ESTRENOS DE CARTELERA - 6 DE NOVIEMBRE DE 2026

SACAMANTECAS

Sacamantecas es la nueva película dirigida por David Pérez Sañudo, protagonizada por Antonio de la Torre y Patricia López Arnaiz. La película, que tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial de la 74º Edición del Festival de San Sebastián, como Proyección Especial, en una gala conjunta de RTVE y EITB; se estrena en cines de toda España distribuida por Buena Vista International.

Este thriller, basado en hechos reales, cuenta la historia de Ángela Berrosteguieta (Patricia López Arnaiz), que regresa a Vitoria para enterrar a su hermana. En una ciudad marcada por el final de las guerras carlistas, decide tomar las riendas de una investigación que acabará conduciendo hasta Juan Díaz de Garayo, el Sacamantecas (Antonio de la Torre), considerado el primer asesino en serie de España.

La relación de David Pérez Sañudo con el Festival de San Sebastián se ha consolidado en los últimos años: su ópera prima, Ane, se estrenó en San Sebastián en 2020, donde obtuvo el Premio Irizar al Mejor Largometraje Vasco y el Premio al Mejor Guion Vasco, antes de alzarse con tres premios Premios Goya. En 2024 presentó su segundo largometraje, Los últimos románticos, en la sección New Directors. Este año regresa por tercera vez al festival con Sacamantecas, con guion del propio Pérez Sañudo y Sergio Granda a partir de un guion previo de Asier Guerricaechevarría y Joanes Urkixo, que cuenta la historia de una mujer que, en su búsqueda de la justicia, se verá obligada a enfrentarse al pasado que dejó atrás, a su familia y a una sociedad atravesada por la guerra, la violencia y el silencio.

En palabras de Pérez Sañudo: “Sacamantecas es nuestra película más ambiciosa. Será extraordinario presentar este acercamiento al mito popular en San Sebastián antes de compartirla con el gran público. Somos plenamente conscientes de la gran expectativa que genera este thriller en el País Vasco y estamos convencidos de que nuestra aportación a la leyenda será una magnífica oportunidad de hacer viajar a los espectadores al siglo XIX”.

Protagonizada por Patricia López Arnaiz en el papel de Ángela, que repite con Pérez Sañudo tras alzarse con el Goya, Premio Forqué y Premio Feroz a Mejor Actriz por Ane (además de contar con otro premio Goya a mejor actriz protagonista por Los domingos y una Concha de Plata por Los destellos); y por Antonio de la Torre, (dos veces ganador del premio Goya a Mejor Actor por El reino y Azuloscurocasinegro) como Juan Diaz de Garayo.

Junto a ellos participan Josean Bengoetxea (Cristobal Balenciaga, Loreak, Ilargi Guztiak, La línea invisible), Eneko Sagardoy (premio Goya a Mejor Actor Revelación por Handía) y Haizea Carneros (Una ballena, Malditas), que completa el reparto principal como María.

Completan el reparto Luis Callejo, Urko Olazabal, Fernando Albizu, Miguel Iriarte, Isabel Gaudí y Erik Probanza.

En el apartado técnico, David Pérez Sañudo vuelve a colaborar con varios de sus habituales y otros profesionales de prestigio entre los que destacan Kenneth Oribe en la dirección de fotografía; Elixabeth Núñez en vestuario; Lita Echeverría en dirección de arte; Beatriz López-Nogales en la música (Los últimos románticos, premio a Mejor BSO por el cortometraje Artesanía); sonido directo de Miguel de Oliveira e Silva; José M. G. Moyano y Lluís Murua en montaje (Moyano es ganador del Goya al Mejor Montaje por La isla mínima y ha trabajado en Grupo 7, Modelo 77 y Los Tigres; Murúa ha sido editor de Ane y Los últimos románticos); Yolanda Piña y Félix Terrero en maquillaje y peluquería (La trinchera infinita, Modelo 77, Los Tigres; Premio del Cine Europeo por La trinchera infinita y Goya por Modelo 77); y Guadalupe Balaguer como directora de producción (Akelarre, Maixabel; nominada al Goya a Mejor Dirección de Producción por ambas).

Rodada en escenarios naturales de Álava y de la ciudad de Vitoria-Gasteiz como la Catedral Vieja, el Palacio de la Provincia y la plaza del Machete, Sacamantecas ha convertido el territorio en un elemento narrativo esencial para recrear fielmente el contexto de una época clave, y muy poco contada, de la historia de España: la Tercera Guerra Carlista. La película combina, en un importante despliegue de rodaje, la reconstrucción histórica con las escenas de acción, las persecuciones, las batallas, los efectos especiales, y las caracterizaciones de época, llegando a contar con más de 3.000 extras y especialistas, en una apuesta por una estética naturalista.

Sacamantecas es una producción de Olmo Figueredo González-Quevedo y David Pérez Sañudo para La Claqueta PC y Amania Films, en coproducción con la belga Caviar, con la participación de EITB, RTVE y Prime Video, con el apoyo del ICAA, el Gobierno Vasco, el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz y la Diputación Foral de Álava, con el patrocinio de Fundación Vital, y con la colaboración de Crea SGR y Fiare Banca Ética.

Buena Vista Internacional se encargará de la distribución en cines de la película y Latido Films de sus ventas internacionales.

Sinopsis: Álava, finales del siglo XIX. Mientras la III Guerra Carlista agoniza, varias mujeres aparecen estranguladas en las afueras de Vitoria. Ángela Berrosteguieta, hermana de una de las víctimas, llega en busca de justicia, decidida a demostrar que Juan Díaz de Garayo, un campesino analfabeto, es el responsable de los crímenes. Sin embargo, Pío Pinedo, jefe de los alguaciles, se enfrenta a la falta de recursos en tiempos de guerra y a la presión de las autoridades, que prefieren ocultar la creciente ola de asesinatos.

RUEGA POR NOSOTRAS

Ruega por nosotras, la nueva película dirigida por Daniel Monzón, se estrena en cines de la mano de Elastica tras su paso por la Sección Oficial del Festival de San Sebastián (Proyecciones especiales).

