¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
Tras cinco años de desarrollo, Caravaggio, de EXHIBITION ON SCREEN, se convierte en el largometraje más completo jamás realizado sobre el revolucionario y controvertido pintor italiano
La película que fue galardonada con el Premio del Público al Mejor Documental en el Festival Internacional de Cine de Chichester y tuvo este pasado jueves su première española en el BCN FILM FEST 2026.
Caravaggio recorre ciudades clave en la vida del pintor (Milán, Roma, Nápoles y Malta) mientras reconstruye su biografía a través de sus propias obras y del análisis de expertos internacionales. A partir de sus pinturas más célebres, el documental se adentra en la compleja personalidad de un artista que transformó la pintura con su dramático uso de la luz, su naturalismo radical y la intensidad emocional de sus figuras.
Dirigida por los cineastas Phil Grabsky y David Bickerstaff, referentes del documental de arte contemporáneo, la película forma parte de la serie Exhibition on Screen, que lleva al cine las grandes historias del arte a través de una mirada cinematográfica y cercana.
Entre el genio creativo y la turbulencia personal, la película revela las pistas ocultas en sus obras para comprender mejor al hombre detrás del pincel y el misterio que rodea su vida.
Caravaggio invita al espectador a descubrir las claves de una vida marcada por el genio y la controversia, explorando las huellas que el artista dejó en su obra y ofreciendo una experiencia cinematográfica única que combina arte, historia y emoción
Gracias a nuestras amigas de A Contracorriente Films, hemos podido entrevistar dentro del BCN Film Festhemos podido entrevistar a Phil Grabsky, uno de los directores de la cinta. Éste es el resultado de la entrevista
Carlos Penela.- Después de haber dedicado tantos años de su carrera a acercar el arte al gran público, ¿Qué tenía Caravaggio para convertirse en un proyecto de cinco años de trabajo?
PHIL GRABSKY.- Esta es la película 40 de Exhibition on Screen. De hecho, he hecho películas sobre artistas desde hace casi 30 años y desde hace un tiempo quería hacer una película sobre Caravaggio. El problema con Caravaggio es que es imposible tener una gran exposición con sus grandes obras, nunca saldrán de las iglesias donde están. En segundo lugar, hay otras películas que se han hecho sobre su figura, y no me interesaba hacer más de lo mismo. Tuve que pensar qué podíamos hacer diferente y, honestamente, mejor. Entonces pensé en dos cosas básicamente. La primera es que otras películas no se paran a enseñar bien sus pinturas, sus cuadros, solo se centran en exagerar, creo yo, la vida nocturna romana de Caravaggio. En segundo lugar, lo que tampoco han hecho, a mi modo de ver, es explicar quién era y por qué pintaba lo que pintaba, de qué tratan sus cuadros. Empezamos a trabajar, vino el Covid de por medio, pasamos mucho tiempo con el guion - hay muy poca correspondencia, las tres biografías sobre él se escribieron décadas después -, tuvimos que investigar mucho para entender realmente el contexto, qué es lo que sucedía en Roma, quienes eran los otros artistas, por qué le encargaban en aquel momento hacer aquel cuadro, etc. Todos esto llevó mucho tiempo, ir a los lugares, hablar con muchos expertos, leer muchos libros, etc. Hay que tener en cuenta además que como cineasta también lanzamos tres o cuatro películas al año, es decir, sí, son cinco años, pero tuve que hacer muchas otras cosas en paralelo. (risas)
Carlos Penela.- Caravaggio siempre ha sido retratado muchas veces como un genio oscuro, casi maldito, ¿Qué querían desmontar o matizar de esa imagen más tópica?
PHIL GRABSKY.- Creo que mucha gente se ha quedado con esa idea de que era un rufián, un bebedor que iba con prostitutas. Evidentemente, tuvo sus luchas, hay pruebas de que bebía, pero eso es como coger un elemento del carácter de un personaje y decir que este es todo el personaje, y eso no es cierto, no es correcto. Su carácter y personalidad te ayuda a entender muy bien sus pinturas. Si te miras la realidad, es un hombre al que se le invitó a vivir con la nobleza de Roma, la Iglesia le hizo encargos de cuadros. Sus cuadros son enormemente inteligentes y profundamente espirituales, es decir, que no coinciden realmente con esta representación suya que comentabas. Yo creo que se le ha malinterpretado y que, de hecho, fue un hombre conmovido profundamente por lo que vio en su juventud, que fue pobreza y la peste en Milán, o una Roma, que se estaba reconstruyendo y que erra muy desigual. Había esos palacios muy bonitos donde vivían los cardenales y a donde se invitó a Caravaggio a vivir, pero además la ciudad está envuelta de gente que apenas puede sobrevivir, y sobre la que Caravaggio tenía mucha simpatía hacia ellos, no les usaba solo como modelos. Yo creo que se preocupaba realmente por el bienestar de esas personas. Por otro lado, su creencia en Dios es incuestionable, y lo que es importante entender es que esto sucedió en un momento en que la Iglesia Católica tuvo que responder al norte protestante de Europa, y una de las respuestas de la Iglesia Católica era decir que se necesitaba comunicar mejor el mensaje de la Biblia ante la gente ordinaria. Y precisamente esto es lo que Caravaggio hace, aunque a veces se pueda pensar que sus cuadros son realmente provocadores, pero si te fijas nunca son blasfemos, de hecho, la mayoría de veces los cuadros se aceptaron por la propia Iglesia, tanto que ahora están en el mismo lugar donde estuvieron hace 400 años. La Iglesia se dio cuenta de que necesitaban alguien con sus capacidades comunicativas, tal como hoy usamos las redes sociales.
Carlos Penela.- Caravaggio revolucionó la luz en la pintura, ¿diría de algún modo que también anticipó una forma de mirar muy cinematográfica?
PHIL GRABSKY.-Creo que parte del encanto de Caravaggio es que es muy cinematográfico. Puedes ver tantas pinturas como una escena de rodaje, como una película... Hay dos elementos, unos son muy dramáticos en cuanto a la acción, tiene múltiples capas de relato, pero siempre hay algo que sucede: alguien está allí mirando al público, aguantando la espada, alguien que está decapitando, atacando, cayéndose de un caballo, etc. Es realmente interesantísimo, ¿no crees? Ten en cuenta que la gente estaba traída a las iglesias para ver estos cuadros. Respecto a lo que comentabas de la luz, la luz es absolutamente esencial. Por un lado, es como un foco sobre un escenario bastante revolucionario. Tienes luz muy destacada, un negro muy oscuro, pero es mucho más que eso. Para Caravaggio, la luz era el espíritu de Dios, y creo que esto también lo transmiten sus cuadros, que son muy potentes en cuanto a cómo están iluminados. Nosotros como cineastas, cuando hacemos la película, tal como hacemos las entrevistas, hemos estado influenciados por Caravaggio, pero es que otros artistas, otros cineastas, artistas, fotógrafos, en los últimos 400 años han estado influenciados por Caravaggio. Cuando ves estos cuadros en la Iglesia junto a los demás, destacan totalmente hasta hoy, y esto es parte de la naturaleza extraordinaria suya como artista.
