ENTREVISTA A CARLA SIERRA, ALE GARCÍA Y MABEL CADENA - "LA MUJER QUE SOÑABA BAJO EL AGUA" - SITGES FILM FESTIVAL

Ópera prima, en clave de thriller psicológico, que llega desde México y tiene como protagonista a la reconocida actriz, Mabel Cadena (Black Panther: Wakanda Forever, Avengers: Doomsday). En el elenco destaca también Pablo Cruz, actor, productor y guionista mexicano conocido por sus trabajos en cine y televisión (Chespirito: Sin querer queriendo, Luis Miguel: La Serie). Así como la actriz y cantante Lissa (El Juicio, El Secreto del río), y Sara Díaz (La Mujer que soñaba bajo el agua) en su debut cinematográfico.

Escrito por Carla Sierra y dirigido por ambas cineastas, el filme supone el debut de Ale García y Carla Sierra en el largometraje. El proyecto fue desarrollado con el apoyo de Blood Window-Fant.Latina y recibió el reconocimiento New Talent to Follow durante Fantastic 7, en el marco del Marché du Film de Cannes.

Es una producción mexicana de El Camino Amarillo Films y La Palma de Oro Films. La película se mueve entre el terror, el drama y la tragedia, utilizando el género fantástico para adentrarse en una historia marcada por el duelo, la pérdida y la percepción alterada de la realidad.

La presentación de la película en Sitges se realizó el pasado 17 de octubre, en la nueva sección Foco Iberoamericano, con una sesión programada en la Sala Escorxador, seguida de un Q&A con el equipo y el reparto. La programación contempló además una Popcorn Session el 16 de octubre en la Sala Mercat Vell.

Sinopsis: Tras la repentina muerte de su hijo recién nacido, Olga, convencida que su esposo e hijas han sido reemplazados por impostores, hará lo inimaginable para recuperar a su "verdadera" familia.

DIRECTORAS. Ale García y Carla Sierra son cineastas de Monterrey, México. Ale García cuenta con una amplia trayectoria como productora, con trabajos como Esto no es Berlín, ganadora en el Festival de Málaga, ¿Cómo matar a mamá? y México Bárbaro II, presentada en la sección Midnight X-treme del Festival de Sitges. Carla Sierra es guionista y autora de los largometrajes Después de ti y ¿Cómo matar a mamá?. Su trabajo autoral explora el terror psicológico, la subjetividad femenina y las fronteras frágiles entre la realidad y la percepción. Juntas hacen su debut como directoras de largometraje con La mujer que soñaba bajo el agua.

Gracias a nuestra amiga Violeta Medina de Varanasi Prensa y Comunicación, en el reciente Festival de Sitges, hemos podido entrevistar a sus directoras, Ale García y Carla Sierra,así como a la actriz protagonista de la cinta, Mabel Cadena. Éste es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- Os quería preguntar primero una curiosidad, el inicio de la película lo veo como un cierto homenaje a "El resplandor", el tipo de plano, el coche por la carretera, las montañas, los paisajes... ¿Es algo deliberado o casual?

CARLA SIERRA.- Es deliberado, es un poco 'The Shining' y aparte también como a todo el cine de terror clásico, que antes empezaba mucho con planos largos, paisajes, como se tomaba su tiempo para empezar.

Carlos Penela.- Una de las cosas que me gusta mucho de la película es ese contraste entre la belleza del paisaje y el horror que se vive dentro de esa casa. ¿Qué tenía esa localización para elegirla y cómo trabajasteis estos dos aspectos?

CARLA SIERRA.- Nosotras somos de Monterrey, Nuevo León, en México, esto es al norte, abajo de Estados Unidos, y justo nosotros como que siempre hemos dicho "vamos a sacar las películas de la centralización" que es en la Ciudad de México, que como en todos los países ahí se centra su cine. Entonces, una cosa importante es llevar el cine a tierra y poder mostrar todo lo que son montañas, estas locaciones que puede haber allá en Nuevo León y, pues obviamente, al estar buscando un lago (que en este caso no es un lago, es una presa), estábamos buscando este lugar que se sintiera lo suficientemente alejado y cuando tú estás viendo la casa más cercana, sientas que es un lugar donde en realidad nadie te puede escuchar lo que quieres, llamar la atención igual que su mente (la del personaje de Olga), como que está ya en lo lejano, que está encerrada, es todo lo que está sucediendo con ella.

ALE GARCÍA.- Era importante también retratar la inmensidad del agua y la inmensidad de las montañas para que el personaje de Olga se sintiera vacía en la casa.

Carlos Penela.- Supongo que para vosotras como directoras y para ti Mabel, como actriz, hubo un evidente trabajo de documentación psicológico sobre lo que le sucede al personaje. ¿Cómo fue ese proceso de documentación para todas?

ALE GARCÍA.-  La historia está ligeramente basado en un síndrome que es el síndrome de Capgras, un síndrome que es muy poco probable que le suceda a alguien, pero para quienes lo sufren, lo que les sucede es que se les desconecta en su cabeza lo visual con lo emocional. Entonces, tú estás viendo a la persona (y normalmente sucede con sus familiares) y la ves idéntica, todo, habla igual, camina igual, pero como no está ese vínculo emocional están convencidos de que no son ellos y que han sido reemplazados por un impostor. Esto me parece sacado de una ficción, súper horrorífico, y está ligeramente basado en eso y en estudios acerca de ese síndrome.

Carlos Penela.- Mabel, como actriz, ¿Cómo trabajaste el tema de la mirada y la actitud del cuerpo para ver que en esos momentos estabas pasando por ese ese síndrome? Al principio pensé que era como una especie de brote psicótico, no sabía el qué y por eso os quería hacer la pregunta.

MABEL CADENA.- Pues la verdad es que soy una obsesiva del trabajo con las miradas y con las manos, es lo que más me obsesiona de mi trabajo como actriz. Y Ale y Carla, la verdad es que hicieron una documentación muy, muy detallada de todo el rodaje que iban a emprender, y me compartieron un par de documentos que transitaban por toda la historia. Para mí fueron muy útiles porque yo llegué al set ya sabiendo el recorrido emocional que ellas buscaban del personaje y que yo a la hora de hacer mi trabajo de mesa, lo único que hacía era llenar de detalles técnicos como las miradas o tratar de pensar que esas miradas se podían sostener de principio a fin y no perderlas en ningún momento, porque no es un síndrome que se pierda en ningún momento, es un brote que una vez que sale a flote no hay vuelta atrás. Entonces, tal y como se desencadena la historia, me parecía interesante que Olga nunca dejara de dudar, no se abriera la posibilidad de que si recobró o no la compostura, más bien era como sostenerla en principio a fin. Eso me lleva a mí siempre a enfrentarme, a observarme, a revisarme todo el tiempo.

Carlos Penela.- ¿Y qué te aportó que Olga fuera cirujana para interpretar a este personaje que empieza a desconfiar de su percepción?

MABEL CADENA.- Fíjate que es una pregunta bien interesante, porque es de lo que más me atrajo del guion. No era una persona cotidiana cualquiera, no era una mujer que estaba sin oficio, dedicada al hogar, no era una mujer donde normalmente estereotipamos este tipo de brotes, ni tenía carencias. Estaba rodeada de una familia, tenía una red de personas que estaban buscando sacarla adelante, y que cuando leí el guion, una de las cosas que más amé es que se dedicara a esa profesión. Dije qué interesante que se pueda abordar una historia no desde la miseria, sino desde un ser humano que puede tener, sin importar que tenga herramientas intelectuales, emocionales, familiares, redes de contención, etc., este tipo de quiebres mentales.

