El hombre del oeste', que explora el uso de nuevas tecnologías en terapias con enfermos con Alzheimer.

En desarrollo, los proyectos 'Tocaré hasta que mis dedos sangren', una biografía sobre la artista Aurora Beltrán, frontwoman pionera en el rock estatal; y 'A Tale of Sperm Whale', sobre la conservación de cetáceos en Azores.

ENTREVISTA A CARLO PADIAL Y DESIRÉE DE FEZ - "PIZZA MOVIES"

El Cansancio, Bambina, Scorpora y Pioneros-Media Offline se complacen en presentar las primeras imágenes de Pizza Movies, la nueva comedia de Carlo Padial (Dr. Portuondo, Algo muy gordo), protagonizada por Judit Martín y Berto Romero, a partir de un guion original de Desirée de Fez, Carlos de Diego y Carlo Padial.

Judit Martín, una de las cómicas más conocidas en Catalunya por sus colaboraciones en programas como ‘Polònia’ y ‘Està passant’, recientemente descubierta por el público nacional por su intervención en la gala de los Premios Feroz, debuta en el cine de la mano de Berto Romero, uno de los cómicos más importantes a nivel nacional.

En esta comedia indie, que bebe de la comedia norteamericana de los 70-80, Padial une el ingenio y conexión de Martín y Romero, con la participación de actores y actrices como Raúl Arévalo, Joaquín Reyes, Bruna Cusí, Melina Matthews, Javier Botet, Tamar Novas, Belén Barenys, Miguel Noguera y Llimoo en una tierna y divertida comedia sobre la importancia de perseguir los sueños.

Pizza movies narra las vicisitudes de una pareja que, en plena crisis profesional, deciden dejarlo todo y montar un nuevo negocio. Pero no un negocio cualquiera…

En palabras de su equipo creativo, “Pizza Movies es una comedia alocada y muy humana sobre la importancia de perseguir los sueños y realizarse como persona, incluso cuando esos sueños parecen absurdos e imposibles”, comenta Padial. Por su parte, de Fez incide en que “la película parte del deseo de hacer una comedia positiva, feliz, alegre. Una película que sirva de vehículo a grandes actores de comedia como Berto Romero y Judit Martín, en la línea de las maravillosas comedias de Mel Brooks, Hal Ashby o Albert Brooks de finales de los 60, de los 70 e incluso de los 80, cuando la comedia americana respiraba un aire de libertad contracultural.” Por su parte, Carlos de Diego añade: “Pizza Movies se hace eco del desencanto de una generación que ha encadenado varias crisis económicas y sufre las consecuencias de la insatisfacción personal. Pizza Movies funciona como alegoría de un presente muy abrasivo donde el ser humano y sus sueños cada vez importan menos, donde no hay lugar para soñar y, por tanto, no hay lugar para el cine.”

Pizza movies es una producción de El Cansancio, Bambina, Scorpora y Pioneros-Media Offline.

Carlo Padial (Barcelona, 1977) es director de cine, escritor y guionista. Ha escrito y dirigido las películas Mi loco Erasmus (Greatest Hits, SL, 2012), Algo muy gordo (Zeta Cinema, 2017) y Vosotros sois mi película (Youplanet Pictures 2019).

También es el director y co-guionista de la serie de ficción Doctor Portuondo (Filmin y La Chica de la curva, 2021) y de la serie documental Crímenes Online (Atresmedia, 2022). También ha dirigido el programa Git Gud (2023), para la productora Alguna Pregunta SL, emitido en 3Cat.

Ha publicado cuatro libros, entre ellos Contenido (2023, Blackie Books) y Doctor Portuondo (2017, Blackie Books), adaptación dirigida por él mismo en una serie producida por Filmin y La chica de la curva. También fue colaborador de Late Motiv con Andreu Buenafuente, en #0 de Movistar+ durante tres temporadas y de APM? de TV3 durante dos temporadas. Además, ha sido director de vídeo de Grupo Zeta (El Periódico, Sport, Cuore, etc.) y director de vídeo y de producción original de PlayGround. Muchos de sus vídeos han sido virales de enorme éxito, como ‘Quiero ser negro’, la serie de reportajes sobre los ‘Swaggers’, ‘Go, Ibiza, ¡Go!’ o ‘La vergüenza de existir’, entre otros.