Carlos Penela.- Nos ha acercado a artistas muy distintos a lo largo de su trayectoria. ¿Qué hace único a Caravaggio frente a otros genios que ha firmado?
PHIL GRABSKY.- Una buena pregunta... Uno de los elementos que lo hace diferente es que pese a que sus cuadros muchas veces fueron encargos para un entorno religioso, tienen tanta biografía suya... Ningún artista antes se había puesto en los cuadros como él, fue el primero que lo hizo. Rafael, Michelangelo, por ejemplo, lo hacen una y otra vez, son un mero observador en el cuadro. Creo que esto es un elemento de Caravaggio que es inusual. También creo que el drama en sus cuadros es diferente al de los demás, no único necesariamente, pero sí diferente. También es bastante gore, es un tema muy potente en su pintura, agresivo, violento. No soy un admirador de la violencia, pero entender el contexto y el motivo por el que pintó estos cuadros forma parte del encanto de entender algo más de él.
Carlos Penela.- En el documental se viaja por ciudades claves en la vida de Caravaggio, Roma, Nápoles, Milán... ¿Qué lugar le ayudó más a entender quién fue Caravaggio realmente?
PHIL GRABSKY.- Esto es una pregunta realmente buena. Personalmente conocía bien Roma, Nápoles, Milán, pero donde fui por primera vez fue a Malta y fue algo realmente interesante. De hecho la capital, La Valeta, había sido construida mucho poco antes de que llegara Caravaggio y ha cambiado poco desde entonces, o sea que tiene un sentido, una idea de por dónde caminó Caravaggio. Su breve periodo en Malta es fascinante y algo complejo, ciertamente sorprendente y de hecho cuesta entender, a no ser que vayas allí, visites los lugares y hagas tu investigación mientras estás allí. Volví con una idea mucho mejor de por qué se fue a Malta, qué sucedió allí, porqué tuvo que huir una vez más. Hay muchos lugares donde fuimos, pero donde aprendí más fue en Malta, sin duda. Por último, quiero decir de Caravaggio que puedes ir a dos lugares clave, Roma y Nápoles, y ver una buena cantidad de sus obras, algunas in situ, otras en galerías. Esto también es posiblemente único para un artista, ya que, por ejemplo, para ver las obras de Van Gogh tienes que ir a 20 países diferentes.
La película original Movistar Plus+Los mejores años de nuestra vida repasa la trayectoria de Hombres G a través de una mirada contemporánea que combina material inédito, acceso exclusivo a la banda durante su gira internacional y testimonios de artistas de referencia en el ámbito musical hispano, como Alejandro Sanz, Ana Torroja, Carlos Vives, Carin León o Carlos Rivera, entre otros. Entre los escenarios de América, España y Estados Unidos, el largometraje se adentra en la esencia de Hombres G: su energía, su humor, su complicidad y su conexión con los fans.
Los mejores años de nuestra vida, dirigida por Charlie Arnaiz y Alberto Ortega (Raphaelismo, Supergarcía), se estrenará en salas el 8 de mayo. Unos meses después llegará en exclusiva a Movistar Plus+.
El estreno irá acompañado del lanzamiento de un nuevo single y de una gira internacional homónima, producida por Live Nation, que comenzará el 16 de mayo en España, donde actuarán en las principales ciudades y festivales del país. Además, en octubre darán el salto a Latinoamérica para ofrecer conciertos en México, Colombia y Perú. Y en diciembre vuelven a casa para finalizar la gira en el Movistar Arena de Madrid, donde ya han colgado el cartel de entradas agotadas dos noches consecutivas.
Sinopsis: Los mejores años de nuestra vida narra la trayectoria de Hombres G a lo largo de más de cuatro décadas, mostrando su evolución desde los años 80 hasta la actualidad. Con material inédito y testimonios exclusivos, el documental revela momentos nunca antes contados que reflejan la esencia y el legado de una banda de cuatro amigos que sigue uniendo generaciones.
A Contracorriente Films estrenará en cines Los mejores años de nuestra vida el 8 de mayo
Todo lo que no vemos es para su director, Alberto Arvelo, “un viaje de la oscuridad a la claridad” que surgió de una conversación entre amigos durante la pandemia. “Uno de ellos habló de un artículo de prensa que señalaba lo que estaba ocurriendo dentro de los hogares, de la violencia de género en un espacio de convivencia donde nadie podía salir o escapar”. Pero en lugar de quedarse en lo que ocurría tras las puertas buscamos un refugio femenino de seguridad, en este caso, a través de un viaje de las dos protagonistas. Y, en ese sentido, destaca la profundidad que ganó el proyecto en sus emociones y personajes al incorporarse al guión la escritora cubana, Wendy Guerra (Premio Bruguera de Novela con su libro Todos se van, traducido a más de veinte idiomas). Juntos construyeron una road movie del que Casey Baron, Programador del Festival de Tribeca dijo que “cada fotograma es una obra de arte”.
Para ahondar aún más en la textura psicológica de los personajes Arvelo comenta que trato de dar mucha libertad creativa en el set con un equipo mínimo que pudiera indagar, experimentar. “Por las noches el montador y yo íbamos viendo el material rodado ese día, mientras el compositor iba creando según las imágenes que iba viendo o el montador jugaba con esa música. Creo que fue un viaje en todos los sentidos". La película fue rodada entre Navarra (transcurre mayoritariamente en las viñas y paisajes de Bodegas Otazu) y Cantabria. La producción estuvo a cargo de Kiko Martínez y Gabriela Camejo ambos de reconocida trayectoria.
Sinopsis: Un encuentro inesperado entre dos mujeres en un baño público se transforma en un viaje desde España hasta Portugal. Lo que comienza como una huida impulsiva se convierte en una experiencia reveladora, cargada de viejas heridas y complicidades.
DIRECTOR
Cineasta, guionista, músico y escritor. Director de escena en óperas en las que ha trabajado bajo la dirección de Gustavo Dudamel en Estados Unidos. En su filmografía destacan títulos como Una Casa con vista al Mar fue reconocida con 23 premios internacionales (con Inmanol Arias en el reparto) o Libertador, coproducción venezolana/española que fue preseleccionado en el Short List de los Premios de la Academia de Hollywood, protagonizado por Edgar Ramírez, María Valverde, Danny Huston, Iwan Rheon y Gary Lewis; guión de Timothy Sexton; Música de Gustavo Dudamel.