Carlos Penela.- Respecto la violencia que se ve en la película, hay escenas que resultan difícil digerir. ¿Qué criterios os permitieron decidir, como directoras, cuánto mostrar y cuánto dejar fuera de campo? ¿Hubo discusión sobre ello?

ALE GARCÍA.- El deseo siempre fue de que eso es lo que se quería mostrar, un poco también como platicaban con producción, de decir, hasta dónde se nos va a permitir que esta película llegue a todos lados siendo así de gráfica. Una parte importante era también que que se quería que Olga no se viera perpetrando todas estas acciones, esto se comprenderá al ver la película, no quiero hacer spoilers. Al final también era parte importante que ella, pues se ha dicho en otras entrevistas, intenta ser la heroína de su familia, pero también está siendo la villana de su misma familia. Entonces sí, teníamos claro que hasta ahí íbamos a llegar.

Carlos Penela.- ¿Cómo preparabais y cerrabais esas jornadas donde el trabajo era más intenso por ese tipo de escenas?

MABEL CADENA.- No hubo un día en que el trabajo no fuera intenso (risas), lo que pasa es que ese tipo de escenas más intensas, la particularidad es que eran planos secuencias, entonces Ale y Carla plantearon muchos días de ensayo y aún así el día de la filmación fue una locura. No recuerdo cuántas tomas hicimos de ese plano secuencia, pero coordinar los tiempos, luchar contra el viento, el lago, la canoa... era agotador. Pero al mismo tiempo les platicaba hace unos días que yo dupliqué mis sesiones de terapia esa semana, yo tenía dos terapias a la semana y es la primera vez que decidí como trabajar con ese esquema un rodaje y la forma en la que pude llegar a dormir fue espectacular. Es de los rodajes más amables que he transitado con esta carga emocional.

Carlos Penela.- ¿Cómo construisteis con Pablo Cruz y las dos jóvenes actrices esa confianza previa al miedo que viene después?

CARLA SIERRA.- Pues fue muy bonito, con Mabel también, cada uno estábamos en diferentes partes del mundo. Mabel estaba en Ciudad de México, Ale estaba en Ciudad de México y Monterrey, yo estaba en Monterrey, Pablo en Mérida, Lisa estaba en Miami, Sara en Cuernavaca... No tuvimos un trabajo en persona, pero tuvimos muchas sesiones de Zoom con cada uno leyendo todo el guion, trabajando escena por escena, también escuchándolos a ellos, cuáles eran sus aproximaciones al personaje, cómo querían llevar las escenas, cómo nosotros las estábamos planteando, porque sí, como dice Mabel, como había también muchos planos secuencias era importante hacer todo este trabajo desde antes, para en set ser ya más lo físico y tener muy claro ya lo emocional. Y con las niñas también, con Sara y Lisa tuvimos sesiones cada una solas, después juntas para que se hiciera esta hermandad, y después tuvimos una familiar donde les presentamos a sus padres.

ALE GARCÍA.- Y algo importante es que les mostrábamos no solamente desde la parte de dirección, qué es lo que buscábamos, sino la parte de los demás departamentos, de cómo queríamos que fuera la evolución del color en la película, el tipo de lentes, etc. para que también se fueran imaginando qué es lo que iba a suceder y no solamente dijeran, ah, yo actúo así, pero cómo son los planos, cómo va a ser esta progresión. Y creo que eso funciona, así ya todos estamos pensando en la misma película y podemos llegar al resultado final.

Carlos Penela.- Después de acompañar a Olga durante todo el rodaje, ¿Qué comprendiste de ella que no hayas visto cuando leíste el guion por primera vez?

MABEL CADENA.- Creo que el último día que grabamos ese plano secuencia a mí me generó muchísima empatía, porque finalmente Olga no es como que estuvo destinada a generar este nivel de maldad en su ser. Justo en este caminar final yo pensaba mucho en cómo podía ser capaz de seguir en la escena con lo que pasa ahí... La realidad es que sí me llevó a pensar que las verdades absolutas son nulas, no existen, y que lo que puede habitar en un cerebro así, con un nivel de destrucción como este, es una posibilidad que no necesariamente está a la vista de todos. La salud mental ha sido una prioridad en el mundo desde hace siglos y me parece increíble que al día de hoy sigamos sin ponerle la atención adecuada. Además, creo que como todos los problemas de salud de las mujeres, la medicina le ha importado muy poco seguir investigando y generando soluciones eficientes para el cuerpo de una mujer. Creo que Olga, no sabemos si una depresión postparto puede durarte toda esa cantidad de años y te puede llevar a tener este tipo de brotes. No sabemos lo que habita en estas realidades, pero que me parece importante que en medio de la diversión y el entretenimiento se siga poniendo el dedo sobre la salud mental.

Carlos Penela.- ¿Qué habéis aprendido y con qué os quedáis de haber hecho La mujer que soñaba bajo el agua?

ALE GARCÍA.- Yo he aprendido, ahora que se está mostrando la película, es que sí, teníamos la noción de que la película era fuerte hacia el final con todo lo que sucede, pero me ha sorprendido (tal vez uno por filmarlo, como que le vas agarrando confianza a lo que está sucediendo), que está generando un impacto fuerte. Lo que sucede o no se lo esperan o no creen que vayamos a llegar hasta allá, y eso también se demuestra que uno puede contar historias que van fuera de lo más convencional.

CARLA SIERRA.- Yo aprendí a escuchar mucho a todos mis compañeros y a hacerlos parte del proceso, porque yo tenía muchos años escribiendo esta historia y como yo la tenía muy pensada, muy perfecta y, obviamente cuando empiezas a sumar a todo el equipo, a toda la gente, ellos traen sus propias ideas. Te das cuenta que todo esto suma a la historia. Entonces fue un camino muy bonito el aprender a hacer algo que es tuyo y compartirlo con todos los demás.

MABEL CADENA.- Justo, creo que mi aprendizaje va enfocado a la importancia de los procesos. Se nos olvida en esta industria que es tan grande y tan llena de egos, que la creatividad y lo audiovisual es colaborativo. Para que exista una película tiene que haber aportaciones, y para que existan aportaciones alguien tiene que creer en tu historia, y para que alguien crea en tu historia tú tienes que ejecutar un proyecto. Es una cadena de colaboraciones que nos olvida que tienen que existir para el resultado final de una película y que a veces se reduce solo a la presencia de un director o a la presencia de un guionista o a lo que sea. Creo que esta película a mí me dio lo que buscaba en su momento, que era recordar por qué hago lo que hago y que encontrarme con Ale y con Carla y con todo el equipo que han formado hasta el día de hoy, no hay un solo día que haya dejado de aprender de ellos. Entonces creo que yo me llevo para mi vida como actriz y como mujer el seguir buscando, poner mi creatividad en espacios colaborativos que me sigan inspirando.

ENTREVISTA A LUCAS PARRA - DIRECTOR DEL CORTOMETRAJE "SER UN HOMBRE", PRESELECCIONADO PARA LOS PREMIOS GOYA

Ser un hombre es un cortometraje producido de Sumendi.