Este es el séptimo filme del director coescrito junto a Jorge Guerricaechevarría tras éxitos como "Celda 211" (2009), que ganó 8 Premios Goya; "El Niño" (2014), que obtuvo 16 nombinaciones a los Goya; o "Las leyes de la frontera" (2021), galardonada con 5 Premios Goya y que clausuró la Sección Oficial de San Sebastián en 2021, entre otros. La película cuenta con un reparto encabezado por Zoe Bonafonte ("El 47", "El secreto del orfebre") y la debutante Manuela Calle, y completan el reparto, mayoritariamente femenino, jóvenes actrices como Carla Domínguez, María Gandiaga o Shiara Fernández, junto a actores de larga trayectoria como Adelfa Calvo, Malena Gutiérrez, María Cerezuela, Belén Cruz, Xavi Saéz o Bea Segura, entre otros.

Sinopsis: Barcelona, 1974. Ana tiene 19 años y es, a ojos de su acomodada familia, una chica rebelde. Tras una fuga nocturna, su padre decide trasladarla a Madrid para ser internada en un reformatorio donde será sometida a un brutal régimen disciplinario. Allí tratará de sobrevivir buscando apoyo en la amistad de otras chicas, especialmente la de Sole, de una vitalidad contagiosa.

Rodada entre Vizcaya y Barcelona, Ruega por nosotras es una producción de Arcadia en coproducción con Amalur Pictures y Noodles Production (Francia). Monzón repite en Ruega por nosotras con muchos de sus colaboradores habituales en el equipo técnico: Balter Gallart en el diseño de producción, Vinyet Escobar en el vestuario, Carles Gusi como director de fotografía, Roque Baños en la música original y Mapa Pastor en el montaje construyen esta historia de amistad y resiliencia.

Inspirada en la historia real y silenciada del Patronato de Protección a la Mujer, una institución reformada durante la dictadura franquista con el objetivo de "redimir a la mujer inmoral", considerándose inmoral fumar, manifestarse, desobedecer o quedarse embarazada fuera del matrimonio, por la que pasaron miles de jóvenes. Ruega por nosotras se ha documentado a través del estudio de tesis doctorales, documentos de archivo, libros de investigación, documentales y, sobre todo, decenas y decenas de testimonios de mujeres que pasaron por el terrorífico Patronato. La película toma el nombre de uno de los ensayos escritos por Consuelo García del Cid, víctima del Patronato y pionera en las investigaciones sobre él. Ambientada en el período que comprende desde 1974 a 1979, la película coloca al espectador en la piel de una de esas mujeres, para que descubra de forma paulatina, pero atroz, la angustiosa carga de opresión que reservaba el Patronato a cualquier joven que atravesara sus puertas.

Ruega por nosotras es una producción de Arcadia, en coproducción con Amalur Pictures y Noodles Production (Francia). Cuenta con la participación de RTVE, Netflix y 3cat, y con la financiación del ICAA. La película llegará a nuestros cines distribuida por Elastica el 6 de noviembre.

FIESTA PAGÄNA

Tras su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Morelia, FIESTA PAGÄNA, afronta su llegada a salas. Eterno Media estrena la película el 6 de noviembre en España. Cinépolis lo hará el 5 de noviembre en México y otros países de Latinoamérica.

Dirigida por Álvaro Brechner y producida por Patricia González para Eterno Island Pictures, con Pedro Díaz ‘Peri’, exbajista de Mägo de Oz, como productor ejecutivo, la película es una ficción inspirada en la historia de una de las bandas más populares del rock en español.

Fiesta Pagäna es una película de ficción, una historia sobre la amistad, los sueños, el éxito, los conflictos y el precio de perseguir una pasión, que combina la energía de los grandes conciertos con el retrato íntimo de un grupo de amigos que acabó convirtiéndose en un fenómeno generacional.

Ganador del Premio Goya por La noche de 12 años y reconocido internacionalmente por títulos como Mr. Kaplan o Mal día para pescar, Álvaro Brechner regresa con este largometraje que combina el espectáculo de los grandes conciertos con la dimensión más íntima y humana de una banda que marcó a toda una generación.

Tras completar trece semanas de rodaje entre Madrid, Gran Canaria y Fuerteventura, Fiesta Pagäna narra el ascenso de un grupo de jóvenes empeñados en abrirse camino contra todo pronóstico. Una aventura marcada por la creación, la ambición, las renuncias y la lucha por mantenerse fieles a sí mismos que acabaría convirtiendo a Mägo de Oz en un fenómeno generacional.

Encabezado por Adrián Lastra, que se pone en la piel de Txus di Fellatio, fundador y batería de la banda, cuya visión y perseverancia llevaron a Mägo de Oz a redefinir la escena musical y Adrià Mondaray, que se ha transformado en José Andrëa, el vocalista cuyo talento marcó la época dorada de la banda, el reparto reúne a Jorge López, que encarna a Fran, guitarrista clave en la identidad y evolución sonora de Mägo de Oz; Carlos Librado ‘Nene’, que interpreta a Carlitos, otro de los pilares guitarrísticos de Mägo de Oz; Guillermo Furiase como Carlos Prieto (Mohamed ‘Moha’), violinista y uno de los mayores responsables de la mezcla única entre rock y folk celta; Luis Bondia, que da vida a Kiskilla, teclista y más que un músico, un arquitecto sonoro clave; José Sospedra, que interpreta a Peri, el bajista cuya energía y estilo sólido se convirtieron en la columna vertebral del sonido característico de Mägo de Oz, aportando fuerza y cohesión a cada composición y concierto en vivo; Jon Arias, como Salva, bajista y pieza fundamental en la evolución de la banda; y Marc Parejo, que da vida a Fernando, flautista que llevó la riqueza del folk al corazón del grupo.