Además de su trayectoria cinematográfica en 2019, Arvelo dirigió una ópera escénica para la Filarmónica de Los Ángeles, Sueño de una noche de verano, bajo la dirección musical de Gustavo Dudamel, narrada por Bryce Dallas Howard, en el Hollywood Bowl. En 2016, una producción de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles (LA Phil) del oratorio La Creación de Joseph Hayden, dirigida por Gustavo Dudamel, incluyó una videoinstalación dirigida por el cineasta. En 2010, Arvelo dirigió una ópera multimedia para la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, La Cantata Criolla, bajo la dirección musical de Gustavo Dudamel, con Helen Hunt, Edgar Ramírez y Erich Wildpret en los papeles principales, y con libreto de Guillermo Arriaga.
Filmografía:
2021 LA Phil Sound/Stage (Serie de TV) / 2019 Free Color (Documental), Festival Internacional de Cine de Palm Springs / 2017 GUACO: Semblanza (Documental), nominada al Latin Grammy a Mejor Video de Larga Duración/ 2013 Libertador (Largometraje), Festival Internacional de Cine de Toronto - preseleccionada Premio Óscar./ 2010 Dudamel: Let the Children Play (Documental)/ 2007 Cyrano Fernández (Largometraje), AFI Fest / 2006 To Play and to Fight (Documental)/ 2004 Habana, Havana (Largometraje)/ 2001 Los Últimos (Serie de TV) / 2001 Una casa con vista al mar (Largometraje) Cannes - Selección Oficial/ 1997 One Life and Two Trails (Largometraje), Festival Internacional de Cine de Montreal/ 1986 Candelas en la niebla (Largometraje)/ 1986 La canción de la montaña (Largometraje)
La familia Benetón +2, la secuela de la exitosa comedia familiar dirigida por Joaquín Mazón, llega a los cines de toda España este viernes. Además, tuvo su estreno en la Sección Oficial Fuera de Concurso del Festival de Málaga como película de clausura.
La película, con argumento de Curro Velázquez y guion de Curro Velázquez y Benjamín Herranz, está protagonizada una vez más por Leo Harlem y El Langui junto a los niños Alí Dia, Diego Montejo, Gala Bichir, Meilin Chen y Kamsiyochi Ngene. Además, en esta nueva entrega repiten Pepe Viyuela, Llum Barrera e Iñaki Miramón y cuenta con las incorporaciones de Enrique Villén y Anabel Alonso y la colaboración especial de los MASAKA KIDS.
El rodaje de La familia Benetón +2 se llevó a cabo en diversas localizaciones de Madrid y Canarias.
En palabras de su director Joaquín Mazón: “Hacer una segunda parte de una película que fue un éxito es un reto importante, pero nos hemos propuesto hacer honor a su título y La familia Benetón +2 va a ser el doble de divertida, el doble de caótica y el doble de emotiva. Nos espera una película que superará la expectativa, ya de por sí alta”.
La familia Benetón +2 es una producción de ATRESMEDIA CINE, FAMILIA BENETON 2 AIE, BOWFINGER INTERNATIONAL PICTURES, ESTO TAMBIÉN PASARÁ y GLOW en coproducción con SDB FILMS con la participación de ATRESMEDIA, NETFLIX, MOGAMBO y CREA SGR, en asociación con FILMFACTORY y con el apoyo del ICAA. Llega a los cines de la mano de BETA FICTION SPAIN.
Sinopsis: Cuando Toni Benetón (Leo Harlem) cree que tiene todo bajo control en su entrañable y divertida familia multicultural, la llegada de dos nuevos bebés pondrá patas arriba la casa y a toda la familia. Los problemas crecen por partida doble pero las aventuras también.
CALCINACIÓN
La película dirigida por Luis Navarrete cuenta con un excepcional reparto encabezado por Javier Hernández, Vanessa Pámpano, Antonia San Juan y Bernabé Fernández. Completan el elenco Pablo Liñares, Teresa Gareche, María Alfonsa Rosso, África Esparducery Juan Luis Valle.
Calcinación aborda el tema de las patologías mentales y busca entender estos trastornos que, afortunadamente, cada vez tienen más visibilidad en nuestra sociedad.
En palabras del director Calcinación, es ante todo una película honesta y visceral. Es un guión que se fue construyendo mediante la desnudez psicológica del autor, volcando todas las obsesiones más profundas y los temores más oscuros en una historia.
Calcinación, ofrece un punto de encuentro para cualquier persona que necesite sentirse comprendida y acompañada, en estos procesos cada vez más comunes, que a veces nos da tanto miedo verbalizar. Así, es un relato que enfatiza la emoción de la manera más honesta y cercana posible, y a la vez engancha en su propio universo.
Sinopsis: La vida de Álvaro ha perdido sentido, diluyéndose en una apatía que lo mantiene a la deriva. Cuando una chica irrumpe en su vida y parece devolverle la esperanza, una inquietante tensión comienza a crecer a su alrededor.
La película narra el proceso de una depresión, y pretende ir más allá, transmitiendo mediante imágenes y música una serie de síntomas que normalmente es casi imposible describir con palabras.
El thriller/drama, psicológico esta producido por Timber Films y distribuida por Puntal Films.
Calcinación arranca su recorrido en festivales en noviembre de 2025, con proyecciones en el Festival Internacional de Cine de Almería, Algeciras Fantastika, Independent Days, Indie Film Showcase y Cittador Film Festival, en el que ganó el premio a Best Arthouse Film.
Luis Navarrete ha dirigido y guionizado proyectos en publicidad, formato cortometraje, como "Queridísimo papá" (2018, 27 selecciones en festivales y 3 premios) y "Dirigido por Lola" (2019, 13 selecciones), y videoclips como “La rara eres tú”.
En 2021, lanzó en cines su primer largometraje, "El Fantasma de la Sauna", una película musical protagonizada por Antonia San Juan, acumulando más de 30 selecciones y 10 premios en festivales de cine internacionales.
Miguel Ángel Abuja funda Timber Films junto a Pablo Gregorio y Sergio Abuja comenzando un viaje que les llevará a terminar rodando paralelamente entre Sevilla, Barcelona y Los Ángeles.
En distintos ámbitos del medio, la productora ha realizado proyectos para compañías como Disney Plus, Movistar e Intel, para artistas de la talla de Enrique Bunbury, Raphael y Juanma Bajo-Ulloa, y ha sumado una nominación a los Latin Grammy con la ficción "Licenciado Cantinas".
PRIME CRIME: A TRUE STORY
Tras su paso por el Festival de Venecia, Prime Crime: A True Story, el esperado regreso al cine de Gus Van Sant (Elephant, Milk, Mi Idaho privado), se estrena en las salas de cine españolas de la mano de Vértigo Films.
El reconocido cineasta estadounidense, que cuenta con dos nominaciones a los Oscar y una Palma de Oro en el Festival de Cannes, entre otros galardones, se adentra en un territorio inusual dentro de su filmografía: el thriller. Está escrita por el guionista debutante Austin Kolodney.
