ENTREVISTA A LUCAS PARRA - DIRECTOR DEL CORTOMETRAJE "SER UN HOMBRE", PRESELECCIONADO PARA LOS PREMIOS GOYA

Ser un hombre es un cortometraje producido de Sumendi.

Fundada en 2020 y con sede en Barcelona esta productora participó en la 39ª edición de los Premios Goya con su cortometraje Betiko Gaua, nominado en la categoría de mejor cortometraje de ficción.

Sumendi está formada por los productores Jofre Farré, Andrea Martínez, Ander Sagardoy y Eneko Sagardoy.

Sinopsis: Miguelito, un inocente niño de siete años, acompaña a su padre y a su abuelo en una cacería que le cambiará para siempre.

Hasta la fecha Ser un hombre ha sido seleccionado en más de 100 festivales y ha obtenido más de 50 premios/galardones, entre ellos:

Semana de Cine de Medina del Campo 2026 (España)

Roel de Oro al Mejor Cortometraje

Mejor Fotografía

Almagro International Film Festival 2025 (España)

Mejor Cortometraje

Festival de Cine de Sant Joan d’Alacant 2026 (España)

Ficus de Oro a la Mejor Obra

Certamen de Cortos de Arnedo Octubre Corto 2025 (España)

Mejor Cortometraje Nacional

Mejor Actor

Abycine Albacete - Cortos 2025 (España)

Premio Aluex

Festival de Cortometrajes Caóstica Bilbao 2026 (España)

Mejor Cortometraje Nacional

Certamen de Cortometrajes de Carabanchel 2026 (España)

Tercer Premio

Short. Sweet. Flim Fest. 2026 (Estados Unidos)

Honorable Mention Drama

Festival Internacional de Cine de Belalcázar 2026 (España)

Premio del Jurado al Mejor Cortometraje

Mejor Sonido

Festival Creatrivas Rivas-Vaciamadrid 2026 (España)

Mejor Cortometraje

Festival de Cine de Piélagos 2026 (España)

Mejor Cortometraje Nacional

Premio Valores Sociales

Mejor Dirección Arte

Mejor Dirección

Festival Cine Pequeño de Aspe 2026 (España)

Premio del Jurado al Mejor Cortometraje

Ruréfilos Burgos - Festival de Cine y Mundo Rural 2026 (España)

Mejor Cortometraje de Ficción

Lenola Film Festival - Inventa un film - Short 2026 (Italia)

Mejor Actor - Raúl Prieto

Luces Cameros Acción La Rioja 2026 (España)

Mejor Actor- Raúl Prieto

Espígol Film Fest 2026 (España)

Àmbit Centres Penitenciaris

Festival Internacional de Cine de Vilafamés 2026 (España)

Mejor Dirección

Festival de Cortometrajes iCOFF-Gasteiz 2026 (España)

Mejor Dirección

Altafulla International Film Festival 2026 (España)

Mejor Fotografía

Cinema Fost Film Festival 2026 (España)

Mejor Dirección

El director

Lucas Parra (Barcelona, 1998) es un guionista y director de cine y publicidad.

Empezó su trayectoria muy joven y destaca por un universo creativo que abarca géneros y épocas tan distantes como las batallas navales del siglo XVIII o la ciencia ficción alienígena, siempre partiendo de anécdotas e historias familiares como en su premiado cortometraje Entreterrestres o en el propio Ser un hombre.

Actualmente, es profesor en la ESCAC, trabaja con las productoras ROMA y MammaTeam, y desarrolla sus dos primeros largometrajes: una comedia-thriller y una película de terror.

Hemos tenido la oportunidad de entrevistar al director del cortometraje, Lucas Parra, éste es el resultado de la entrevista.

Carlos Penela.- Lucas, te quería preguntar por el origen o la chispa de Ser un hombre, ¿De dónde viene, de dónde surge?

LUCAS PARRA.- 'Ser un hombre' viene de cuando yo tenía 7 años y fui a cazar por primera vez con mi padre y con mi abuelo, que fue en el pueblo, en Jaén. Sempre me ha gustado mucho el campo, me han gustado mucho los animales. Mi sueño siempre había sido tener una granja. De pequeño siempre estaba pescando cangrejos, pero nunca había tenido una experiencia tan heavy como puede ser la caza. Entonces fui allí y mi padre me llevó y yo recuerdo de ir además muy ilusionado. Es toda una experiencia, porque cuando tu padre ve las cosas de una manera, tú como niño en verdad absorbes ese punto de vista y no te planteas tanto las cosas. Si tu padre se horroriza por algo, tú tiendes a horrorizarte o si se asusta por algo, tiendes a sustarte. Fue una experiencia normal, y como niño fue, cómo decirlo, casi emocionante, porque los adultos te daban una oportunidad de estar entre ellos y eso siempre como niño estás siempre pendiente de ello. Hay esa parte, siempre lo quise retratar. 

Carlos Penela.- ¿Qué imagen de aquella primera cacería seguía contigo y necesitabas, por así decirlo, llevar al cine?

LUCAS PARRA.- Todos los momentos que salen ahí son reales: mi primer disparo, mi primer cigarro fue exactamente así, siete años. Una de las imágenes que siempre se me quedó más en la cabeza y todavía la puedo visualizar, es ese momento en el que que me dejaron disparar, casi salgo volando hacia atrás, y como todos los perros fueron corriendo hacia la bala sin destino. Eso es una imagen que se me quedó grabada.

Carlos Penela.- La frase 'ser un hombre' puede sonar a deseo, también a orden. ¿Cómo ha cambiado para ti esa frase desde los siete años?

LUCAS PARRA.- Tendría que reflexionarlo más, es una experiencia que me impactó, y a partir de ahí creas unas admiraciones hacia ciertos modelos de masculinidad y puedes rechazar otras. Yo, de pequeño, siempre he sido un niño muy sensible, pero a la vez esa experiencia te hace endurecerte y crecer como más pronto. Es difícil gestionar mentalmente cuáles son tus referentes, pero sí que es verdad que desde entonces tiendes a tener unos referentes...cómo lo explico. Mira, a los 12 años mi ídolo era Vitto Corleone, después se convirtió en Coppola, porque al final lo que me gustaba era hacer cine, pero son esos modelos.

Carlos Penela.- Miguelito entra en un mundo marcado por su padre y por su abuelo. ¿Qué peso tiene la necesidad de que ellos lo acepten?

LUCAS PARRA.- Todo. Yo creo que para un niño, y sobre todo para mí de pequeño, la aprobación de mis padres era muy importante. Con un niño de 7 años, el niño ha de ser muy rebelde para que la relación de sus padres no sea importante. Estar a la altura es lo que él quiere y lo que yo quería cuando estaba en esa existencia. Siempre he intentado estar a la altura de lo que mis padres han esperado de mí, al final es difícil de separar.

Carlos Penela.- En el cortometraje sus personajes son interpretados por Raúl Prieto y José Rasero. ¿Cómo trabajaste con ellos esa identificación de un cierto tipo de masculinidad para que se vea reflejada luego en el metraje?

LUCAS PARRA.- Yo les hablé de mi familia, y lo bueno es que cuando conoces a los personajes en persona, puedes añadirles muchos matices. En el guion, si tú lo leyeses, los personajes serían mucho más duros y secos de lo que realmente son en la película. Pero cuando Raúl Prieto conoció a mi padre en persona, que fue el que le enseñó a usar las armas y tuvimos una comida juntos, pudo coger muchas cosas de él, no sólo el acento, sino que mi padre en verdad es un tío muy simpático, muy cercano y tiene esta parte también como un poco servicial hacia los demás, porque él lo hace por el abuelo. Respecto al abuelo, le expliqué también muchas anécdotas de mi abuelo, muchos matices, y ese punto explosivo que tenía que de repente te enviaba la mierda. Se ven algunas pinceladas, pero bueno, es un personaje que sale poquito, así que tiene que tener su impacto en lo poco que sale.

Carlos Penela.- Escribiste el guion con Valeria Cuní, ¿Qué te ayudó a ver ella en unos recuerdos que tú tenías tan cerca?