Fundada en 2020 y con sede en Barcelona esta productora participó en la 39ª edición de los Premios Goya con su cortometraje Betiko Gaua, nominado en la categoría de mejor cortometraje de ficción.

Sumendi está formada por los productores Jofre Farré, Andrea Martínez, Ander Sagardoy y Eneko Sagardoy.

Sinopsis: Miguelito, un inocente niño de siete años, acompaña a su padre y a su abuelo en una cacería que le cambiará para siempre.

Hasta la fecha Ser un hombre ha sido seleccionado en más de 100 festivales y ha obtenido más de 50 premios/galardones, entre ellos:

Semana de Cine de Medina del Campo 2026 (España)

Roel de Oro al Mejor Cortometraje

Mejor Fotografía

Almagro International Film Festival 2025 (España)

Mejor Cortometraje

Festival de Cine de Sant Joan d’Alacant 2026 (España)

Ficus de Oro a la Mejor Obra

Certamen de Cortos de Arnedo Octubre Corto 2025 (España)

Mejor Cortometraje Nacional

Mejor Actor

Abycine Albacete - Cortos 2025 (España)

Premio Aluex

Festival de Cortometrajes Caóstica Bilbao 2026 (España)

Mejor Cortometraje Nacional

Certamen de Cortometrajes de Carabanchel 2026 (España)

Tercer Premio

Short. Sweet. Flim Fest. 2026 (Estados Unidos)

Honorable Mention Drama

Festival Internacional de Cine de Belalcázar 2026 (España)

Premio del Jurado al Mejor Cortometraje

Mejor Sonido

Festival Creatrivas Rivas-Vaciamadrid 2026 (España)

Mejor Cortometraje

Festival de Cine de Piélagos 2026 (España)

Mejor Cortometraje Nacional

Premio Valores Sociales

Mejor Dirección Arte

Mejor Dirección

Festival Cine Pequeño de Aspe 2026 (España)

Premio del Jurado al Mejor Cortometraje

Ruréfilos Burgos - Festival de Cine y Mundo Rural 2026 (España)

Mejor Cortometraje de Ficción

Lenola Film Festival - Inventa un film - Short 2026 (Italia)

Mejor Actor - Raúl Prieto

Luces Cameros Acción La Rioja 2026 (España)

Mejor Actor- Raúl Prieto

Espígol Film Fest 2026 (España)

Àmbit Centres Penitenciaris

Festival Internacional de Cine de Vilafamés 2026 (España)

Mejor Dirección

Festival de Cortometrajes iCOFF-Gasteiz 2026 (España)

Mejor Dirección

Altafulla International Film Festival 2026 (España)

Mejor Fotografía

Cinema Fost Film Festival 2026 (España)

Mejor Dirección

El director

Lucas Parra (Barcelona, 1998) es un guionista y director de cine y publicidad.

Empezó su trayectoria muy joven y destaca por un universo creativo que abarca géneros y épocas tan distantes como las batallas navales del siglo XVIII o la ciencia ficción alienígena, siempre partiendo de anécdotas e historias familiares como en su premiado cortometraje Entreterrestres o en el propio Ser un hombre.

Actualmente, es profesor en la ESCAC, trabaja con las productoras ROMA y MammaTeam, y desarrolla sus dos primeros largometrajes: una comedia-thriller y una película de terror.

Hemos tenido la oportunidad de entrevistar al director del cortometraje, Lucas Parra, éste es el resultado de la entrevista.

Carlos Penela.- Lucas, te quería preguntar por el origen o la chispa de Ser un hombre, ¿De dónde viene, de dónde surge?

LUCAS PARRA.- 'Ser un hombre' viene de cuando yo tenía 7 años y fui a cazar por primera vez con mi padre y con mi abuelo, que fue en el pueblo, en Jaén. Sempre me ha gustado mucho el campo, me han gustado mucho los animales. Mi sueño siempre había sido tener una granja. De pequeño siempre estaba pescando cangrejos, pero nunca había tenido una experiencia tan heavy como puede ser la caza. Entonces fui allí y mi padre me llevó y yo recuerdo de ir además muy ilusionado. Es toda una experiencia, porque cuando tu padre ve las cosas de una manera, tú como niño en verdad absorbes ese punto de vista y no te planteas tanto las cosas. Si tu padre se horroriza por algo, tú tiendes a horrorizarte o si se asusta por algo, tiendes a sustarte. Fue una experiencia normal, y como niño fue, cómo decirlo, casi emocionante, porque los adultos te daban una oportunidad de estar entre ellos y eso siempre como niño estás siempre pendiente de ello. Hay esa parte, siempre lo quise retratar. 

Carlos Penela.- ¿Qué imagen de aquella primera cacería seguía contigo y necesitabas, por así decirlo, llevar al cine?

LUCAS PARRA.- Todos los momentos que salen ahí son reales: mi primer disparo, mi primer cigarro fue exactamente así, siete años. Una de las imágenes que siempre se me quedó más en la cabeza y todavía la puedo visualizar, es ese momento en el que que me dejaron disparar, casi salgo volando hacia atrás, y como todos los perros fueron corriendo hacia la bala sin destino. Eso es una imagen que se me quedó grabada.

Carlos Penela.- La frase 'ser un hombre' puede sonar a deseo, también a orden. ¿Cómo ha cambiado para ti esa frase desde los siete años?

LUCAS PARRA.- Tendría que reflexionarlo más, es una experiencia que me impactó, y a partir de ahí creas unas admiraciones hacia ciertos modelos de masculinidad y puedes rechazar otras. Yo, de pequeño, siempre he sido un niño muy sensible, pero a la vez esa experiencia te hace endurecerte y crecer como más pronto. Es difícil gestionar mentalmente cuáles son tus referentes, pero sí que es verdad que desde entonces tiendes a tener unos referentes...cómo lo explico. Mira, a los 12 años mi ídolo era Vitto Corleone, después se convirtió en Coppola, porque al final lo que me gustaba era hacer cine, pero son esos modelos.

Carlos Penela.- Miguelito entra en un mundo marcado por su padre y por su abuelo. ¿Qué peso tiene la necesidad de que ellos lo acepten?

LUCAS PARRA.- Todo. Yo creo que para un niño, y sobre todo para mí de pequeño, la aprobación de mis padres era muy importante. Con un niño de 7 años, el niño ha de ser muy rebelde para que la relación de sus padres no sea importante. Estar a la altura es lo que él quiere y lo que yo quería cuando estaba en esa existencia. Siempre he intentado estar a la altura de lo que mis padres han esperado de mí, al final es difícil de separar.

Carlos Penela.- En el cortometraje sus personajes son interpretados por Raúl Prieto y José Rasero. ¿Cómo trabajaste con ellos esa identificación de un cierto tipo de masculinidad para que se vea reflejada luego en el metraje?

