¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
Este viernes se estrena solo en cines Avatar: Fuego y ceniza, la esperada tercera entrega de la saga del director James Cameron.
Con Avatar: Fuego y Ceniza, James Cameron lleva al público de vuelta a Pandora en una nueva y envolvente aventura con el marine convertido en líder Na'vi Jake Sully (Sam Worthington), la guerrera Na'vi Neytiri (Zoe Saldaña) y la familia Sully. La película, con guion de James Cameron, Rick Jaffa y Amanda Silver, y una historia de James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver, Josh Friedman y Shane Salerno, también está protagonizada por Sigourney Weaver, Stephen Lang, Oona Chaplin, Cliff Curtis, Joel David Moore, CCH Pounder, Edie Falco, David Thewlis, Jemaine Clement, Giovanni Ribisi, Britain Dalton, Jamie Flatters, Trinity Jo-Li Bliss, Jack Champion, Brendan Cowell, Bailey Bass, Filip Geljo, Duane Evans, Jr. y Kate Winslet.
Avatar: Fuego y Ceniza se estrena en exclusiva en cines de todo el mundo en 3D HFR, IMAX, 4DX, SCREENX, 4DE, CINITY, ICE y otros formatos premium.
VIDA PRIVADA
Tras conseguir cambiar la imagen tópica de la madrastra con el dramedia 'Los hijos de otros', la cineasta francesa Rebecca Zlotowski vuelve con Vida privada, cuya première mundial se celebró en el pasado Festival Internacional de Cine de Cannes, en Sección Oficial Fuera de Competición. Antes de su estreno en cines, la película tuvo estreno americano en el Festival Internacional de Cine de Toronto y se presentó en Perlak del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
La dos veces ganadora del Oscar Jodie Foster protagoniza este rocambolesco y trepidante thriller emocional, con tintes de comedia e intriga y de doble fondo. Le acompañan Daniel Auteuil ('Happy End', 'Caché'), Matthieu Amalric ('La trama fenicia', 'El sol del futuro'), Virginie Efira ('Los hijos de otros', 'Benedetta') y Vincent Lacoste ('Corazones rotos', 'Los buenos profesores').
Sinopsis: La reputada psiquiatra Lilian Steiner emprende una investigación privada sobre la muerte de uno de sus pacientes, del que está convencida que ha sido asesinado.
Jodie Foster, que con Vida privada realiza su primera interpretación protagonista en francés: "Había tenido papeles secundarios en películas francesas antes, pero es verdad que tenía miedo. Lo mejor es que cuando actúo en francés, soy una persona totalmente diferente. Tengo hasta una voz mucho más aguda, pero eso sí, tengo mucha menos confianza y me frustro mucho porque no puedo expresarme tan bien. Y eso crea un nuevo tipo de personaje para mí", explica la estrella estadounidense a la que hemos visto en títulos como 'El silencio de los corderos' o 'Taxi Driver', entre otras muchas.
Para Zlotowski, trabajar con Foster ha sido cumplir un sueño: “Desde que soy estudiante fantaseaba con Jodie Foster en mis películas y ahora finalmente ha sido nuestro momento, este era el filme para ella, he construido todo el andamiaje del filme a su alrededor”, apuntó la directora.
"Hay una vida privada, una vida pública y una vida secreta", explica la cineasta. Y precisamente Vida privada indaga en todas nuestras esferas, de la pública a la privada, a partir de un oscuro y cómico misterio criminal.
Vida privada llega a los cines de la mano de Caramel Films y YouPlanet
KEEPER
Después de deslumbrar a toda la crítica y el público el verano pasado con la inquietante Longlegs, Osgood Perkins presenta su nueva película, Keeper, un oscuro viaje que llega exclusivamente a los cines españoles este viernes de la mano de DeAPlaneta.
Protagonizada por la ganadora de un Emmy, Tatiana Maslany ("She-Hulk, Abogada Hulka", "Orphan Black") y Rossif Sutherland ("El cuento de la criada", La huérfana: primer asesinato), Keeper promete convertirse en la gran película de terror de las Navidades, fascinando y estremeciendo a todos los amantes del género.
Sinopsis: Una escapada romántica a una cabaña aislada se convierte en una auténtica pesadilla cuando una presencia oscura obliga a la pareja a enfrentarse al inquietante pasado de la propiedad.
El director, Osgood Perkins, hijo del mítico protagonista de Psicosis,Anthony Perkins,ya se ha convertido en una de las voces más eclécticas y estimulantes del cine de terror estadounidense.
Tras debutar en el mundo del cine interpretando a Norman Bates de niño en Psicosis II: El regreso de Norman (1983), en 2015 presentó su ópera prima como director, La enviada de mal. Le siguieron Soy la bonita criatura que vive en esta casa (2016) y Gretel & Hansel. Un oscuro cuento de hadas (2020). Su cuarta película, Longlegs, batió múltiples récords de taquilla en Estados Unidos, superó los 100 millones de euros recaudados mundialmente y obtuvo el aplauso unánime de la crítica y público.
Después de presentar la sádica y ocurrente The Monkey el pasado mes de febrero, Perkins estrena su tercera película en menos de un año y medio. Tras la publicación de sus enigmáticos teaser tráilers, Keeper ya ha despertado la curiosidad de la prensa especializada y de un público entregado que espera con ansias la nueva propuesta de este cineasta único e infalible.
EMERGENCY EXIT
Este 17 de diciembre se cumplió el aniversario de la muerte de Marisa Paredes, una de las figuras más emblemáticas y queridas del cine español. Coincidiendo con esta fecha significativa, llega este viernes a las salas Emergency Exit, la nueva película de Lluís Miñarro, que adquiere una dimensión especialmente emotiva: se trata de la última película interpretada por Marisa Paredes, un cierre profundamente simbólico a una carrera artística excepcional.
Su interpretación, contenida y luminosa, funciona como un testamento artístico: una despedida serena y poderosa de una actriz que marcó de forma decisiva varias generaciones de espectadores, cineastas y creadoras. El filme se inscribe así, no solo como una nueva pieza en la filmografía de Miñarro, sino también como un homenaje involuntario y profundamente conmovedor a Marisa Paredes, cuya huella en el cine español permanece intacta.
Emergency Exit es una road movie coral que explora la dicotomía entre sueño y realidad, vida y muerte, desde un tono guiado por la ironía y el absurdo.