La actriz mexicana Michelle Renaud, cuya participación en la serie Rebelde (2004) catapultó su carrera de forma internacional, da vida a Patricia Tapia, una de las voces más icónicas de Mägo de Oz. Su papel ahonda en la relación emocional de su personaje con la banda y los motivos que la llevaron a dejarla. Roberto Álamo, ganador de dos Premios Goya, encarna a Big Simons, productor e ingeniero de sonido en Mägo de Oz, un personaje clave que aporta una perspectiva externa al universo del grupo.

Antonio Dechent interpreta a ‘Goyo’, Gonzalo Ramos, primer mánager de la banda durante muchos años, un personaje que refleja las dificultades iniciales del grupo; Eduardo Velasco encarna a Tibu, Joaquín Lorenzo, mánager de Mägo de Oz durante una etapa clave de su trayectoria; Neus Sanz da vida a Mónica, la madre de ‘Moha’, aportando una perspectiva emocional y familiar. Felipe García Vélez es Claudio, el padre de ‘Moha’, cuyo papel subraya la importancia del arraigo cultural en la vida del violinista.

Con dirección de Álvaro Brechner y guión de Sofía Cuenca junto al propio director, Fiesta Pagäna está producida por Patricia González para Eterno Island Pictures, con Pedro Díaz ‘Peri’ (exbajista de la banda) como productor ejecutivo.

El equipo técnico reúne a profesionales como Nazareth Rodríguez Ruiz (Dirección de producción); Raquel Troyano (Diseño de producción), David Cortázar (Dirección de fotografía), Nacho Ruiz Capillas, Ángel Pazos y Álvaro Brechner (Montaje), Marcos Salso (Sonido directo), Marta Fenollar (Diseño de vestuario), Blanca Otamendi (Maquillaje y peluquería) e Iván López (Supervisor VFX) quien, junto con Laura Canals, ganó el Goya 2025 a los Mejores efectos especiales por su trabajo en la película El 47.

La banda sonora original (BSO), un elemento clave del filme, está compuesta por José Cuesta.

SINOPSIS

A finales de los años ochenta, un grupo de jóvenes de barrio decide desafiar todas las reglas y perseguir un sueño que parecía imposible: fusionar la fuerza del heavy metal con la magia del folk celta. Lo que comienza como la aventura de unos amigos acaba convirtiéndose en un fenómeno que revolucionará el rock en español y cambiará sus vidas para siempre.

Fiesta Pagäna es una película de ficción inspirada en la historia de Mägo de Oz. Un emocionante drama musical lleno de humor, aventuras, conflictos y pasión que nos descubre el precio del éxito cuando se apagan los focos.

Una historia sobre la amistad, los sueños y todo aquello que estamos dispuestos a arriesgar para hacerlos realidad, que emocionará tanto a quienes han cantado sus himnos durante décadas como a quienes simplemente disfrutan de una gran película.

11

Una excursión, un refugio y una cuenta que nadie quiere terminar. El terror llega a la cartelera con 11, el debut en el largometraje de Clàudia y Paula Serra, que aterriza en los cines de la mano de Alfa Pictures. Una propuesta que convierte una operación tan sencilla como contar a los integrantes de un grupo en el principio de una pesadilla.

Sinopsis: Ocho niños y dos monitores quedan aislados en un refugio de los Pirineos por una intensa tormenta de nieve. Sin suministros ni posibilidad de comunicarse con el exterior, intentan organizar la espera. Pero, al hacer recuento, descubren que son once: hay un niño al que nadie reconoce ni recuerda haber visto llegar. Su presencia y su comportamiento cada vez más perturbador empiezan a resquebrajar la confianza del grupo.

Mia Sala-Patau, Pablo Scapigliati, Matías Zocca y Jael Borràs encabezan el reparto de esta coproducción entre España, Andorra y Argentina, rodada en catalán. La película tuvo su presentación mundial en la Sección Oficial Fantàstic a Competición del Festival de Sitges 2026, un escaparate especialmente afín a su combinación de infancia, aislamiento y amenaza desconocida.

Su premisa invita a mirar más allá del misterio del recién llegado: ¿cómo cambia nuestra manera de tratar al otro cuando tenemos miedo? El encierro, la responsabilidad de proteger a los menores y las sospechas dentro del grupo dibujan un terreno fértil para el suspense psicológico. Fuera, la nieve impide marcharse. Dentro, una presencia inesperada pone en duda que quedarse sea seguro.

GODZILLA MINUS ZERO

Godzilla minus zero llega a nuestras pantallas después de la premiere mundial de la película en New York, celebrada el 26 de septiembre, a la que asistieron los protagonistas Ryunosuke Kamini y Minami Hamabe, junto con el director Takashi Yamazaki. La proyección concluyó con la ovación en pie, mientras el público mostraba su entusiasmo y expectación por la película.

Tras la acogida abrumadoramente positiva en el Festival de Cine de Nueva York, Godzilla minus zero cuenta actualmente con una puntuación del 97 % en Rotten Tomatoes. La crítica ha elogiado la película, describiéndola como una obra que presenta “algunas de las batallas de kaijus más emocionantes jamás vistas” (IndieWire), “una emocionante descarga de acción protagonizada por un monstruo devastador, respaldada por temas conmovedores como la amistad, la camaradería y el valor” (The Hollywood Reporter) e “impresionante… otra obra maestra de Takashi Yamazaki” (Esquire).

El tráiler de la película comienza con una inquietante declaración del doctor Ogata (Jun Kunimura): “Puedo afirmarlo con certeza. Esa mujer no debería haber sobrevivido”. A partir de ahí, la situación se intensifica rápidamente. Una mujer atrapada en el interior de una casa que flota en el aire pide ayuda a gritos, mientras los rayos térmicos, las explosiones y los escombros que caen provocan una destrucción aún mayor desde las alturas. Shikishima (Ryunosuke Kamiki) y quienes lo rodean se ven llevados al límite mientras intentan escapar de la devastación. En el tráiler también vemos a Noriko (Minami Hamabe) exclamar: “¡Esta es mi respuesta!”, mientras Akiko ofrece una pequeña oración en medio del caos. Cuando Godzilla desata un rayo térmico de color azul pálido, el tráiler plantea una pregunta: ¿qué futuro le queda a la humanidad, si es que le queda alguno?