LUCAS PARRA.- Yo les hablé de mi familia, y lo bueno es que cuando conoces a los personajes en persona, puedes añadirles muchos matices. En el guion, si tú lo leyeses, los personajes serían mucho más duros y secos de lo que realmente son en la película. Pero cuando Raúl Prieto conoció a mi padre en persona, que fue el que le enseñó a usar las armas y tuvimos una comida juntos, pudo coger muchas cosas de él, no sólo el acento, sino que mi padre en verdad es un tío muy simpático, muy cercano y tiene esta parte también como un poco servicial hacia los demás, porque él lo hace por el abuelo. Respecto al abuelo, le expliqué también muchas anécdotas de mi abuelo, muchos matices, y ese punto explosivo que tenía que de repente te enviaba la mierda. Se ven algunas pinceladas, pero bueno, es un personaje que sale poquito, así que tiene que tener su impacto en lo poco que sale.

Carlos Penela.- Escribiste el guion con Valeria Cuní, ¿Qué te ayudó a ver ella en unos recuerdos que tú tenías tan cerca?

LUCAS PARRA.- Valeria entró en una etapa un poco avanzada ya del guion, y sobre todo, lo que hizo es que lo que yo tenía en mi cabeza estaba claro, pero en el guion no acababa de estar reflejado, yo daba muchas cosas por hecho. Ella hizo un formato tipo entrevista, y lo que hizo es adaptar ese guion para que se entendiese y, por ejemplo, para mejorar mucho el punto de vista del niño, vivirlo mucho más desde el punto de vista del niño.

Carlos Penela.- ¿Cómo conformas este reparto? ¿Cómo llegan los diferentes actores al corto (el niño, por ejemplo)?

LUCAS PARRA.- El niño es Lucas Catalán, hicimos un casting aproximadamente unos 70 niños, con Eduard Peyró, el director de casting. El casting, por ejemplo, de los secundarios, todos son no actores, por ejemplo, personas de la Peña de Flamenco de mi padre o de la de mi madre. Estuvimos buscando andaluces y extremeños desesperadamente por Barcelona, para poderlos integrar en el corto. Tenemos, por ejemplo, a un montón de cazadores reales en escena, se traían su propia ropa, sus coches, etc, entonces cuando están hablando, pues sale natural, casi todos los diálogos son improvisados. Como te digo, todos los personajes secundarios son no actores y para los protagonistas sí que cogimos actores profesionales. Raúl Prieto apareció gracias a Jofre Farré, que es el productor del corto, y que fue director de producción de 'Antidisturbios', donde Raúl Prieto es uno de los protagonistas. Es un tío fantástico, Raúl es muy versátil y le añade unas capas al personaje... cierta debilidad, esta inseguridad que tiene el personaje que se ve superado por la situación y tiene que decidir en el momento qué hacer. Eso la verdad que me impresionó mucho, fíjate que llega un punto en el que yo mezclo mi recuerdo de la infancia con las imágenes del corto, ahora me gusta diferenciarlo.

Carlos Penela.- El actor niño, Lucas Catalán Lluch, es una pasada. ¿Cómo trabajaste ese equilibrio entre la curiosidad y el desconcierto con una actor tan pequeño?

LUCAS PARRA.- Mira, el casting, de hecho, se centró en encontrar un niño que tuviese una mirada muy interesante. Lucas es un niño muy listo. Es un personaje que prácticamente no habla en todo el corto, solo tiene un momento de una frase contundente hacia el clímax. En el corto es un personaje que observa, y era clave que fuese un niño listo. Lo que hicimos es que le servimos delante suyo muchas cosas que mirar reales. Cuando tú rodeas con cazadores reales, con armas de fogueo, con animales, con todo esto, pues el niño, como yo cuando tenía 7 años, está por primera vez en ese set, en ese escenario, y él está mirando inputs reales. Eso es lo que permite que tengas también un acting muy realista, darle mucha realidad al entorno. Si lo tienes que hacer con una pantalla verde, vas a perder todos estos tipos de matices.

Carlos Penela.- Hay muchos momentos del del cortometraje que a mí me recuerdan a un thriller, ¿esto es algo deliberado? ¿Cómo trabajasteis esos elementos y qué decidiste dejar fuera de campo y qué mostrar?

LUCAS PARRA.- Sí, es deliberado. Yo lo planteé como un coming of age thriller, para mí siempre ha estado el thriller en esa historia. Al final puedes contar esa misma historia sin el incidente central y sería una historia de coming of age de un niño que entra a la masculinidad. Siempre me faltaba esa parte de la historia con el perro y todo lo que sucede, pero sí, a mí me gusta mucho el thriller y casi todo lo que dirijo tiene bastante una estética y un tono thriller, que te permita meterte más profundamente con este niño en esa pequeña aventura.

Carlos Penela.- Lucas, tu padre aparece en el reparto, ¿Cómo fue compartir con él el rodaje?

LUCAS PARRA.- Mi padre aparece en todos mis cortos desde que empecé con 12 años a grabar, es mi actor fetiche. Aquí hace de uno de los cazadores, hace del cazador que se mete dentro de la hoguera. Para mí es un placer tenerlo. También está mi madre en el rodaje, que es la diseñadora de vestuario, y también está mi hermano, que estaba en producción. El hecho de poder estar rodando en un set con 60 personas, pero a la hora de comer, comer como si estuviese en mi casa con mi familia, te permite mantenerte muy con los pies en la tierra. Permite esa parte familiaridad que me gustaría repetir en los rodajes futuros también y que lo sigo repitiendo porque estás como en casa, te sientes confiado y alineado.

Carlos Penela.- Después de tantas proyecciones, ¿Qué reacción de algún espectador/a te ha hecho mirar el corto de otra manera? 

LUCAS PARRA.- El corto lo que quiere es invitar a la reflexión, no tiene un mensaje machacón para darte, lo que buscamos es que dé para hablar y que dé para el diálogo, que te quedes pensando después de verlo. Tengo gente que ha acabado el corto diciendo que el niño es un psicópata, y tengo otra gente diciendo el niño es el puto amo. Realmente ves como todo lo que tú tienes preconcebido de antes afecta mucho en la película. Para mi, si invita la reflexión es fantástico. Lo que más me han gustado de comentarios ha sido cuando gente que ha vivido lo mismo de pequeño, que los llevaban a cazar de pequeño, se han sentido identificados y me han corroborado que esa experiencia la han sentido muy realista y tal cual lo recordaban. Pero de esto te estoy hablando de un señor mayor en Austin, Texas, otro en Dinamarca y otro en La Rioja, gente totalmente distinta pero que les une misma experiencia.

Carlos Penela.- Estáis entre los 15 cortos de ficción preseleccionados para los Goya. ¿Qué te gustaría que esta oportunidad cambiara para la película? 

LUCAS PARRA.- Lo que esperamos y lo que deseamos es llegar a nominados, eso es lo que sería la leche. Y sobre todo, lo importante del camino no es tanto que te den un premio por el corto, sino que esto nos permita a mi equipo y a mí hacer siguientes proyectos y darnos un poco más de visibilidad, que los siguientes proyectos que estemos levantando como los largometrajes que tenemos en marcha se financien más fácilmente, y que los productores confíen más en nosotros. Para mí es eso, no es tanto que te den un premio para ponerlo en la estantería, sino que validen nuestro trabajo de cara a los grandes productores de España.

Carlos Penela.- Última pregunta, ¿Qué le dirías al niño de 7 años que fuiste antes de salir a aquella cacería?

