ESTRENOS DE CARTELERA - 12 Y 14 DE AGOSTO DE 2026

MARSUPILAMI (12 DE AGOSTO)

Marsupilami, una comedia de aventuras para toda la familia, llega a los cines españoles este miércoles, 12 de agosto, distribuida por YouPlanet. La película, dirigida por Philippe Lacheau, ha triunfado en la taquilla francesa convirtiéndose en una de las más vistas del año con más de seis millones de espectadores.

Con su combinación de comedia de aventuras, ritmo imparable y humor para todas las edades, Marsupilami se consolida como una de las propuestas familiares más esperadas del año.

La película está protagonizada por el propio Philippe Lacheau, Jamel Debbouze (Amélie), Elódie Fontan y Tarek Boudali, y cuenta con la participación del célebre Jean Reno. El fenómeno confirma el enorme tirón del personaje creado por Franquin y el pulso popular del cine de Lacheau, que vuelve a conectar con el gran público a través de una aventura tan disparatada como espectacular.

Marsupilami llega a nuestras salas dispuesta a contagiar al público español de su energía salvaje y su humor sin complejos.

Sinopsis: Para salvar su trabajo en el zoo, David acepta una arriesgada misión: recuperar un misterioso paquete en Sudamérica. El encargo lo lleva a un crucero donde viaja con su ex, su hijo y Stéphane, un compañero torpe. Todo se descontrola cuando Stéphane lo abre por accidente y libera a un adorable bebé marsupilami que convertirá el viaje en un caos absoluto. David y su familia tendrán que estar más unidos que nunca para recuperarlo.

KANGAROO: UNA AVENTURA EN AUSTRALIA (12 DE AGOSTO)

Kangaroo: una aventura en Australia es una conmovedora comedia familiar inspirada en la increíble historia real de Chris “Brolga” Barns, fundador de The Kangaroo Sanctuary, quien desde 2005 se ha centrado en criar y salvar crías de canguro en Australia Central.

Kate Woods, directora experimentada en la televisión estadounidense e internacional (El abogado del Lincoln. The Umbrella Academy), dirige la tierna historia de Kangaroo: una aventura en Australia.

La película está protagonizada por Ryan Corr (Sting. Araña asesina, Secretos criminales), la joven actriz australiana Lily Whiteley que da aquí el salto del teatro a la gran pantalla, y Deborah Mailman (Wolfram, Last Days of the Space Age), la primera actriz aborigen en ganar un premio AFI a la mejor actriz.

Kangaroo: una aventura en Australia llega a los cines españoles este miércoles 12 de agosto de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel.

Sinopsis: Cuando Chris Masterman (Ryan Corr), una estrella de la televisión australiana caída en desgracia, queda atrapado en un pequeño pueblo a las afueras de Alice Springs, Charlie (Lily Whiteley), una niña indígena de 12 años con un profundo amor por los animales, se cruza en su camino. Ambos entablan una inesperada amistad y se alían para rescatar y rehabilitar a crías de canguro huérfanas, una aventura épica que les cambiará la vida.

El rodaje se llevó a cabo en Alice Springs y en el santuario de canguros de Arrernte Country, así como en la emblemática playa de Bondi, en Sídney, en las tierras y aguas tradicionales de los pueblos Bidjigal, Birrabirragal y Gadigal.

Estos escenarios no son sólo paisajísticos, sino que forman parte integral de la historia. La película equilibra la belleza agreste de Australia Central con el contraste urbano de Sydney, dando al público una muestra de ambos mundos.

La película fue producida por Cultivator Films Australia junto con Bunya Productions y Brindle Films, con financiación de Screen Australia y Screen Territory, y StudioCanal se encargó de las ventas internacionales.

DÍAS DE AGOSTO

La distribuidora y agencia de ventas Deep Com Roots -socio estratégico de ISII Group-, ha lanzado el cartel y el tráiler oficial de Días de agosto. La película dirigida por Chema de la Peña cuenta con un carismático reparto compuesto por Maggie Civantos (Vis a Vis, Antes de la quema), Pau Simon (Nudes, El refugio atómico), Roberto Álamo (ganador del Premio Goya por Que Dios nos perdone y La gran familia española) y Berta Galo (La moderna, Servir y proteger). Este elenco de lujo cuenta además con la colaboración especial de Pilar Castro (Gordos, Ventajas de viajar en tren) e Isaac Dos Santos (Hierro, Las noches de Tefía).

Filmada en la zona costera de Mogán, la brisa de esta isla acompaña a una trama cargada de misterio y erotismo, con la historia de una pasión tan imposible como inevitable y un secreto que sale a la luz. Días de agosto promete seducir también con su ternura, pero sobre todo con una emocionante reflexión vital.

Asegura su director, que siente que tiene "todos los ingredientes que quería para Días de agosto: la sensualidad del calor, la luz del verano, los deseos prohibidos, los conflictos familiares, las miradas furtivas… y cuatro actores en estado de gracia interpretando a unos personajes a los que el verano cambiará para siempre."

Chema de la Peña, cineasta de dilatada experiencia con doce largometrajes en su filmografía, ha conquistado al público logrando éxitos de taquilla como los de Isi Disi o 23F; pero también a la industria, habiendo sido nominado al Premio Goya al Mejor Largometraje Documental y ganador del Premio Forqué en esa categoría por Marisol, llámame Pepa, fue seleccionado con Sud express en Sección Oficial en el Festival de San Sebastián, entre otros.

Sinopsis: El verano promete ser idílico para Juan (Pau Simon) y Gabriela (Berta Galo), las clases de la universidad han terminado y van a tener para ellos solos el chalé familiar de la playa. Pero sus planes se tuercen cuando el padre de Juan, Fernando (Roberto Álamo), aparece sin previo aviso con su nueva novia, Mónica (Maggie Civantos). La tensión entre padre e hijo dificulta la convivencia, pero lo hace aún más la que surge entre Juan y Mónica, esa desconocida, mucho más joven que su padre, que ha desplazado a su madre. Los secretos, las pasiones prohibidas, el calor del sol y la playa traen consigo un agosto inesperado.

Liderado por la CEO de ISII Group Silvia Carvalho, la productora del grupo, Inefable Productions, ha desarrollado este proyecto con el apoyo de los servicios de su consultora asociada SIA Servicios Audiovisuales, con Lydia Palencia a cargo de la producción ejecutiva.

Días de agosto es un guion original de David Sueiro, uno de los ganadores del primer concurso internacional de guiones Break on Time celebrado el pasado año por la propia compañía ISII Group, con Marta Etura, Karla Sofía Gascón, Aura Garrido, Ernesto Alterio, y los directores y guionistas Kike Maíllo, Jorge Coira y David Victori como jurado.

El resto de departamentos los encabezan Marisa Muñoz en la dirección de producción, Dani Salo en la dirección de fotografía, Itziar Sagasti como directora de arte, Gara Hamad como jefa de vestuario, Sonia Pilar Blanco como jefa de peluquería y Esther Muñoz como jefa de maquillaje.