Cuenta con un reparto coral formado por Marisa Paredes, Emma Suárez, Oriol Pla Albert Pla, Francesc Orella, Gonzalo Cunill, Aida Folch, Miquel Barberà, Lu Colomina, Laia Brugarolas, las actrices y cantantes francesas Arielle Dombasle y Myriam Mézières, el brasileño Jhonattan Burjack y cuenta también con la participación de la realizadora japonesa Naomi Kawase.
Emergency Exit propone un viaje a través de la intimidad emocional de sus personajes, explorando el impulso de escapar —del lugar propio, de las circunstancias, incluso de uno mismo— y el deseo de encontrar una salida que redefina la existencia. La película combina elementos narrativos con una poderosa dimensión visual, sello característico del universo de Miñarro, en el que la experiencia cinematográfica se vive desde la sensibilidad y la libertad formal.
Con esta nueva obra, Miñarro vuelve a desplegar su mirada poética, transgresora y profundamente humana, consolidando un estilo que ha marcado su trayectoria en el cine de autor europeo.
Sinopsis: 14 personajes viajan en un vehículo misterioso del que no pueden bajar fácilmente. Durante el trayecto, fabulan sobre su identidad. Los personajes avanzan entre paisajes irreales en una travesía sorprendente entre vida y muerte, sueño y vigilia. Una tragicomedia sin certezas. Un nexo con el cine de los setenta.
Emergency Exit ha sido filmada en localizaciones de Catalunya, Tenerife y La Gomera. Es una producción de Lluis Miñarro en coproducción con El Viaje Films y cuenta con el apoyo del ICEC, la Corporació Catalana de Mitjans Audiovisuals y el Cabildo de Tenerife.
Miñarro comenta: “Mi interés en esta propuesta es el de aportar un registro singular; una visión actualizada del llamado realismo mágico que tan bien han sabido plasmar escritores como Arturo Uslar Pietri, Gabriel García Márquez, Alejo Carpentier o cineastas como Luis Buñuel, Raoul Ruiz o João César Monteiro. Hay una imaginería fascinante no representada cinematográficamente que corresponde a pintoras como Remei Varo o Leonor Carrington, a las cuales también nos aproximamos a nivel estético. Es mi interés poder ofrecer una visión personal que entronque con esta esencia del cine primigenio: sus luces y sus sombras.”
EL EXTRANJERO
El extranjero, se posiciona como favorita en los Premios Lumière con un total de 6 nominaciones en las principales categorías: Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Guión, Mejor Actor (Benjamin Voisin) Mejor Fotografía y Mejor Música.
La nueva película del director francés François Ozon se sitúa por delante de otros títulos como Nouvelle Vague de Richard Linklater (cinco nominaciones) o Dossier 137 de Dominik Moll (cuatro nominaciones), que partían como grandes competidoras, consolidando así sus buenos resultados dentro de la taquilla francesa, donde ya ha superado las 730.000 entradas.
BTEAM PICTURES estrena El extranjero tras haberse presentado mundialmente en la Sección Oficial del Festival de Venecia, donde compitió por el León de Oro y tras participar en la Sección Perlak de la 73ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
Basada libremente en la célebre novela El extranjero de Albert Camus, la película supone una reinterpretación contemporánea del texto existencialista, con el estilo provocador e íntimo que caracteriza a Ozon. Protagonizada por Benjamin Voisin (que ya colaboró con Ozon en Verano del 85) y Rebecca Marder (Fantasías de un escritor), cuenta con la participación de Denis Lavant (Holy Motors, Beau Travail) y Swann Arlaud (Anatomía de una caída).
Sinopsis: Argel, 1938. Meursault (Benjamin Voisin), un hombre tranquilo y reservado de unos treinta años, asiste al funeral de su madre sin derramar una lágrima. Al día siguiente, inicia una aventura con Marie (Rebecca Marder), una compañera de trabajo, y vuelve a su rutina con aparente normalidad. Pero su vida se ve alterada por su vecino, Raymond Sintès (Pierre Lottin), que lo involucra en sus oscuros asuntos personales. Bajo un sol sofocante, en una playa desierta, un encuentro fortuito desencadena un trágico suceso que cambiará su destino…
François Ozon (París, 1967) es uno de los directores más influyentes y versátiles del cine francés contemporáneo. Formado en La Fémis (Escuela de Cine de París), Ozon ha desarrollado una filmografía singular marcada por su capacidad para explorar las relaciones humanas, la identidad y el deseo con una mezcla de elegancia visual, ironía y profundidad emocional. Su obra abarca desde el drama intimista hasta la comedia musical y el thriller psicológico, convirtiéndolo en un autor reconocido internacionalmente.
A lo largo de su carrera ha firmado títulos emblemáticos como Sitcom (1998), Sous le sable (2000), 8 femmes (2002), Swimming Pool (2003), 5×2 (2004), Le temps qui reste (2005), Angel (2007), Ricky (2009), Potiche (2010, con la que ganó el Premio Robero Bognanno en el Festival de Venecia), Dans la maison (2012, ganadora de la Concha de Oro en San Sesbastián), Jeune & Jolie (2013), Une nouvelle amie (2014), Frantz (2016), L’amant double (2017), Grâce à Dieu (2018), Été 85 (2020) y Peter von Kant (2022), entre otros. Su cine ha sido regularmente celebrado en festivales como Cannes, Berlín y Venecia, consolidándolo como una figura esencial del panorama europeo.
Fragmentos, producida por AF, Match Point y E Media Canary, dirigida por Horacio Alcalá y escrita por Frank Ariza, la película es un drama emocional que retrata la complejidad de las relaciones humanas. La historia se construye a partir de silencios, reproches y gestos que revelan heridas profundas en dos parejas: una joven al borde del colapso y otra adulta que descubre que la felicidad también puede ser frágil.
Con un enfoque sobrio y realista, Fragmentos se adentra en los territorios del amor, la frustración, la dependencia emocional y las falsas expectativas. Una película sobre lo que no se dice, sobre el desgaste, y sobre la necesidad (o no) de salvar lo que queda.