LUCAS PARRA.- ¡Qué buena pregunta! Esta no me la habían hecho nunca... Tal vez le diría que no fuese tan influenciable, pero bueno, aún así es un niño de siete años, es tan pequeño. Te hace particular esta experiencia. Yo recuerdo después de esta experiencia que cuando volví al colegio en Gracia, estoy seguro que era el único niño en toda la escuela que había vivido una experiencia así, eso pasa a ver las cosas como un outsider. Me marcó como una parte de diferenciación, que permite adaptarte menos en lo que es el entorno escolar, pero a la vez también te permite tener una personalidad muy propia, que te ayuda en años futuros si quieres ser, por ejemplo, director de cine. Esto son buenas cosas para escribir. Es un sentimiento ambiguo.

RESEÑA DE "CLAYFACE"

Introducción y sinopsis

Clayface, la primera incursión de DC Studios en este género, es un thriller de terror dirigido por James Watkins y protagonizado por Tom Rhys Harries en el papel principal del villano de Gotham City.

Sinopsis: Clayface narra el aterrador descenso de un hombre, de estrella en ascenso de Hollywood a monstruo sediento de venganza, en una historia que explora la pérdida de la identidad y la humanidad, el amor corrosivo y el lado oscuro de la ambición científica.

La película también cuenta con Naomi Ackie, David Dencik, Max Minghella y Eddie Marsan, así como con Nancy Carroll y Joshua James. James Watkins dirige a partir de un guion de Mike Flanagan y Hossein Amini, con historia de Flanagan, basado en personajes de DC. La película está producida por Matt Reeves, Lynn Harris, James Gunn y Peter Safran, con Michael E. Uslan, Rafi Crohn, Paul Ritchie, Chantal Nong Vo y Lars P. Winther como productores ejecutivos.

El equipo creativo de Watkins incluye al director de fotografía Rob Hardy, al diseñador de producción James Price, al montador Jon Harris, al supervisor de efectos visuales Angus Bickerton, al diseñador de vestuario Keith Madden y a la directora de casting Lucy Bevan.

DC Studios presenta, en asociación con Domain Entertainment, una producción de 6th & Idaho, una película de James Watkins, "Clayface". La película se distribuye por Warner Bros. Pictures.

Sobre la película

Película dirigida por Mike Flanagan e interpretada por Tom Rhys Harries y Naomie Ackie en los papeles protagonistas. En ella se muestra cómo se crea uno de los enemigos de Batman, "Cara de barro", en Gotham. Y aunque pueda ser pensada como una pelicula de superheroes por la historia y como es transmitida es, sin duda, uno de los mejores films de terror del año. Si, de terror: hay mucha sangre sin complejos.

Tiene una gran similitud y una gran diferencia con Joker (2019). Lo primero, se centra en cómo DC Comics desarrolla el origen de uno de los enemigos de Batman, pero la gran diferencia es que Joker, siendo una excelente película no pasa de thriller psicológico. 

En cambio Clayface va de la mano de situaciones en las que el protagonista se encuentra desesperado por recuperar su rostro y hace todo lo posible por volver a ser el, en base a la venganza hacia las personas que se lo provocaron mediante una identidad que va cambiando desde unas escenas alucinantemente aterradoras, acompañadas de mucha sangre y unos efectos especiales brutales (como se le va deshaciendo la cara al mas puro estilo blandiblub es alucinante..).

Cabe destacar que la interpretación de Tom Rhys Harries le da mucha solidez al personaje y lo hace absolutamente creíble, lo cual es básico para transmitir una buena historia (y más teniendo en cuenta que el origen del personaje en los comics es amplia y variada: desde un actor cuya carrera se apagaba hasta un cazatesoros que adquiere poderes para conseguir sus objetivos), en la cual un actor de Hollywood es desfigurado por el capo de una banda mafiosa.

En definitiva, una excelente película de terror vinculada al Caballero Oscuro de Gotham con una buena historia, con sangre y unos efectos especiales y unas interpretaciones soberbias.

                      Valoración Latidos por el cine: 8 sobre 10 - Una reseña de Luis Gómez Gómez

ESTRENOS DE CARTELERA - 30 DE OCTUBRE DE 2026

KARATEKA

Karateka, la nueva película de Aritz Moreno (Ventajas de viajar en tren), inspirada en la extraordinaria historia de Sandra Sánchez, la mujer que desafió todas las convenciones para convertirse en la mejor karateka de todos los tiempos, se estrena en cines este viernes. La película fue presentada en el Festival de San Sebastián ante más de 2.000 espectadores en el Velódromo, donde recibió un aplauso de más de diez minutos tras la proyección.

En palabras de Sandra Sánchez: "Hay momentos que cuesta explicar con palabras. Estar en el Festival, ver el Velódromo lleno y sentir cómo miles de personas se emocionaban con una historia que durante tantos años fue tan profundamente mía ❤️‍🩹… Karateka habla de sueños, pero también de heridas, de miedos, de caídas y de todas esas veces en las que tienes que volver a reconstruirte para seguir adelante. Compartir algo tan íntimo da vértigo, pero descubrir que, al hacerlo, otras personas pueden reconocerse en una parte de tu historia hace que todo cobre un sentido diferente. Y solo puedo dar las gracias a todo el equipo que ha hecho esto posible. Ese empujon de Aritz, Andrea, Patrick, todo el equipo… En medio de aquellos aplausos me decían: 'Sandra, sal, esos aplausos son para ti'. Pero yo sabía que no eran solo para mí, eran para todos. Aun así, me regalaron ese momento. Y esa sensibilidad que tienen y esa generosidad les hace únicos... Por eso son tan buenos haciendo lo que hacen y os emocionaran detrás de la pantalla."

Un relato de perseverancia, amor y superación que viaja desde España hasta Japón y Taiwán para contar el camino que llevó a su protagonista a conquistar el oro olímpico a los 39 años. 

Más que una película sobre deporte, Karateka es una gran aventura humana. Un viaje que recorre España, Taiwán y Japón para contar la historia de una mujer que decidió desafiar todos los límites cuando parecía demasiado tarde para hacerlo. Una historia en la que conviven la competición, el humor, el descubrimiento de otras culturas, el aprendizaje junto a un maestro, una historia de amor construida desde la admiración mutua y una búsqueda constante de la excelencia. Porque detrás de cada combate hay mucho más que una medalla: hay una manera de entender la vida.

Andrea Ros es la encargada de dar vida en la gran pantalla a Sandra Sánchez desde sus inicios humildes en Talavera de la Reina, hasta el triunfo de conseguir el oro olímpico en Tokio 2020. Patrick Criado interpreta a Jesús del Moral, su entrenador y quien se convertiría en su pareja sentimental, en una combinación única de amor y admiración mutua que trasciende lo deportivo y que acaba transformando sus vidas.

Bajo la mirada de Aritz Moreno, Karateka construye un universo visual poco habitual en el cine español, combinando la espectacularidad de la competición con una puesta en escena de gran personalidad. Las secuencias rodadas en Japón, la fuerza de los combates y una fotografía muy cuidada convierten la historia de Sandra Sánchez en una experiencia cinematográfica que trasciende el biopic deportivo tradicional.

Para interpretar a estos dos deportistas de élite, Andrea Ros y Patrick Criado se sometieron a un severo cambio de hábitos y duros entrenamientos, adaptándose al estilo de vida del kárate. Sandra Sánchez y Jesús del Moral participaron activamente como asesores durante todo el proceso creativo, ayudando a trasladar a la pantalla no solo la práctica deportiva, sino también los valores y la filosofía que definen el karate.