EL FINAL DE OAK STREET

Sinopsis: Después de que un misterioso fenómeno cósmico arranque Oak Street de su entorno suburbano y transporte a sus habitantes a un lugar desconocido, la familia Platt pronto descubre que su propia supervivencia depende de que permanezcan unidos mientras se orientan en un entorno que ya no reconocen.

Protagonizada por Anne Hathaway y Ewan McGregor, El final de Oak Street cuenta también con la participación de Maisy Stella y Christian Convery. La película está escrita y dirigida por David Robert Mitchell y producida por J.J. Abrams, Hannah Minghella, Jon Cohen, David Robert Mitchell, Matt Jackson y Tommy Harper. Los productores ejecutivos son Chris Bender, Jake Weiner, Joanne Lee y Leeann Stonebreaker.

El equipo de Mitchell detrás de la cámara incluye al director de fotografía Michael Gioulakis, la diseñadora de producción Maya Shimoguchi, el montador John Axelrad, el compositor Michael Giacchino y la diseñadora de vestuario Erin Benach.

Warner Bros. Pictures presenta una producción de Bad Robot, una producción de Jackson Pictures, una película de David Robert Mitchell: El final de Oak Street. 

CUENTA ATRÁS

Sinopsis: La historia nos sitúa en Londres, en la actualidad. Un supuesto artefacto de la Segunda Guerra Mundial aparece en una obra en Paddington, activando un enorme operativo policial y militar en pleno centro de la ciudad dirigido por la jefa Greenfield (Gugu Mbatha-Raw) y el experto en explosivos Tranter (Aaron Taylor-Johnson). Aprovechando el caos, un grupo criminal liderado por Karalis (Theo James) y X (Sam Worthington) ejecuta un plan meticuloso: infiltrarse en un edificio dentro del cordón policial y acceder al banco situado debajo de él. La ciudad queda en silencio y el grupo aprovecha el corte de electricidad y las calles vacías. Ambos operativos, el oficial y el clandestino, avanzan en paralelo sin ser conscientes uno del otro. Algo realmente peligroso está ocurriendo dentro del perímetro evacuado.

El director David Mackenzie (Comanchería, Perfect sense) nos presenta esta historia contrarreloj que combina adrenalina, thriller, acción y misterio con una conexión entre personajes que se irá desvelando a lo largo del metraje.

Su director confiesa que quería «hacer algo cinematográfico que jugara con la tensión y el sentido del ritmo». Sin duda, lo consigue con esta historia de robos, mentiras e intereses ocultos.

La idea surgió, según explica Mackenzie, al leer numerosas noticias sobre bombas de la Segunda Guerra Mundial que todavía aparecen en Reino Unido, especialmente durante obras en el centro de grandes ciudades que sufrieron intensos bombardeos. Le fascinaba la posibilidad de mezclar esa situación real, cargada de tensión, con los códigos del thriller y el cine de atracos.

El trabajo del equipo de producción fue también imprescindible porque solo podían «cortar la calle tres minutos cada cuarto de hora el domingo por la mañana». Así, tuvieron que trabajar mano a mano con las autoridades para poder rodar en Edgware Road, que es una de las zonas más concurridas, densas y emblemáticas de Londres. Mackenzie buscaba la autenticidad y, para eso, el caos y el movimiento de esta ciudad tan viva tenían que ser visibles en la gran pantalla. No querían «falsear nada rodando en otra ubicación».

En el rodaje y el montaje de la película, David y Matt Mayer (montador) tuvieron claro que querían mantenerla lo más dinámica y enérgica posible. «Era fundamental que tuviera ritmo. Quería que la cámara estuviera inmersa en la acción y en una energía constante. Esa energía se consigue con la mezcla del rodaje y el montaje», comenta el director. Por eso, resultó ser una experiencia tan trepidante para todo el equipo y consigue atrapar al público en esa montaña rusa de adrenalina.

Cuenta Atrás se estrena este viernes 14 de agosto de la mano de Diamond Films.

ESTE/OESTE

A Contracorriente Films estrena este viernes 14 de agosto Este/Oeste, la comedia dirigida por Natja Brunckhorst (Yo, Cristina F.) y protagonizada por Sandra Hüller (Anatomía de una caída, Proyecto Salvación). La película retrata un momento histórico único: la reunificación alemana tras la caída del Muro de Berlín.

Basada en hechos reales e inspirada en el conocido 'caso Halberstadt', en el que toneladas de billetes de la antigua RDA (Alemania Oriental) fueron almacenadas en galerías subterráneas y se convirtieron posteriormente en objeto de robos, la película combina hechos reales con ficción para construir una historia llena de ingenio, emoción y espíritu colectivo en una carrera contrarreloj en la que cada segundo que pasa marca el valor del dinero.

Protagonizada por Sandra Hüller, nominada al Oscar a Mejor Actriz por Anatomía de una caída, junto a Max Riemelt (La Ola) y Ronald Zehrfeld (El caso Fritz Bauer), Este/Oeste plantea preguntas universales sobre el valor del dinero, la justicia y el verdadero significado de la felicidad. La película también rinde homenaje a una generación que vivió entre la incertidumbre y la esperanza, en un momento histórico irrepetible.

Tras su première mundial en el Festival de Múnich, la cinta se presentó en el BCN Film Fest. En Alemania recaudó más de 4 millones de euros en su estreno de la mano de Warner Bros.

Sinopsis: Verano de 1990. En plena reunificación alemana tras la caída del muro de Berlín, una familia encuentra en un almacén subterráneo millones de marcos de Alemania del Este, una moneda que está a punto de perder todo su valor. Aprovechándose de algunos vacíos legales, la familia y sus camaradas tendrán solo unos días para hacerse de oro... o al menos intentarlo.

VIVIR LA TIERRA

AVALON estrena en cines este viernes Vivir la tierra. Tras su paso por la Sección Oficial de la Berlinale 2025, donde Huo Meng fue reconocido con el Oso de Plata a la Mejor Dirección, la segunda película del director chino también formó parte de la Sección Oficial de la Seminci, donde se presentó como estreno nacional.

Ambientada en la China rural de 1991, Vivir la tierra observa un momento decisivo de transformación social, económica y familiar. Mientras el país atraviesa una profunda modernización y muchos habitantes de las aldeas abandonan el campo para buscar trabajo en las ciudades, Chuang, un niño de diez años y tercer hijo de su familia, debe quedarse en el pueblo, al cuidado de sus familiares y de la comunidad.

El film está protagonizado por Wang Shang, que interpreta al joven Chuang, junto a Zhang Yanrong, Zhang Chuwen, Zhang Caixia y Cao Lingzhi, en un reparto que aporta naturalidad y hondura a esta historia sobre varias generaciones de una misma familia. Con una mirada serena y profundamente humanista, Vivir la tierra se sitúa entre el relato de iniciación y la gran crónica rural, observando la historia de un niño como puerta de entrada a un país entero en transformación.