En palabras del director Horacio Alcalá: "Fragmentos es un espejo despiadado que refleja la complejidad del amor contemporáneo. Quería crear una película que no juzgara a sus personajes, sino que los desnudara hasta mostrar sus heridas más profundas. En este paisaje volcánico de Lanzarote, donde la lava petrificada convive con la belleza, nuestros protagonistas descubren que el amor verdadero a veces requiere la valentía de soltar. Es una historia sobre la necesidad de romperse para poder reconstruirse."
Protagonizada por Emma Suárez, Manu Vega, Asia Ortega y José Luis García Pérez, la película tuvo su estreno mundial en la sección MADE IN SPAIN del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que recoge una muestra de las películas españolas del año.
Sinopsis: Diego decide poner rumbo a la roca volcánica paradisíaca con su mujer Alba para probar suerte por enésima vez en su matrimonio. Una relación sin sexualidad y discusiones continuas, de idas y venidas con personas de por medio, sin importar el daño que esto les causa. Alba permanece con su coraza cerrada, sin ver que su actitud es la causa del naufragio de su relación. Irene y Ben son los anfitriones de "La Geria", donde se hospedan. Una pareja de prometidos cuya felicidad tiende de un hilo con la llegada de sus invitados. “Siete preguntas para salvar tu matrimonio” en una revista de prensa rosa será lo que destape la verdad de ambas relaciones.
Fragmentos se estrena en cines de toda España de la mano de AF Pictures.
Esta semana, gracias a nuestr@s amig@s de DYP Comunicación, tuvimos la oportunidad de entrevistar al director de la cinta, Horacio Alcalá. Este es el resultado de la entrevista:
Carlos Penela.- Veo Fragmentos como una película que se construye como un mosaico emocional. ¿Cuál fue el primer fragmento real que detonó la necesidad de contar esta historia?
HORACIO ALCALÁ.- Bueno, en realidad es un guion de Frank Ariza. El guion ha llegado por medio de Manu Vega, que además de ser uno de los personajes principales es también productor. Yo estaba en México cuando ellos me contactaron, me llegó el guion y cuando lo estaba leyendo sentía que esas frases las había dicho yo en algún momento de mi vida, pero también que me las habían dicho a mi. Son frases y situaciones que gente allegada a mí también ha estado viviendo. Sentí que es una historia que podía contar porque he vivido cosas muy similares, y creo que la mayoría de las personas que vean la película se pueden sentir identificados con alguno de los personajes, todos hemos estado en este tipo de relaciones. A mí no me gusta hablar de relaciones tóxicas porque creo que no lo son, son simplemente situaciones que no sabemos llevar. A todo esto, nunca quise hacer los personajes como personajes buenos ni malos, sino personajes que son víctimas de sus situaciones y quizá no saben ver por lo que están pasando, el daño que hacen o el daño que les hacen.
Carlos Penela.- En ese sentido, en la película los personajes parecen sostenerse con hilos muy finos, casi invisibles. ¿Cómo trabaja con los actores para conseguir esa vulnerabilidad contenida tan física y tan silenciosa?
HORACIO ALCALÁ.- Lo primero que hicimos fue contarnos las situaciones emocionales que habíamos vivido. Una vez que nos hemos compartido todo esto, hemos hecho un trabajo muy individual con cada personaje. Solamente hemos hecho un ensayo todos juntos ya cuando estábamos en Lanzarote, precisamente porque queríamos mantener esta individualidad con los personajes. Por ejemplo, la escena de la comida que has visto es muy complicada, podría resultar muy teatral y queríamos evitar eso. Ha sido un trabajo, primero, desde lo que hemos vivido yo y los actores, y luego, muy individual.
Carlos Penela.- En la película vemos que hay situaciones en las que los personajes no hablan mucho, pero dicen muchísimo. ¿Cómo encuentras ese equilibrio entre lo que se calla y lo que se muestra? ¿Y qué papel juega para ti el silencio como herramienta dramática?
HORACIO ALCALÁ.- En mi trabajo siempre he trabajado con el silencio porque creo que el silencio dice muchas cosas. Muchas veces lo que se dice a través del silencio es más pesado que todo lo demás. Precisamente en esta película, una película de relaciones, el silencio es ensordecedor. Necesitábamos mucho de estos espacios, muchas veces porque también durante el trabajo con los propios actores, los actores decían "es que mi personaje, yo creo que aquí no diría nada." Entonces, donde había esas frases, las quitábamos.
Carlos Penela.- ¿Y cómo ha sido ese trabajo con Emma Suárez, Manu Vega, Asia OrtegayJosé Luis García Pérez?
HORACIO ALCALÁ.- Para mí ha sido maravilloso. Yo siempre quise trabajar con Emma Suárez, se ha hecho mi sueño realidad, y he aprendido muchísimo de todos ellos, han sido muy pacientes conmigo. Y sobre todo creo que para todos el hacer esta película ha sido una ejercicio de catarsis.
Carlos Penela.- El paisaje, la naturaleza, es un personaje más en la historia. ¿Puedes hablarnos de ello?
HORACIO ALCALÁ.- Cuando me llegó el guion la historia estaba planteada en un bosque. Yo sentía que en el bosque los personajes iban a tener donde protegerse. Quería llevármelos a un sitio donde no hubiese protección de ninguna manera. Conozco muy bien Lanzarote, cuando estaba leyendo el guion ya me venían a la cabeza las localizaciones de cada escena. Quería tener a los personajes caminando sobre la lava, ya que siento que lo que corre por sus venas en ese momento es lava, es un simbolismo, por supuesto, al igual que la noria representa otro simbolismo, ellos están en un área que no saben cuándo va a parar ni cómo va a parar, y sobre todo creo que estos personajes no saben en qué momento se han subido a la relación o a la novia. Como ves, es una película de simbolismos. Y en una isla, ¿a dónde se van? Están forzados a encontrarse el uno con el otro.
Carlos Penela.- En ese sentido, el montaje es esencial en esta película. ¿Cómo fue el proceso de edición? ¿Te encontraste con una película diferente a la que habías imaginado durante el rodaje?
HORACIO ALCALÁ.- Realmente no. Hemos rodado en tres semanas, no teníamos mucho tiempo, y de esas tres semanas una semana entera se ha dedicado a la escena de la comida. El montaje ha sido bastante fácil, teníamos lo justo y necesario, no hay escenas que se hayan quedado fuera. El montaje tampoco tenía mucho misterio, es decir, es muy esencial pero tampoco había mucha maniobra con el material que teníamos.