Junto a Andrea Ros y Patrick Criado, completan el reparto, los actores españoles Ernesto Alterio, Antonio Durán "Morris", Pablo Álvarez, Pilar Castro, Vicente Vergara, Edu Ferrés, Marta Pons y Chani Martín y los actores japoneses Mizuki Yoshida, Denden, Ayako Fujitani, Katsuki Suzuki y Hoshimi Asai.

Karateka cuenta con guion de David B. Gil y Pablo Tobías Gavasa con la colaboración de Javier Gullón.

Con una combinación de emoción, humor, romance, aventura y espectaculares escenas de competición, Karateka demuestra que las grandes historias deportivas nunca hablan únicamente de deporte. Hablan de personas capaces de cambiar su destino, de relaciones que transforman una vida y de la búsqueda de un sueño que parecía imposible.

Karateka no habla de una campeona del mundo. Habla de todo lo que ocurre antes de convertirse en una leyenda.

En palabras de Aritz Moreno: "Por fin puedo compartir la historia de la mejor karateka de todos los tiempos. Una historia de amor, amistad y aventuras. Un BioEpic diseñado en lo visual y lo sonoro para disfrutar del imponente karate de Sandra a lo grande, en una sala de cine. Ya queda poco. Tomad asiento. Smile and relax."

Sinopsis: Esta es la historia de Sandra Sánchez, una mujer que nunca dejó de creer y que desafió todas las convenciones. De ser descartada por el sistema a convertirse en la mejor karateka de todos los tiempos. Con la guía de Jesús del Moral, su entrenador y compañero de vida, Sandra emprendió un viaje imposible: conquistar el oro olímpico a los 39 años y redefinir el significado de la perseverancia en un deporte donde los más veteranos se retiran a los 30 años y que siempre habían dominado los japoneses. Un relato de amor, grandeza y lucha que trasciende el Karate y se convierte en leyenda.

Karateka es una producción de Atresmedia Cine, Sr.&Sra. y Karateka A.I.E, en coproducción con Wrong Men, Apaches Entertainment y Colosé Producciones. Con la participación de Atresmedia y Netflix, la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, con el apoyo de Creative Europe MEDIA y Wallimage (La Wallonie) y la financiación del Gobierno de España-ICAA. Distribuida por Warner Bros. Pictures Spain.

ESTA SOLEDAD

Esta Soledad, el primer largometraje de Javier Giner tras la multipremiada serie Yo, Adicto (Disney+) llegará a los cines este viernes de la mano de Filmax. La película, que se estrenó en el Festival de San Sebastián en la Sección New Directors, está protagonizada por el ganador del Emmy Internacional al Mejor Actor, Oriol Pla, y Marina Salas. Esta Soledad cuenta con guion del propio Giner y Luisa Matienzo.

Sinopsis: Leo y Lorea se han querido. Probablemente aún se quieren. Pero su relación, tras cinco años, ha terminado. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad familiar y una desconexión emocional que le asfixia. Ella, enredada en trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse sin saber muy bien cómo hacerlo. Son dos cuerpos en duelo, condicionados por lo no resuelto y por la herencia emocional de una generación que parece llegar tarde a todo: al amor, a la estabilidad, a la realización personal.

Atravesados por la precariedad y el agotamiento, la incertidumbre de sus aspiraciones artísticas y las fracturas del pasado, Esta Soledad es la historia de sus esfuerzos —imperfectos, torpes y a veces hermosos— por empezar de nuevo.

Esta Soledad, en palabras de Javier Giner “es una película sobre el vacío existencial y los silencios que habitamos en un presente fragmentado y caótico, sobre los vínculos frágiles que establecemos y sobre la dificultad de sostenerse cuando todo alrededor se tambalea. Ambientada en un Bilbao lleno de heridas —urbanas, familiares y emocionales—, la película retrata con ternura feroz a dos jóvenes que sobreviven en un estado de confusión y soledad”.

Esta Soledad es una producción de Fuga de cuerpos, A.I.E., Balance Media Entertainment, La Embajada TV y Basajaun Filmak. La película cuenta con la colaboración de Filmax y la participación de Filmin y RTVE, además de la financiación del ICO, Sego Finance, Gesbro y Brosh.

HOPE

MUBI, distribuidora, servicio de streaming y productora, en colaboración con BTEAM Pictures, estrena Hope en los cines españoles este viernes 30 de octubre de 2026. Hope está escrita y dirigida por Na Hong-Jin (El extraño, The Yellow Sea). La película tuvo su premiere mundial en el Festival de Cine de Cannes en mayo, donde compitió en la Sección Oficial, y ha participado en la 59ª edición del Festival de Cine de Sitges, donde el director Na Hong-Jin recibió el Premio Màquina del Temps.

Sinopsis: En la remota aldea surcoreana de Hope Harbor, el jefe de policía Bum-seok (Hwang Jung-Min) y la oficial Sung-ae (Hoyeon) son llamados para encontrar a una criatura misteriosa que ha causado estragos en la aldea. En el bosque cercano varios cazadores, entre ellos Sung-ki (Zo In-Sung), se disponen a rastrear a la bestia, pero acaban convertidos en presas. No todo es lo que parece, y las apariencias pueden ser engañosas. Lo que comienza como ignorancia siembra la semilla del desastre, escalando de conflicto humano a tragedia cósmica.

La película está escrita y dirigida por Na Hong-Jin, y protagonizada por Hwang Jung-min (Narcosantos, El extraño), Jo In-sung (Moving), Hoyeon (Disclaimer, El juego del calamar), Michael Fassbender (El asesino, 12 Años de esclavitud), Alicia Vikander (La chica danesa, Ex Machina), Taylor Russell (Hasta los huesos, Waves) y Cameron Britton (The Umbrella Academy, Mindhunter).

Hope está producida por Na Hong-Jin, Saemi Kim y Saerom Kim para Forged Films. Los productores ejecutivos son Jeongin Hong y Eugene Kim. Plus M Entertainment ha financiado la película.

WICKER

Mitad fábula, mitad comedia fantástica y totalmente excéntrica, Wicker nos invita a reconsiderar e incluso a incendiar las historias que nos hemos contado a nosotros mismos sobre el matrimonio, creando un espacio para que se desarrolle el verdadero romance.

La película dirigida y escrita por Eleanor Wilson y Alex Huston Fischer se basa en el cuento corto The Wicker Husband de Ursula Wills-Jones, publicado en 2008, sobre la envidia, el compromiso y las trampas de las normas sociales. La pareja, debutó en 2020, en el Festival de Sundance, con ¡Desconectados!, su opera prima, y habitualmente escriben y dirigen a 4 manos.

Wicker cuenta con generosas dosis de humor irónico y un reparto estelar entre los que destacan Olivia Colman (Los Rose, The Crown), Alexander Skarsgård (Pillion, Lee Miller), Peter Dinklage (Hermanos, Juego de Tronos), y Elizabeth Debicki (The Crown, Tenet).

Olivia Colman da vida a la maloliente y sarcástica pescadora que desafía todas las expectativas y desmonta con seguridad las tradiciones mientras lucha por la relación que desea y el trato que se merece por parte del enigmático y sereno hombre de mimbre (Alexander Skarsgård),

Wicker llega a los cines de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel, tras clausurar la 59 edición del SITGES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA FANTÀSTIC DE CATALUNYA.