Sinopsis: Con sus padres trabajando en la ciudad, Chuang, de diez años, está siendo criado por el resto de la familia en su pueblo natal. Allí, arropado por tíos y abuelos, vive una época agitada entre nacimientos, matrimonios, funerales y numerosos cambios. Mientras, miles de años de tradición rural chocan con el progreso de China a principios de los 90. Un mundo en constante movimiento.

En ese diálogo entre lo íntimo y lo colectivo, Vivir la tierra remite a películas recientes como Alcarràs, de Carla Simón, por su mirada sobre una familia ligada al campo y a una forma de vida amenazada, y también a clásicos como Las uvas de la ira, de John Ford, en su retrato de una comunidad atravesada por los cambios económicos, la precariedad y el desplazamiento.

Huo Meng nació en Taikang, en la provincia china de Henan, en 1984. Estudió Derecho en la Universidad de Comunicación de China antes de cursar un máster en Cinematografía en la misma institución. En 2018 realizó su primer largometraje de ficción, Crossing the Border – Zhaoguan, con el que ganó el premio Fei Mu al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Pingyao y el premio al Mejor Director Asiático en el Festival Internacional de Cine de Fajr, además de recibir una nominación a Mejor Dirección en los premios Golden Rooster. La película fue seleccionada por el cineasta Jia Zhang-ke para proyectarse en la 70ª Berlinale dentro del programa especial On Transmission.

Con Vivir la tierra, su segundo largometraje, Huo Meng confirma una voz cinematográfica de gran sensibilidad, atenta a los procesos de transformación social y a las huellas que estos dejan en la vida cotidiana. Su reconocimiento con el Oso de Plata a la Mejor Dirección en la Berlinale 2025 lo sitúa como uno de los nombres más relevantes del nuevo cine chino.

PALESTINA 36

Sinopsis: En 1936, Palestina está al borde del colapso. La resistencia árabe contra el Mandato Británico crece al mismo ritmo que la llegada de refugiados judíos desde Europa. Sobrecogido, el joven Yusuf se debate entre proteger la vida que conoce y unirse a quienes lo arriesgan todo por la libertad de su pueblo. No es el único cuyas lealtades serán puestas a prueba. Khouloud, periodista comprometida, presencia intrigas y heroicidades que cambiarán el rumbo de la región.

Preseleccionada al Oscar a la mejor película internacional, Palestina 36 es una impresionante superproducción basada en hechos reales. Su reparto incluye a Jeremy Irons (La misión), Robert Aramayo (Incontrolable), Liam Cunningham (Juego de Tronos), Hiam Abbass (Succession), Yasmine Al Massri (Caramel), Saleh Bakri (El caftán azul), Billy Howle (Dunkerke) y el prometedor Karim Anaya.

Ficha técnica

Dirección: Annemarie Jacir

Reparto: Karim Daoud Anaya, Hiam Abbass, Robert Aramayo, Billy Howle, Dhafer L'Abidine, Yasmine Al Massri, Saleh Bakri, Liam Cunningham, Jeremy Irons.

Guion: Annemarie Jacir

Fotografía: Sarah Blum, Tim Fleming, Hélène Louvart

Música: Ben Frost

Montaje: Tania Reddin

Producción: Ossama Bawardi, Cat Villiers, Azzam Fakhreddin, Hani Farsi, Nils Åstrand, Olivier Barbier, Nathanaël Karmitz, Katrin Pors, Hamza Ali, Elisa Fernanda Pirir / Philistine Films, Autonomous, Corniche Media, MK Productions, Watermelon Pictures, Snowglobe, Staer Film.

RESEÑA DE "LA VENTANA ABIERTA" DE ANA GRACIANI

Sinopsis e introducción

Sinopsis: Rubén llega hasta un remoto pueblo costero andaluz, arrastrado por el viento de levante y por el recuerdo de Merche, la mujer con la que ha construido una relación online durante meses. Su ilusión se topa con un paisaje hostil: puertas cerradas, miradas esquivas… y una única ventana abierta.

La ventana abierta es una historia de suspense ambientada en el invierno inhóspito de la costa rural andaluza.

La ventana abierta está protagonizada por Unax Ugalde, Adriana Camarena y Mara Guil. Completan el reparto Alberto López, Adriana Espina y Sofía Allepuz. La película consiguió el Premio del Público al Mejor Largometraje de la Sección Oficial de la 32 edición de FANT Bilbao.

Ana Graciani. Trabajó como periodista en radio, prensa y televisión. Más tarde se dedicó a la producción, gestión y distribución en las artes escénicas. Desde 2007 se dedica en exclusiva a la escritura y a la dirección, tanto dramática como audiovisual. Ha sido Presidenta de la Fundación SGAE. En la actualidad es directora institucional de Artes Escénicas en SGAE. Es Presidenta del Comité́ Organizador de los Premios MAX. Es socia fundadora y miembro de la Junta Directiva de la Academia de cine andaluza, así́ como de la asociación CINA, guionistas, directoras y directores andaluces. Imparte talleres y cursos de escritura dramática y audiovisual. Es autora y directora de obras teatrales y de ficción tales como ''Para toda la muerte'' (2022) ''A que voy yo y lo encuentro'' (2023).

"La ventana abierta habla de la maldad, y de cómo esta puede esconderse en los lugares más insospechados. A través de sus personajes, la historia se acerca a las aristas más afiladas y cortantes del amor. Explora sobre cómo determinados vínculos, deformados o malentendidos, pueden llegar a resultar destructivos.

La historia transcurre en la costa andaluza, cerca del Estrecho, durante el invierno. Se trata de un lugar al que me siento profundamente vinculada, que posee un carácter único y singular cuando desaparece el bullicio de los meses de verano. En esa época, emerge una atmósfera a la vez mágica y extraña, como si el propio paisaje, atizado por el viento de levante, guardara secretos". Ana Graciani

La ventana abierta es una producción de La Claqueta PC en coproducción con La Cruda Realidad, Amania Films, Acheron Films y Filmgate Miami (EE.UU.). Cuenta con la participación de Canal Sur Radio y Televisión y de CreaSGR; con la financiación del Ministerio de Cultura- ICAA, con el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y en asociación con Latido. A Contracorriente Films distribuye la película en España. Latido se encarga de la distribución internacional.

La Claqueta es hoy una de las productoras independientes españolas más consolidadas, capaz de combinar cine de autor presente en los principales festivales con títulos de fuerte impacto comercial y series premium para plataformas. Su trabajo se caracteriza por una apuesta constante por miradas autorales sólidas, historias con identidad y una producción que dialoga tanto con el público como con la industria.

Sobre la película

Hay ventanas que sirven para mirar hacia fuera. Otras permiten que alguien mire hacia dentro. Y después están aquellas que, una vez abiertas, quizá nunca debimos dejar así.