En Prime Crime: A True Story, Gus Van Sant reconstruye uno de los episodios más perturbadores de la crónica estadounidense de los años 70. Esta adaptación de una historia real está basada en un suceso que conmocionó a todo Estados Unidos al convertirse en el primero retransmitido en directo por todas las cadenas de televisión norteamericanas. Una historia tan delirante como auténtica que ya fue abordada en el documental Dead Man’s Line de Alan Berry y Mark Enochs.
Bill Skarsgård (It, Nosferatu) protagoniza la película acompañado por Colman Domingo (Las vidas de Sing Sing, Rustin), el veterano Al Pacino (El padrino, Scarface), Dacre Montgomery (Went Up the Hill, Elvis) y Cary Elwes (Saw, Misión imposible: sentencia mortal). Juntos conforman el reparto de una obra que explora la desesperación, la humillación y la violencia latente bajo la superficie del sueño americano.
Sinopsis: Tras ser estafado por un banco, Tony Kiritsis se presenta en sus oficinas y secuestra al hijo del presidente de la compañía atándole al cuello un dispositivo mortal con un alambre conectado al gatillo de una escopeta. Exige que le devuelvan su dinero y una cuantiosa indemnización, además de una disculpa pública que será retransmitida por televisión y vista por millones de estadounidenses en prime time.
LA MOMIA DE LEE CRONIN
Inmediatamente después de la resurrección de Evil Dead: El Despertar, que batió records, el guionista/director Lee Cronin se enfrenta a una de las historias de terror más icónicas de todos los tiempos, con una reinterpretación audaz y retorcida: La Momia de Lee Cronin.
La joven hija de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro—ocho años más tarde, la familia rota se conmociona cuando ella es devuelta a ellos, y lo que debiera haber sido una reunión jubilosa se convierte en una auténtica pesadilla.
La película está protagonizada por Jack Reynor, Laia Costa, May Calamawy, Natalie Grace, con Veronica Falcón. La película está escrita y dirigida por Cronin, y producida por James Wan, Jason Blum y John Keville. Los productores ejecutivos son Michael Clear, Judson Scott, Macdara Kelleher y Lee Cronin.
Detrás de la cámara a Cronin le apoya un equipo de destacados artesanos cinematográficos, incluyendo al director de fotografía Dave Garbett, el diseñador de producción Nick Bassett, el director del montaje Bryan Shaw, la diseñadora del vestuario Joanna Eatwell, con música de Stephen McKeon y casting de Terri Taylor y Sarah Domeier Lindo.
New Line Cinema, Atomic Monster y Blumhouse presentan una producción de Wicked/Good Production, una película de Lee Cronin: La Momia de Lee Cronin. La película se distribuye a nivel mundial por Warner Bros. Pictures.
LA MUJER MÁS RICA DEL MUNDO
La mujer más rica del mundo, de Thierry Klifa y protagonizada por Isabelle Huppert, llega a los cines este viernes de la mano de Caramel Films y Youplanet.
La gran dama del cine francés regresa por todo lo alto con un personaje inspirado libremente en la figura de la famosa empresaria francesa Liliane Bettencourt, la que fue la mujer más rica del mundo como heredera de un gigante cosmético.
La mujer más rica del mundo, que celebró su premier mundial en el Festival de Cannes (Sección Oficial Fuera de Concurso), nos sumerge en uno de los escándalos más célebres y extravagantes de Francia. Un gran enredo sentimental y financiero que llenó páginas de las revistas del corazón, acaparó titulares de todo tipo y terminó en los tribunales.
La mujer más rica del mundo: su belleza, su inteligencia, su poder. Un fotógrafo: su ambición, su audacia, su locura. Un amor a primera vista que los arrastra. Una heredera desconfiada que lucha por ser amada. Un mayordomo vigilante que sabe más de lo que dice. Secretos de familia. Donaciones astronómicas. Una guerra en la que todo vale. Historia inspirada en el escándalo de la familia Bettencourt.
Una fascinante y perversa farsa a partir de una rocambolesca historia real, en la que Huppert ejerce de dama todopoderosa en un universo de lujo y de excesos.
Le acompañan Laurent Lafitte (El conde de Montecristo), ganador del Premio César al Mejor Actor Protagonista, Marina Foïs (As bestas), Raphaël Personnaz (Una nueva amiga), André Marcon (Bonnard, el pintor y su musa) y Mathieu Demy (Club Zero), entre otros.
El cineasta francés Thierry Klifa disecciona las relaciones personales y familiares de una dinastía multimillonaria a través de esta mordaz sátira envuelta de glamour y sorpresas, en un ambiente tan elegante y exclusivo como el vestuario creado para la ocasión por los diseñadores Jürgen Doering y Laure Villemer.
EL CHICO DE LOS PANTALONES ROSAS
Más de una década después de que la muerte de Andrea Spezzacatena conmocionara a Italia, su historia sigue generando un profundo impacto social. Unos pantalones rojos que se vuelven rosas tras un error de lavado son el detonante de una espiral de acoso que lo condena a un aislamiento silencioso. Su caso, considerado el primer suicidio de un menor vinculado al ciberacoso reconocido en el país, abrió un debate nacional que obligó a repensar la prevención, la detección y la respuesta ante el acoso escolar. También inspiró la película El chico de los pantalones rosas, dirigida por Margherita Ferri, y que se convirtió en un fenómeno en Italia, donde ha superado el millón y medio de espectadores. Tuvo su estreno en el Festival de Cine de Roma y en el Black Nights de Tallin y su estreno en España en el Festival de Málaga. Llega a nuestros cines de España de la mano de Filmax.
Sinopsis: Andrea Spezzacatena tiene 15 años y necesita encajar en su nueva escuela. Unos pantalones rojos que se vuelven rosas tras un error de lavado son el detonante de una espiral de acoso que lo condena a un aislamiento silencioso. Basada en una historia real que conmocionó a Italia en 2012, la película muestra la vulnerabilidad adolescente, el primer amor y el peso de la mirada ajena.
Transformar el duelo en compromiso. La voz de Teresa Manes, madre de Andrea y autora del libro que da origen a la película, Andrea oltre il ragazzo dai pantaloni rosa, nace del dolor para transformarse en una poderosa herramienta de cambio. Desde 2012, ha recorrido centros educativos de toda Italia compartiendo la historia de su hijo y alertando sobre las consecuencias devastadoras del acoso y el silencio. Su testimonio ha contribuido a generar conciencia colectiva ya impulsar cambios en la manera en que escuelas y sociedad abordan el bullying y, especialmente, el ciberacoso y la violencia por motivos de identidad. Manes presentará la película en España del 14 al 17 de abril junto a Roberto Proia, productor, guionista e impulsor del proyecto.