LUCAS PARRA.- Valeria entró en una etapa un poco avanzada ya del guion, y sobre todo, lo que hizo es que lo que yo tenía en mi cabeza estaba claro, pero en el guion no acababa de estar reflejado, yo daba muchas cosas por hecho. Ella hizo un formato tipo entrevista, y lo que hizo es adaptar ese guion para que se entendiese y, por ejemplo, para mejorar mucho el punto de vista del niño, vivirlo mucho más desde el punto de vista del niño.

Carlos Penela.- ¿Cómo conformas este reparto? ¿Cómo llegan los diferentes actores al corto (el niño, por ejemplo)?

LUCAS PARRA.- El niño es Lucas Catalán, hicimos un casting aproximadamente unos 70 niños, con Eduard Peyró, el director de casting. El casting, por ejemplo, de los secundarios, todos son no actores, por ejemplo, personas de la Peña de Flamenco de mi padre o de la de mi madre. Estuvimos buscando andaluces y extremeños desesperadamente por Barcelona, para poderlos integrar en el corto. Tenemos, por ejemplo, a un montón de cazadores reales en escena, se traían su propia ropa, sus coches, etc, entonces cuando están hablando, pues sale natural, casi todos los diálogos son improvisados. Como te digo, todos los personajes secundarios son no actores y para los protagonistas sí que cogimos actores profesionales. Raúl Prieto apareció gracias a Jofre Farré, que es el productor del corto, y que fue director de producción de 'Antidisturbios', donde Raúl Prieto es uno de los protagonistas. Es un tío fantástico, Raúl es muy versátil y le añade unas capas al personaje... cierta debilidad, esta inseguridad que tiene el personaje que se ve superado por la situación y tiene que decidir en el momento qué hacer. Eso la verdad que me impresionó mucho, fíjate que llega un punto en el que yo mezclo mi recuerdo de la infancia con las imágenes del corto, ahora me gusta diferenciarlo.

Carlos Penela.- El actor niño, Lucas Catalán Lluch, es una pasada. ¿Cómo trabajaste ese equilibrio entre la curiosidad y el desconcierto con una actor tan pequeño?

LUCAS PARRA.- Mira, el casting, de hecho, se centró en encontrar un niño que tuviese una mirada muy interesante. Lucas es un niño muy listo. Es un personaje que prácticamente no habla en todo el corto, solo tiene un momento de una frase contundente hacia el clímax. En el corto es un personaje que observa, y era clave que fuese un niño listo. Lo que hicimos es que le servimos delante suyo muchas cosas que mirar reales. Cuando tú rodeas con cazadores reales, con armas de fogueo, con animales, con todo esto, pues el niño, como yo cuando tenía 7 años, está por primera vez en ese set, en ese escenario, y él está mirando inputs reales. Eso es lo que permite que tengas también un acting muy realista, darle mucha realidad al entorno. Si lo tienes que hacer con una pantalla verde, vas a perder todos estos tipos de matices.

Carlos Penela.- Hay muchos momentos del del cortometraje que a mí me recuerdan a un thriller, ¿esto es algo deliberado? ¿Cómo trabajasteis esos elementos y qué decidiste dejar fuera de campo y qué mostrar?

LUCAS PARRA.- Sí, es deliberado. Yo lo planteé como un coming of age thriller, para mí siempre ha estado el thriller en esa historia. Al final puedes contar esa misma historia sin el incidente central y sería una historia de coming of age de un niño que entra a la masculinidad. Siempre me faltaba esa parte de la historia con el perro y todo lo que sucede, pero sí, a mí me gusta mucho el thriller y casi todo lo que dirijo tiene bastante una estética y un tono thriller, que te permita meterte más profundamente con este niño en esa pequeña aventura.

Carlos Penela.- Lucas, tu padre aparece en el reparto, ¿Cómo fue compartir con él el rodaje?

LUCAS PARRA.- Mi padre aparece en todos mis cortos desde que empecé con 12 años a grabar, es mi actor fetiche. Aquí hace de uno de los cazadores, hace del cazador que se mete dentro de la hoguera. Para mí es un placer tenerlo. También está mi madre en el rodaje, que es la diseñadora de vestuario, y también está mi hermano, que estaba en producción. El hecho de poder estar rodando en un set con 60 personas, pero a la hora de comer, comer como si estuviese en mi casa con mi familia, te permite mantenerte muy con los pies en la tierra. Permite esa parte familiaridad que me gustaría repetir en los rodajes futuros también y que lo sigo repitiendo porque estás como en casa, te sientes confiado y alineado.

Carlos Penela.- Después de tantas proyecciones, ¿Qué reacción de algún espectador/a te ha hecho mirar el corto de otra manera? 

LUCAS PARRA.- El corto lo que quiere es invitar a la reflexión, no tiene un mensaje machacón para darte, lo que buscamos es que dé para hablar y que dé para el diálogo, que te quedes pensando después de verlo. Tengo gente que ha acabado el corto diciendo que el niño es un psicópata, y tengo otra gente diciendo el niño es el puto amo. Realmente ves como todo lo que tú tienes preconcebido de antes afecta mucho en la película. Para mi, si invita la reflexión es fantástico. Lo que más me han gustado de comentarios ha sido cuando gente que ha vivido lo mismo de pequeño, que los llevaban a cazar de pequeño, se han sentido identificados y me han corroborado que esa experiencia la han sentido muy realista y tal cual lo recordaban. Pero de esto te estoy hablando de un señor mayor en Austin, Texas, otro en Dinamarca y otro en La Rioja, gente totalmente distinta pero que les une misma experiencia.

Carlos Penela.- Estáis entre los 15 cortos de ficción preseleccionados para los Goya. ¿Qué te gustaría que esta oportunidad cambiara para la película? 

LUCAS PARRA.- Lo que esperamos y lo que deseamos es llegar a nominados, eso es lo que sería la leche. Y sobre todo, lo importante del camino no es tanto que te den un premio por el corto, sino que esto nos permita a mi equipo y a mí hacer siguientes proyectos y darnos un poco más de visibilidad, que los siguientes proyectos que estemos levantando como los largometrajes que tenemos en marcha se financien más fácilmente, y que los productores confíen más en nosotros. Para mí es eso, no es tanto que te den un premio para ponerlo en la estantería, sino que validen nuestro trabajo de cara a los grandes productores de España.

Carlos Penela.- Última pregunta, ¿Qué le dirías al niño de 7 años que fuiste antes de salir a aquella cacería?

LUCAS PARRA.- ¡Qué buena pregunta! Esta no me la habían hecho nunca... Tal vez le diría que no fuese tan influenciable, pero bueno, aún así es un niño de siete años, es tan pequeño. Te hace particular esta experiencia. Yo recuerdo después de esta experiencia que cuando volví al colegio en Gracia, estoy seguro que era el único niño en toda la escuela que había vivido una experiencia así, eso pasa a ver las cosas como un outsider. Me marcó como una parte de diferenciación, que permite adaptarte menos en lo que es el entorno escolar, pero a la vez también te permite tener una personalidad muy propia, que te ayuda en años futuros si quieres ser, por ejemplo, director de cine. Esto son buenas cosas para escribir. Es un sentimiento ambiguo.

RESEÑA DE "CLAYFACE"

Introducción y sinopsis

Clayface, la primera incursión de DC Studios en este género, es un thriller de terror dirigido por James Watkins y protagonizado por Tom Rhys Harries en el papel principal del villano de Gotham City.

Sinopsis: Clayface narra el aterrador descenso de un hombre, de estrella en ascenso de Hollywood a monstruo sediento de venganza, en una historia que explora la pérdida de la identidad y la humanidad, el amor corrosivo y el lado oscuro de la ambición científica.

La película también cuenta con Naomi Ackie, David Dencik, Max Minghella y Eddie Marsan, así como con Nancy Carroll y Joshua James. James Watkins dirige a partir de un guion de Mike Flanagan y Hossein Amini, con historia de Flanagan, basado en personajes de DC. La película está producida por Matt Reeves, Lynn Harris, James Gunn y Peter Safran, con Michael E. Uslan, Rafi Crohn, Paul Ritchie, Chantal Nong Vo y Lars P. Winther como productores ejecutivos.

El equipo creativo de Watkins incluye al director de fotografía Rob Hardy, al diseñador de producción James Price, al montador Jon Harris, al supervisor de efectos visuales Angus Bickerton, al diseñador de vestuario Keith Madden y a la directora de casting Lucy Bevan.