Rubén llega a un remoto pueblo de la costa andaluza empujado por el viento de levante y por una ilusión bastante más poderosa que cualquier vendaval: conocer finalmente a Merche, la mujer con la que lleva meses manteniendo una relación a través de Internet. Pero Merche no está. En su lugar encuentra puertas cerradas, silencios, miradas que parecen esconder algo y una inquietante ventana que, pese al viento, permanece abierta.

Así comienza La ventana abierta, primer largometraje cinematográfico de Ana Graciani, un thriller psicológico que parte de una premisa aparentemente sencilla para construir alrededor del espectador un laberinto de certezas, sospechas y medias verdades.

Reconozcámoslo, que una película nos engañe de manera honesta nos encanta. El thriller vive en buena medida de ese pacto. Nosotros aceptamos entrar en el juego y el cineasta adquiere a cambio una obligación: puede despistarnos, manipular nuestra atención, invitarnos a mirar hacia un lugar mientras coloca una pieza fundamental en otro… pero las reglas deben ser limpias. Cuando finalmente conocemos la respuesta, queremos poder mirar atrás y descubrir que aquello siempre estuvo delante de nuestros ojos.

La ventana abierta entiende perfectamente ese mecanismo. Ana Graciani va sembrando pequeñas semillas durante sus ajustados 82 minutos. Gestos, palabras, comportamientos o situaciones que pueden producir cierta extrañeza y que el espectador más atento comenzará inevitablemente a almacenar. Algunas piezas parecen encajar. Otras no. Y precisamente ahí reside buena parte de la diversión.

La película se construye como un puzzle en el que cada nueva información obliga a reconsiderar la anterior. Lo interesante no consiste únicamente en descubrir qué sucede, sino en comprobar hasta qué punto nuestra interpretación de lo sucedido dependía de aquello que previamente habíamos decidido creer.

Y llegados a este punto conviene no contar demasiado, porque La ventana abierta pertenece a esa clase de películas en las que revelar más de la cuenta sería arrebatar al espectador una parte esencial de la experiencia.

Debajo del suspense existe, sin embargo, una película mucho más incómoda. Rubén viaja cientos de kilómetros para encontrarse con una mujer a la que ama y a la que, paradójicamente, todavía no conoce realmente. Y probablemente ahí se encuentre una de las preguntas más contemporáneas de La ventana abierta: ¿cuánto conocemos verdaderamente a las personas con las que nos relacionamos a través de una pantalla?

Antes nos conocíamos en un bar, en una cafetería, en el trabajo, en una fiesta o paseando por un parque. Veíamos al otro relacionándose con el mundo. Escuchábamos sus silencios. Observábamos sus reacciones. Conocíamos sus contradicciones. Internet ha cambiado radicalmente ese proceso. Ahora podemos construir una relación con alguien antes incluso de haber compartido físicamente el mismo espacio. Y eso ofrece posibilidades extraordinarias, pero también introduce una variable inquietante: la enorme facilidad con la que podemos convertirnos en nuestros propios personajes.

Actualmente, muchas veces no nos dedicamos tanto a ser quienes somos como a aparentar quiénes nos gustaría ser. Las redes sociales son el escenario perfecto para ello. Elegimos la fotografía. Elegimos qué contamos. Elegimos qué ocultamos. Seleccionamos nuestros momentos felices, nuestras opiniones, nuestros gustos, nuestros viajes, incluso nuestra vulnerabilidad. Construimos una versión editada de nosotros mismos y la ofrecemos al mundo.

Y, mientras tanto, al otro lado de la pantalla, alguien completa los espacios vacíos. Ese matiz es fundamental. Porque el engaño digital no siempre necesita un mentiroso extraordinario. A veces necesita simplemente a alguien con muchas ganas de creer, la psicología de aquello que necesitamos creer. Es ahí donde La ventana abierta adquiere una dimensión psicológica especialmente interesante. Ahí aparecen también las relaciones tóxicas y las relaciones de dependencia, en su sentido más amplio...

Hay otro protagonista que nunca aparece acreditado en el reparto y, sin embargo, está presente prácticamente desde el comienzo: el viento de levante.

Graciani sitúa la acción cerca del Estrecho, en una costa andaluza alejada deliberadamente de la postal turística. No hay sombrillas, terrazas abarrotadas ni luminosidad veraniega. Estamos en invierno. Las calles parecen vaciarse, las casas se cierran y el viento golpea puertas y ventanas hasta convertir el paisaje en algo incómodo, casi amenazador.

La elección no es casual. La propia directora ha explicado su fascinación por esa costa cuando desaparece el bullicio estival y surge un lugar diferente, extraño, casi mágico. Y la película sabe aprovecharlo. El levante deja de ser meteorología para convertirse en dramaturgia. Agita el exterior, perturba el interior y genera una sensación permanente de inestabilidad. Parece advertir que algo no está donde debería estar. Y frente a ese viento que invita a cerrar cualquier resquicio permanece, obstinadamente, una ventana abierta...

En el aspecto actoral, todo el reparto está increíble. Unax Ugalde sostiene buena parte del relato desde el desconcierto de Rubén, convertido en nuestro acompañante dentro del laberinto. Sabemos aproximadamente lo que él sabe y dudamos cuando él comienza a dudar.

Pero resulta igualmente importante Adriana Camarena. Su Vera introduce una energía diferente: inteligente, imprevisible, inquisitiva y cambiante, su presencia altera continuamente el equilibrio de la historia y convierte muchas conversaciones en pequeños duelos psicológicos. Y ahí Graciani juega inteligentemente con nosotros. Cada personaje puede parecer durante unos minutos la persona en quien confiar y, poco después, convertirse en alguien de quien sospechar. 

Quizá una de las virtudes más interesantes de La ventana abierta sea que no pretende reinventar el thriller psicológico, sino utilizar sus mecanismos para hablar de preocupaciones extraordinariamente actuales.

Ana Graciani construye una película breve, contenida y consciente del terreno que pisa. No necesita grandes artificios porque su amenaza principal no procede de ningún monstruo escondido tras una puerta. Procede de algo bastante más cercano. De aquello que creemos saber sobre los demás. Y quizá también de aquello que los demás creen saber sobre nosotros. Un thriller que requiere conversación después de los créditos y que, personalmente, me ha dejado con ganas de un segundo visionado.

SITGES REGRESARÁ ESTE AÑO A LA ÉPOCA VICTORIANA

Victorian Psycho, la nueva película de terror y suspense del director Zachary Wigon (El templo, The Heart Machine), participará en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya (Sitges) de este año. Un intenso descenso a la locura que llega dispuesto a sacudir a los fans del género. El festival define esta sugerente propuesta como «una elegante combinación de terror gótico y humor negro».