Carlos Penela.- Horacio, uno de los grandes aciertos de la película es que aborda heridas íntimas, pero sin caer en el melodrama. ¿Qué límites te marcaste para evitar que el dolor de los personajes se volviera demasiado explícito o manipulador de cara al espectador?
HORACIO ALCALÁ.- Digamos que el límite era mi propia experiencia con situaciones que había vivido. Quería que la película fuese lo más realista posible, prueba de eso es el final.¡¡¡OJO SPOILER!!!! El final no es un final feliz, es un final muy trágico. Aunque nos parezca un final feliz, es todo lo contrario, es muy trágico porque es la realidad, es así como funcionan las parejas, no voy a desvelar mucho más. pero digamos que esta película termina mal.
Carlos Penela.- Has vivido en varias partes del mundo. ¿Dirías que los fragmentos que componen las relaciones amorosas son universales?
HORACIO ALCALÁ.- Sí, no importa dónde vivas, este tipo de situaciones se dan. He vivido en más de 14 países, estuve viajando con una maleta por 7 años con el Circo del Sol. Estas situaciones se dan dentro del Circo del Sol, se dan en todos los sitios, son situaciones humanas. Esta película habla de un tema muy actual, pero es que esto siempre va a ser actual.
Carlos Penela.- Horacio, si pudieras elegir un solo fragmento, un plano, un gesto, una emoción que resuma lo que significa esa película para ti, ¿Cuál sería ese fragmento?
HORACIO ALCALÁ.- El momento en el que el personaje Irene, interpretado por Emma Suárez, dice "hemos confundido el amor con la costumbre".
Carlos Penela.- Para finalizar, ¿Qué has aprendido y con qué te quedas de haber hecho Fragmentos?
HORACIO ALCALÁ.-He aprendido que estas situaciones que en algún momento viví al final me han servido de algo. Para mí, Fragmentos ha sido una manera de sacar pequeñas espinas del corazón de situaciones que había vivido, y eso un alivio. Ahora me pregunto, si no hubiese vivido esas situaciones si "Fragmentos" tendría esa sensibilidad. Entonces, lo que me han hecho esas situaciones ha sido mejor persona también y también me han hecho mejor director.
Sinopsis: 1943. Franco ha bloqueado el paso de refugiados que huyen de la represión nazi por Los Pirineos. En la aduana de un pueblo fronterizo, Manel Grau, un funcionario con pasado republicano, decide contravenir las órdenes ayudado por Juliana, una vecina del pueblo, y Jerôme, un pasador francés. Entre todos inician una cruzada para ayudar a huir de la guerra a tanta gente como sea posible. Es entonces cuando Manel se verá atrapado en una peligrosa odisea que despertará en él y en su mujer Mercè viejos fantasmas de la todavía reciente guerra civil española.
La nueva película de Judith Colell está protagonizada por Bruna Cusí, Miki Esparbé, Asier Etxeandia, Maria Rodríguez Soto, Jordi Sànchez, Kevin Janssens y Joren Seldeslachts.
Distribuye Filmax.
FRAGMENTOS
Fragmentos, producida por AF, Match Point y E Media Canary, dirigida por Horacio Alcalá y escrita por Frank Ariza, la película es un drama emocional que retrata la complejidad de las relaciones humanas. La historia se construye a partir de silencios, reproches y gestos que revelan heridas profundas en dos parejas: una joven al borde del colapso y otra adulta que descubre que la felicidad también puede ser frágil.
Con un enfoque sobrio y realista, Fragmentos se adentra en los territorios del amor, la frustración, la dependencia emocional y las falsas expectativas. Una película sobre lo que no se dice, sobre el desgaste, y sobre la necesidad (o no) de salvar lo que queda.
En palabras del director Horacio Alcalá: "Fragmentos es un espejo despiadado que refleja la complejidad del amor contemporáneo. Quería crear una película que no juzgara a sus personajes, sino que los desnudara hasta mostrar sus heridas más profundas. En este paisaje volcánico de Lanzarote, donde la lava petrificada convive con la belleza, nuestros protagonistas descubren que el amor verdadero a veces requiere la valentía de soltar. Es una historia sobre la necesidad de romperse para poder reconstruirse."
Protagonizada por Emma Suárez, Manu Vega, Asia Ortega y José Luis García Pérez, la película tuvo su estreno mundial en la sección MADE IN SPAIN del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que recoge una muestra de las películas españolas del año.
Sinopsis: Diego decide poner rumbo a la roca volcánica paradisíaca con su mujer Alba para probar suerte por enésima vez en su matrimonio. Una relación sin sexualidad y discusiones continuas, de idas y venidas con personas de por medio, sin importar el daño que esto les causa. Alba permanece con su coraza cerrada, sin ver que su actitud es la causa del naufragio de su relación. Irene y Ben son los anfitriones de "La Geria", donde se hospedan. Una pareja de prometidos cuya felicidad tiende de un hilo con la llegada de sus invitados. “Siete preguntas para salvar tu matrimonio” en una revista de prensa rosa será lo que destape la verdad de ambas relaciones.
Fragmentos se estrena en cines de toda España de la mano de AF Pictures.
ARO BERRIA
Este viernes llega a los cines Aro Berria, la premiada ópera prima de Irati Gorostidi Agirretxe, producida por Apellaniz y de Sosa y Señor & Señora, que obtuvo una Mención Especial del Jurado en New Directors del Festival de San Sebastián y el Premio a la Mejor Fotografía en Sección Oficial Nacional del Festival de RIZOMA.
Aro Berria, distribuida en cines por ELASTICA, ahonda en el universo del anterior cortometraje de Irati Gorostidi, "Contadores", presentado en la Semana de la Crítica de Cannes.
Protagonizada por Maite Mugerza Ronse, Óscar Pascual López, Aimar Uribesalgo Urzelai, Edurne Azkarate, Jon Ander Urresti Ugalde y con la colaboración especial de Jan Cornet, Oliver Laxe y Javier Barandiaran.
Aro Berria se ambienta en el movimiento obrero de los 70 y en la reacción al desencanto político: la búsqueda de un modelo de sociedad reducido y aislado en el que poder poner en práctica los ideales políticos, ahondando en las contradicciones que acarrea ese camino.