Godzilla minus zero llega a nuestras pantallas de la mano de Piece of Magic Entertainment.

Fundada en 2017, Piece of Magic Entertainment (POM) es una distribuidora cinematográfica internacional especializada en largometrajes, conciertos de primer nivel, documentales de prestigio, anime y eventos de videojuegos en directo. Desde sus oficinas en Ámsterdam, POM puede distribuir títulos en unos pocos territorios o ampliar su alcance a nivel internacional, llegando a miles de salas de cine en más de 130 países.

Entre sus estrenos más destacados se encuentran el icónico Godzilla minus zero llega a nuestras pantallas, ganador del Óscar, los aclamados éxitos de taquilla de la serie OCEAN, con David Attenborough, y documentales musicales de gran éxito como Becoming Led Zeppelin e It’s Never Over Jeff Buckley, así como Taylor Swift | The Official Release Party of a Showgirl, que batió récords de taquilla a nivel mundial.

LOS MISERABLES

Sinopsis: Tras 19 años en prisión por robar una hogaza de pan, Jean Valjean busca redención reinventándose como un respetado dignatario bajo una nueva identidad. Promete a Fantine, una trabajadora de fábrica moribunda, rescatar y proteger a su hija, Cosette, quien está siendo explotada y maltratada por la engañosa familia Thénardier. Mientras Valjean cría a Cosette como si fuera su propia hija, es perseguido sin descanso por el inspector Javert. En medio de la agitación social que sacude Francia, los destinos de Valjean, Cosette, su enamorado Marius y Javert se entrelazan en un París turbulento y revolucionario. A través de luchas, sacrificios y un profundo anhelo de justicia, Valjean se esfuerza por culminar su camino de redención y darle a Cosette un futuro de amor y libertad.

Esta nueva versión de Los Miserables está dirigida por Fred Cavayé, y cuenta en su reparto con Vincent Lindon, Tahar Rahim, Noémie Merlant, Camille Cottin, Benjamin Lavernhe, Vassili Schneider, Megan Northam y Marie Colomb.

Los Miserables llega a nuestra pantalla de la mano de Beta Fiction Spain.

EL CONTRATO (UN PACTO CON EL DIABLO)

El contrato: un pacto con el diablo es un inquietante thriller psicológico nos sumerge en una atmósfera oscura y perturbadora, cargada de misterio, tensión y suspense. Una historia que explora los límites de la naturaleza humana, donde el bien y el mal se confunden. Protagonizado por Kevin Spacey y Eric Roberts.

Sinopsis: Giuseppe es un periodista fracasado cuya ambición por alcanzar el éxito no conoce límites. Cuando decide investigar la misteriosa muerte de un reconocido periodista, cree haber encontrado la exclusiva que podría cambiar su carrera para siempre. Sin embargo, lo que comienza como una investigación periodística, pronto se convierte en una inquietante pesadilla. A medida que profundiza en el caso, Giuseppe descubre que nada es lo que parece y que cada encuentro, cada pista y cada decisión forman parte de un macabro plan cuidadosamente diseñado por una fuerza diabólica. Atrapado en un peligroso juego de manipulación, pronto comprenderá que el verdadero precio de su ambición podría ser su propia alma.

El contrato: un pacto con el diablo llega a nuestras pantallas de la mano de Paycom Cinema.

RAMAYANA: EL NACIMIENTO DE UNA LEYENDA

Dioses, reyes y destinos enfrentados toman la gran pantalla con Ramayana: El nacimiento de una leyenda, que llega a los cines españoles de la mano de Sony Pictures. Dirigida por Nitesh Tiwari, responsable de Dangal, esta aventura fantástica adapta una de las grandes epopeyas de la tradición india con la ambición de acercar su universo a espectadores de todo el mundo.

Sinopsis: Rama es un príncipe cuya vida está marcada por el deber y el sacrificio. Frente a él se alza Ravana, un rey inmortal movido por la venganza. Una profecía entrelaza sus destinos y abre el camino a un enfrentamiento en el que las decisiones personales adquieren dimensiones legendarias.

Ranbir Kapoor interpreta a Rama, Sai Pallavi encarna a Sita y Yash da vida a Ravana, acompañados por Sunny Deol como Hanuman y Ravie Dubey como Lakshmana. La película constituye el primer capítulo de una adaptación concebida en dos entregas, con la segunda anunciada para 2027.

La dimensión del proyecto también se refleja en su equipo creativo: Hans Zimmer y A. R. Rahman firman la música, mientras que DNEG y ReDefine se encargan de los efectos visuales. Rodada para IMAX, la producción apuesta por trasladar la mitología india al lenguaje del gran espectáculo cinematográfico.

Su propuesta invita, además, a fijarse en el coste emocional del heroísmo. Elegir el deber puede significar renunciar a aquello que más se desea; actuar con rectitud tampoco garantiza salir indemne. Ese conflicto entre convicción, afectos y sacrificio ofrece una puerta de entrada humana a una historia poblada por figuras míticas: antes de contemplar la leyenda, comprender las decisiones que la construyen.

EL GATO CON SOMBRERO

¡Conoce al Gato con Sombrero que aún no conoces! En la maravillosa y caprichosa tradición del Dr. Seuss, “EL GATO CON SOMBERO” llega a la gran pantalla con su debut en una película animada, una aventura completamente nueva y épica, con un toque atrevido, donde las travesuras, la magia y el caos reinan por completo. Haciendo lo que mejor sabe, el Gato reparte alegría a los niños con su estilo divertido, único e irreverente, transportándolos a ellos y al público a un viaje fantástico a través de un mundo nunca antes visto.

En la película, nuestro héroe se enfrenta a su misión más difícil hasta la fecha para el I.I.I.I. (Instituto para la Institución de la Imaginación y la Inspiración, S.L.): animar a Gabby y Sebastian, dos hermanos que están atravesando dificultades después de mudarse a una nueva ciudad. Conocido por llevar las cosas al extremo, esta podría ser la última oportunidad de este agente del caos para demostrar lo que vale... ¡o perderá su sombrero mágico!