Gracias a nuestra amiga de prensa Núria Costa Salvà hemos podido entrevistar al director de la cinta, Carlo Padial, y a una de las guionistas de la misma, Desirée de Fez. Éste es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- ¿Cuál es el germen de la historia? ¿Cómo surge Pizza Movies?

DESIRÉE DE FEZ.- Pues es un poco autobiográfico, porque como le pasa al personaje de Judit de la película, a Thais, yo llevo muchos años trabajando como crítica de cine y tuve un momento de crisis personal, profesional, porque de golpe se precarizó mucho la profesión, que es algo en lo que todavía estamos, hasta el punto que un poco dejé de encontrarle sentido a un trabajo que adoraba y que nunca me dejó de gustar, el cine. Pero sí que pensé, ¿Tiene sentido seguir escribiendo sobre cine con lo difícil que es ganarse la vida con esto? Tienes que estar jugando muchas cosas a la vez. Dedicarte exclusivamente a la Cultura es muy complicado. Yo le decía siempre a Carlo (nosotros somos pareja en la vida real), "voy a dejarlo todo y voy a montar una pizzería". Siempre le decía "le voy a pedir dinero para montarlo a un amigo nuestro", que es Juan Antonio Bayona, que es mi mejor amigo. Siempre le decía a Carlo "le voy a pedir dinero a él para montar la pizzería". Y cada vez que quedábamos para cenar Carlo entraba en pánico, en plan, ¿en qué momento la loca esta le va a pedir dinero a Bayona? Obviamente no lo iba a hacer, pero sí que había el impulso este de, ¿y si dejamos a lo que nos hemos dedicado siempre para empezar de cero en otra cosa? Y como no lo hice, porque al final me di cuenta de que no lo hacía porque a mí me gusta el cine y es a lo que me quiero dedicar, y lo quiero demasiado como para dejarlo, ¿por qué no convertirlo en una película? Ese fue un poco el punto de partida.

Carlos Penela.- La película, desde mi punto de vista, se mueve entre lo romántico, lo generacional, lo casi existencial.. ¿Fue difícil encontrar ese equilibrio?

CARLO PADIAL.- Bueno, yo creo que esencialmente es una comedia romántica sobre una pareja que se quiere, que yo creo que eso es algo muy subversivo en 2026, dado que todo el cine que ves, o buena parte del cine cómico que ves, siempre es muy cínico y todo el mundo en esas pelis se odia. Ha dominado mucho ese tipo de cine tipo 'White Lotus', que es genial, nos encanta, pero claro, es un poco monocultivo, hay demasiado enfado. Yo creo en la sociedad y el cine refleja eso. Nosotros queríamos hacer una película que fuera muy positiva, que esencialmente fuera una comedia romántica, pero que una vez sobre esa propuesta inicial tocara diferentes tonos de humor. Al final, el equipo que se ha reunido para hacerla, y no sólo es Desirée o Carlos de Diego y yo como guionistas, sino también, evidentemente, Berto y Judith, más todo el reparto, que es extraordinario, todos tenemos un gran amor por la comedia cinematográfica y por sus diferentes subgéneros y matices. Entonces la película transita, a veces puntualmente, a veces de una manera más decidida, por muchos de esos colores. Empieza como una comedia romántica urbana sobre una pareja con problemas, luego se vuelve una comedia más de situación, centrada en torno a una dark kitchen, en la que intentan abrir eso y se abre, como en las sitcoms, a personajes muy extravagantes, y se va escorando hacia el absurdo en ese tercio final en el que se convierte en un juicio, una obra de Eugène Ionesco, donde nada tiene sentido, los roles están invertidos y no se entiende nada. Eso era muy intencionado y tiene que ver con que nos gusta mucho el humor y todos traíamos nuestras cosas. El actor Jordi Soriano, por ejemplo, que interpreta al abogado defensor te traía una comedia muy física, muy graciosa. Berto te trae un humor muy fino, muy de texto, con unas contras, con unas réplicas súper rápidas. Javier Botet te trae una comedia totalmente autoral. Desirée es una grandísima conocedora de la comedia de la década de los 60 y los 70, de 'Harold and Maude', de Mel Brooks, de Albert Brooks. A mí me entusiasma la Scrubal Comedy y creo que hay mucho aquí de construcción de una especie de Frank Capra, una especie de 'Caballero sin espada' del siglo XXI, salvando todas las instancias de genio con Capra, pero es como unos idealistas que intentan algo y, les vaya a ir bien o mal, lo tienen que defender porque lo que están defendiendo es una cierta pulsión humanista.