Un relato victoriano en el que conocemos a Winifred Notty (Maika Monroe), una institutriz aparentemente perfecta con unos modales inquietantes. Su tarea es educar y cuidar de los dos niños de la familia Pounds, pero pronto empezará a obsesionarse con formar parte de ella. Bajo una fachada dócil y complaciente se esconden ideas y comportamientos perturbadores y violentos. Su verdadera personalidad emerge lentamente y transforma lo cotidiano en impulsos profundamente oscuros. Monroe brilla y se consolida como scream queen con esta interpretación de una mujer marcada por sus alucinaciones, paranoias y creciente sensación de persecución.

Victorian Psycho está basada en la novela homónima superventas de la escritora española Virginia Feito, que también firma el guion de esta historia.

Victorian Psycho se estrenará el 30 de octubre, solo en cines, de la mano de Diamond Films.

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN - GALAS RTVE

RTVE, patrocinadora oficial del Festival de San Sebastián, celebrará en el certamen cuatro galas que serán la puesta de largo de algunas de sus películas participadas. Estarán protagonizadas por el debut de José Mota como director y los proyectos más recientes de Jose Corbacho, Manuel Menchón y David Pérez Sañudo, que van de la comedia al thriller histórico, pasando por el género documental. La 74ª edición del Festival de San Sebastián tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre.

‘Arriba Tutto’, de José Mota

El salto de José Mota a la dirección de largometrajes de ficción es una emocionante comedia sobre el poder transformador de la risa y el amor, protagonizada por el propio José Mota junto al joven Pablo Cabello, Karra Elejalde, Olivia Molina, Diego Anido, Mila Borrás, Luciano Scarpa y Eugenio Barona. Su estreno en cines está previsto para el próximo 9 de octubre.

La historia viaja a principios del siglo XX de la mano de un soldado que deberá recuperar al niño que fue y el legado de su padre, un cómico ambulante que le enseñó a mirar el mundo con humor. En ese viaje descubrirá que la risa puede ser la mejor forma de enfrentarse a la adversidad. 

‘Burundanga’, de Jose Corbacho

La adaptación cinematográfica de la exitosa obra de teatro del mismo nombre, dirigida por Jose Corbacho, es una comedia romántica y, al mismo tiempo, una historia de perdedores: personajes que son un desastre, pero de los que te enamoras desde el primer momento. Giro tras giro de guion, cada situación supera a la anterior con un ritmo endiablado y lleno de humor y risas. En definitiva, todos los ingredientes clásicos del género envuelven la historia de una pareja que lucha contra viento y marea para que al final el amor triunfe.

Cuenta en su reparto con Adriana Torrebejano, Marcel Borràs, Carol Rovira, Francesc Ferrer, Jordi Sánchez, Sílvia Abril y Santi Millán. 

‘La voz quebrada’, de Manuel Menchón

La voz quebrada / Lorca: Broken Voices es una película documental de Manuel Menchón que parte de las memorias, materiales personales y recuerdos conservados en secreto por Juan Ramírez de Lucas, identificado como el verdadero último amor de Federico García Lorca. 90 años después de aquella historia de amor destruida por el inicio de la guerra civil y el asesinato de Lorca, se muestra la dimensión íntima del poeta y dramaturgo, en un viaje emocional al corazón de una historia que permaneció silenciada desde entonces. Se estrenará en cines el 16 de octubre.

Para devolver la voz a quienes vivieron aquellos meses, el elenco está encabezado por Álvaro Morte como Federico García Lorca, junto a Francesco Carril, Joaquín Notario, Pedro Casablanc, Verónica Sánchez, Víctor Clavijo, María Galiana y Alberto San Juan. 

‘Sacamantecas’, de David Pérez Sañudo

El tercer largometraje de David Pérez Sañudo, Sacamantecas / The Harvester, se presentará en una gala conjunta de RTVE y EITB. Se trata de un atractivo thriller inspirado en hechos reales y ambientado al final de la III Guerra Carlista, cuando varias mujeres son estranguladas en Vitoria y la hermana de una de las víctimas empieza a buscar justicia.

Protagonizada por Patricia López Arnaiz y Antonio de la Torre, la cinta participa en la sección Proyecciones Especiales de la Sección Oficial del certamen. 

Más presencia en el certamen donostiarra

Además de las cuatro películas de las Galas RTVE, otros cinco títulos que cuentan con el apoyo de la Corporación tendrán presencia en el Festival de San Sebastián 2026.

En Sección Oficial a concurso Sants / Saints, de Mikel Gurrea, competirá por la Concha de Oro; en Proyecciones Especiales de la Sección Oficial también se verán Ruega por nosotras / Pray for Us de Daniel Monzón y Azken Agurra / The Last Goodbye (Último adiós), de Koldo Almandoz; en New Directors participará Esta soledad / This Solitude, primer largometraje de Javier Giner; y Lejos de los árboles / Far From the Trees, de Meritxel Collel, se presentará en Zabaltegi-Tabakalera.

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN - PELÍCULAS SECCIÓN OFICIAL

Los nuevos largometrajes de Nicole Garcia, Pablo Larraín, Mike Leigh, Hans Petter Moland, Benjamín Naishtat y Yeşim Ustaoğlu, además de la ópera prima de Maha Harada, competirán en la Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará del 18 al 26 de septiembre.

La ganadora de un Oscar y Premio Donostia Marion Cotillard y Théodore Pellerin protagonizan 7:40 ce matin-là / Milo, el nuevo largometraje de Nicole Garcia (Orán, 1946), con quien la actriz vuelve a trabajar después Mal de pierres / From the Land of the Moon (El sueño de Gabrielle, 2016). La cineasta, guionista e intérprete francesa estrenará en San Sebastián una historia en la que una mujer sale de prisión y empieza a trabajar de camarera en una cafetería para acercarse a un joven que trabaja en la zona. Garcia participó en el Festival con Un week-end sur deux / Every Other Weekend (Cada dos fines de semana, New Directors, 1990) y algunas de sus películas, como Place Vendôme (1998), L’adversaire / The Adversary (El adversario, 2002) o Amants (Los amantes, 2020), han participado en Venecia y Cannes, entre otros festivales.

Con varios best sellers inspirados en el mundo del arte, como Canvas of Paradise and Guernica Cover up, la escritora y guionista Maha Harada (Tokyo, 1962) debuta como cineasta y optará a la Concha de Oro con Muyou no Hito / In My Father’s Room. Con un guion propio basado en su novela An Unnecessary Man, la directora japonesa cuenta la historia de la trabajadora de un museo que recibe una misteriosa llave que abre la habitación que en otro tiempo utilizó su fallecido padre.