Marguerita Ferri. Tras dirigir diversos documentales, Margherita Ferri debutó en el largometraje con Zen sul ghiaccio sottile (2018), estrenado en la 75ª Mostra de Venecia. Como guionista, recibió una mención especial en el Premio Tonino Guerra (Festival de Cine de Locarno) por The Nest (2019). Il ragazzo dai pantaloni rosa es su segundo largometraje, a partir del guión de Roberto Proia, impulsor del proyecto, y con el joven Samuele Carrino como protagonista.
LA HABITACIÓN DE MARIANA
La habitación de Mariana traslada a la gran pantalla la historia escrita por el novelista Aharon Appelfeld en su best seller Flores de sombra, un relato impactante y conmovedor que se inspira en buena parte de sus vivencias de la infancia como superviviente del Holocausto en el territorio de la actual Ucrania. El prestigioso cineasta Emmanuel Finkiel, -pupilo de Jean-Luc Godard, Krisztof Kieslowski y Bertrand Tavernier, premio a la Mejor Ópera Prima en el Festival de Cannes y en los César con Voyages, entre muchos otros reconocimientos- recoge el guante sumándole esa visión autoral que tanto reconocimiento internacional le ha reportado.
Repite por tercera vez con la icónica actriz francesa Mélanie Thierry (Un día perfecto, Babylon A.D., Teorema Zero) como protagonista, que tras ratificar con Finkiel un tándem de éxito y confianza mutua con las aclamadas Un hombre decente y Marguerite Duras. París 1944 (Sección Oficial en el Festival de San Sebastián) se mete en la piel de Mariana, una prostituta que sortea el horror de la guerra en un burdel de la ciudad de Chernivtsí, al suroeste de la actual Ucrania. Allí tendrá que cobijar y proteger a Hugo, el hijo de su amiga.
Su interpretación, que ha reconocido la actriz haber sido "uno de los desafíos más intensos y apasionantes de su carrera" le ha traído no solo grandes elogios de público y crítica, sino también la quinta nominación a los Premios César. Para dar vida a Mariana, Thierry estuvo preparándose durante más dos años, aprendiendo a hablar ucraniano, idioma en el que se ha rodado íntegramente el film. Fruto de este esfuerzo, la crítica internacional ha reconocido en Thierry un trabajo "descarnado, impresionante, de una humanidad salvaje".
Admite el director que "el libro de Appelfeld toca temas que son muy personales, vinculados a mi propia historia familiar. Mariana es una especie de representación simbólica de la niñera que me crió, pero fue mientras trabajaba en la adaptación que, poco a poco, el personaje central de la novela, el joven Hugo, se fue asemejando al de mi propio padre, un adolescente que se quedó huérfano tras la guerra y marcado para siempre. Para aquel niño de repente surge un sol en la figura de Mariana, una vitalidad. Appelfeld convierte a este personaje en la encarnación misma de la posibilidad de la voluntad de vivir. Y eso es precisamente lo que impulsó mi deseo de hacer esta película: este don que Mariana le lega a este niño, la voluntad de seguir viviendo. Una vía de escape mental".
Después de haber cosechado un gran éxito en Francia con más de 200.000 espectadores y unas críticas que colocan la última obra de Finkiel como su mejor trabajo hasta la fecha, la distribuidora Surtsey Films estrena la película en salas de España este viernes.
Sinopsis: 1942, Ucrania. Hugo tiene 12 años cuando el nazismo ocupa su tierra. Para salvarlo de la deportación, su madre lo confía a su amiga de la infancia, Mariana, una prostituta que vive en un burdel en las afueras de la ciudad. Escondido en el armario de la habitación de Mariana, toda su existencia está suspendida de los ruidos que lo rodean y de las escenas que adivina a través del armario. Mientras la guerra continúa fuera Hugo y Mariana forjan un vínculo íntimo y complejo de amor, lealtad y devoción mutua, que cambiará sus vidas para siempre.
RENOIR
Renoir, escrita y dirigida por Chie Hayakawa, llega a nuestros cines de la mano de ADSO FILMS. Tras su estreno mundial en la Competición Oficial del Festival de Cannes 2025, donde optó a la Palma de Oro, la película continuó su recorrido internacional con su premiere norteamericana en el Toronto International Film Festival (TIFF) y ha estado seleccionada en festivales internacionales tan destacados como los de Karlovy Vary, Chicago, Vancouver, Asia Pacific Screen Awards (alzándose con Mejor Guion y de Mejor Actriz Novel), Melbourne, Busan, Sarajevo, Rio de Janeiro, Warsaw, Shanghai, New Horizons y Bangkok.
Tras el fenómeno de Plan 75 en Cannes, Chie Hayakawa se consagra con Renoir. Una joya impresionista sobre el duelo y la adolescencia que, apoyada en la magistral luz de Hideho Urata, confirma a Hayakawa como la voz más lúcida y humanista del cine japonés actual.
El corazón del film es la joven Yui Suzuki, cuyo magnetismo ya asombró en Touch. A sus 11 años, lidera un reparto de lujo junto al icónico Lily Franky (habitual de Kore-eda), quien aporta su habitual precisión emocional, y la veterana Hikari Ishida en el papel de una madre compleja y desbordada.
Sinopsis: Tokio, 1987. Mientras su madre sostiene el hogar y su padre lucha contra la enfermedad, Fuki, una niña de 11 años con una imaginación desbordante, vive un verano marcado por una curiosidad inmensa por el mundo que la rodea. Entre juegos, fantasías y pequeños descubrimientos, emprende un viaje íntimo y luminoso para comprender la realidad cambiante que se despliega ante ella.
UN POETA
Un Poeta, de Simón Mesa Soto, llega a cines de la mano de ATALANTE.
Nominada a Mejor Película Iberoamericana en los Premios Goya y estrenada mundialmente en el Festival de Cannes, ha conquistado a crítica y público: obtuvo el Premio Especial del Jurado en Un Certain Regard y en septiembre recibió el Premio Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián. Su estreno en Colombia, el pasado 28 de agosto, se convirtió en todo un fenómeno superando los 200.000 espectadores en los primeros dos meses en cartelera y con más de $1.500 millones en taquilla.
Un Poeta ha sido además premiada en el Festival de Munich y recibió 4 premios en el Festival de Lima: Premio APRECI a la Mejor Película, Premio del Jurado, Mejor Fotografía y Mejor Actor (Ubeimar Ríos)
La película nos presenta las penurias y las desventuras de su protagonista Óscar Restrepo, un humilde y desafortunado poeta que, a pesar de los vaivenes a los que la vida le tiene sometido, persiste en creer en un mundo benevolente.
Mesa Soto apostó por actores naturales para dar vida a los personajes de Un Poeta. Ubeimar Rios interpreta a Óscar, en su primer papel protagónico en cine y Rebeca Andrade da vida a Yurlady.