Sinopsis: Wicker  una audaz fábula, en clave de comedia, sobre el sexo, el matrimonio y lo absurdo de las convenciones sociales, narra la original historia de amor de una pescadora socialmente marginada (Olivia Colman) que encarga al artesano local (Peter Dinklage) que le fabrique un marido de mimbre (Alexander Skarsgård). Cuando su marido resulta ser más espectacular de lo que jamás había podido imaginar, su espíritu conmovedor y sus habilidades excepcionales despiertan algo en su interior. Lo que comienza como un simple plan de la protagonista para molestar a sus entrometidos vecinos, acaba convirtiéndose en un auténtico romance desencadenando una oleada de celos, fascinación y agitación que amenaza el propio tejido de la vida del pueblo.

Sobre la película. El rodaje concluyó en septiembre de 2025 en Budapest y Wicker tuvo su premiere mundial el 24 de enero de 2026 en el Festival de Sundance donde se proyectó dentro de la Sección oficial Premieres y se convirtió en uno de los títulos más comentados y aplaudidos de la edición.

Inicialmente, el papel del marido de mimbre estaba destinado a Dev Patel quien terminó siendo sustituido por Alexander Skarsgård.

Dar vida al "hombre de mimbre" supuso un complejo trabajo de diseño. El aspecto físico del personaje se logró mediante prótesis especiales y animatrónica, lo que obligó a Alexander Skarsgård a llevar un traje que le cubría todo el cuerpo y una máscara, además de exagerar sus movimientos para simular que el hombre de mimbre había cobrado vida.

Black Bear Pictures se ocupa de las ventas internacionales, así como de la distribución en Estados Unidos.

LEVITICUS

Leviticus, una de las películas de terror más esperadas del año, se estrena en las salas españolas  de la mano de YouPlanet, después de su presentación en el Festival de Sitges, donde compitióen la Sección Oficial Fantàstic.

Escrita y dirigida por Adrian Chiarella en su debut en el largometraje, Leviticus propone una perturbadora mezcla de horror sobrenatural, thriller psicológico y drama coming-of-age para construir una historia de terror queer. La película ha conquistado a la crítica por su capacidad para convertir el miedo en una poderosa metáfora sobre la represión, el deseo y el fanatismo religioso.

Ambientada en una aislada comunidad cristiana del interior de Australia, la historia sigue a Naim y Ryan, dos adolescentes sometidos a una terapia de conversión que desencadena la aparición de una entidad maligna. Lo que comienza como un romance prohibido se transforma en una angustiosa lucha por sobrevivir al mal.

La película está protagonizada por Joe Bird (Talk to Me), Stacy Clausen (Thrash) y Mia Wasikowska (La cumbre escarlata, Stoker), y la producción corre a cargo de Causeway Films, responsables de éxitos contemporáneos del género como Babadook y Háblame.

Desde su estreno mundial en el Festival de Sundance, donde se convirtió en una de las propuestas más comentadas de la sección Midnight, Leviticus ha sido señalada como una de las grandes revelaciones del nuevo cine de terror por su originalidad y su capacidad para renovar los códigos del género.

Sinopsis: En una remota comunidad religiosa, dos adolescentes descubren que su amor prohibido ha despertado a una entidad sobrenatural que adopta la forma de aquello que más desean: el uno al otro. Para sobrevivir, deberán enfrentarse tanto al monstruo que los persigue como al fanatismo que los condena.

TIEMPOS DE ILUSIÓN

Tras conquistar al público de todo el mundo con títulos como Intocable, Samba, C’est la vie! y Especiales, los cineastas franceses Olivier Nakache y Éric Toledano regresan con Tiempos de ilusión, película, que se estrena en nuestros cines, de la mano de A Contracorriente Films, tras su première española como película de clausura de Perlas del Festival de San Sebastián.

El reparto combina nuevos talentos con intérpretes de reconocido prestigio como Louis Garrel (Soñadores), Camille Cottin (La biblioteca de los libros rechazados) y Pierre Lottin (Por todo lo alto), encabezados por el joven Simon Boublil, protagonista de una historia que mezcla recuerdos personales y ficción para retratar toda una generación marcada por los cambios sociales de los años ochenta.

Ambientada en la periferia parisina de 1985, Tiempos de ilusión recupera la adolescencia de sus propios directores para construir una historia íntima y emotiva sobre el paso de la infancia a la edad adulta. A través de una mirada cargada de humanidad, humor y sensibilidad, Nakache y Toledano evocan una época de descubrimientos, dudas y primeras experiencias, convirtiendo los recuerdos personales en un relato universal con el que conectar con espectadores de distintas generaciones.

Estrenada en Francia el pasado mes de abril de la mano de Gaumont, Tiempos de ilusión ha superado los 2 millones de espectadores, confirmando la buena acogida del nuevo trabajo de Olivier Nakache y Éric Toledano, que recuperan el tono cálido y profundamente humanista que ha convertido su filmografía en una referencia del cine europeo contemporáneo.

Sinopsis: 1985. En un barrio de París, una familia de clase media intenta encontrar su lugar en un mundo en transformación. Mientras Vincent se enfrenta a las incertidumbres de la adolescencia, sus padres descubren que ser adulto tampoco garantiza tener todas las respuestas.

LA OVEJA SHAUN: MISIÓN CALABAZA

Halloween llega a la granja de Mossy Bottom y Shaun tiene un problema entre pezuñas. La oveja más inquieta de Aardman regresa con una aventura que combina los experimentos de un científico demasiado entusiasta, una misteriosa criatura y una celebración que amenaza con acabar en desastre. Una propuesta de animación artesanal que traslada el universo del personaje al terreno de los monstruos y las travesuras otoñales.

Sinopsis: Los habitantes de Mossy Bottom preparan Halloween con ilusión, hasta que el Granjero destruye accidentalmente su huerto de calabazas. Decidido a salvar la fiesta, Shaun recurre a la ciencia para reparar el destrozo, aunque sus experimentos provocan nuevas complicaciones. La desaparición del Granjero y la presencia de una bestia en los bosques cercanos obligarán al rebaño a ponerse en marcha para recuperar la tranquilidad de la granja.

Steve Cox y Matthew Walker dirigen esta nueva entrega, con guion de Mark Burton y Giles Pilbrow, dos profesionales que conocen bien las posibilidades cómicas de Shaun. Burton participó en las anteriores aventuras cinematográficas del personaje y fue uno de los guionistas de Wallace & Gromit: La maldición de las verduras. Pilbrow también ha trabajado en el universo televisivo del rebaño.

Cox, por su parte, dirigió el especial navideño La oveja Shaun: El vuelo antes de Navidad. Ese conocimiento del personaje acompaña ahora una historia que cambia las celebraciones invernales por las calabazas, los experimentos descontrolados y los sustos de Halloween.

La versión original vuelve a contar con Justin Fletcher, John Sparkes y Kate Harbour. A ellos se suman colaboraciones de Nina Sosanya, Paul Whitehouse, Roman Kemp y Dani Dyer. Fletcher regresa como voz de Shaun y Timmy, dentro de una saga en la que la expresividad de los personajes y el humor físico tienen un papel esencial.