Carlos Penela.- Precisamente en ese sentido Desirée, siempre has hablado de recuperar ese espíritu libre de la comedia americana entre los 60 y los los 80. ¿Qué crees que hemos perdido o ganado en la comedia contemporánea?

DESIRÉE DE FEZ.- Bueno, estoy un poco de acuerdo con Carlo, que se han impuesto un modelo de comedia muy cínica y muy oscura de alguna manera. Tiene todo el sentido porque en un momento en el que el mundo funciona como funciona es difícil estar alegre. Pero para nosotros era justo darle un voto de confianza a la comedia como un género que te permite también la desconexión y te permite un poco evadirte del horror no sin reflejar la realidad. Es un poco el ejemplo de película que no partimos de los temas para hacer comedia, sino que la comedia nos llevó a los temas. Nos hemos cuenta hasta qué punto la comedia, que es algo que ya sabíamos, es un género increíble para hablar de las cosas que nos preocupan sin necesidad de irte a la oscuridad, y hacerlo de forma muy natural. Una vez teníamos la película acabada vimos que es una peli que, es verdad que hemos planteado desde los códigos de la comedia, pero que habla de muchos de los temas que nos preocupan a la gente de nuestra generación. Evidentemente, por un lado es un reflejo del presente a nivel de la crisis económica, de este desconcierto, esta especie de apatía a la que nos ha llevado el estado del mundo en la actualidad, pero también habla de los problemas a los que se enfrenta una persona de más de 40 años, como son los cuidados. Tienes que cuidar de padres o tienes que cuidar de hijos, tienes que cuidar de padres e hijos. La salud mental, de alguna forma también aparece la figura de la psicóloga del hijo. El padre está en una situación complicada también. El tema de la precariedad económica, cuando creas una familia es algo que todavía te aterroriza más. Y vimos que de una forma natural la comedia nos llevaba a hablar de todas estas cosas que son las que nos preocupan como adultos.

Carlos Penela.- ¿Y cómo fue el proceso de escritura? ¿Hubo más caos, más método?

CARLO PADIAL.- Bueno, fue un proceso como por fases. Primero, claro, Berto y yo habíamos trabajado juntos en diferentes cosas, sobre todo habíamos hecho juntos la peli 'Algo muy gordo', y nos habíamos quedado con ganas de repetir la colaboración. No sabíamos muy bien cómo queríamos, en qué tipo de proyecto. Entonces, cuando yo dirigí la serie 'Doctor Portuondo' para Filmin, donde tanto Berto como Judit Martín tenían algunas sesiones, al verlos juntos, de manera muy clara, me acuerdo perfectamente decirle tanto a Desirée como a Carlos de Diego, con los que he acabado haciendo luego el guion, "hay que hacer algo con estos". Y sobre todo el descubrimiento de Judit Martín, tenemos que hacer como un vehículo para esta gente, para estos genios del humor, quiero ver estas caras, quiero extraer el potencial de esta gente. Hubo un primer momento donde, partiendo de todas estas cosas que ha contado Desirée, encontrar el tema ahí, vamos a hacer una película sobre una pareja, una crítica de cine que está muy agobiada y fantasea con abrir una pizzería y trasladar su amor por el cine allí a las pizzas, que es una idea muy tonta, pero muy graciosa. Primero construimos un guion en el sentido muy convencional, dialogado, era muy divertido. Pero luego, cuando vimos cómo íbamos a producir finalmente la película, y que todos los actores que integraban el reparto eran genios interpretativos, Berto y Judit, pero también Miguel Noguera, también Javier Botet, Belén Barenys, Bruna Cusí, decidimos reescribirlo una vez más, hacer un poco el camino a la inversa, convertirlo de nuevo en un tratamiento, pero en un tratamiento muy detallado que marcaba los diálogos clave que necesitabas para que las escenas avanzaran. ¿Para qué hicimos eso? Pues para darle espacio a estos talentos, a que crearan dentro de ese marco. Y entonces eso no quiere decir que pudieran hacer cualquier cosa, ni mucho menos. De hecho, haciendo eso, lo decía Alberto ayer en el coloquio, es sorprendente lo mucho que se parece al guion original dialogado la película final. Es decir, es como que simplemente lo único que consigues de esa manera es que las escenas y los diálogos y las interacciones entre los personajes se vean muy vivas y muy naturales y muy espontáneas.