Sinopsis: Óscar Restrepo, el poeta del título, no ha sido capaz de estar a la altura de sus prometedores inicios en la literatura y sobrevive como puede mientras cuida de su madre. Óscar encuentra un espíritu afín en su estudiante Yurlady, una adolescente a la que ve como un diamante en bruto de la poesía.
Simón Mesa Soto es un director y guionista colombiano nacido en Medellín, reconocido por su enfoque sensible y social en el cine. Se dio a conocer internacionalmente en 2014 cuando ganó la Palma de Oro al Mejor Cortometraje en el Festival de Cannes con Leidi, una historia ambientada en los barrios populares de Medellín. Posteriormente, continuó explorando temas de juventud, marginalidad y violencia en obras como Madre (2016) y su primer largometraje Amparo (2021), estrenado en la Semana de la Crítica de Cannes, donde recibió elogios por su estilo íntimo y realista. Mesa Soto se ha consolidado como una de las voces más prometedoras del cine colombiano contemporáneo.
LANDA
Este viernes llega a los cines Landa, documental escrito y dirigido por Gracia Querejeta (La buena suerte) y el crítico Miguel Olid que profundiza en la figura del actor Alfredo Landa, de la mano de Maravillas Films.
Se trata de una producción de Plano Subjetivo, Baleuko e Ipar eta Hego AIE, que cuenta con la participación de RTVE, Movistar Plus+, el Gobierno Vasco y la Diputación Foral de Vizcaya.
Landa se centra en la personalidad y las virtudes interpretativas de un actor que fue capaz de dar nombre a un género propio: el «landismo». Este retrato íntimo ofrece una mirada profunda que permite conocer su método actoral, su ámbito personal y su impacto histórico, rescatando incluso hechos relevantes de la etapa final de su carrera. Todo ello cuando se cumplen 50 años del rodaje de ‘El puente’, película que cambió su trayectoria como actor.
El filme incorpora intervenciones del propio Alfredo Landa y de voces autorizadas de familiares, amigos, críticos, directores y compañeros de profesión. Su estructura narrativa busca conectar tanto con las generaciones que crecieron con sus películas como con el público joven. "No hay ningún caso como el de Alfredo, que aúna el cariño del público con los reconocimientos de la crítica y la profesión", señalan los creadores.
BLACK WATER
Black Water llega a los cines en Españatras un recorrido internacional que supera ya la veintena de selecciones en Europa y Oceanía.
El documental tuvo su première mundial en CPH:DOX 2025 (Copenhague) y ha formado parte de la Sección Oficial del Festival de Málaga, además de su paso por festivales como Adelaide Film Festival (Australia) o Watch Docs (Polonia).
Centrada en el mayor desplazamiento humano provocado por el colapso climático en Bangladesh, la película ha sido reconocida en el Tournai Ramdam Festival (Rotterdam) con el Premio al documental más perturbador (Prix du documentaire le plus dérangeant), galardón del denominado Disturbing Film Festival.
Natxo Leuza concibe Black Water como una advertencia sobre el futuro inmediato. El director describe Bangladesh como un “territorio adelantado” a lo que vendrá y sitúa este proceso en un contexto de creciente desigualdad que define como un auténtico “apartheid climático”.
A partir de fenómenos ya visibles —inundaciones, ciclones, salinización o colapso urbano—, el documental proyecta un escenario que, según su director, se extenderá a otras regiones del planeta y acabará afectando también a grandes ciudades como Ámsterdam, Tokio o Estambul.
Durante el rodaje, Leuza señala que lo más revelador fue comprobar que, más allá de las cifras y previsiones científicas, esta crisis se traduce en vidas obligadas a fracturarse y desplazarse.
En su tramo final, incorpora el lenguaje del activismo climático a través de una movilización en la que aparecen referencias al pensamiento del activista nigeriano Nnimmo Bassey, subrayando una idea que atraviesa todo el documental: la crisis climática no afecta a todos por igual.
Desde En Buen Sitio subrayan que el proyecto responde a su compromiso con historias en las que “la estética, los temas y las personas son inseparables”.
Sinopsis
En 2050, Bangladesh alcanzará los 220 millones de habitantes y gran parte de su territorio quedará sumergido de forma permanente. Esta situación podría provocar el desplazamiento forzado de entre 20 y 30 millones de personas, dando lugar a la mayor migración masiva de la historia de la humanidad.
Mientras el planeta se calienta, las lluvias se intensifican y el nivel del mar asciende, Bangladesh —un gran delta formado por los ríos Ganges, Brahmaputra y Meghna— se convierte en un territorio en constante transformación. Durante la temporada de monzones, los ríos crecen, cambian de cauce y desplazan comunidades enteras. ¿Hasta cuándo resistirá Dacca la llegada de millones de personas? ¿Dónde irán cuando las ciudades colapsen? ¿Quién los acogerá?
Natxo Leuza lleva más de quince años trabajando como cineasta, guionista y montador, con una sólida trayectoria en el ámbito del documental internacional. Ha participado en proyectos rodados en países como Sierra Leona, Benín, Togo, Mauritania, Gambia, Uganda, Guatemala, El Salvador, Haití, Ucrania o Bangladesh. Como director ha realizado varios cortometrajes seleccionados y premiados en festivales nacionales e internacionales y se encuentra rodando su tercer largometraje documental (Ante mi sombra).
En Buen Sitio es una productora independiente con sede en Pamplona, fundada en 2016 por Lucía Benito y Jokin Pascual tras más de veinte años de experiencia en ficción, documental y publicidad. Desde entonces ha producido largometrajes y cortometrajes que han participado en numerosos festivales nacionales e internacionales, con el objetivo de impulsar historias con un fuerte compromiso creativo, social y narrativo.
QUI SOM
Este viernes llega a los cines Qui Som, el documental dirigido por Salvador Sunyer que se adentra en el universo creativo y vital de la compañía franco-catalana Baro d’evel, formada por Blaï Mateu y Camille Decourtye. La película se estrena con pases limitados en salas de Madrid, Barcelona, Girona, Lleida y Valencia.
El film, producido por Materia Cinema y Avalon, en coproducción con Les Films d'Ici y con producción asociada de CaixaForum+, acompaña durante dos años a la compañía durante la gestación de su último espectáculo, también titulado QUI SOM, estrenado en el Festival de Aviñón 2024.
Más allá del retrato artístico, la película ofrece una mirada íntima a la vida cotidiana de la familia Baro d’evel: sus hijas, Taïs y Rita, los animales y la comunidad de artistas que los rodea. Propone también un viaje creativo y vital sobre lo que significa crear de manera colectiva en un momento de incertidumbre global.
Antes de su llegada a salas, Qui Som tuvo su presentación oficial el pasado 27 de marzo en el D'A Film Festival Barcelona, donde se proyectó en un pase especial con el director y sus protagonistas, acercando al público al singular proceso creativo de la compañía.