La misión del Gato en Sombrero es llevar alegría a los niños, pero lo hace a su manera, irreverente y caótica. Además, se toma su trabajo con entusiasmo y optimismo. Ahora se enfrenta a su misión más difícil: animar a Gabby y Sebastián, dos hermanos que están pasando por un mal trago tras mudarse a una nueva ciudad. Y si no lo consigue, será su última misión.

El gato con sombrero está dirigida por Alessandro Carloni y Erica Rivinoja. Es el primer largometraje de Warner Bros. Pictures Animation.

EL MISTERIO DE LUCY LOST

La película de animación El misterio de Lucy Lost, producida por el aclamado estudio francés Xilam Animation (¿Dónde está mi cuerpo?), llega a los cines españoles de la mano de Vértigo Films. Dirigida por Olivier Clert, el filme se presenta como una de las propuestas de animación europea más fascinantes y conmovedoras del año.

Antes de su desembarco en las salas comerciales, la película formó parte de la programación oficial del prestigioso Sitges, Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, dentro de su sección Anima't. Su paso por Sitges consolida el excelente recorrido de la cinta tras haber deslumbrado en certámenes de renombre como el Festival de Cine de Animación de Annecy y el Festival de Cannes.

Basada en la novela infantil Listen to the Moon del autor británico Michael Morpurgo (War Horse), El misterio de Lucy Lost destaca por su deslumbrante acabado artesanal en 2D, su sensibilidad visual y su capacidad para conectar con el público de todas las edades. La película ofrece una emocionante reflexión sobre la identidad, la amistad y el poder de la imaginación frente a la incomprensión y los prejuicios.

Su estreno supone una cita imprescindible para disfrutar en la gran pantalla de una de las joyas de la animación cinematográfica más recientes.

Sinopsis: A las afueras de un remoto pueblo pesquero vive con su familia la misteriosa Lucy, una niña de once años que tiene visiones y una llamativa melena blanca. Sus dones despiertan una curiosidad que pronto se convierte en recelo entre los vecinos del pueblo. Cuando Lucy conoce a Milly, su amiga imaginaria, ambas se embarcan en una aventura mágica para descubrir el secreto que se esconde tras sus poderes.

POR QUÉ NO ESCRIBO NADA

Por qué no escribo nada, dirigida, escrita y producida por Isabel Fernández, se estrena en cines de la mano de Syldavia.

La película recupera la voz de Carmen Laforet a través de sus propios textos —muchos de ellos inéditos—, correspondencia privada, artículos y libros, para revisar la imagen de una autora vencida por el éxito y el silencio. En su lugar, emerge una escritora original y rebelde que defendió su independencia frente a las expectativas editoriales y sociales, y pagó por ello con el ostracismo.

Sinopsis: Con solo 23 años, Carmen Laforet revolucionó la literatura española con su novela Nada. Su talento prometía una larga trayectoria llena de éxitos, pero escribió poco y fue cayendo en el silencio… O eso es lo que nos han contado. Esta vez, Carmen Laforet (Mónica López) toma la palabra y nos revela una verdad muy distinta: la de una escritora original y rebelde que pagó con el ostracismo la lucha por su libertad. Su historia es la de todas las mujeres que eligen salirse del guion.

La mujer detrás del mito. El proyecto nació de la lectura de la biografía de Carmen Laforet escrita por Ana Caballé e Israel Rolón. Isabel Fernández descubrió en sus páginas una obra más extensa y una personalidad mucho más compleja de lo que sugería el relato habitual: el de la joven que, con solo 23 años, escribe Nada, gana el Premio Nadal y después desaparece de la vida literaria.

Aquella lectura le reveló a una mujer que buscó durante toda su vida una habitación propia y que defendió su libertad con una actitud bohemia, un profundo desapego a lo material y una relación incómoda con la fama y el reconocimiento. La película nace del deseo de acercarse a esa mujer desde sus propias palabras y de explorar cómo cambia el relato de una vida cuando quien se aparta de las convenciones es una mujer.

La correspondencia privada de Laforet, en buena parte todavía inédita, ocupa un lugar central en el documental. Las cartas que escribió a amigas y amigos permiten descubrir su intimidad, su pensamiento y sus contradicciones, y acercarse a la pregunta que da título a la película.

Un archivo de vidas de mujeres. Ante la escasez de imágenes filmadas de Laforet, que se protegió de la exposición mediática evitando entrevistas y apariciones públicas, Isabel Fernández decidió reconstruir su universo a través de películas familiares de mujeres anónimas del siglo XX. La búsqueda en Filmoteca de Catalunya, Filmoteca Canaria, Filmoteca Española y otros archivos internacionales dio forma a un relato en el que la experiencia de la escritora dialoga con la de otras mujeres.

La película reúne también imágenes familiares de Carmen Laforet cedidas por sus hijos y fragmentos de una filmación realizada por Paco Rabal en Roma en los años setenta, en la que aparece junto a Rafael Alberti y otros integrantes de la comunidad de intelectuales españoles que vivían en la ciudad. Así, la biografía de Laforet se abre a un retrato de la experiencia femenina en el siglo XX: la creación, la maternidad, la vida doméstica, la construcción de una figura pública y la búsqueda de un espacio propio.

Mónica López presta su voz y encarna a la escritora en las secuencias que recrean su espacio íntimo. Los manuscritos y las cartas que aparecen en ellas son originales, y la actriz ensayó la caligrafía de Laforet para reproducir su escritura y las peculiares firmas con dibujos que ilustraban su correspondencia.

«Por su búsqueda de independencia y libertad. […] Por no querer la popularidad. Sólo por sus libros. Ser anónima. Ocultarse. Perderse. Ser el observador, no el observado», escribe Mónica López sobre las razones que la llevaron a sumarse al proyecto.

Las escritoras Najat El Hachmi, Laura Freixas, Karmele Jaio, Ana Merino, Elsa López, Blanca Ripoll y María Zaragoza completan esta aproximación coral, que sitúa el legado de Laforet en el presente y cuestiona los tópicos que han condicionado la lectura de su vida y su obra.