Pablo Larraín (Santiago de Chile, 1976) regresa con Mis muertos tristes / My Sad Dead, serie que en el Festival será presentada en su formato de largometraje y en cuyo reparto figuran Mercedes Morán, Dolores Fonzi y Carolina Álvarez. La historia, basada en cuatro relatos de Mariana Enriquez, cuenta el caso de Ema, una mujer que puede ver y escuchar a los muertos. Habitual de citas como Venecia, Cannes o Berlín, el director, guionista y productor chileno presentó Spencer, que fue la película sorpresa de 2021, y anteriormente, mostró en Horizontes Latinos obras como Tony Manero (2008), Post mortem (2010) y El club (2015). En Perlak, proyectó No (2012), nominada al Oscar a la mejor película en lengua extranjera, además de Neruda (2016) y Ema (2019).

Tras estrenarse en la Sección Oficial con Hard Truths (Mi única familia, 2024), Mike Leigh (Brocket Hall, 1943) regresa a la competición con Tender Loving Care, un largometraje protagonizado por Marion Bailey, Paul Jesson, Kate O’Flynn y Alice Bailey Johnson en el que el cineasta británico continúa su lúcida exploración del mundo contemporáneo. Leigh, nominado al Oscar en varias ocasiones, presentó en Perlak la película con la que logró la Palma de Oro en Cannes, Secrets and Lies (Secretos y mentiras, 1996), además de títulos como Naked (Indefenso,1993), con el que obtuvo el Premio al mejor director en el festival francés; All or Nothing (Todo o nada, 2002); Vera Drake (El secreto de Vera Drake, 2004), ganadora del León de Oro de Venecia, o Happy-Go-Lucky (Happy, un cuento sobre la felicidad, 2008).

El cineasta noruego Hans Petter Moland (Oslo, 1955) volverá a la Sección Oficial con Markens Grode / Growth of the Soil, una historia ambientada en algún lugar del norte de Noruega donde una pareja pone a prueba su amor ante los desafíos que se ciernen sobre ellos. Moland, que ha partido de la novela que el Premio Nobel de Literatura Knut Hamsun escribió en 1917, compitió en la Sección Oficial con su segundo largometraje, Kjærlighetens kjøtere / Zero Kelvin en 1995, con el que logró el Premio Especial del Jurado, y que en 2007 el Festival repuso en la retrospectiva Fiebre helada. El director ha participado en varias ocasiones en la Berlinale, donde presentó Beautiful Country (Un lugar maravilloso, 2004), A Somewhat Gentle man (2010), In Order of Disappearance (Uno tras otro, 2014) y Out Stealing Horses (2019).

Benjamín Naishtat (Buenos Aires, 1986) ganó en 2018 con Rojo la Concha de Plata a la mejor dirección y al mejor actor para Darío Grandinetti, además del Premio a la mejor fotografía. Puan (2023) le valió el Premio a mejor guion escrito junto a María Alché, y la Concha de Plata ex aequo a la mejor interpretación protagonista para Marcelo Subiotto. En esta ocasión, el cineasta opta a la Concha de Oro con la película Glaxo, escrita por el director a partir de la novela homónima de Hernán Ronsino y protagonizada, entre otros, por Lali Espósito, Marcelo Subiotto y Esteban Bigliardi. Transcurre en 1957 en un tranquilo pueblo argentino, donde la llegada de un siniestro excomisario de policía y su seductora esposa fractura el vínculo entre cuatro jóvenes inseparables. Naishtat compitió en Berlín con su debut Historia del miedo / History of Fear (2014), que posteriormente fue programada en Horizontes Latinos. Su segundo largometraje, El movimiento (2015), se presentó en la sección Cineasti del Presente de Locarno. Además, en 2020 ganó el Premio al mejor proyecto del IX Foro de Coproducción Europa- América Latina con su proyecto Pobres Pibes.

Artakalan / What Remains es el título del último largometraje de Yeşim Ustaoğlu (Caykara, 1960), que ganó la Concha de Oro a la mejor película con Pandora'nin Kutusu / Pandora’s Box (La caja de Pandora, 2008), cuya protagonista, Tsilla Chelton, fue reconocida ex aequo con la Concha de Plata a la mejor actriz. En esta ocasión, la cineasta turca cuenta el viaje interior de una poetisa que rompe con el orden asfixiante de su vida para reconectar consigo misma y cuestionarse todo lo que le rodea. Con casi una decena de largometrajes a sus espaldas, Ustaoğlu ha presentado películas como Günese yolculuk / Journey to the Sun (1999) y Araf / Somewhere in Between (2012) en citas como la Berlinale y la Mostra de Venecia, respectivamente.

Estas siete películas se suman a los nueve títulos de Sección Oficial ya anunciados. Entre los largometrajes a concurso figuran El mal padre, de Roberto Bueso; Sants / Saints, de Mikel Gurrea, y 5 minutos más / 5 more minutes, de Javier Ruiz Caldera. La serie El castillo, creada y escrita por Isabel Peña y Eduardo Villanueva, y codirigida por Elena Martín Gimeno y Sandra Romero, se proyectará fuera de concurso. Y, por ahora, la sección completa su programación con las siguientes proyecciones especiales fuera de concurso: Azken Agurra / The Last Goodbye (Último Adiós), de Koldo Almandoz; Ruega por nosotras / Pray for Us, de Daniel Monzón, Sacamantecas / The Harvester, de David Pérez Sañudo y Bajañí, de Fernando Trueba, además de la serie Más allá de la sociedad / Beyond Society, de Carlos Torres.

GIFIC PRESENTA LAS 19 OBRAS QUE COMPETIRÁN EN LAS SECCIONES OFICIALES DE SU SEGUNDA EDICIÓN

El Guadix Iridiscente Festival Internacional de Cine (GIFIC) ha dado a conocer la programación de las secciones oficiales de su segunda edición, que se celebrará del 10 al 13 de septiembre en Guadix. Tras el éxito de su primera edición, el certamen consolida su apuesta por un cine comprometido con la diversidad, los derechos humanos y la igualdad, reuniendo una selección de largometrajes y cortometrajes de ficción y documental que abordan algunas de las principales cuestiones sociales de nuestro tiempo desde perspectivas tan diversas como la memoria histórica, la identidad, el feminismo, las migraciones o la salud mental.

Fotograma de Este cuerpo es mío.

Impulsado por MagaZinema Cineclub y la Asociación Arco Iris Granada, y patrocinado por la Consejería de Turismo y Andalucía Exterior de la Junta de Andalucía, GIFIC vuelve a convertir Guadix en un espacio de encuentro entre cineastas, profesionales y público, consolidando un proyecto cultural que entiende el cine como una herramienta para generar diálogo, pensamiento crítico y transformación social.

La sección oficial de largometraje de ficción reúne cinco títulos que recorren distintas realidades sociales y emocionales. Mi cielo, tu infierno, de Alberto Evangelio, recupera la historia de amor de dos mujeres perseguidas por la represión franquista durante las décadas de los sesenta y setenta. La tierra de Amira, de Roberto Jiménez, explora el encuentro entre un agricultor andaluz y una trabajadora marroquí en situación irregular, reflexionando sobre las fronteras culturales y la convivencia. Pioneras: solo querían jugar, dirigida por Marta Díaz de Lope Díaz, recupera la lucha de las primeras futbolistas españolas durante el franquismo, mientras que Auri, de Violeta Salama, plantea una luminosa reflexión sobre la emancipación femenina y el derecho a empezar de nuevo a cualquier edad. Completa la competición Karmele, de Asier Altuna, un relato ambientado durante la Guerra Civil y el exilio vasco que reivindica la memoria, la identidad y el poder de la cultura frente a la violencia.