El documental observa de cerca los ensayos, las conversaciones y los momentos de intimidad que acompañan la gestación del espectáculo, mostrando cómo la frontera entre arte, vida y comunidad se difumina en el universo de Baro d’evel. A través de una mirada cercana y paciente, Sunyer construye un retrato de una familia artística que busca nuevas formas de imaginar el mundo.
Viaje al país de los blancos, será esta noche la película de inauguración de la 10a edición del BCN FILM FEST. Producida por Mundo Cero Crea, Atresmedia Cine, Mundo Cero AIE, A Contracorriente Films, Arcadia Motion Pictures y Noodles Production, la película se presentó en el pasado Festival de Málaga, dentro de la Sección Oficial (Fuera de Concurso) y se estrenará en cines el próximo 26 de junio.
Viaje al país de los blancos es el primer largometraje de ficción del director Dani Sancho. La película, con guion escrito por Guillem Clua, es la adaptación cinematográfica del exitoso libro homónimo de Ousman Umar, quien se interpreta a sí mismo en la película en su versión adulta. Le acompañan en su etapa de adolescencia y niñez los debutantes Benjamin Kakraba y Victor Sey, protagonizando este relato luminoso de esperanza.
El elenco también cuenta con Emma Vilarasau en el papel de Montse, que se convierte en catalizador del viaje de transformación de Ousman y aporta profundidad humana al relato.
«Necesito contar mi historia hasta que no haya más historias como la mía por contar».-Ousman Umar
Sinopsis: Basada en la historia real de Ousman Umar, un joven ghanés que abandona su aldea atraído por la idea del “país de los blancos”, un lugar lejano que alimenta su curiosidad. Tras una travesía llena de obstáculos llega a Barcelona y descubre que la vida allí no es como él la imaginaba. Hasta que conoce a Montse, que le acoge en su familia y le ofrece, además de amor y apoyo, la posibilidad de un futuro. Ousman no solo la aprovecha, sino que la transforma en algo mucho mayor.
Ousman Umar: "Ver mi historia convertida en película es un sueño que trasciende lo personal: es la voz de miles de jóvenes que, como yo, emprenden viajes imposibles en busca de oportunidades. Este proyecto no solo visibiliza nuestra resiliencia, sino que invita al mundo a mirarse en el espejo de las migraciones con humanidad y esperanza. Es un llamamiento al mundo entero a acompañarnos en nuestra misión de alimentar mentes en origen, mediando la educación digital. Es decir, la solución de la migración forzada pasa por crear oportunidades de trabajo en origen, tal como lo hacemos a través de los proyectos de “Nasco Foundation”. Para mí, trabajar con Ibon, Dani y Jaime es un regalo; su sensibilidad y compromiso harán que esta película sea un faro de cambio."
Dani Sancho: "Dirigir Viaje al país de los blancos ha sido mucho más que hacer una película: ha sido sumergirme en una historia real que interpela, conmueve y emociona. Un viaje físico y emocional entre Ghana y España. Durante años he acompañado a Ousman Umar para entender no solo sus orígenes y recorrido migratorio, sino también la culpa, la esperanza y la fuerza incansable que lo impulsa a ayudar a los demás. Esta película nace del deseo profundo de contar con verdad una realidad que a menudo no conocemos —o no queremos ver."
Ibon Cormenzana: "Viaje al país de los blancos es una historia real que conmueve, sacude y, sobre todo, inspira. Cuando conocí la historia de Ousman Umar enseguida tuve ganas de conocerle. Poder llevar a la gran pantalla su recorrido vital es una enorme responsabilidad y también un privilegio. Su testimonio no solo refleja el drama de la migración, sino también una poderosa historia de superación, dignidad y transformación. Desde Mundo Cero Crea creemos en el poder del cine para generar impacto y conciencia social, y esta película encarna plenamente esa misión. Con este proyecto, no solo apostamos por un cine de autor comprometido, sino por dar voz a nuevas miradas que desafían y enriquecen nuestra manera de ver el mundo. Estoy muy ilusionado con el equipo que hemos reunido y con la oportunidad de dar vida a este proyecto con tanto significado."
Jaime Ortiz de Artiñano: "Viaje al país de los blancos refleja el compromiso de Atresmedia Cine con un cine que emociona, que interpela y que conecta con el público desde historias reales, con temáticas actuales y complejas. La historia de Ousman Umar nos da un ejemplo luminoso y esperanzador de cómo el bien puede prevalecer sobre el mal, sin huir de la dura realidad por la que pasan miles de personas que emigran desde África e intentan buscar un futuro en Europa. Desde luego, el viaje de esta película, con Ousman, Dani Sancho, Guillem Clua y Mundo Cero, está siendo una experiencia maravillosa que estamos deseando compartir con los espectadores en los cines".
Sobre NASCO Foundation
Fundada en 2012 por Ousman Umar, NASCO Foundation es una ONG que busca cambiar el paradigma de la ayuda humanitaria tradicional. NASCO apuesta por la educación digital y el impulso del emprendimiento como los motores reales para frenar la migración forzada, permitiendo que el talento local genere sus propias oportunidades de negocio y empleo desde su comunidad. La fundación consolida un modelo de cooperación horizontal donde el desarrollo nace del empoderamiento tecnológico y la libertad de elegir el propio futuro.
Marcel Barrena finaliza el rodaje en Barcelona de La Roja, inspirada libremente en hechos reales y con guion del propio Barrena junto a Alberto Marini (El 47). Producida por Beta Fiction Spain, Atresmedia Cine y Vilaüt Films, la película está protagonizada por Paco León, Carolina Yuste, Óscar de la Fuente, Guillermo Lasheras y Marc Martínez junto a los debutantes Atul Vijayakumar, Kunal Sharma, Yassin El Idrisssi, Bhupinder Singh, Arpit Raj, Sagar Trivedi, Umair Asif y Mihail Chitta entre otros.
Sinopsis
Inspirada en hechos reales. Mario (Paco León) es un entrenador con una misión imposible: lograr que España triunfe en su primer Europeo de cricket. Pero España es un país sin tradición en ese deporte y el equipo nacional es un desastre.
Todo cambia cuando empiezan a incorporarse jugadores indios, pakistaníes y bangladesíes que trabajan como taxistas, repartidores o dependientes, y que llevan cricket en la sangre. Lo que al principio parece una solución de urgencia acaba transformando por completo al equipo: diversas lenguas, costumbres diferentes y muchas tensiones… y también una nueva idea de lo que significa representar a España.
Sin dinero, sin patrocinadores, cosiéndose sus propios uniformes y pagándose los viajes de su bolsillo, estos jugadores, el entrenador y una profesora de instituto (Carolina Yuste), lucharán por la camiseta de un país que muchas veces les da la espalda. Y, contra todo pronóstico, podrían convertir a España en una potencia del cricket y, quizás, participar en los Juegos Olímpicos.