Sinopsis: Donostia, 1978. Los trabajadores de la fábrica de contadores de agua se reúnen en asamblea para debatir una huelga que finalmente no prospera. Decepcionados, los más inconformistas dirigen sus aspiraciones de transformación radical hacia ámbitos más íntimos. Algunos abandonan la fábrica y se integran en una comunidad aislada en las montañas, donde decenas de jóvenes emprenden una intensa búsqueda a través de experiencias catárticas compartidas.
Con Aro Berria Gorostidi sigue investigando en torno al movimiento obrero autónomo vasco y la comunidad Arco Iris, formada en 1978 por un grupo de jóvenes en Lizaso, Valle de Ultzama, a la que la directora vasca ya se había acercado en sus proyectos anteriores.
Se trata de la continuación del cortometraje "Contadores", que tuvo su estreno en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes y fue seleccionado en importantes festivales como San Sebastián (Zabaltegi-Tabakalera) o el Festival de Gijón.
En palabras de Irati Gorostidi: "Aro Berria nació cuando pregunté a mis padres por la comunidad en la que vivieron poco antes de que yo naciera. Inspirándome en su recorrido, la película sigue a un grupo de jóvenes militantes que, tras el fin del franquismo, dejan atrás la lucha obrera y se adentran en una comunidad aislada en las montañas".
Y continúa: "La película se basa en la puesta en escena de situaciones históricas, partiendo del estudio de materiales documentales de la época. Combinando la recreación histórica con una voluntad inmersiva, propone un acercamiento sensible a las situaciones representadas. Explora la relación entre las movilizaciones sociales de los 70, el sentimiento de desencanto político y el auge de las experiencias de vida en comunidad. Esta mirada concreta al momento histórico me permitió comprender el valor de aquella experiencia colectiva que condensaba, tanto los anhelos como las frustraciones de la época, y que ayuda a entender el origen de debates que siguen resonando en la sociedad actual".
Producida por Leire Apellaniz, desde las empresas Apellaniz y de Sosa y Señor & Señora, Aro Berria cuenta con la financiación del Instituto de la Cinematografía (ICAA); con el apoyo de la Diputación Foral de Gipuzkoa y Creative Europe MEDIA; y con la participación de EiTB y RTVE.
Este proyecto ha participado en el Next Step Semaine de la Critique 2023, Locarno Residency 2023, FIDLab 2023, Indie Lisboa Co-production Forum 2023, Ikusmira Berriak 2022, Abycine Lanza 2022, Start Me Up ECAM 2022, Noka Mentoring 2021, MECAS Las Palmas 2021.
BALEARIC
Balearic, el nuevo largometraje de ficción del director Ion de Sosa (Sueñan los androides, Mamántula), llega a los cines de la mano de SILENCIO CINEMA. Antes de su estreno, la película tuvo su première mundial en el Festival de Locarno y ha participado en la Sección Oficial del Festival de Sitges y en el BFI (London Film Festival). Además, acaba de pasar por la Sección Generación Mutante del FICX.
El guión está firmado por el propio director junto a Chema García Ibarra y Juan González, y entre el reparto destaca la participación de Christina Rosenvinge.
Sinopsis: Tres perros feroces mantienen prisioneros a un grupo de jóvenes en una piscina perteneciente a una lujosa casa en la que se han colado, mientras los vecinos se reúnen en una fiesta en una villa cercana para celebrar el comienzo del verano. Es la víspera de San Juan, un día propicio para la magia.
“Balearic es una película veraniega sobre las brechas intergeneracionales, la desigualdad de clases y las barreras que se crean para que ese ecosistema pueda perdurar, todo ello en medio de una tarde de verano desgarrada por un dolor que atraviesa lo que es real. La película trata sobre el pasado y el futuro: los personajes hablan de lo que han sido y de lo que serán. Los jóvenes describen las vidas que les esperan con preocupación y los mayores invierten dinero en ser los dueños del futuro.” comenta el director.
Balearic es una producción de JAIBO FILMS, UMBRACLE CINE y APELLANIZ DE SOSA en coproducción con LA FÁBRICA NOCTURNA CINEMA. Cuenta con la financiación del ICAA y el Institut Valencià de Cultura, con el apoyo del Gobierno Vasco y Filmin y la participación de À PUNT MEDIA, CREA SGR y TRIODOS.
El proyecto participó en las Residencias de la Academia del Cine y en el Mallorca Talents Lab del Atlàntida Film Fest.
Ion de Sosa (San Sebastián, 1981), director y director de fotografía formado en la escuela de cine ECAM de Madrid.
Su primer largometraje de ficción, Sueñan los androides, se estrenó en el Foro de la Berlinale en 2015 y ha disfrutado de una amplia gira tanto en festivales como en centros de arte nacionales e internacionales, incluyendo la Viennale, el Lincoln Center (Art of the Real), el Barbican Centre o el Museo Reina Sofía. Se trata de una libre adaptación de la novela «¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?» de Philip K. Dick y muestra las constantes de su cine: el uso del 16 mm, el encuadre frontal y abierto que recuerda a algunas de las obras de Clarke o Leth, la mezcla de realismo con toques de ciencia ficción, un uso muy particular del tiempo y la composición y un peculiar sentido del humor.
Estas constantes también se pueden encontrar en su trabajo como director de fotografía en las películas de Chema García Ibarra, con quien Ion de Sosa lleva años colaborando estrechamente y con quien ha codirigido el cortometraje Leyenda dorada, estrenado en Berlinale Shorts 2019 y seleccionado en festivales como San Sebastián, Ann Arbor, Palm Springs o New Directors New Films en el MoMA. Su último mediometraje, Mamántula, se estrenó en el Festival de Cine de San Sebastián en 2023, ha sido seleccionado en festivales como Rotterdam o Sitges y ha sido nominado a un premio Goya.
Como director de fotografía, Ion de Sosa ha trabajado además en películas como Aliens (2017) de Luis López Carrasco o El espíritu sagrado de Chema García Ibarra, ambas estrenadas en Locarno.
Balearic cuenta con un reparto coral formado por Lara Gallo, Elías Hwidar, Ada Tormo, Christina Rosenvinge, Paula Gala, María Llopis, Luka Peros, Sofía Asencio, Manolo Marín, Moises Richart, Pilar Guerra, Federico Madrid, Héctor Arnau, Marta Bassols, Zorion Eguileor, Lorena Iglesias y Julián Génisson (estos dos útlimos también co-guionistas de la película).