La competición documental mantiene esa mirada comprometida con historias atravesadas por la superación personal, la identidad y la comunidad. Plaza Nueva a las diez, de Carmen Tortosa, convierte un rincón del centro de Granada en escenario de convivencia intergeneracional a través del baile. En Este cuerpo mío, Afioco Gnecco y Carolina Yuste acompañan el proceso de transición de género de Rafael, construyendo un relato íntimo sobre la amistad, la aceptación y la búsqueda de un lugar propio. Por su parte, Marea Morada, de Miguel Ángel Olivares, retrata la fortaleza de dos mujeres que conviven con enfermedades crónicas y encuentran en la comunidad y las tradiciones populares una forma de resistencia y esperanza. La sección se completará con ¿Dónde está la fiesta?, de Fabrizio Orsola.

La sección oficial de cortometraje de ficción vuelve a ofrecer un amplio retrato del panorama del cine español contemporáneo con obras que abordan cuestiones como la diversidad afectiva y sexual, la violencia machista, la memoria familiar, la especulación inmobiliaria, el abuso psicológico o el descubrimiento de la identidad. Entre los títulos seleccionados figuran Una conversación pendiente, protagonizada por Salva Reina y Carlos Bardem; Faustino, de Germán Mairén; Est Deus In Nobis, de Oliva Ramírez de Haro; ¡Hasta enterrarlos!, de Marco Araujo Dolado; El bañador, de Cristian Valenciano; Pálpito, de Moisés Romera y Marisa Crespo; Una vocal, de Polo Menárguez; Sola y borracha, de Jorge Yebra Romero; Lady in Red, de Santiago Rindel y Tomás Rojo; y Y quien no teme al lobo feroz, de Mateo Franco.

Las obras seleccionadas competirán por los premios de las distintas categorías oficiales, reafirmando el compromiso del festival con el reconocimiento tanto de cineastas consolidados como de nuevas voces del panorama audiovisual. La programación se completará con actividades paralelas, encuentros con los equipos de las películas, coloquios y mesas redondas que ampliarán la reflexión sobre las temáticas presentes en la selección. Las proyecciones serán de acceso gratuíto y tendrán lugar en el Teatro Municipal Mira de Amescua, en la Fundación Pintor Julio Visconti y en la Asociación San José.

La programación oficial de GIFIC dibuja un mapa de historias que atraviesan cuestiones como la memoria democrática, la igualdad, la diversidad afectivo-sexual, las migraciones, la salud, la violencia o la libertad individual. Un conjunto de obras que confirma la vocación del festival de acercar al público un cine comprometido con la realidad contemporánea y con la capacidad del audiovisual para impulsar el diálogo y la reflexión.

"LA ODISEA" DE CHRISTOPHER NOLAN - 2.800 AÑOS DESPUÉS, SEGUIMOS INTENTANDO REGRESAR A ÍTACA

Hay directores que cuentan historias y otros que construyen lugares en los que introducir al espectador. Christopher Nolan pertenece, desde hace tiempo, a esa segunda especie.

Lo hizo convirtiendo un sueño en un laberinto en Origen, transformando el espacio y el tiempo en territorio emocional en Interstellar, encerrándonos en la angustia de una playa en Dunkerque o haciendo de la Historia, la ciencia y la culpa las distintas caras de un mismo hombre en Oppenheimer. Ahora, con La Odisea, Nolan se enfrenta quizá al mayor desafío narrativo de su carrera: apropiarse de una historia que lleva casi tres milenios siendo contada, volviendo a demostrar algo que, a estas alturas, parece difícil discutir, su extraordinaria capacidad para convertir una historia gigantesca en una experiencia cinematográfica.

La Odisea es enorme. Lo es por sus paisajes, por sus batallas, por sus monstruos, por el rugido del mar y por la propia dimensión del relato, pero Nolan entiende que la épica no consiste simplemente en hacer las cosas más grandes, consiste en conseguir que nosotros nos sintamos pequeños ante ellas.

Hay secuencias que explican por sí solas qué clase de cineasta es Christopher Nolan. La llegada de Odiseo y sus hombres a la cueva de Polifemo es una de ellas. Lo que comienza con unas ovejas y la aparente posibilidad de encontrar refugio acaba convirtiéndose en una pesadilla claustrofóbica. Nolan cambia la inmensidad del paisaje por la oscuridad, el fuego y la piedra. El héroe acostumbrado a conquistar territorios descubre de repente que se encuentra atrapado en uno, y entonces aparece el miedo, no el miedo digital, limpio y perfectamente iluminado de buena parte del cine fantástico contemporáneo. Aquí todo parece tener peso, volumen, temperatura. Podemos casi sentir la humedad de la cueva, la oscuridad que impide comprender exactamente qué está sucediendo y la desesperación de unos hombres que dejan de ser soldados para convertirse en presas. 

Es precisamente ahí donde Nolan demuestra una de sus mayores virtudes: sabe administrar la escala. Puede encerrarnos en una cueva y, poco después, lanzarnos contra un mar enfurecido.

Las secuencias marítimas son posiblemente algunos de los momentos más impresionantes de la película. El barco deja de parecer un medio de transporte para convertirse en un diminuto objeto de madera abandonado a merced de algo infinitamente superior. Las olas golpean, la cámara se mueve con ellas y el horizonte parece desaparecer. Durante unos minutos no estamos observando una tormenta: estamos intentando sobrevivir a ella. Es inevitable aquí recordar Dunkerque. Allí Nolan ya había convertido el agua en amenaza y el espacio abierto en una paradójica prisión. Pero en La Odisea va todavía más lejos. El enemigo ya no tiene uniforme, es el propio mundo.

En el centro de semejante despliegue está Matt Damon. Su Odiseo no funciona únicamente como el héroe legendario que debe superar monstruos y adversidades para regresar a Ítaca. Damon construye a un hombre progresivamente erosionado por aquello que ha visto y, sobre todo, por aquello que ha hecho.

Es probablemente ahí donde Nolan conecta La Odisea con Oppenheimer. Ambas películas están protagonizadas por hombres que participan en acontecimientos enormes y que posteriormente deben convivir con sus consecuencias. La victoria no proporciona necesariamente paz. Ganar una guerra tampoco significa regresar de ella.

Damon aporta al personaje cansancio, obstinación y una humanidad que resulta imprescindible. Su físico puede corresponder al guerrero, pero son sus silencios y su mirada los que terminan definiendo al superviviente.