Marcel Barrena, dice sobre La Roja: ¿Existe la selección española de cricket? Ahora sí, se empeña en anunciar su seleccionador, capitán de un equipo compuesto por taxistas, repartidores de comida, vendedores, cuponeadores… indios, pakistaníes… Inmigrantes en un país que no siempre los quiere, pero un país al que ellos van a intentar llevar a los Juegos Olímpicos.
Foto: Lucía Faraig
Esta historia de empatía, superación, integración, de culturas y lenguas... surgió cuando vi el video del himno de la selección en su primera competición, el Campeoneto de Europa, en el que fueron terceros. Cosiéndose la ropa, pagándose los trajes y los viajes de su propio bolsillo, los jugadores dieron la cara por un país que, pese a su triunfo, les recibió con insultos y burlas.
La Roja es un título irónico, pero profundamente significativo: gente diversa, de distintos colores y religiones, unida por una misma causa. Y esa causa no es el cricket ni una bandera, es la humanidad.
La roja es una película de equipo. Tanto es así que nos hemos unido los equipos de Infiltrada y El 47 para hacer posible esta comedia urbana con un casting precioso, algunos de nuestros mejores actores y el descubrimiento de nuevos rostros que dejarán un gran recuerdo en los espectadores.
La Roja es una producción de Beta Fiction Spain, Atresmedia Cine, Vilaüt Films y La Roja AIE, con la participación de Atresmedia y Netflix y la financiación del ICAA. La película llegará a los cines en 2027 distribuida por Beta Fiction Spain.
MARCEL BARRENA
Director y guionista de las películas nominadas al Goya 100 metros, Món petit, Mediterráneo y EL 47 (Ganadora de siete Premios Goya, entre ellos el de mejor Película). Ha basado su carrera en el descubrir historias reales de personajes poliédricos, historias sociales con una alta carga de emoción y ambición comercial.
ALBERTO MARINI
Guionista y productor. Como guionista o coguionista, ha escrito Mientras Duermes (Jaume Balagueró), El Desconocido (D. de la Torre), Tu hijo (Miguel Ángel Vivas), Fatum (Juan Galiñanes) o El 47 (Marcel Barrena, ganadora de siete premios de la Academia española, entre ellos el de Mejor Película).
En televisión, ha trabajado en el desarrollo de las series Pulseras Rojas (Filmax/TVC), es co-creador de la multipremiada La Unidad (Movistar) y de Marbella (Movistar), y guionista de Historias para no Dormir (Amazon/TVE) y Apagón (Movistar). Nominado al Goya al Mejor Guion Original por El desconocido, ganador del Gaudí por el guion de Mientras duermes, Premio Iris a la Mejor Serie por La Unidad y nominado al Feroz por Apagón, y al Forqué por La Unidad.
BETA FICTION SPAIN
Foto: Lucía Faraig
Filial española del grupo Beta Film, compañía fundada en Alemania en 1959. BFS inició su actividad en mayo de 2022 como distribuidora cinematográfica y productora de películas y series de televisión. Ese mismo año estrenó en cines sus dos primeras películas.
Desde entonces, ha lanzado títulos como "La Familia Benetón" (Joaquín Mazón), con más de 620.000 espectadores; "El Conde de Montecristo" (Alexandre de La Patellière y Matthieu Delaporte), con más de 280.000 espectadores; "La Infiltrada", que superó los 1.500.000 espectadores y fue galardonada con el Goya a Mejor Película; "The Monkey" (Osgood Perkins), con más de 250.000 espectadores; o "Rondallas" (Daniel Sánchez Arévalo), con más de 300.000 espectadores. En 2025, ha estrenado con éxito su primera serie de televisión, "Mar Afuera", disponible en Atresplayer y Disney+
En los próximos meses se estrenarán: "La Familia Benetón +2", la secuela de la exitosa comedia de Joaquín Mazón protagonizada por Leo Harlem, y "Hokum", película de terror protagonizada por Adam Scott y dirigida por Damian Mc Carthy.
En producción, BFS trabaja, además de "La Roja", en varios proyectos como "Cronos", una vertiginosa cuenta atrás desde la perspectiva de las fuerzas y cuerpos de seguridad del Estado, con el objetivo de atrapar a los terroristas responsables de los atentados de Barcelona en 2017, dirigida por Fernando González Molina y protagonizada por Enric Auquer, Mónica López y Diana Gómez.
ATRESMEDIA CINE
ATRESMEDIA CINE lleva 25 años siendo uno de los principales motores de la industria cinematográfica española. La productora del grupo ATRESMEDIA nació con el objetivo de fomentar el cine español en la gran pantalla, utilizando al máximo el potencial de ATRESMEDIA, con sus canales de televisión y cadenas de radio, como vías de comunicación.
Las películas de ATRESMEDIA CINE abarcan una gran diversidad de géneros cinematográficos y de públicos, firmadas tanto por profesionales consolidados como por grandes promesas del sector. En su filmografía se encuentran éxitos de crítica y espectadores como "La isla mínima", "El reino", "Vicky Cristina Barcelona", "3 metros sobre el cielo", "Casa en llama"s, las sagas Torrente y Padre no hay más que uno, y éxitos internacionales como "El cuerpo" y "Contratiempo" de Oriol Paulo. En su palmarés cuenta con cincuenta premios Goya, entre ellos dos premios a la mejor película para La isla mínima y "La infiltrada", y la nominación al Oscar a la mejor película de animación para "Klaus". ATRESMEDIA CINE también apuesta por el circuito de festivales como socio mediático del Festival de Málaga desde su inicio.
ATRESMEDIA CINE lidera desde hace años la taquilla del cine español. En 2025 ha sumado más de 3,5 millones de espectadores en salas de cine y ha logrado números 1 de taquilla con títulos como "Padre no hay más que uno 5" de Santiago Segura, la película española más taquillera del año con más de 2 millones de espectadores, "Sin cobertura" de Mar Olid y "Siempre es invierno" de David Trueba. Entre sus éxitos recientes también se incluyen "Mikaela" de Daniel Calparsoro y "Un funeral de locos" de Manuel Gómez Pereira.
La productora cinematográfica de ATRESMEDIA continúa reforzando su labor creativa y de producción con nuevos proyectos. Entre sus estrenos de este año se encuentran "Abuela tremenda" de Ana Vázquez, "La Fiera" de Salvador Calvo, Torrente Presidente de Santiago Segura, "La familia Benetón +2" de Joaquín Mazón, Cada día nace un listo de Arantxa Echevarría, "Viaje al país de los blancos" de Dani Sancho, "La bola negra" de Javier Calvo y Javier Ambrossi y "Karateka" de Aritz Moreno, entre otras. También seguirá ejerciendo el papel del motor del cine español participando en más de diez rodajes a lo largo de 2026.