ROOFMAN: UN LADRÓN EN EL TEJADO
La nueva película del director nominado al Oscar Derek Cianfrance, sobre la historia real del delincuente Jeffrey Manchester, interpretado por Channing Tatum.
Channing Tatum (Magic Mike, Dog. Un viaje salvaje) y la actriz nominada al Oscar Kirsten Dunst (El poder del perro, Civil War), se juntan en este proyecto creando un tándem excepcional. La película, está basada en las terribles decisiones reales de un criminal que, tras robar en varios McDonald’s y fugarse de la cárcel, acaba escondiéndose en una tienda de Toys R Us durante varios meses, y rehace su vida con una mujer de la que se enamora e intenta dejar atrás su pasado... aunque el pasado siempre vuelve.
Completan el espectacular reparto el cuatro veces ganador del Emmy Peter Dinklage (Juego de tronos, Cyrano), como el encargado de la tienda Toys R Us donde se esconde nuestro protagonista, el nominado al Oscar Lakeith Stanfield, (Judas y el mesías negro, Puñales por la espalda), la cuatro veces nominada al Emmy Juno Temple (Expiación. Más allá de la pasión, Fargo, Ted Lasso), quienes interpretan a los amigos de Manchester, y el ganador del Emmy Ben Mendelsohn (Rogue One. Una historia de Star Wars, El Rey), entre otros.
ROOFMAN: Un ladrón diferente, tiene tintes de comedia, pero conserva un matiz dramático y melancólico importante, derivado de la realidad de la historia de este criminal. Y es que la necesidad agudiza el ingenio, pero puede traer consecuencias drásticas.
La película, que tendrá su estreno mundial en el próximo Festival de Toronto, llega a nuestros cines de la mano de Diamond Films.
Sinopsis: Basada en una historia real contada por un mentiroso. Chaning Tatum, Kristen Dunst y Peter Dinklage protagonizan la extraordinaria y divertida historia de Jeffrey Manchester (a quien da vida Tatum), un criminal que asaltó más de 60 McDonald's entrando por un agujero que hacía en el techo en medio de la noche. Tras ser arrestado, se escapó de prisión y vivió escondido en una tienda de Toys R Us durante seis meses.
EL SENDERO AZUL
Este viernes llega a los cines El Sendero azul, película dirigida por el cineasta brasileño Gabriel Mascaro que recibió el Oso de Plata Gran Premio del Jurado en la 75ª Berlinale y el Premio del Jurado Joven a la Mejor Película de la Sección Oficial Internacional de la 70ª SEMINCI de Valladolid.
El Sendero azul acompaña a Tereza, una mujer de 77 años que recibe una notificación oficial del gobierno para trasladarse desde el pequeño pueblo donde vive, a una remota colonia de viviendas para jubilados. Allí, podrá disfrutar de “sus últimos años” mientras las generaciones más jóvenes se concentran plenamente en ser productivos. Pero Tereza se niega a aceptar este destino impuesto y decide embarcarse en un viaje transformador por el Amazonas para cumplir un último deseo. Esto marcará su vida para siempre.
Escrita y dirigida por Gabriel Mascaro, El Sendero azul está interpretada por el popular actor brasileño Rodrigo Santoro (`300´; `Love Actually´) y la veterana Denise Weinberg en el papel de una septuagenaria que se rebela contra un destino elegido para ella por los demás y decide embarcarse en un viaje en busca de libertad. Una road movie por el Amazonas con una protagonista llena de energía y ganas de vivir, en un papel pocas veces representado en el cine. Una reivindicación de que nunca es tarde para dar un nuevo sentido a tu vida y descubrir nuevos senderos.
Gabriel Mascaro ha ganado más de 50 premios internacionales a lo largo de su carrera. En 2016, su segunda película `Boi Neon´ fue seleccionada como una de las mejores del año por el periódico The New York Times y tres años después, su tercer trabajo `Divino Amor´ se presentó en premiere mundial en la sección Panorama a competición de la Berlinale. Con El Sendero azul ha cautivado nuevamente a crítica y público a nivel internacional. Distribuye Karma Films.
KONTINENTAL'25
Sinopsis: Orsolya es alguacila en la ciudad de Cluj, en Transilvania. Fiel a su cargo, debe ejecutar el desahucio de un hombre sin techo que vive en el sótano de un edificio del centro destinado a convertirse en un hotel de lujo. Pero un suceso inesperado la confronta de pronto con sus propias contradicciones desencadenando en ella una profunda crisis moral.
Dirigida por Radu Jude, la película está protagonizada por Eszter Tompa, Gabriel Spahiu, Adonis Tanța, Oana Mardare y Șerban Pavlu.
Distribuye Atalante Cinema.
LA VIDA FUERA
La vida fuera, dirigida Mario Martone (Nostalgia) y presentada mundialmente en la Sección Oficial de la última edición del Festival de Cannes, tuvo su estreno en España en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, donde participó en Sección Oficial.
Protagonizada por Valeria Golino (Rain Man, Retrato de una mujer en llamas), Matilda de Angelis (Dracula: A Love Tale, Una librería en París) y la cantante y actriz italiana Elodie, ha recibido varios premios y nominaciones importantes, incluyendo el Nastro d'Argento a la Mejor Actriz Protagonista para Valeria Golino y el Nastro d'Argento a la Mejor Actriz de Reparto para Matilda De Angelis y para la -también cantante- Elodie, otorgados por el Sindicato Nacional de Periodistas Cinematográficos Italianos. Además, fue nominada a otros premios, como Mejor Película y Mejor Director, en la misma ceremonia.
Se trata de la adaptación cinematográfica de la novela autobiográfica de Goliarda Sapienza, L'università di Rebibbia, de 1983. La autora fue una actriz, escritora y pensadora autodidacta, fue una voz adelantada a su época. Marginada durante años por su audacia literaria y su compromiso feminista, su legado ha adquirido en las últimas décadas una relevancia creciente, convirtiéndose en símbolo de resistencia y libertad creativa. Fuori retoma ese espíritu para traducirlo al lenguaje cinematográfico contemporáneo, rindiendo homenaje a una autora que rompió silencios y abrió caminos.
Sinopsis: Una escritora acaba en prisión por un acto loco e inesperado, donde se reúne con unas jóvenes reclusas. Una vez fuera, la escritora y las otras mujeres mantienen su amistad, un auténtico vínculo que nadie más podrá entender.