DC Studios presenta, en asociación con Domain Entertainment, una producción de 6th & Idaho, una película de James Watkins, "Clayface". La película se distribuye por Warner Bros. Pictures.

Sobre la película

Película dirigida por Mike Flanagan e interpretada por Tom Rhys Harries y Naomie Ackie en los papeles protagonistas. En ella se muestra cómo se crea uno de los enemigos de Batman, "Cara de barro", en Gotham. Y aunque pueda ser pensada como una pelicula de superheroes por la historia y como es transmitida es, sin duda, uno de los mejores films de terror del año. Si, de terror: hay mucha sangre sin complejos.

Tiene una gran similitud y una gran diferencia con Joker (2019). Lo primero, se centra en cómo DC Comics desarrolla el origen de uno de los enemigos de Batman, pero la gran diferencia es que Joker, siendo una excelente película no pasa de thriller psicológico. 

En cambio Clayface va de la mano de situaciones en las que el protagonista se encuentra desesperado por recuperar su rostro y hace todo lo posible por volver a ser el, en base a la venganza hacia las personas que se lo provocaron mediante una identidad que va cambiando desde unas escenas alucinantemente aterradoras, acompañadas de mucha sangre y unos efectos especiales brutales (como se le va deshaciendo la cara al mas puro estilo blandiblub es alucinante..).

Cabe destacar que la interpretación de Tom Rhys Harries le da mucha solidez al personaje y lo hace absolutamente creíble, lo cual es básico para transmitir una buena historia (y más teniendo en cuenta que el origen del personaje en los comics es amplia y variada: desde un actor cuya carrera se apagaba hasta un cazatesoros que adquiere poderes para conseguir sus objetivos), en la cual un actor de Hollywood es desfigurado por el capo de una banda mafiosa.

En definitiva, una excelente película de terror vinculada al Caballero Oscuro de Gotham con una buena historia, con sangre y unos efectos especiales y unas interpretaciones soberbias.

                      Valoración Latidos por el cine: 8 sobre 10 - Una reseña de Luis Gómez Gómez

ESTRENOS DE CARTELERA - 30 DE OCTUBRE DE 2026

KARATEKA

Karateka, la nueva película de Aritz Moreno (Ventajas de viajar en tren), inspirada en la extraordinaria historia de Sandra Sánchez, la mujer que desafió todas las convenciones para convertirse en la mejor karateka de todos los tiempos, se estrena en cines este viernes. La película fue presentada en el Festival de San Sebastián ante más de 2.000 espectadores en el Velódromo, donde recibió un aplauso de más de diez minutos tras la proyección.

En palabras de Sandra Sánchez: "Hay momentos que cuesta explicar con palabras. Estar en el Festival, ver el Velódromo lleno y sentir cómo miles de personas se emocionaban con una historia que durante tantos años fue tan profundamente mía ❤️‍🩹… Karateka habla de sueños, pero también de heridas, de miedos, de caídas y de todas esas veces en las que tienes que volver a reconstruirte para seguir adelante. Compartir algo tan íntimo da vértigo, pero descubrir que, al hacerlo, otras personas pueden reconocerse en una parte de tu historia hace que todo cobre un sentido diferente. Y solo puedo dar las gracias a todo el equipo que ha hecho esto posible. Ese empujon de Aritz, Andrea, Patrick, todo el equipo… En medio de aquellos aplausos me decían: 'Sandra, sal, esos aplausos son para ti'. Pero yo sabía que no eran solo para mí, eran para todos. Aun así, me regalaron ese momento. Y esa sensibilidad que tienen y esa generosidad les hace únicos... Por eso son tan buenos haciendo lo que hacen y os emocionaran detrás de la pantalla."

Un relato de perseverancia, amor y superación que viaja desde España hasta Japón y Taiwán para contar el camino que llevó a su protagonista a conquistar el oro olímpico a los 39 años. 

Más que una película sobre deporte, Karateka es una gran aventura humana. Un viaje que recorre España, Taiwán y Japón para contar la historia de una mujer que decidió desafiar todos los límites cuando parecía demasiado tarde para hacerlo. Una historia en la que conviven la competición, el humor, el descubrimiento de otras culturas, el aprendizaje junto a un maestro, una historia de amor construida desde la admiración mutua y una búsqueda constante de la excelencia. Porque detrás de cada combate hay mucho más que una medalla: hay una manera de entender la vida.

Andrea Ros es la encargada de dar vida en la gran pantalla a Sandra Sánchez desde sus inicios humildes en Talavera de la Reina, hasta el triunfo de conseguir el oro olímpico en Tokio 2020. Patrick Criado interpreta a Jesús del Moral, su entrenador y quien se convertiría en su pareja sentimental, en una combinación única de amor y admiración mutua que trasciende lo deportivo y que acaba transformando sus vidas.

Bajo la mirada de Aritz Moreno, Karateka construye un universo visual poco habitual en el cine español, combinando la espectacularidad de la competición con una puesta en escena de gran personalidad. Las secuencias rodadas en Japón, la fuerza de los combates y una fotografía muy cuidada convierten la historia de Sandra Sánchez en una experiencia cinematográfica que trasciende el biopic deportivo tradicional.

Para interpretar a estos dos deportistas de élite, Andrea Ros y Patrick Criado se sometieron a un severo cambio de hábitos y duros entrenamientos, adaptándose al estilo de vida del kárate. Sandra Sánchez y Jesús del Moral participaron activamente como asesores durante todo el proceso creativo, ayudando a trasladar a la pantalla no solo la práctica deportiva, sino también los valores y la filosofía que definen el karate.

Junto a Andrea Ros y Patrick Criado, completan el reparto, los actores españoles Ernesto Alterio, Antonio Durán "Morris", Pablo Álvarez, Pilar Castro, Vicente Vergara, Edu Ferrés, Marta Pons y Chani Martín y los actores japoneses Mizuki Yoshida, Denden, Ayako Fujitani, Katsuki Suzuki y Hoshimi Asai.

Karateka cuenta con guion de David B. Gil y Pablo Tobías Gavasa con la colaboración de Javier Gullón.

Con una combinación de emoción, humor, romance, aventura y espectaculares escenas de competición, Karateka demuestra que las grandes historias deportivas nunca hablan únicamente de deporte. Hablan de personas capaces de cambiar su destino, de relaciones que transforman una vida y de la búsqueda de un sueño que parecía imposible.

Karateka no habla de una campeona del mundo. Habla de todo lo que ocurre antes de convertirse en una leyenda.

En palabras de Aritz Moreno: "Por fin puedo compartir la historia de la mejor karateka de todos los tiempos. Una historia de amor, amistad y aventuras. Un BioEpic diseñado en lo visual y lo sonoro para disfrutar del imponente karate de Sandra a lo grande, en una sala de cine. Ya queda poco. Tomad asiento. Smile and relax."

Sinopsis: Esta es la historia de Sandra Sánchez, una mujer que nunca dejó de creer y que desafió todas las convenciones. De ser descartada por el sistema a convertirse en la mejor karateka de todos los tiempos. Con la guía de Jesús del Moral, su entrenador y compañero de vida, Sandra emprendió un viaje imposible: conquistar el oro olímpico a los 39 años y redefinir el significado de la perseverancia en un deporte donde los más veteranos se retiran a los 30 años y que siempre habían dominado los japoneses. Un relato de amor, grandeza y lucha que trasciende el Karate y se convierte en leyenda.

Karateka es una producción de Atresmedia Cine, Sr.&Sra. y Karateka A.I.E, en coproducción con Wrong Men, Apaches Entertainment y Colosé Producciones. Con la participación de Atresmedia y Netflix, la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, con el apoyo de Creative Europe MEDIA y Wallimage (La Wallonie) y la financiación del Gobierno de España-ICAA. Distribuida por Warner Bros. Pictures Spain.

ESTA SOLEDAD

Esta Soledad, el primer largometraje de Javier Giner tras la multipremiada serie Yo, Adicto (Disney+) llegará a los cines este viernes de la mano de Filmax. La película, que se estrenó en el Festival de San Sebastián en la Sección New Directors, está protagonizada por el ganador del Emmy Internacional al Mejor Actor, Oriol Pla, y Marina Salas. Esta Soledad cuenta con guion del propio Giner y Luisa Matienzo.