Misión Calabaza es el tercer largometraje de Shaun, después de La oveja Shaun: La película (2015) y La oveja Shaun: Granjaguedón (2019). La nueva aventura mantiene la animación en stop motion, una de las señas de identidad del estudio británico responsable de Wallace & Gromit y Chicken Run.

El atractivo de este regreso está en ver cómo encaja la inventiva del rebaño en una historia de monstruos para toda la familia. El punto de partida tiene todos los ingredientes para encadenar enredos: una buena intención, un experimento que se tuerce y una granja cuyos habitantes deberán arreglar bastante más que un huerto. Distribuye Selecta Vision. 

GUNGO Y LOS JUEGOS CAVERNÍCOLAS

La nueva película de animación 3D dirigida por Rodolfo y Gabriel Riva Palacio y producida por 3Doubles Producciones y Huevocartoon, llega a los cines españoles  distribuida por LAZONA.

La película combina una estructura clásica de historia de superación y de equipo con un ritmo marcado por el humor físico, la acción y la competición, construyendo una aventura alrededor de un protagonista que está muy lejos del héroe convencional: Gungo no es el más fuerte ni el más preparado, pero tendrá que aprender a liderar precisamente a quienes, como él, nunca parecían destinados a ganar.

Al frente del reparto de voces en castellano se encuentra el Youtuber nº1 en España, Mikecrack, que pone voz al propio Gungo en su primer papel protagonista en una película de animación. Con más de 58 millones de suscriptores en YouTube y 21.000 millones de visualizaciones, el creador digital da vida a un joven cavernícola que aspira a ser el próximo jefe de la tribu, contra todo pronóstico.

Sobre su experiencia en el proyecto, Mikecrack declaró: “Tenía un poco de miedo por si no le quedaba del todo bien al personaje, pero me siento muy cómodo siendo Gungo. Hay muchísimos momentos durante el doblaje en los que veía las escenas y me moría de la risa, así que la recomiendo mucho. Es una película familiar muy buena y el que vaya no se va a arrepentir”.

Junto a Mikecrack, el reparto español cuenta también con el conocido youtuber y creador de contenido Dagar, muy popular por sus vídeos de entretenimiento y videojuegos, además de los periodistas deportivos Rubén Uría y Nacho Donado.

Sinopsis: Tras ser desterrado de su tribu por no estar a la altura, Gungo, un heredero consentido y torpe, deberá liderar al equipo menos prometedor de toda la Prehistoria en los salvajes Juegos Cavernícolas para recuperar su trono y demostrar su valía.

3Doubles Producciones Fundada en 2017 en Santa Cruz de Tenerife, es un estudio líder en Europa con un equipo de más de 200 profesionales. Destaca por su alta calidad y competitividad desde las Islas Canarias. Su portfolio incluye éxitos como Inspector Sun y la maldición de la viuda negra (nominado a los premios Goya 2022), SuperKlaus (nominado a los premios Goya 2025) y Norbert (nominado a los premios Goya 2026). Actualmente produce títulos globales como Gungo y los Juegos Cavernícolas y Flamingo Flamenco. 

LAZONA nace en 2003 como productora de artes audiovisuales y escénicas, aunando cine, series y teatro. En 2023 amplía su horizonte con la creación de una nueva línea de distribución cinematográfica con LAZONA Pictures y una productora afincada en el País Vasco, LAZONA Zinema.

Desde entonces, ha producido una treintena de películas (Tres de más, Chinas, No habrá paz para los malvados, Ocho apellidos vascos o La consagración de la primavera), además de varias series (Gigantes, La noche más larga o Si es martes, es asesinato), más de setenta obras de teatro (La mujer rota, La vida es sueño o La ternura) y un creciente catálogo de largometrajes distribuidos (Cuando cae el otoño, La voz de Hind o El arquitecto). En todo este recorrido, ha combinado tanto éxitos de taquilla como de crítica y premios.

EL MUNDO ES ANSÍ

Llega a los cines El mundo es ANSÍ, el nuevo largometraje del cineasta Miguel Ángel Calvo Buttini, una película que propone una mirada contemporánea a la figura de Pío Baroja a través de la combinación de documental, ficción, material de archivo y entrevistas.

La fecha de estreno guarda una especial significación: el 30 de octubre de 2026 se cumplen exactamente 70 años de la muerte de Pío Baroja, fallecido en Madrid el 30 de octubre de 1956. Así, siete décadas después de su desaparición, El mundo es ANSÍ llega a las salas para recuperar la voz, el pensamiento y el universo literario de uno de los grandes escritores españoles del siglo XX.

La película no pretende realizar una biografía convencional de Baroja, sino establecer un diálogo entre el escritor y el presente. Para ello, Miguel Ángel Calvo Buttini combina la realidad documental con una trama de ficción protagonizada por Ana, una joven estudiante de posgrado a la que encargan un trabajo sobre el escritor.

Interpretada por la actriz navarra Nahia Bergasa, Ana se adentra en la vida y la obra de Baroja a través de su investigación hasta establecer un diálogo imaginado con el propio escritor, o más concretamente con su alter ego, interpretado por el actor navarro Álvaro Subiés. Este encuentro entre dos épocas sirve como hilo conductor de la película y permite acercarse a Baroja desde una perspectiva actual, poniendo en relación sus ideas y su literatura con las preguntas e inquietudes del presente.

La propuesta se completa con material de archivo, pasajes de la obra de Baroja y entrevistas a escritores y especialistas como Bernardo Atxaga, Ramón Barea, Soledad Puértolas, Marta Sanz, Gregorio Luri y María José Solano. El documental cuenta además con la participación de Carmen y Pío Caro, sobrinos nietos del escritor, quienes además han apoyado el proyecto facilitando el acceso a permisos, materiales de archivo y a las localizaciones necesarias para su realización.

El mundo es ANSÍ parte de una idea original de Álvaro Lión-Depetre, quien firma el guion junto a Miguel Ángel Calvo Buttini. La producción corre a cargo de Salto de Eje PC, de Madrid, La Noche Americana, de Navarra, y Barton Films se encarga de su estreno.

El proyecto ha contado por el momento con el respaldo del Ayuntamiento de Madrid, a través de las áreas de Cultura y Alcaldía, y del Gobierno de Navarra, además de la financiación de CREA SGR.

El rodaje se desarrolló en distintas localizaciones vinculadas al universo de Baroja. Tras las primeras semanas de filmación en Madrid, el equipo se desplazó a Navarra, con especial presencia en Bera del Bidasoa, además de San Sebastián y Zestoa, localidad en la que Baroja ejerció como médico.

Con este nuevo trabajo, Miguel Ángel Calvo Buttini continúa su particular recorrido cinematográfico por algunas de las grandes figuras de la literatura española. Después de acercarse a Benito Pérez Galdós en El siglo de Galdós y a Emilia Pardo Bazán en Emilia, el director vuelve a explorar la relación entre literatura, memoria y cine, utilizando en esta ocasión una estructura que permite hacer dialogar directamente al pasado con el presente.

Habiendo sido seleccionado en el prestigioso mercado internacional Sunny Side of the doc, su estreno del 30 de octubre de 2026, coincidiendo con el 70º aniversario de la muerte de Pío Baroja, se convierte en una oportunidad para volver a encontrarse con un autor cuya obra y pensamiento siguen interpelando al lector contemporáneo.

Setenta años después de su muerte, Baroja vuelve a hablar. Esta vez, a través del cine.