La vida fuera llega a nuestros cines de la mano de AVALON.
El director de teatro y cine Mario Martone nació en Nápoles en 1959. Desde 1977 trabajó en el teatro de vanguardia, típico de la época, y fundó la compañía teatral False Movement. Las obras que dirigió con esta compañía se han convertido en referentes en el mundo del teatro, el cine y las artes visuales, por ejemplo: Tango Glacial, Le Désir pris par la queue, inspirada en Picasso, y Retour à Alphaville, de Godard. Diez años más tarde creó United Theatres, una compañía abierta a artistas de diversas disciplinas. No se limita a producir obras de teatro con esta compañía, sino que también dirige sus películas. Su primer largometraje, Death of a Neapolitan Mathematician, recibió el Premio del Jurado en Venecia en 1992. L'Amore molesto (1995) y Theatro di guerra (1998) se presentaron en Cannes. También ha dirigido varios cortometrajes, documentales y obras de teatro filmadas, entre ellas el famoso manifiesto de United Theatres, Rasoi. Desde enero de 1999 es director del Teatro de Roma. En 2022 realiza Nostalgia, adaptación cinematográfica de la novela homónima de 2016 de Ermanno Rea, protagonizada por Pierfrancesco Favino, que se presenta a concurso en el Festival de Cannes 2022. El 26 de septiembre de 2022 es seleccionada para representar a Italia en los Premios Óscar 2023. En 2023 dirige el documental sobre Massimo Troisi, Laggiù qualcuno mi ama, escrito en colaboración con Anna Pavignano, galardonado como mejor documental en los David di Donatello 2024.
QUEER ME
El largometraje documental Queer me de Irene Bailo se estrena en cines este viernes de la mano de Nueve Cartas. El film, protagonizado por la propia directora, es un testimonio íntimo, político y generacional del movimiento queer en Toulouse.
Queer me está producida por la productora aragonesa Du Cardelin Studio y la francesa Corpus Films. Además, cuenta con el apoyo del CNC (Centre national du cinéma et de l'image animée), las regiones Nouvelle - Aquitaine y Occitanie, Toulouse Métropole, el Gobierno de Aragón, el Ayuntamiento de Zaragoza, y la colaboración de ARAGÓN TV, TV7 y Kanaldude.
Sinopsis: Desde sus primeros amores adolescentes hasta el descubrimiento de la comunidad queer de Toulouse, Irene explora su relación con las normas sociales y las del propio colectivo. “Queer me” es un viaje vital, político y generacional que, a través de material de archivo, recuerdos personales y registro documental actual, construye una mirada íntima y coral del movimiento transfeminista desde la casa okupa TDB.
EL CANTO DE LAS MANOS
El canto de las manos (Song of the hands), el debut en la dirección de María Valverde, llega a nuestras salas de cine de la mano de Filmin.
La película narra la extraordinaria historia detrás de la producción de la ópera Fidelio desde la génesis del proyecto hasta su emocionante estreno en la ciudad de Caracas.
El canto de las manos recorre la vida de Jennifer, Gabriel y José, tres músicos sordos de Venezuela, que deben superar adversidades para dar vida a Fidelio de Beethoven, en su primera puesta en escena en lengua de signos, bajo la dirección del mundialmente reconocido director de orquesta, Gustavo Dudamel.
Desde su estreno en el Festival de Málaga, El canto de las manos se ha presentado en festivales como el Festival de Guadalajara (México), Atlàntida Mallorca Film Fest, Festival de Morelia, Muestra de Valencia y recientemente en el Festival In-Edit donde ha sido reconocida con el Premio del Público y Mención Especial del Jurado.
Además, el documental ha tenido su estreno internacional en Lincoln Center de Nueva York, dentro de la competición oficial de DOC NYC, en un evento apadrinado por el actor y director Bradley Cooper, y una presentación especial en Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles, que ha contado con la participación de la directora y guionista Ava DuVernay. Las premieres de Nueva York y Los Ángeles han reunido a más de 3.300 personas y han contado con la presencia de personalidades de la industria del cine nortemericano.
La película propone un viaje que descubre el poder transformador que tiene la música para la comunidad Sorda y cómo la música y el arte pueden cambiar el mundo.
Según su directora, María Valverde, “La música no es solo la inspiración y el motor en la vida de estos brillantes artistas sordos, sino también su refugio y su salvación. Esta es una historia de justicia, de como el arte transciende el visible y transforma a sus protagonistas en guías que iluminan una nueva manera de sentir la música, desde un nivel más profundo de conciencia; una declaración de libertad y dignidad”.
EL REY DE REYES
El Rey de Reyes llega a las salas tras su excelente acogida en Estados Unidos, donde la película lleva recaudado más de 60 millones de dólares, convirtiéndose en el mejor estreno de la historia para una película bíblica animada, superando el récord que mantenía “El Príncipe de Egipto” desde 1998.
Angel Studios produce esta película para toda la familia, inspirada en la tradición de Charles Dickens de contar el Evangelio a su familia cada Navidad. El Rey de Reyes presenta al propio Dickens como narrador y personaje central en la historia, relatando la vida de Jesucristo a su hijo Walter como un cuento antes de dormir. La película, que cuenta en su versión original con las voces de Kenneth Branagh, Uma Thurman, Mark Hamill, Pierce Brosnan, Roman Griffin Davis, Forest Whitaker, Ben Kingsley y Oscar Isaac, ha sido destacada por la crítica americana por su calidad artística y su capacidad de conectar con todo tipo de públicos.
Sinopsis: En la víspera de Navidad, Charles Dickens cuenta a su hijo la historia más grande jamás contada: lo que comienza como un cuento antes de dormir se convierte en un viaje que cambiará sus vidas para siempre. A través de la imaginación, el niño camina junto a Jesús, en una historia llena de aventuras, ángeles, reyes malvados y milagros.
Selecta Visión y A Contracorriente Films estrenan en cines El Rey de Reyes en su versión doblada al castellano y al catalán y subtitulada al castellano.
Escrita y dirigida por Eduardo Casanova, Silencio es una miniserie Movistar Plus+ que reimagina el mito del vampiro con una impactante puesta en escena. La serie está protagonizada por Lucía Díez, Ana Polvorosa, María León, Mariola Fuentes, Leticia Dolera, Omar Ayuso y Carolina Rubio.