Sinopsis: Leo y Lorea se han querido. Probablemente aún se quieren. Pero su relación, tras cinco años, ha terminado. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad familiar y una desconexión emocional que le asfixia. Ella, enredada en trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse sin saber muy bien cómo hacerlo. Son dos cuerpos en duelo, condicionados por lo no resuelto y por la herencia emocional de una generación que parece llegar tarde a todo: al amor, a la estabilidad, a la realización personal.

Atravesados por la precariedad y el agotamiento, la incertidumbre de sus aspiraciones artísticas y las fracturas del pasado, Esta Soledad es la historia de sus esfuerzos —imperfectos, torpes y a veces hermosos— por empezar de nuevo.

Esta Soledad, en palabras de Javier Giner “es una película sobre el vacío existencial y los silencios que habitamos en un presente fragmentado y caótico, sobre los vínculos frágiles que establecemos y sobre la dificultad de sostenerse cuando todo alrededor se tambalea. Ambientada en un Bilbao lleno de heridas —urbanas, familiares y emocionales—, la película retrata con ternura feroz a dos jóvenes que sobreviven en un estado de confusión y soledad”.

Esta Soledad es una producción de Fuga de cuerpos, A.I.E., Balance Media Entertainment, La Embajada TV y Basajaun Filmak. La película cuenta con la colaboración de Filmax y la participación de Filmin y RTVE, además de la financiación del ICO, Sego Finance, Gesbro y Brosh.

HOPE

MUBI, distribuidora, servicio de streaming y productora, en colaboración con BTEAM Pictures, estrena Hope en los cines españoles este viernes 30 de octubre de 2026. Hope está escrita y dirigida por Na Hong-Jin (El extraño, The Yellow Sea). La película tuvo su premiere mundial en el Festival de Cine de Cannes en mayo, donde compitió en la Sección Oficial, y ha participado en la 59ª edición del Festival de Cine de Sitges, donde el director Na Hong-Jin recibió el Premio Màquina del Temps.

Sinopsis: En la remota aldea surcoreana de Hope Harbor, el jefe de policía Bum-seok (Hwang Jung-Min) y la oficial Sung-ae (Hoyeon) son llamados para encontrar a una criatura misteriosa que ha causado estragos en la aldea. En el bosque cercano varios cazadores, entre ellos Sung-ki (Zo In-Sung), se disponen a rastrear a la bestia, pero acaban convertidos en presas. No todo es lo que parece, y las apariencias pueden ser engañosas. Lo que comienza como ignorancia siembra la semilla del desastre, escalando de conflicto humano a tragedia cósmica.

La película está escrita y dirigida por Na Hong-Jin, y protagonizada por Hwang Jung-min (Narcosantos, El extraño), Jo In-sung (Moving), Hoyeon (Disclaimer, El juego del calamar), Michael Fassbender (El asesino, 12 Años de esclavitud), Alicia Vikander (La chica danesa, Ex Machina), Taylor Russell (Hasta los huesos, Waves) y Cameron Britton (The Umbrella Academy, Mindhunter).

Hope está producida por Na Hong-Jin, Saemi Kim y Saerom Kim para Forged Films. Los productores ejecutivos son Jeongin Hong y Eugene Kim. Plus M Entertainment ha financiado la película.

WICKER

Mitad fábula, mitad comedia fantástica y totalmente excéntrica, Wicker nos invita a reconsiderar e incluso a incendiar las historias que nos hemos contado a nosotros mismos sobre el matrimonio, creando un espacio para que se desarrolle el verdadero romance.

La película dirigida y escrita por Eleanor Wilson y Alex Huston Fischer se basa en el cuento corto The Wicker Husband de Ursula Wills-Jones, publicado en 2008, sobre la envidia, el compromiso y las trampas de las normas sociales. La pareja, debutó en 2020, en el Festival de Sundance, con ¡Desconectados!, su opera prima, y habitualmente escriben y dirigen a 4 manos.

Wicker cuenta con generosas dosis de humor irónico y un reparto estelar entre los que destacan Olivia Colman (Los Rose, The Crown), Alexander Skarsgård (Pillion, Lee Miller), Peter Dinklage (Hermanos, Juego de Tronos), y Elizabeth Debicki (The Crown, Tenet).

Olivia Colman da vida a la maloliente y sarcástica pescadora que desafía todas las expectativas y desmonta con seguridad las tradiciones mientras lucha por la relación que desea y el trato que se merece por parte del enigmático y sereno hombre de mimbre (Alexander Skarsgård),

Wicker llega a los cines de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel, tras clausurar la 59 edición del SITGES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA FANTÀSTIC DE CATALUNYA.

Sinopsis: Wicker  una audaz fábula, en clave de comedia, sobre el sexo, el matrimonio y lo absurdo de las convenciones sociales, narra la original historia de amor de una pescadora socialmente marginada (Olivia Colman) que encarga al artesano local (Peter Dinklage) que le fabrique un marido de mimbre (Alexander Skarsgård). Cuando su marido resulta ser más espectacular de lo que jamás había podido imaginar, su espíritu conmovedor y sus habilidades excepcionales despiertan algo en su interior. Lo que comienza como un simple plan de la protagonista para molestar a sus entrometidos vecinos, acaba convirtiéndose en un auténtico romance desencadenando una oleada de celos, fascinación y agitación que amenaza el propio tejido de la vida del pueblo.

Sobre la película. El rodaje concluyó en septiembre de 2025 en Budapest y Wicker tuvo su premiere mundial el 24 de enero de 2026 en el Festival de Sundance donde se proyectó dentro de la Sección oficial Premieres y se convirtió en uno de los títulos más comentados y aplaudidos de la edición.

Inicialmente, el papel del marido de mimbre estaba destinado a Dev Patel quien terminó siendo sustituido por Alexander Skarsgård.

Dar vida al "hombre de mimbre" supuso un complejo trabajo de diseño. El aspecto físico del personaje se logró mediante prótesis especiales y animatrónica, lo que obligó a Alexander Skarsgård a llevar un traje que le cubría todo el cuerpo y una máscara, además de exagerar sus movimientos para simular que el hombre de mimbre había cobrado vida.

Black Bear Pictures se ocupa de las ventas internacionales, así como de la distribución en Estados Unidos.

LEVITICUS

Leviticus, una de las películas de terror más esperadas del año, se estrena en las salas españolas  de la mano de YouPlanet, después de su presentación en el Festival de Sitges, donde compitióen la Sección Oficial Fantàstic.

Escrita y dirigida por Adrian Chiarella en su debut en el largometraje, Leviticus propone una perturbadora mezcla de horror sobrenatural, thriller psicológico y drama coming-of-age para construir una historia de terror queer. La película ha conquistado a la crítica por su capacidad para convertir el miedo en una poderosa metáfora sobre la represión, el deseo y el fanatismo religioso.

Ambientada en una aislada comunidad cristiana del interior de Australia, la historia sigue a Naim y Ryan, dos adolescentes sometidos a una terapia de conversión que desencadena la aparición de una entidad maligna. Lo que comienza como un romance prohibido se transforma en una angustiosa lucha por sobrevivir al mal.

La película está protagonizada por Joe Bird (Talk to Me), Stacy Clausen (Thrash) y Mia Wasikowska (La cumbre escarlata, Stoker), y la producción corre a cargo de Causeway Films, responsables de éxitos contemporáneos del género como Babadook y Háblame.

Desde su estreno mundial en el Festival de Sundance, donde se convirtió en una de las propuestas más comentadas de la sección Midnight, Leviticus ha sido señalada como una de las grandes revelaciones del nuevo cine de terror por su originalidad y su capacidad para renovar los códigos del género.

Sinopsis: En una remota comunidad religiosa, dos adolescentes descubren que su amor prohibido ha despertado a una entidad sobrenatural que adopta la forma de aquello que más desean: el uno al otro. Para sobrevivir, deberán enfrentarse tanto al monstruo que los persigue como al fanatismo que los condena.

TIEMPOS DE ILUSIÓN

Tras conquistar al público de todo el mundo con títulos como Intocable, Samba, C’est la vie! y Especiales, los cineastas franceses Olivier Nakache y Éric Toledano regresan con Tiempos de ilusión, película, que se estrena en nuestros cines, de la mano de A Contracorriente Films, tras su première española como película de clausura de Perlas del Festival de San Sebastián.