Carlos Penela.- En ese sentido, una de las cosas que nota la película es que tiene como una narrativa más libre y fragmentada. ¿Creéis que el lenguaje clásico ya no sirve para contar ciertas historias actuales?

DESIRÉE DE FEZ.- A nosotros nos gusta mucho el lenguaje clásico. La peli está escrita como una comedia muy convencional y muy accesible, pero sí que teniendo a todos esos actores de comedia que teníamos, creíamos que había que amoldarse un poco a sus tiempos, a su forma de actuar, a su gestualidad. Eso te desactiva algunas cosas más clásicas o convencionales, pero es verdad que para nosotros es una comedia muy clásica en escritura y en funcionamiento. Lo único que sí que nos hemos permitido el paseo este por distintos géneros o subgéneros de la comedia.

Carlos Penela.- ¿Hubo algún diseño de pizza que tuvieseis en mente que finalmente no se pudiera reproducir?

CARLO PADIAL.- (risas) No, pero sí es cierto que aunque parezca mentira, nos costó muchísimo encontrar quién podía hacer las pizzas de la película. Yo estuve semanas y semanas, meses, vamos, varios meses, intentando dar con quién o qué equipo creativo podía hacerlas. Probamos muchas cosas, diseñadores gráficos, gente que hacía atrezzo, arte para películas y no dábamos con el tono, simplemente no eran graciosas y no iban con la película. Hasta que ya un poco desesperados, un amigo de Bilbao nos habló de que es un artista gráfico brutal que había ganado muchos premios internacionales con una portada en la que retrataba a Donald Trump empleando solo jamón, dulce y queso. Es una de las portadas más premiadas, ganó muchos premios internacionales. El artista se llama Asier Sanz. Cuando me envió esto este amigo nuestro, pensé "ah, es esto lo que estamos buscando". Y sin pedirle ningún tipo de testeo más, le encargamos las pizzas. Nos las empezó a enviar y era de llorar de risa. Le fuimos pidiendo diseños de pizzas hasta que se nos acabó el presupuesto.

Carlos Penela.- Para finalizar, si Pizza Movies fuera una pizza, ¿Qué ingredientes tendría y cuál sería ese ingrediente secreto que no se ve en la carta?

DESIRÉE DE FEZ.- Yo lo que te diría es que no tendría piña nunca, y no sé... ¿Cómo sería la pizza Pizza Movies Carlo?

CARLO PADIAL.-  Bueno, no lo sé. A mí me gusta la pizza con anchoas, que ahora desde que hay la guerra de Ucrania y de Irán, con la inflación las anchoas se han vuelto muy caras y no las ponen. Al pedir una pizza, pedir que le pongan anchoas te dicen que las han retirado de la carta, y es porque son muy caras. Yo haría el acto simbólico de recuperar las anchoas.

DESIRÉE DE FEZ.- ¡Sin piña y con muchas anchoas!

CARLO PADIAL.- Dejémoslo ahí (risas).

ENTREVISTA AL DIRECTOR NACHO LA CASA Y AL ESCRITOR ALEJANDRO PALOMAS - "UN HIJO"

La película Un hijo, dirigida por Nacho La Casa, se ha estrenado en cines este viernes de la mano de Filmax, tras haber tenido su premiere mundial en el prestigioso Festival Internacional de Cine de El Cairo. Nacho La Casa, productor y coguionista de 'Sevillanas de Brooklyn', productor de 'El plan' y codirector de la película de animación 'Ozzy', debuta con Un hijo en el largometraje de ficción.

La película cuenta con la participación de RTVE, Movistar+ y Canal Sur, con el apoyo de la Junta de Andalucía, la Comunidad de Madrid, la Diputación Foral de Álava y el programa Europa Creativa MEDIA, y con financiación del ICO. Las ventas internacionales de Un hijo corren a cargo de Filmax.