Frente a él —aunque durante buena parte de la historia estén separados por kilómetros y años— está Penélope. Anne Hathaway evita convertirla en la mujer que simplemente espera el regreso del héroe. Su Penélope vive rodeada de hombres que interpretan la ausencia de Odiseo como una oportunidad. Robert Pattinson, como Antínoo, encarna especialmente bien esa amenaza: seducción, arrogancia, poder y violencia conviven detrás de la apariencia del pretendiente.

Penélope resiste utilizando prácticamente la única arma que todavía controla: su inteligencia. Y Hathaway consigue transmitir algo particularmente interesante: la fortaleza no siempre necesita levantar la voz. Su personaje observa, calcula, gana tiempo y sobrevive dentro de un espacio que otros pretenden administrar por ella.

Tom Holland, el actor al que medio planeta seguirá asociando inevitablemente con Spider-Man, encuentra como Telémaco un registro diferente. Aquí interpreta a un joven obligado a construir su identidad bajo la gigantesca sombra de un padre convertido prácticamente en leyenda. Su viaje no consiste únicamente en encontrar a Odiseo, sino en descubrir quién es él cuando deja de ser simplemente "el hijo de".

John Leguizamo aporta como Eumeo otro tipo de presencia. Representa la lealtad cuando prácticamente todo alrededor de Ítaca parece haberse puesto en venta. Es un personaje secundario, pero esencial para entender que el mundo de La Odisea no se divide únicamente entre héroes y monstruos: también existen quienes permanecen fieles cuando hacerlo ya no ofrece ninguna recompensa.

Y alrededor de ellos Nolan despliega un reparto casi descomunal en el que Robert Pattinson, Samantha Morton, Charlize Theron, Zendaya, Lupita Nyong'o o Himesh Patel permiten que cada nueva etapa del viaje tenga personalidad propia.

Especialmente poderosa resulta Samantha Morton como Circe: inquietante, imprevisible y magnética. En una película llena de gigantes, dioses y criaturas, Nolan comprende que pocas cosas resultan más fascinantes que un ser humano del que nunca sabemos exactamente qué esperar.

Pero sería imposible hablar de La Odisea sin detenerse en Hoyte van Hoytema. El director de fotografía neerlandés-sueco lleva colaborando con Nolan desde Interstellar, y juntos han construido una de las asociaciones creativas más reconocibles del cine contemporáneo: Interstellar, Dunkerque, Tenet, Oppenheimer y ahora La Odisea.

Van Hoytema, ganador del Oscar por Oppenheimer, entiende perfectamente la obsesión de Nolan por el gran formato. Pero lo verdaderamente interesante es que ninguno de los dos utiliza el IMAX únicamente para enseñarnos cosas enormes, lo utilizan para hacernos sentir diminutos: el mar ocupa la pantalla hasta devorar al hombre, las costas parecen lugares pertenecientes a otro tiempo, el fuego recorta los cuerpos dentro de la oscuridad de la cueva, los rostros, cuando ocupan una pantalla gigantesca, se transforman también en paisajes. En definitiva, hay algo extraordinariamente físico en la fotografía de la película.

Van Hoytema ya había demostrado en Interstellar que podía hacer del espacio infinito un territorio íntimo; en Dunkerque, que un horizonte vacío podía provocar angustia; en Nope, de Jordan Peele, que mirar hacia un cielo aparentemente hermoso podía resultar aterrador; y en Oppenheimer, que el rostro de un hombre podía contener una explosión tan poderosa como la de una bomba. En La Odisea reúne buena parte de esas experiencias.

El resultado es una película que parece simultáneamente antigua y moderna. Hay imágenes que podrían pertenecer a una pintura, otras a una pesadilla y algunas, sencillamente, a ese tipo de cine que recuerda por qué todavía merece la pena entrar en una sala y enfrentarse a una pantalla gigantesca.

2.800 años después.... quizás aquí se encuentre lo que más me interesa de La Odisea. La obra atribuida a Homero fue compuesta alrededor del siglo VIII antes de Cristo. Han pasado aproximadamente 2.800 años, D-O-S-  M-I-L-  O-C-H-O-C-I-E-N-T-O-S-  A-Ñ-O-S-... Desde entonces hemos inventado la imprenta, la electricidad, los antibióticos, los aviones, Internet, hemos llegado a la Luna y llevamos en nuestros bolsillos dispositivos capaces de comunicarnos instantáneamente con cualquier punto del planeta. 

Tecnológicamente resulta casi imposible comparar nuestra civilización con aquella. Humanamente, no estoy tan seguro de que la distancia sea igualmente grande, porque después de casi tres mil años siguen habiendo guerras, seguimos viendo cómo hombres y mujeres parten hacia ellas y regresan —cuando regresan— convertidos en personas diferentes. Seguimos asistiendo a conflictos como Ucrania, Gaza o Sudán y contemplando ciudades destruidas, familias separadas y civiles pagando decisiones tomadas muchas veces a cientos o miles de kilómetros de distancia. Por eso adquiere tanta fuerza la reflexión que atraviesa al Odiseo de Nolan sobre la utilidad última de la guerra.

¿Qué queda después de "ganar" una guerra? ¿Cuánto vale una victoria cuando para alcanzarla hemos tenido que destruir aquello que pretendíamos defender?

Lo inquietante también es que Homero continúa haciéndonos preguntas en otros terrenos. Penélope permanece rodeada de hombres que interpretan su vulnerabilidad como una oportunidad. No ven necesariamente a una persona: ven una posición que ocupar, una casa que poseer, una mujer que "poseer" también, un poder que conquistar. Han transcurrido 2.800 años y seguimos reconociendo ese comportamiento.

Reconocemos la ambición. El ego. La utilización del más débil (soldados más débiles, vagabundos, etc.). La facilidad con la que algunos confunden vulnerabilidad con permiso para aprovecharse del otro. Reconocemos incluso esa antiquísima pulsión humana según la cual quien posee más fuerza considera que eso le concede también más derechos. 

Quizá por eso La Odisea ha sobrevivido casi tres milenios. No porque hable de cíclopes, ni de dioses, ni siquiera porque cuente las aventuras de un hombre intentando regresar a casa. Ha sobrevivido porque habla de nosotros.

Christopher Nolan ha necesitado cámaras IMAX, barcos, tormentas, ejércitos, monstruos y uno de los repartos más espectaculares del cine reciente para volver a contarnos una historia nacida hace veintiocho siglos. Pero debajo de todo ese espectáculo continúa existiendo algo sorprendentemente sencillo: un hombre que ha conocido la guerra y quiere regresar junto a las personas que ama.

Tal vez Ítaca nunca haya sido solamente un lugar. Tal vez Ítaca sea aquello que queda de nosotros después de sobrevivir al viaje. Y quizá la auténtica odisea de la humanidad, después de 2.800 años, siga siendo exactamente la misma: conseguir avanzar sin destruirnos por el camino.

Una reseña de Carlos Penela Sánchez