El reparto combina nuevos talentos con intérpretes de reconocido prestigio como Louis Garrel (Soñadores), Camille Cottin (La biblioteca de los libros rechazados) y Pierre Lottin (Por todo lo alto), encabezados por el joven Simon Boublil, protagonista de una historia que mezcla recuerdos personales y ficción para retratar toda una generación marcada por los cambios sociales de los años ochenta.

Ambientada en la periferia parisina de 1985, Tiempos de ilusión recupera la adolescencia de sus propios directores para construir una historia íntima y emotiva sobre el paso de la infancia a la edad adulta. A través de una mirada cargada de humanidad, humor y sensibilidad, Nakache y Toledano evocan una época de descubrimientos, dudas y primeras experiencias, convirtiendo los recuerdos personales en un relato universal con el que conectar con espectadores de distintas generaciones.

Estrenada en Francia el pasado mes de abril de la mano de Gaumont, Tiempos de ilusión ha superado los 2 millones de espectadores, confirmando la buena acogida del nuevo trabajo de Olivier Nakache y Éric Toledano, que recuperan el tono cálido y profundamente humanista que ha convertido su filmografía en una referencia del cine europeo contemporáneo.

Sinopsis: 1985. En un barrio de París, una familia de clase media intenta encontrar su lugar en un mundo en transformación. Mientras Vincent se enfrenta a las incertidumbres de la adolescencia, sus padres descubren que ser adulto tampoco garantiza tener todas las respuestas.

LA OVEJA SHAUN: MISIÓN CALABAZA

Halloween llega a la granja de Mossy Bottom y Shaun tiene un problema entre pezuñas. La oveja más inquieta de Aardman regresa con una aventura que combina los experimentos de un científico demasiado entusiasta, una misteriosa criatura y una celebración que amenaza con acabar en desastre. Una propuesta de animación artesanal que traslada el universo del personaje al terreno de los monstruos y las travesuras otoñales.

Sinopsis: Los habitantes de Mossy Bottom preparan Halloween con ilusión, hasta que el Granjero destruye accidentalmente su huerto de calabazas. Decidido a salvar la fiesta, Shaun recurre a la ciencia para reparar el destrozo, aunque sus experimentos provocan nuevas complicaciones. La desaparición del Granjero y la presencia de una bestia en los bosques cercanos obligarán al rebaño a ponerse en marcha para recuperar la tranquilidad de la granja.

Steve Cox y Matthew Walker dirigen esta nueva entrega, con guion de Mark Burton y Giles Pilbrow, dos profesionales que conocen bien las posibilidades cómicas de Shaun. Burton participó en las anteriores aventuras cinematográficas del personaje y fue uno de los guionistas de Wallace & Gromit: La maldición de las verduras. Pilbrow también ha trabajado en el universo televisivo del rebaño.

Cox, por su parte, dirigió el especial navideño La oveja Shaun: El vuelo antes de Navidad. Ese conocimiento del personaje acompaña ahora una historia que cambia las celebraciones invernales por las calabazas, los experimentos descontrolados y los sustos de Halloween.

La versión original vuelve a contar con Justin Fletcher, John Sparkes y Kate Harbour. A ellos se suman colaboraciones de Nina Sosanya, Paul Whitehouse, Roman Kemp y Dani Dyer. Fletcher regresa como voz de Shaun y Timmy, dentro de una saga en la que la expresividad de los personajes y el humor físico tienen un papel esencial.

Misión Calabaza es el tercer largometraje de Shaun, después de La oveja Shaun: La película (2015) y La oveja Shaun: Granjaguedón (2019). La nueva aventura mantiene la animación en stop motion, una de las señas de identidad del estudio británico responsable de Wallace & Gromit y Chicken Run.

El atractivo de este regreso está en ver cómo encaja la inventiva del rebaño en una historia de monstruos para toda la familia. El punto de partida tiene todos los ingredientes para encadenar enredos: una buena intención, un experimento que se tuerce y una granja cuyos habitantes deberán arreglar bastante más que un huerto. Distribuye Selecta Vision. 

GUNGO Y LOS JUEGOS CAVERNÍCOLAS

La nueva película de animación 3D dirigida por Rodolfo y Gabriel Riva Palacio y producida por 3Doubles Producciones y Huevocartoon, llega a los cines españoles  distribuida por LAZONA.

La película combina una estructura clásica de historia de superación y de equipo con un ritmo marcado por el humor físico, la acción y la competición, construyendo una aventura alrededor de un protagonista que está muy lejos del héroe convencional: Gungo no es el más fuerte ni el más preparado, pero tendrá que aprender a liderar precisamente a quienes, como él, nunca parecían destinados a ganar.

Al frente del reparto de voces en castellano se encuentra el Youtuber nº1 en España, Mikecrack, que pone voz al propio Gungo en su primer papel protagonista en una película de animación. Con más de 58 millones de suscriptores en YouTube y 21.000 millones de visualizaciones, el creador digital da vida a un joven cavernícola que aspira a ser el próximo jefe de la tribu, contra todo pronóstico.

Sobre su experiencia en el proyecto, Mikecrack declaró: “Tenía un poco de miedo por si no le quedaba del todo bien al personaje, pero me siento muy cómodo siendo Gungo. Hay muchísimos momentos durante el doblaje en los que veía las escenas y me moría de la risa, así que la recomiendo mucho. Es una película familiar muy buena y el que vaya no se va a arrepentir”.

Junto a Mikecrack, el reparto español cuenta también con el conocido youtuber y creador de contenido Dagar, muy popular por sus vídeos de entretenimiento y videojuegos, además de los periodistas deportivos Rubén Uría y Nacho Donado.

Sinopsis: Tras ser desterrado de su tribu por no estar a la altura, Gungo, un heredero consentido y torpe, deberá liderar al equipo menos prometedor de toda la Prehistoria en los salvajes Juegos Cavernícolas para recuperar su trono y demostrar su valía.

3Doubles Producciones Fundada en 2017 en Santa Cruz de Tenerife, es un estudio líder en Europa con un equipo de más de 200 profesionales. Destaca por su alta calidad y competitividad desde las Islas Canarias. Su portfolio incluye éxitos como Inspector Sun y la maldición de la viuda negra (nominado a los premios Goya 2022), SuperKlaus (nominado a los premios Goya 2025) y Norbert (nominado a los premios Goya 2026). Actualmente produce títulos globales como Gungo y los Juegos Cavernícolas y Flamingo Flamenco. 

LAZONA nace en 2003 como productora de artes audiovisuales y escénicas, aunando cine, series y teatro. En 2023 amplía su horizonte con la creación de una nueva línea de distribución cinematográfica con LAZONA Pictures y una productora afincada en el País Vasco, LAZONA Zinema.

Desde entonces, ha producido una treintena de películas (Tres de más, Chinas, No habrá paz para los malvados, Ocho apellidos vascos o La consagración de la primavera), además de varias series (Gigantes, La noche más larga o Si es martes, es asesinato), más de setenta obras de teatro (La mujer rota, La vida es sueño o La ternura) y un creciente catálogo de largometrajes distribuidos (Cuando cae el otoño, La voz de Hind o El arquitecto). En todo este recorrido, ha combinado tanto éxitos de taquilla como de crítica y premios.

EL MUNDO ES ANSÍ

Llega a los cines El mundo es ANSÍ, el nuevo largometraje del cineasta Miguel Ángel Calvo Buttini, una película que propone una mirada contemporánea a la figura de Pío Baroja a través de la combinación de documental, ficción, material de archivo y entrevistas.

La fecha de estreno guarda una especial significación: el 30 de octubre de 2026 se cumplen exactamente 70 años de la muerte de Pío Baroja, fallecido en Madrid el 30 de octubre de 1956. Así, siete décadas después de su desaparición, El mundo es ANSÍ llega a las salas para recuperar la voz, el pensamiento y el universo literario de uno de los grandes escritores españoles del siglo XX.

La película no pretende realizar una biografía convencional de Baroja, sino establecer un diálogo entre el escritor y el presente. Para ello, Miguel Ángel Calvo Buttini combina la realidad documental con una trama de ficción protagonizada por Ana, una joven estudiante de posgrado a la que encargan un trabajo sobre el escritor.