«¿Por qué las historias de hombres que forjan su camino siempre se cuentan con un aire épico y heroico, mientras que las historias de mujeres que se desvían del guion siempre se tratan como fracasos, o se habla de ellas con condescendencia? Mi intención es cambiar la narrativa que habitualmente infravalora y desalienta la audacia y la toma de riesgos en las mujeres», explica Isabel Fernández.

Por qué no escribo nada celebró su estreno mundial en la Sección Oficial del BCN Film Fest, donde recibió el Premio Festival Castell de Peralada a la Mejor Música por la banda sonora de la compositora canaria Belén A. Doreste. Posteriormente, participó en la sección Canarias Cinema del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. Isabel Fernández obtuvo el Premio Cinerama Canarias a la Mejor Dirección Foránea, entregado en septiembre en el marco del Festivalito La Palma, en la primera edición de estos galardones del cine canario.

Directora y guionista afincada en Barcelona, Isabel Fernández fundó la productora Al Pati, desde la que desarrolla películas de temática social que exploran los límites entre el documental y la ficción. Sus trabajos se han emitido en televisiones como NTR, SVT, YLE, RAI, RTVE y TV3.

Recibió una mención especial del jurado en el Prix Europa por El fill de son pare / His Father’s Son (2010). Su largometraje Corredors de fons (2014) obtuvo los premios a la mejor dirección en el Al Jazeera International Documentary Film Festival y al mejor guion en Europe-Orient du Film Documentaire de Asilah. Con La veïna (2015) ganó el premio a las Libertades Públicas y Derechos Humanos en el festival de Al Jazeera.

También ha explorado el documental interactivo con los webdocs Orgull de Baix (2016) y Orgull d’Horta (2020). Su anterior largometraje, Los constructores de la Alhambra (2022), participó en SEMINCI y en festivales internacionales como el Festival International du Film sur l’Art de Montreal, Bogocine, el London Spanish Film Festival y el Bosphorus Film Festival.

Por qué no escribo nada es una producción de Al Pati Produccions e Imaco 89, con la financiación del Ministerio de Cultura–Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), el apoyo del Gobierno de Canarias y del Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC), la participación de Televisión Pública Canaria y 3Cat, la colaboración de Filmoteca de Catalunya, Filmoteca Canaria e Institut Ramon Llull, y el patrocinio del Cabildo de Gran Canaria.

GEORGE MICHAEL: THE FAITH TOUR

Este viernes  se estrena, exclusivamente en cines, George Michael: The Faith Tour, la película concierto del legendario show que George Michael ofreció en París durante su gira Faith en 1988. Además, la cinta está precedida por un cortometraje dirigido por Mary McCartney, construido a partir de imágenes y audios recientemente descubiertos de la era Faith.

Sinopsis: George Michael fue una de las estrellas más influyentes de su generación: su voz y sus composiciones definieron una época. Montado a partir de imágenes rodadas en 35 mm redescubiertas y nunca vistas del espectáculo de 1988 en el Palais Omnisport de Paris-Bercy, este concierto muestra a George en la cúspide de su poder creativo durante la inigualable gira “Faith”. Restaurada y remasterizada cuidadosamente, la película transforma un momento cultural que marcó una época en una experiencia cinematográfica espectacular.

Precede a la película un cortometraje de Mary McCartney, con imágenes y audios recientemente descubiertos del periodo entre 1986 y 1988 – la época de Faith - creando una “cápsula del tiempo” intimista e inesperada del enfoque de George en un momento clave de su vida.

George Michael: The Faith Tour llega a nuestras pantallas de la mano de Universal Pictures. 

ENTREVISTA A CARLA SIERRA, ALE GARCÍA Y MABEL CADENA - "LA MUJER QUE SOÑABA BAJO EL AGUA" - SITGES FILM FESTIVAL

Ópera prima, en clave de thriller psicológico, que llega desde México y tiene como protagonista a la reconocida actriz, Mabel Cadena (Black Panther: Wakanda Forever, Avengers: Doomsday). En el elenco destaca también Pablo Cruz, actor, productor y guionista mexicano conocido por sus trabajos en cine y televisión (Chespirito: Sin querer queriendo, Luis Miguel: La Serie). Así como la actriz y cantante Lissa (El Juicio, El Secreto del río), y Sara Díaz (La Mujer que soñaba bajo el agua) en su debut cinematográfico.

Escrito por Carla Sierra y dirigido por ambas cineastas, el filme supone el debut de Ale García y Carla Sierra en el largometraje. El proyecto fue desarrollado con el apoyo de Blood Window-Fant.Latina y recibió el reconocimiento New Talent to Follow durante Fantastic 7, en el marco del Marché du Film de Cannes.

Es una producción mexicana de El Camino Amarillo Films y La Palma de Oro Films. La película se mueve entre el terror, el drama y la tragedia, utilizando el género fantástico para adentrarse en una historia marcada por el duelo, la pérdida y la percepción alterada de la realidad.

La presentación de la película en Sitges se realizó el pasado 17 de octubre, en la nueva sección Foco Iberoamericano, con una sesión programada en la Sala Escorxador, seguida de un Q&A con el equipo y el reparto. La programación contempló además una Popcorn Session el 16 de octubre en la Sala Mercat Vell.

Sinopsis: Tras la repentina muerte de su hijo recién nacido, Olga, convencida que su esposo e hijas han sido reemplazados por impostores, hará lo inimaginable para recuperar a su "verdadera" familia.

DIRECTORAS. Ale García y Carla Sierra son cineastas de Monterrey, México. Ale García cuenta con una amplia trayectoria como productora, con trabajos como Esto no es Berlín, ganadora en el Festival de Málaga, ¿Cómo matar a mamá? y México Bárbaro II, presentada en la sección Midnight X-treme del Festival de Sitges. Carla Sierra es guionista y autora de los largometrajes Después de ti y ¿Cómo matar a mamá?. Su trabajo autoral explora el terror psicológico, la subjetividad femenina y las fronteras frágiles entre la realidad y la percepción. Juntas hacen su debut como directoras de largometraje con La mujer que soñaba bajo el agua.