Protagonizada por la ganadora del Premio Goya Macarena García ('Blancanieves'), el nominado al Premio Goya Hugo Silva ('Un amor') y el debutante Ian Cortegoso, Un hijo es una producción de Capitán Araña, Guion Alto, Veleta Films AIE y Vicinema.

Juan R. Apolo firma el guion junto a Nacho La Casa a partir de la novela homónima de Alejandro Palomas, obra galardonada con el Premio Nacional de Literatura y traducida a más de 18 idiomas.

En su recorrido por festivales, Un hijo ha tenido su presencia en la Competición Oficial del Annaba Film Festival (Argelia), que se celebró del 24 al 30 de abril, considerado uno de los certámenes cinematográficos más importantes del continente africano. La película tuvo su estreno mundial dentro de la International Official Competition del Festival Internacional de Cine de El Cairo y formó parte de la Sección Oficial del Festival de Málaga. Además, ha participado recientemente en la Sección Oficial Fuera de Concurso del Barcelona Film Festival.

Sinopsis: María, una psicóloga escolar sin experiencia, intuye que tras la aparente felicidad de un niño de 8 años recién llegado al colegio se esconde un secreto de imprevisibles consecuencias. Para descubrirlo deberá descifrar lo que la mente de Guille traduce en dibujos y, además, enfrentarse a la intransigencia de su padre.

Capitán Araña es una productora audiovisual liderada por Nacho La Casa, con más de dos décadas de trayectoria en la creación y producción de contenidos cinematográficos y televisivos. Bajo la premisa de contar historias de calidad que conecten con el público, independientemente de su formato, la productora ha producido hasta la fecha seis largometrajes que han participado en festivales como San Sebastián, El Cairo, Shanghái, Mar del Plata o Málaga, entre otros, y que han recibido seis nominaciones a los Premios Goya.

En el ámbito de la animación, Capitán Araña se ha consolidado como una de las productoras de referencia en España con títulos como 'Ozzy' (2016), uno de los mayores éxitos de la animación nacional de la última década y distribuido en más de 100 territorios, y con largometrajes como 'Superklaus' (2024) y 'Norbert' (2025), ambos nominados a Mejor Película de Animación en los Premios Goya. En la actualidad, se encuentra produciendo 'Like!', su cuarto largometraje de animación.

En ficción, la productora ha firmado películas como 'El plan' (2020) y 'Sevillanas de Brooklyn' (2021), con destacada presencia en festivales nacionales como Seminci, Málaga o Sevilla, y reconocidas con nominaciones a los Premios Goya, ASECAN, Carmen y Gaudí. El 8 de mayo de 2026, la productora estrena 'Un hijo', tras su premiere mundial en la Competición Internacional Oficial del Cairo International Film Festival. Asimismo, Capitán Araña amplía además su mirada hacia el cine de no ficción con 'América Pachalum', primer largometraje documental de la productora cuyo estreno está previsto para 2026.

Guion Alto es una productora fundada en 2010 por Nacho La Casa con el objetivo de desarrollar proyectos autorales que contribuyan a fomentar el desarrollo del tejido industrial andaluz. La compañía combina su experiencia en producción y desarrollo creativo en largometrajes, series y formatos de entretenimiento con una clara vocación por impulsar coproducciones nacionales e internacionales en Andalucía. 'Un hijo' es la primera producción de largometraje que inaugura esta nueva etapa.

Gracias a nuestras amigas de Revolutionary Press hemos podido entrevistar, en el marco del BCN Film Fest, al director de la cinta, Nacho La Casa, así como al autor de la obra literaria, Alejandro Palomas. Éste es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- Alejandro, cuando escribiste Un hijo, ¿en algún momento imaginaste que esta historia podía tener vida cinematográfica? 