Interpretada por la actriz navarra Nahia Bergasa, Ana se adentra en la vida y la obra de Baroja a través de su investigación hasta establecer un diálogo imaginado con el propio escritor, o más concretamente con su alter ego, interpretado por el actor navarro Álvaro Subiés. Este encuentro entre dos épocas sirve como hilo conductor de la película y permite acercarse a Baroja desde una perspectiva actual, poniendo en relación sus ideas y su literatura con las preguntas e inquietudes del presente.

La propuesta se completa con material de archivo, pasajes de la obra de Baroja y entrevistas a escritores y especialistas como Bernardo Atxaga, Ramón Barea, Soledad Puértolas, Marta Sanz, Gregorio Luri y María José Solano. El documental cuenta además con la participación de Carmen y Pío Caro, sobrinos nietos del escritor, quienes además han apoyado el proyecto facilitando el acceso a permisos, materiales de archivo y a las localizaciones necesarias para su realización.

El mundo es ANSÍ parte de una idea original de Álvaro Lión-Depetre, quien firma el guion junto a Miguel Ángel Calvo Buttini. La producción corre a cargo de Salto de Eje PC, de Madrid, La Noche Americana, de Navarra, y Barton Films se encarga de su estreno.

El proyecto ha contado por el momento con el respaldo del Ayuntamiento de Madrid, a través de las áreas de Cultura y Alcaldía, y del Gobierno de Navarra, además de la financiación de CREA SGR.

El rodaje se desarrolló en distintas localizaciones vinculadas al universo de Baroja. Tras las primeras semanas de filmación en Madrid, el equipo se desplazó a Navarra, con especial presencia en Bera del Bidasoa, además de San Sebastián y Zestoa, localidad en la que Baroja ejerció como médico.

Con este nuevo trabajo, Miguel Ángel Calvo Buttini continúa su particular recorrido cinematográfico por algunas de las grandes figuras de la literatura española. Después de acercarse a Benito Pérez Galdós en El siglo de Galdós y a Emilia Pardo Bazán en Emilia, el director vuelve a explorar la relación entre literatura, memoria y cine, utilizando en esta ocasión una estructura que permite hacer dialogar directamente al pasado con el presente.

Habiendo sido seleccionado en el prestigioso mercado internacional Sunny Side of the doc, su estreno del 30 de octubre de 2026, coincidiendo con el 70º aniversario de la muerte de Pío Baroja, se convierte en una oportunidad para volver a encontrarse con un autor cuya obra y pensamiento siguen interpelando al lector contemporáneo.

Setenta años después de su muerte, Baroja vuelve a hablar. Esta vez, a través del cine.

"KARATEKA" - ENTREVISTA A ARITZ MORENO Y ANDREA ROS

Karateka, la nueva película de Aritz Moreno (Ventajas de viajar en tren), inspirada en la extraordinaria historia de Sandra Sánchez, la mujer que desafió todas las convenciones para convertirse en la mejor karateka de todos los tiempos, se estrena en cines este viernes. La película fue presentada en el Festival de San Sebastián ante más de 2.000 espectadores en el Velódromo, donde recibió un aplauso de más de diez minutos tras la proyección.

En palabras de Sandra Sánchez: "Hay momentos que cuesta explicar con palabras. Estar en el Festival, ver el Velódromo lleno y sentir cómo miles de personas se emocionaban con una historia que durante tantos años fue tan profundamente mía ❤️‍🩹… Karateka habla de sueños, pero también de heridas, de miedos, de caídas y de todas esas veces en las que tienes que volver a reconstruirte para seguir adelante. Compartir algo tan íntimo da vértigo, pero descubrir que, al hacerlo, otras personas pueden reconocerse en una parte de tu historia hace que todo cobre un sentido diferente. Y solo puedo dar las gracias a todo el equipo que ha hecho esto posible. Ese empujon de Aritz, Andrea, Patrick, todo el equipo… En medio de aquellos aplausos me decían: 'Sandra, sal, esos aplausos son para ti'. Pero yo sabía que no eran solo para mí, eran para todos. Aun así, me regalaron ese momento. Y esa sensibilidad que tienen y esa generosidad les hace únicos... Por eso son tan buenos haciendo lo que hacen y os emocionaran detrás de la pantalla."

Un relato de perseverancia, amor y superación que viaja desde España hasta Japón y Taiwán para contar el camino que llevó a su protagonista a conquistar el oro olímpico a los 39 años. 

Más que una película sobre deporte, Karateka es una gran aventura humana. Un viaje que recorre España, Taiwán y Japón para contar la historia de una mujer que decidió desafiar todos los límites cuando parecía demasiado tarde para hacerlo. Una historia en la que conviven la competición, el humor, el descubrimiento de otras culturas, el aprendizaje junto a un maestro, una historia de amor construida desde la admiración mutua y una búsqueda constante de la excelencia. Porque detrás de cada combate hay mucho más que una medalla: hay una manera de entender la vida.

Andrea Ros es la encargada de dar vida en la gran pantalla a Sandra Sánchez desde sus inicios humildes en Talavera de la Reina, hasta el triunfo de conseguir el oro olímpico en Tokio 2020. Patrick Criado interpreta a Jesús del Moral, su entrenador y quien se convertiría en su pareja sentimental, en una combinación única de amor y admiración mutua que trasciende lo deportivo y que acaba transformando sus vidas.

Bajo la mirada de Aritz Moreno, Karateka construye un universo visual poco habitual en el cine español, combinando la espectacularidad de la competición con una puesta en escena de gran personalidad. Las secuencias rodadas en Japón, la fuerza de los combates y una fotografía muy cuidada convierten la historia de Sandra Sánchez en una experiencia cinematográfica que trasciende el biopic deportivo tradicional.

Para interpretar a estos dos deportistas de élite, Andrea Ros y Patrick Criado se sometieron a un severo cambio de hábitos y duros entrenamientos, adaptándose al estilo de vida del kárate. Sandra Sánchez y Jesús del Moral participaron activamente como asesores durante todo el proceso creativo, ayudando a trasladar a la pantalla no solo la práctica deportiva, sino también los valores y la filosofía que definen el karate.

Junto a Andrea Ros y Patrick Criado, completan el reparto, los actores españoles Ernesto Alterio, Antonio Durán "Morris", Pablo Álvarez, Pilar Castro, Vicente Vergara, Edu Ferrés, Marta Pons y Chani Martín y los actores japoneses Mizuki Yoshida, Denden, Ayako Fujitani, Katsuki Suzuki y Hoshimi Asai.

Karateka cuenta con guion de David B. Gil y Pablo Tobías Gavasa con la colaboración de Javier Gullón.

Con una combinación de emoción, humor, romance, aventura y espectaculares escenas de competición, Karateka demuestra que las grandes historias deportivas nunca hablan únicamente de deporte. Hablan de personas capaces de cambiar su destino, de relaciones que transforman una vida y de la búsqueda de un sueño que parecía imposible.

Karateka no habla de una campeona del mundo. Habla de todo lo que ocurre antes de convertirse en una leyenda.

En palabras de Aritz Moreno: "Por fin puedo compartir la historia de la mejor karateka de todos los tiempos. Una historia de amor, amistad y aventuras. Un BioEpic diseñado en lo visual y lo sonoro para disfrutar del imponente karate de Sandra a lo grande, en una sala de cine. Ya queda poco. Tomad asiento. Smile and relax."

Sinopsis: Esta es la historia de Sandra Sánchez, una mujer que nunca dejó de creer y que desafió todas las convenciones. De ser descartada por el sistema a convertirse en la mejor karateka de todos los tiempos. Con la guía de Jesús del Moral, su entrenador y compañero de vida, Sandra emprendió un viaje imposible: conquistar el oro olímpico a los 39 años y redefinir el significado de la perseverancia en un deporte donde los más veteranos se retiran a los 30 años y que siempre habían dominado los japoneses. Un relato de amor, grandeza y lucha que trasciende el Karate y se convierte en leyenda.

Karateka es una producción de Atresmedia Cine, Sr.&Sra. y Karateka A.I.E, en coproducción con Wrong Men, Apaches Entertainment y Colosé Producciones. Con la participación de Atresmedia y Netflix, la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, con el apoyo de Creative Europe MEDIA y Wallimage (La Wallonie) y la financiación del Gobierno de España-ICAA. Distribuida por Warner Bros. Pictures Spain.