Gracias a nuestra amiga Violeta Medina de Varanasi Prensa y Comunicación, en el reciente Festival de Sitges, hemos podido entrevistar a sus directoras, Ale García y Carla Sierra,así como a la actriz protagonista de la cinta, Mabel Cadena. Éste es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- Os quería preguntar primero una curiosidad, el inicio de la película lo veo como un cierto homenaje a "El resplandor", el tipo de plano, el coche por la carretera, las montañas, los paisajes... ¿Es algo deliberado o casual?

CARLA SIERRA.- Es deliberado, es un poco 'The Shining' y aparte también como a todo el cine de terror clásico, que antes empezaba mucho con planos largos, paisajes, como se tomaba su tiempo para empezar.

Carlos Penela.- Una de las cosas que me gusta mucho de la película es ese contraste entre la belleza del paisaje y el horror que se vive dentro de esa casa. ¿Qué tenía esa localización para elegirla y cómo trabajasteis estos dos aspectos?

CARLA SIERRA.- Nosotras somos de Monterrey, Nuevo León, en México, esto es al norte, abajo de Estados Unidos, y justo nosotros como que siempre hemos dicho "vamos a sacar las películas de la centralización" que es en la Ciudad de México, que como en todos los países ahí se centra su cine. Entonces, una cosa importante es llevar el cine a tierra y poder mostrar todo lo que son montañas, estas locaciones que puede haber allá en Nuevo León y, pues obviamente, al estar buscando un lago (que en este caso no es un lago, es una presa), estábamos buscando este lugar que se sintiera lo suficientemente alejado y cuando tú estás viendo la casa más cercana, sientas que es un lugar donde en realidad nadie te puede escuchar lo que quieres, llamar la atención igual que su mente (la del personaje de Olga), como que está ya en lo lejano, que está encerrada, es todo lo que está sucediendo con ella.

ALE GARCÍA.- Era importante también retratar la inmensidad del agua y la inmensidad de las montañas para que el personaje de Olga se sintiera vacía en la casa.

Carlos Penela.- Supongo que para vosotras como directoras y para ti Mabel, como actriz, hubo un evidente trabajo de documentación psicológico sobre lo que le sucede al personaje. ¿Cómo fue ese proceso de documentación para todas?

ALE GARCÍA.-  La historia está ligeramente basado en un síndrome que es el síndrome de Capgras, un síndrome que es muy poco probable que le suceda a alguien, pero para quienes lo sufren, lo que les sucede es que se les desconecta en su cabeza lo visual con lo emocional. Entonces, tú estás viendo a la persona (y normalmente sucede con sus familiares) y la ves idéntica, todo, habla igual, camina igual, pero como no está ese vínculo emocional están convencidos de que no son ellos y que han sido reemplazados por un impostor. Esto me parece sacado de una ficción, súper horrorífico, y está ligeramente basado en eso y en estudios acerca de ese síndrome.

Carlos Penela.- Mabel, como actriz, ¿Cómo trabajaste el tema de la mirada y la actitud del cuerpo para ver que en esos momentos estabas pasando por ese ese síndrome? Al principio pensé que era como una especie de brote psicótico, no sabía el qué y por eso os quería hacer la pregunta.

MABEL CADENA.- Pues la verdad es que soy una obsesiva del trabajo con las miradas y con las manos, es lo que más me obsesiona de mi trabajo como actriz. Y Ale y Carla, la verdad es que hicieron una documentación muy, muy detallada de todo el rodaje que iban a emprender, y me compartieron un par de documentos que transitaban por toda la historia. Para mí fueron muy útiles porque yo llegué al set ya sabiendo el recorrido emocional que ellas buscaban del personaje y que yo a la hora de hacer mi trabajo de mesa, lo único que hacía era llenar de detalles técnicos como las miradas o tratar de pensar que esas miradas se podían sostener de principio a fin y no perderlas en ningún momento, porque no es un síndrome que se pierda en ningún momento, es un brote que una vez que sale a flote no hay vuelta atrás. Entonces, tal y como se desencadena la historia, me parecía interesante que Olga nunca dejara de dudar, no se abriera la posibilidad de que si recobró o no la compostura, más bien era como sostenerla en principio a fin. Eso me lleva a mí siempre a enfrentarme, a observarme, a revisarme todo el tiempo.

Carlos Penela.- ¿Y qué te aportó que Olga fuera cirujana para interpretar a este personaje que empieza a desconfiar de su percepción?

MABEL CADENA.- Fíjate que es una pregunta bien interesante, porque es de lo que más me atrajo del guion. No era una persona cotidiana cualquiera, no era una mujer que estaba sin oficio, dedicada al hogar, no era una mujer donde normalmente estereotipamos este tipo de brotes, ni tenía carencias. Estaba rodeada de una familia, tenía una red de personas que estaban buscando sacarla adelante, y que cuando leí el guion, una de las cosas que más amé es que se dedicara a esa profesión. Dije qué interesante que se pueda abordar una historia no desde la miseria, sino desde un ser humano que puede tener, sin importar que tenga herramientas intelectuales, emocionales, familiares, redes de contención, etc., este tipo de quiebres mentales.

Carlos Penela.- Respecto la violencia que se ve en la película, hay escenas que resultan difícil digerir. ¿Qué criterios os permitieron decidir, como directoras, cuánto mostrar y cuánto dejar fuera de campo? ¿Hubo discusión sobre ello?

ALE GARCÍA.- El deseo siempre fue de que eso es lo que se quería mostrar, un poco también como platicaban con producción, de decir, hasta dónde se nos va a permitir que esta película llegue a todos lados siendo así de gráfica. Una parte importante era también que que se quería que Olga no se viera perpetrando todas estas acciones, esto se comprenderá al ver la película, no quiero hacer spoilers. Al final también era parte importante que ella, pues se ha dicho en otras entrevistas, intenta ser la heroína de su familia, pero también está siendo la villana de su misma familia. Entonces sí, teníamos claro que hasta ahí íbamos a llegar.