ALEJANDRO PALOMAS.- Sí. Fíjate, estaba pensando esta mañana que yo la primera vez que vi a Macarena (García) en una pantalla dije "yo con esta mujer voy a hacer algo". De esto me he acordado esta mañana. Yo la vi algo en antes de 'Blancanieves' y pensé "hostia, yo quiero trabajar con alguien que tenga esa mirada", y es que Macarena tiene algo muy especial. Cuando yo empecé a escribir siempre tenía esta cosa como de "ojalá mis libros se lleven al cine"; luego eso se me pasó, y cuando escribí 'Un hijo', alguien me dijo (no se me ocurrió a mí) "hostia, esto es una peli, pero es una peli difícil". Y yo pensé, "¿peli difícil?, pues no entiendo por qué es peli difícil, porque es un niño que hace cosas". Luego me he dado cuenta gracias a él que es una peli muy difícil de hacer. Y creo que de toda mi obra 'Un hijo' es la obra más difícil de llevar a peli, pero sí, siempre hubo algo en Guille, porque siempre que estaba escribiendo lo veía en carne. Entonces sí, creo que había como una necesidad de que esta historia saliera del libro y fuera más allá.

Carlos Penela.- Nacho, ¿Qué fue lo primero que te hizo pensar 'esta historia necesita convertirse en película'?

NACHO LA CASA.- Creo que lo primero es que la historia te conmueva a ti a nivel interior, entonces eso te crea una necesidad de compartirlo desde tu lado. Eso fue lo que me impulsó a intentar levantar el proyecto.

Carlos Penela.- Planteabais el tema de la dificultad de trasladar la obra a la pantalla. En ese sentido la novela trabaja mucho desde lo no dicho y desde el mundo interior de Guille. ¿Cómo se aborda ese reto desde dos lenguajes tan distintos como la literatura y el cine, sin que en el cine pierda su esencia? Alejandro, ¿Cómo lo trabajas a nivel de escritura?, y Nacho, ¿Cómo lo has trasladado a la pantalla?

ALEJANDRO PALOMAS.- A nivel de escritura es más fácil porque en un libro cabe todo. En un libro tienes una cantidad de recursos que no existen en el cine. En el cine tienes que ver, es un lenguaje como más restringido, pero por otro lado en el cine luce más, y también se ve más lo que no luce. Para el creador creo que es más duro el cine que la literatura, yo tengo muchos más recursos y por eso me doy cuenta de lo bien que está la peli. Yo sufría mucho por anticipado, pensaba, ¿Cómo Nacho va a hacer esto?, la lista de cosas, las voces, etc. Yo tengo una forma de escribir muy peculiar, hablan todos en primera persona siempre, es una perspectiva complicada, y llevar eso al cine, tienes que querer mucho, mucho, muchísimo esta historia para llevarla al cine, y Nacho lo ha hecho.

NACHO LA CASA.- Si, un poco en la línea de lo que ha explicado Alejandro, en la literatura hay unas herramientas que no tenemos a la hora de plasmar en imágenes una historia. Yo creo que aquí mucho de lo que piensan, de lo que sienten los personajes, en la literatura lo puedes expresar por escrito, pero eso no se puede hacer en imagen. ¿Qué está pensando este personaje? Salvo que le hagamos aquí un bocadillo y lo dibujemos o lo visualicemos de alguna manera es imposible. Entonces, yo me detuve mucho en intentar sacar matices en la expresión de Guille (Ian Cortegoso), en cada una de sus sesiones con la psicóloga del colegio (Macarena García), en las pausas, en las miradas, en cómo él tenía que ir digiriendo ese diálogo. Y eso, como un ejemplo de lo que fui intentando trasladar a cada uno de los momentos claves de la película para que ese personaje tuviera la profundidad necesaria para conectar con el espectador y que el espectador sintiera lo que él está sintiendo. Entonces hay mucho de pausas, de miradas, de cosas que tuvimos la fortuna de contar con un chaval que supo hacerlo, porque en realidad es muy difícil.

Carlos Penela.- ¿Cómo disteis con Ian Cortegoso? Para mí Ian es la película. ¿Qué buscabas en el actor que interpreta a Guille para sostener un personaje tan complejo?

NACHO LA CASA.- Yo creo que cuando Alejandro creó el personaje él tendría un Guille en la cabeza, cuando yo leí el libro yo tenía otro Guille en la cabeza, y pueden ser varios tipos de Guilles, pero en este caso, aparte de que coincidía con lo que más o menos yo podía tener en la cabeza, hubo una conexión muy especial con él desde el primer día que apareció por el casting, y eso fue lo que me llevó a tomar la última decisión. Esa conexión que tuvimos intuí que me iba a ayudar mucho a moldearle y a que no tuviera resistencia a la hora de ir creando el personaje de una manera lúdica, no de una manera dramática porque estamos hablando de un chico que tenía ocho años cuando hicimos la peli.