Esta semana, junto a nuestra gran amiga y compañera Gemma Ribera (@comoxplicarte), y gracias a nuestras amigas de DYP Comunicación, hemos tenido la oportunidad de entrevistar al director Aritz Moreno  y a la actriz principal de la película, Andrea Ros. Este es el resultado de la entrevista:

Gemma Ribera.- Aritz, ¿Hubo algún momento en especial de la vida de Sandra Sánchez que te pareciera increíble y que pensaste "guau, aquí hay una película entre manos"?

ARITZ MORENO.- Sí, bueno, fue un poquito la visión general de todo, lo variada que era su experiencia y que todos los elementos de la misma eran como muy de película. Sobre todo, para mí el elemento importante fue que era una película de aventuras, que era una cosa que me apetecía mucho hacer, pero si me tengo que quedar con un momento, mí sería la relación de rivalidad que tiene con su máxima rival japonesa. Eso para mí fue mí determinante, esto lo tengo que contar, era algo que no lo había visto tan a menudo, esta rivalidad entendida de esta manera, como desde la admiración mutua e incluso de amistad. Eso es para mí lo que hace la peli más especial.

Carlos Penela.- Andrea, ¿Qué fue más difícil para ti, aprender a mover el cuerpo como una karateca de élite o aprender a pensar, sentir y reaccionar como alguien que lleva toda su vida luchando por un sueño?

ANDREA ROS.- Pues creo que las dos cosas. Iba de un lado a otro en cada momento del proceso. El proceso fue tan largo.. Fueron 16 meses de entrenamiento, donde claro, ahí te diría que lo difícil fue lo físico, el cuerpo, porque ahí es donde estaba, en ese punto. Pero una vez nos pusimos a rodar, se puso sobre la mesa la otra dificultad, que es hablar de todo lo que Sandra vive, porque Sandra vive muchas cosas que duelen muchísimo. En especial, yo creo que lo que más costó, lo que más fue un reto para mí o lo más doloroso para mí, fue la escena (que no destripó nada para quien lea esto, pues todo el mundo sabe porque Sandra lo ha contado) en la que ella vivió una agresión grupal. Ese día de rodaje fue un día de rodaje muy intenso porque fue de noche, una jornada muy larga, nocturna, en mitad del bosque, todo el mundo muy cansado, fueron muchas horas, era muy complejo. Cuando tocó grabar el último plano, que es cuando yo entro corriendo al coche y pego ese grito, yo me vi a las cinco de la mañana, después de toda la jornada laboral, en ese sitio tan oscuro (no os podéis imaginar lo oscuro que estaba eso), y tenía que hacer eso, como escapar de ese lugar y entrar en el coche, entrar en un lugar seguro. Ahí pensé en todas las mujeres que han vivido eso, pero especialmente en las que no lo pueden contar. Ese fue el momento más difícil del rodaje, de hecho, era incapaz de rodar ese último plano. Estaba todo el equipo esperando que yo entrara corriendo al coche y me fui corriendo al coche donde estaba Aritz, le abrí la puerta y le dije "tengo miedo". Aritz siempre ha estado a mi lado y gracias a él puedo hacer las cosas más difíciles que he hecho. Pero ahí te diría que fue el momento más complejo, contar cosas que todas entendemos bien.

Gemma Ribera.- Sandra, ¿Qué fue lo primero que quisiste preguntarle a Sandra cuando la conociste o tuviste la oportunidad de trabajar con ella?

ANDREA ROS.- Pues mira, estuve mucho tiempo sin hacerle preguntas porque al principio solo estaba observando. Pero cuando ya supe qué pregunta quería hacerle, le pregunté qué pensó ella justo antes de salir al tatami en la final de Tokio. Y ahí me dio una clave de quién es ella. Ella me dijo "yo pensé que más de lo que había entrenado no podía entrenar, entonces que si ganaba, guay, y si no, que por mí no iba a ser." Entonces creo que Sandra en esencia es esa respuesta, o sea que creo que hice una muy buena pregunta. (risas)

Carlos Penela.- Aritz, visto desde fuera, Ventajas de viajar en tren, Moscas y ahora Karateka. Has pasado de explorar los rincones más oscuros del ser humano a contar una historia profundamente luminosa. ¿Es una decisión consciente o tú sí que ves un punto de conexión con tus otras dos películas?

ARITZ MORENO.- No, yo creo que no hay una conexión, pero sí es una decisión consciente que me pasaba ya con los cortos. Normalmente en el siguiente proyecto intento hacer lo más opuesto a lo que he hecho anteriormente. Como te digo ya me pasaba con los cortos, lo acuerdo. Yo venía de hacer Bucle, que es un corto de un minuto con 23 planos en un minuto, que era un ejercicio de montaje, y el siguiente corto fue un plano secuencia. Entonces, ya sea automáticamente, formalmente o lo que sea, intento buscar eso. Yo venía de hacer dos pelis bastante oscuras y, concretamente, Moscas, que era como el retrato de una persona lo puto peor que te puedes encontrar, deleznable, y de repente encontrarme con la historia de alguien completamente admirable me llamó la atención. Aparte que también me quería como probar de si yo era capaz de emocionar, de hacer una peli que le gustase a mi madre. Por ejemplo, las dos anteriores mi madre no las recomienda bajo ningún concepto a nadie. Yo sé que eso ya lo puedo hacer y de hecho volveré enseguida, a mí es lo que me gusta. Imagínate lo que puede llegar a ser lo siguiente, porque si tiene que ser lo opuesto a Sandra, pues imagínate. Entones, como digo, quería probar si podía ser capaz de hacer una peli emocionante, es verdad que la historia de Sandra ayuda, era una muy buena base, pero sí, es una decisión consciente y no sé por qué me apetecía. Estoy como en una fase más humanista, que me durará poco, pero que está ahí. Y, efectivamente, la palabra es luminosa, porque además me pasó con Javi Aguirre, el director de foto con el que he hecho todas las pelis, y esta ha sido la única vez que nos ha pasado, estábamos en la fase de postproducción y de color, y cada vez que llegábamos al plano siempre era "más luz, un poquito más para arriba", y nos mirábamos los dos como diciendo "¿quiénes somos?", no nos reconocíamos. 

Gemma Ribera.- La trayectoria de Sandra está muy ligada también a Jesús del Moral, obviamente, que es entrenador y pareja. ¿Cómo trabajasteis los dos desde los diferentes puntos de vista de esta relación sin restar protagonismo a la carrera de Sandra y a su papel?

ARITZ MORENO.- Es que creo que fue Sandra ya la que nos marcó bastante bien el camino desde el principio, cuando yo le contacté para hacer la peli ella me dijo la peli "tiene que ser de los dos. Yo no he conseguido o no he logrado lo que he logrado, no podría haberlo hecho sin él", y al igual que él no podría haber conseguido eso sin ella. Entonces el desafío era ese, y para mí el desafío a nivel como director y puesta en escena era un poquito el equilibrar los puntos de vista y quién protagonizaba más unos momentos u otros. Pero eso me divertía mucho. Por ejemplo, en mi cabeza, para mí el viaje a Taiwán está contado desde el punto de vista de Jesús y el viaje a Japón está contado desde el punto de vista de Sandra, y tiene ese sentido a nivel también narrativo y real, quiero decir que realmente fue así: Jesús es un genio en lo suyo y está como buscando el kata perdido, y Sandra es una friki de Japón y en Japón conoce al Sensei que le cambia la vida por completo. Fue de esa manera, y por mi parte fue así y fue fácil.

ANDREA ROS.- Es que yo no les entiendo como separados, son un binomio. Sandra está donde está porque Jesús está detrás, y al revés, Jesús puede volverse así de loco e ir a perfeccionar porque tiene una máquina delante que es infinita, a Sandra da igual cuánto le pidas que va a seguir, va a seguir entrenando y va a seguir esforzándose. Yo siempre les he entendido como un binomio y así hemos trabajado Patrick y yo. Creo que eso lo hemos logrado en la película, que hay algo entre Patrick y yo de entender que es la historia de los dos, no sólo es la historia de Sandra. 