Carlos Penela.- ¿Cómo preparabais y cerrabais esas jornadas donde el trabajo era más intenso por ese tipo de escenas?

MABEL CADENA.- No hubo un día en que el trabajo no fuera intenso (risas), lo que pasa es que ese tipo de escenas más intensas, la particularidad es que eran planos secuencias, entonces Ale y Carla plantearon muchos días de ensayo y aún así el día de la filmación fue una locura. No recuerdo cuántas tomas hicimos de ese plano secuencia, pero coordinar los tiempos, luchar contra el viento, el lago, la canoa... era agotador. Pero al mismo tiempo les platicaba hace unos días que yo dupliqué mis sesiones de terapia esa semana, yo tenía dos terapias a la semana y es la primera vez que decidí como trabajar con ese esquema un rodaje y la forma en la que pude llegar a dormir fue espectacular. Es de los rodajes más amables que he transitado con esta carga emocional.

Carlos Penela.- ¿Cómo construisteis con Pablo Cruz y las dos jóvenes actrices esa confianza previa al miedo que viene después?

CARLA SIERRA.- Pues fue muy bonito, con Mabel también, cada uno estábamos en diferentes partes del mundo. Mabel estaba en Ciudad de México, Ale estaba en Ciudad de México y Monterrey, yo estaba en Monterrey, Pablo en Mérida, Lisa estaba en Miami, Sara en Cuernavaca... No tuvimos un trabajo en persona, pero tuvimos muchas sesiones de Zoom con cada uno leyendo todo el guion, trabajando escena por escena, también escuchándolos a ellos, cuáles eran sus aproximaciones al personaje, cómo querían llevar las escenas, cómo nosotros las estábamos planteando, porque sí, como dice Mabel, como había también muchos planos secuencias era importante hacer todo este trabajo desde antes, para en set ser ya más lo físico y tener muy claro ya lo emocional. Y con las niñas también, con Sara y Lisa tuvimos sesiones cada una solas, después juntas para que se hiciera esta hermandad, y después tuvimos una familiar donde les presentamos a sus padres.

ALE GARCÍA.- Y algo importante es que les mostrábamos no solamente desde la parte de dirección, qué es lo que buscábamos, sino la parte de los demás departamentos, de cómo queríamos que fuera la evolución del color en la película, el tipo de lentes, etc. para que también se fueran imaginando qué es lo que iba a suceder y no solamente dijeran, ah, yo actúo así, pero cómo son los planos, cómo va a ser esta progresión. Y creo que eso funciona, así ya todos estamos pensando en la misma película y podemos llegar al resultado final.

Carlos Penela.- Después de acompañar a Olga durante todo el rodaje, ¿Qué comprendiste de ella que no hayas visto cuando leíste el guion por primera vez?

MABEL CADENA.- Creo que el último día que grabamos ese plano secuencia a mí me generó muchísima empatía, porque finalmente Olga no es como que estuvo destinada a generar este nivel de maldad en su ser. Justo en este caminar final yo pensaba mucho en cómo podía ser capaz de seguir en la escena con lo que pasa ahí... La realidad es que sí me llevó a pensar que las verdades absolutas son nulas, no existen, y que lo que puede habitar en un cerebro así, con un nivel de destrucción como este, es una posibilidad que no necesariamente está a la vista de todos. La salud mental ha sido una prioridad en el mundo desde hace siglos y me parece increíble que al día de hoy sigamos sin ponerle la atención adecuada. Además, creo que como todos los problemas de salud de las mujeres, la medicina le ha importado muy poco seguir investigando y generando soluciones eficientes para el cuerpo de una mujer. Creo que Olga, no sabemos si una depresión postparto puede durarte toda esa cantidad de años y te puede llevar a tener este tipo de brotes. No sabemos lo que habita en estas realidades, pero que me parece importante que en medio de la diversión y el entretenimiento se siga poniendo el dedo sobre la salud mental.

Carlos Penela.- ¿Qué habéis aprendido y con qué os quedáis de haber hecho La mujer que soñaba bajo el agua?

ALE GARCÍA.- Yo he aprendido, ahora que se está mostrando la película, es que sí, teníamos la noción de que la película era fuerte hacia el final con todo lo que sucede, pero me ha sorprendido (tal vez uno por filmarlo, como que le vas agarrando confianza a lo que está sucediendo), que está generando un impacto fuerte. Lo que sucede o no se lo esperan o no creen que vayamos a llegar hasta allá, y eso también se demuestra que uno puede contar historias que van fuera de lo más convencional.

CARLA SIERRA.- Yo aprendí a escuchar mucho a todos mis compañeros y a hacerlos parte del proceso, porque yo tenía muchos años escribiendo esta historia y como yo la tenía muy pensada, muy perfecta y, obviamente cuando empiezas a sumar a todo el equipo, a toda la gente, ellos traen sus propias ideas. Te das cuenta que todo esto suma a la historia. Entonces fue un camino muy bonito el aprender a hacer algo que es tuyo y compartirlo con todos los demás.

MABEL CADENA.- Justo, creo que mi aprendizaje va enfocado a la importancia de los procesos. Se nos olvida en esta industria que es tan grande y tan llena de egos, que la creatividad y lo audiovisual es colaborativo. Para que exista una película tiene que haber aportaciones, y para que existan aportaciones alguien tiene que creer en tu historia, y para que alguien crea en tu historia tú tienes que ejecutar un proyecto. Es una cadena de colaboraciones que nos olvida que tienen que existir para el resultado final de una película y que a veces se reduce solo a la presencia de un director o a la presencia de un guionista o a lo que sea. Creo que esta película a mí me dio lo que buscaba en su momento, que era recordar por qué hago lo que hago y que encontrarme con Ale y con Carla y con todo el equipo que han formado hasta el día de hoy, no hay un solo día que haya dejado de aprender de ellos. Entonces creo que yo me llevo para mi vida como actriz y como mujer el seguir buscando, poner mi creatividad en espacios colaborativos que me sigan inspirando.