Carlos Penela.- Alejandro, ¿reconoces a este Guille de tu libro?

ALEJANDRO PALOMAS.- Yo estuve al final del casting un poco, entonces yo ya vi cómo era, vi la mirada de él y era él, es raro, pero sí, no sé cuántas veces ocurre eso cuando se hace un casting en una peli, pero en este caso llegó y dije "¡está tan claro que es él!"

Carlos Penela.- Una de las cosas que más me gusta también de la película es que, por ejemplo, tanto Macarena García, Hugo Silva como Jesús Carroza los vemos en un registro que no suelen ser los habituales suyos, pero es que encima lo hacen todos con nota. ¿Es algo que habéis apreciado? ¿Os lo han dicho mucho?

NACHO LA CASA.- Bueno, también era un poco lo que yo pretendía, sacarles de los papeles donde se sienten más cómodos para tenerlos como más vírgenes en ese sentido, que no tuvieran los vicios que se van adquiriendo cuando interpretas más o menos el mismo papel. De hecho, por ejemplo, con Jesús me costó convencerle de que podía hacer este tipo de papeles porque él estaba como muy encasillado en género, y yo creo que él es uno de los grandes actores que tenemos en este país, creo que ha hecho un trabajo maravilloso.

Carlos Penela.- Nacho, ¿Nos puedes hablar de la fotografía de Santiago Racaj y de la música de Zeltia Montes?

NACHO LA CASA.- Pues mira, Santi fue algo que tenía súper claro porque me parece que es uno de los directores de fotografía que tiene más sensibilidad. Él en todo momento remó a favor de la película que yo tenía en mente. Yo antes de hacer la película hice un storyboard de toda la peli para que nos centráramos, sobre todo en los actores, y que Santi tuviera todos los planos. Antes de empezar a rodar ya sabíamos dónde iba la cámara, si tenía movimiento la cámara, si no, era luego una cuestión de afinar pequeños detalles en el set para yo aprovechar todo ese tiempo en trabajar con un niño de ocho años sobre todo. Me ha facilitado muchísimo las cosas, porque a partir de ahí, alguien de su experiencia, de la sensibilidad de Santi, con esas herramientas, es que va solo. En el caso de Zeltia, yo no quería una música que subrayara toda la parte emocional de la película, porque creo que la parte emocional la tiene que dar lo que ves y no lo que oyes. Hay compositores muy buenos que están habituados a crear música que apoyan las emociones, pero yo quería un tipo de música más sutil, más minimalista, que lo que hace es acompañar casi sin que te des cuenta de que está ahí. Zeltia me parece un talento descomunal, creo que ha conseguido exactamente lo que necesitaba la película, hecho con una orquesta de cuerda, muy contenido, no hay nada subrayado, es todo como orgánico a nivel musical. De esa manera evitamos el riesgo de que con otro tipo de música la peli resultara un pastel demasiado cargado.

Carlos Penela.- La película y la novela creo que están más de actualidad que nunca: un mundo donde cada vez más polarizado, donde las redes lo que están haciendo es que estemos desconectados no entre nosotros sino incluso de nosotros mismos, el poner en la palestra todo el tema de salud mental, cómo se lleva un duelo, el estar pendiente de nuestros hijos, si tienen algún problema, si lo saben expresar, el papel de las escuelas, de los padres y las madres... ¿Qué opináis de todo esto?

ALEJANDRO PALOMAS.- A mí es algo que me preocupa mucho, los duelos sobre todo, también me preocupan mucho todas las partes de vida de los niños que no pasan con sus padres sino que pasan en la escuela, en el ámbito escolar, la ayuda que necesitan y que a veces no tienen por parte de psicólogos. No todo el mundo tiene acceso a un psicólogo, pero sí están los orientadores y orientadoras escolares, siempre están presentes. Yo reivindico mucho eso, reivindico el acompañamiento en los más vulnerables, creo que eso es una necesidad, y sobre todo el papel de las maestras, creo que es importantísimo en este momento reivindicar el papel de profes. La docencia está tan maltratada en este momento en nuestro país... Está infravalorada, creo que hay que poner eso en la palestra y darle su lugar.