Carlos Penela.- En ese sentido, la película también cuenta una historia de amor. Un amor construido desde la admiración, la complicidad y una exigencia compartida. ¿Cómo trabajaste con Patrick Criado esa relación para transmitir no sólo desde lo sentimental, sino también desde lo deportivo, que son dos cosas que parecen inseparables en esa relación?

ANDREA ROS.- La suerte que hemos tenido Patrick y yo es que hemos pasado mucho tiempo con ellos. Eso nos ha permitido muchísima observación, cosas que no sabrías explicar, pero que a través de mirarles y mirarles van haciendo como poso, como que se va construyendo ahí de a poco. Creo que cada uno hemos hecho ese trabajo por separado de ir observándoles, y al ponerlo juntos, al mirarnos, es como que ya estaba ahí. Trabajar con Patrick yo creo que es de las cosas más fáciles que me han pasado en la vida. Precisamente por eso, porque es un actor que trabaja, se pone y te mira,  entonces si tú trabajas igual, pues ahí te encuentras. Y yo creo que lo que nos ha funcionado es todo ese tiempo que hemos compartido con ellos. Porque entonces todas las cosas que aprendíamos de ellos estaba casi en el inconsciente, ya estaba aprendido. De hecho me acuerdo un día rodando en el C.A.R., que había karatekas que conocían a Sandra de hacía mucho tiempo, se me acercaban y me decían "tía, te levantas del suelo igual que Sandra". Y yo pensaba "¿Pero cómo se levanta del suelo Sandra?", te quiero decir, no es algo que yo haya elegido copiar como actriz. Ahí yo creo que es donde se nota todo el tiempo, como que hemos ido creando sedimento a sedimento y se ha ido solidificando.

Gemma Ribera.- Aritz, ¿Cómo se recrea una final, una competición real, cuando el espectador ya sabe el resultado? ¿Cómo se encuentra esa tensión, ese dramatismo?

ARITZ MORENO.- Pues imagino que contando todo lo que rodea al resultado. A mi no me interesaba contar la historia de alguien que gana la medalla, yo quería contar todo lo demás. Y la suerte que hemos tenido es que como han estado implicados desde el minuto uno, desde la primera versión de guion, es que a mí cada detalle que me contaban de ese momento era oro puro porque a ninguno de los guionistas ni a nosotros se nos hubiese ocurrido esas cosas: el cambio de normas a última hora va a beneficiar a Japón (eso fue real), la frase absolutamente mítica que le dice antes de salir al tatami es real, la final olímpica fue el día de su aniversario de bodas (eso también es real). ¡Es que es todo de locos! Entonces, en un estadio que estaba vacío por la pandemia, etcétera, etcétera, es todo tan delirante que básicamente poco tenía que hacer. Lo que hemos hecho es estar lo más pegados posible a la realidad, porque era la versión más loca que se podía hacer de la peli. Y luego, no sé, pues a nivel también técnico, para mí la peli sí que está un poco diseñada y estructurada. Yo tenía muy claro que la final olímpica, el kata de la final, yo lo quería contar del tirón, en plano secuencia y sin cortes, en el sentido de aquí está el karate de Sandra. Entonces la peli está diseñada un poco en ese camino, donde todo el rato vamos viendo pinceladas de karate, pero no un kata completo, hasta llegar a ese momento donde encima me llevo todo el sonido para que fuera el resultado de un estadio vacío, pero también para que luzca todo eso. Yo creo que esa es mi vena vasca, en el sentido de "tengo a la mejor karateca de la historia delante de la cámara, mi trabajo es intervenir lo menos posible". Entonces fue como yo pongo la cámara aquí y lo demás lo hace ella.

Carlos Penela.- Sandra representa la perseverancia, pero también la capacidad de reinventarse cuando parece que las oportunidades se están agotando. Después de convivir durante tanto tiempo con su historia, ¿Hay algo de su filosofía vital que hayáis incorporado o a vuestra manera de ver el cine o sobre todo a vuestra manera de ver la vida?

ARITZ MORENO.- Yo te lo voy a enseñar. Este proyecto lo arranco en 2022, que es cuando me fui a Buenos Aires a rodar 'Moscas'. Ahí estábamos arrancando a escribir la primera versión de guion. Fue un trámite durillo, en general, a nivel vital. Yo por ejemplo, en Buenos Aires, durante todo ese proceso, este era mi fondo de pantalla de móvil, que es el maestro Inoue real, con su frase "Smile and relax", porque básicamente a mí cada mensaje de WhatsApp que me entraba era una movida, era infernal. Por ejemplo, cuando me llegaba uno, se encendía la pantalla y yo lo primero que leía era "Smile and Relax", y parece una tontería, pero fue una gota malaya leer eso y luego los mensajes no parecían tan graves. Es una cosa que he integrado ya en mi vida a nivel filosófico, pero vamos, 100%.

ANDREA ROS.- Yo, lo que me ha pasado al conocer a Sandra es que he conocido a alguien que se parece a mí en algunos aspectos, como que esta forma que tiene ella de no rendirse es algo que reconozco mucho en mi forma de estar en el mundo, no solo en mi trabajo, sino esta cosa de creer en algo y no parar de hacerlo hasta conseguirlo. En ese sentido ha sido muy guay llevarme a una que piensa como yo y reforzarme en que eso es posible, porque caso realmente ha conseguido llegar donde ella quería. Yo me llevo eso, su compromiso, su disciplina, su amor, su empatía... Ella tiene una capacidad de escucha en el mundo, tiene una capacidad de construir, todo el rato está creando cosas, es como infinita en ese sentido.

Gemma Ribera.- ¿Qué os gustaría que una niña que sueña con dedicarse al deporte, que tiene un referente de este tipo, se llevara al ver la película?

ANDREA ROS.- Pues que el mundo también le pertenece, que yo creo que es algo que a las niñas todo el rato se les está diciendo que no, que el mundo no es suyo, que no caben. Ya desde la forma en la que vestimos a las niñas, una niña con un vestido no puede tirarse por el tobogán, se le queda pegada a la piel, no es guay. Entonces desde niñas les estamos no cabes no cabes, el mundo no es para ti, tienes que estar todo el rato pidiendo permiso o dando las gracias. Y a mí me gustaría que las niñas o las chicas jóvenes que vieran esta peli entendieran que tienen que dejar de pedir perdón y permiso y que el mundo les pertenece igual que a sus compañeros. Ojalá sí, ojalá no duden y ojalá no se encuentren a una Federación como se encontró Sandra.

Carlos Penela.- Aritz, un aspecto crucial de la película es el sonido. ¿No puedes hablar de él?

ARITZ MORENO.- Sí, yo no tenía ni idea de karate antes de hacer esto (y sigo sin tener ni idea), pero sí que tuve mi mayor impacto la primera vez que yo conocí a Sandra. La visité en su casa y me hizo karate delante mío, y a mí lo que más me impactó en ese momento fue el sonido. Desde ese momento yo tuve claro que teníamos que trabajar esto de una manera muy especial. Es súper importante para contar la historia, sobre todo porque además, que también lo aprendí durante el proceso, no todos los karatekas suenan igual, y cómo suena Sandra, yo creo que nadie suena como ella. Entonces ha sido un trabajo muy riguroso en ese sentido. Todo el sonido de karate, incluso las respiraciones y el kiai, los gritos del kata que están en la película, esas respiraciones y esos gritos son de Sandra. Y por supuesto el restallido de la ropa, todo es el sonido que produce Sandra cuando hace un kata, que lo grabamos aparte con sonido para poder montarlo sobre las imágenes. Era un poquito también una manera de homenajearles y que estuviesen en la peli. También esta rutina diaria que tiene Patrick (Jesús en la película) de hacer el Sanchin por las mañanas, que es como un kata muy de activación, principalmente de respiración, esas respiraciones son de Jesús practicando ese Sanchin, porque cada persona practica Sanchin de una manera. Entonces yo tengo que contar cómo lo hace Sandra y cómo lo hace Jesús. Me vino un poco por una peli de Ghibli, que es 'Cuando el viento se levanta', ahí el sonido de los aviones está hecho con la boca. Ahí me dio esta idea de me gustaría que Sandra y Jesús estuviesen presentes en la peli de alguna manera, y el sonido fue una de ellas.