Sinopsis: En las sombras de la historia, el secreto late como un pulso. Unas hermanas vampiras sobreviven a la escasez de “sangre humana limpia” debido a la Peste Negra, pero el verdadero veneno es el silencio que las rodea. Siglos después, una de sus descendientes se enfrenta al mismo conflicto en la pandemia del SIDA en España, y descubre que la condena social sigue siendo la misma. Y que el amor entre “enfermos” y “sanos”, humanas y vampiras sigue provocando el mismo terror. ¿Qué sucede cuando la eternidad se mide en siglos de silencio?
Ficha técnica
Director y guionista: Eduardo Casanova.
Producción ejecutiva: Javier Prada y Eduardo Casanova.
Productores: Javier Prada (Gamera Studios) y Reyes Velayos (Apoyo Positivo).
Coordinador de producción: Juan Mata.
Reparto: Lucía Díez, Ana Polvorosa, María León, Mariola Fuentes, Leticia Dolera, Omar Ayuso y Carolina Rubio.
Dirección de fotografía: Marino Pardo.
Montaje: Ángel Pazos.
Sonido: Dani Bravo.
Música: Joan Vilà.
Vestuario: Carolina Galiana.
Dirección de arte: Melanie Antón.
Efectos especiales: Óscar del Monte.
Efectos visuales: Daniela Castro.
Formato: 3 episodios (69' total).
En el pasado Festival de Sitges, y gracias a nuestras amigas de DYP Comunicación, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Mariola Fuentes, Carolina Rubio y Omar Ayuso. Este es el resultado de la entrevista:
Carlos Penela.- ¿Cuál fue vuestra primera reacción cuando leísteis el guion?
MARIOLA FUENTES.- Felicidad absoluta. Yo confío plenamente en Eduardo, todo su universo me parece una fantasía, me parece que está muy cercano a mí, lo entiendo mucho, creo que tiene mucho de trash y de mucho tipo de cine que a mí ya me fascinaba desde que era adolescente, tipo el cine de John Waters, todo el universo Divine, creo que tiene mucho que ver. Entonces pues yo estoy encantada de la vida pudiendo participar en toda esta locura.
CAROLINA RUBIO.- A mí me estimuló muchísimo, me hacía muchísima ilusión. Yo le dije a Edu que sí antes de haber leído nada, cuando lo leí me volvió loca y pensaba todo el rato en mi cabeza pero esto cómo se va a hacer. Participar en este proyecto ha sido una maravilla.
OMAR AYUSO.- Pues yo muy feliz porque Edu es uno de mis directores españoles favoritos, ya lo era en la universidad y el hecho de que me llamara fue tener la oportunidad de trabajar con un referente que ha conformado mi memoria cinematográfica, entonces, pues imagínate.
Carlos Penela.- ¿Sentisteis un peso especial al hablar a través de vuestros personajes y dar voz a temas que siguen siendo, alguno de ellos, tabúes sociales: el VIH, la discriminación, etc.? ¿Hubo mucho diálogo con Eduardo en este sentido?
MARIOLA FUENTES.- Sí, con Eduardo siempre hay mucho diálogo, pero yo no siento ningún peso, en absoluto. Para mí hablar de estos temas es algo muy natural. Es que yo llevo viendo el tema del VIH desde que empezó, se me han muerto muchos amigos. Para mí de hablar de esto es natural, porque además considero que ya han pasado muchísimas décadas y seguimos con el estigma, cosa que es muy absurda ya, creo que ya va siendo hora de que la gente, queémínimo que se informe un poquito y deje ya de estigmatizar a la gente como si fuera leprosa.
CAROLINA RUBIO.- Yo estoy totalmente de acuerdo con lo que ha dicho Mariola. La verdad es que no sentí un peso especial, fíjate, más que nada sentí un alivio de poder hacer una historia que hablase de esto abiertamente desde un lugar muy respetuoso y muy comprometido, sentí eso.
OMAR AYUSO.- A mí me estimuló mucho, tener la oportunidad de hacer un acto profundamente político desde una mirada y una voz absolutamente bella, esa combinación inusual, es un sueño, es que te da la vida.
Carlos Penela.- Desde temas de vestuario, maquillaje, etc. ¿Hubo alguna escena que os pusiera a prueba técnica o emocionalmente? En tu caso Omar, ¿la escena del desnudo y todo lo que pasa en ella?
MARIOLA FUENTES.- Yo creo que lo que más, a mí por lo menos, no sé si técnicamente o de tener que aguantar la risa o que no te saque de la seriedad del diálogo, los dientes, sin duda alguna. Yo me escuchaba, me daba la risa, de repente, según qué palabras pronuncias, el diente se ha caído, se te ha movido, tu compañera se ha reído, tú te has reído porque la otra le ha pasado lo mismo, estás escuchándola y te estás escuchando a ti misma, escuchas hablar a todos como familia de Rajoy, etc. Entonces, todo como complicado, pero a la vez es muy divertido.
CAROLINA RUBIO.- Para mi, la dificultad de llevar las prótesis: los ojos (no ves con un campo visual tan abierto), la nariz (no te puedes sonar los mocos), la boca, las prótesis... Todo eso fue como la gran dificultad, pero luego la verdad que los últimos días ya éramos unas profesionales y hacíamos de todo con los dedos, con la prótesis, con la boca, ya era todo para arriba, totalmente integradas.
OMAR AYUSO.- Yo te diría que se me complica lo de desnudarme, pero no, soy muy exhibicionista, por lo que esa escena no fue una complicación. Era consciente de que estábamos haciendo algo tan bonito que estaba absolutamente entregado a la causa. Tener a estas señoras detrás mía, devorándome, cayendo chorros de sangre, cantando "Muera el amor" de Rocío Jurado, mientras Edu desde el combo gritaba "Mariola, ¡a comer!", "Venga chicas, ¡cachondas como perras", "¡Viva la muerte, viva la sangre!", fue brutal. Así que, la verdad, por otro lado, yo vestido de campesinito... Es que fue muy fácil. ¡Ah!, una cosa que no he contado en ninguna entrevista: ¡Eduardo me hizo comer carne cruda!. Me empezaron a entrar arcadas y le dije a Edu, "Edu que poto", y el maricón me dice "si potas me haces padre". Pero te digo una cosa, ese plano es de lo que más orgulloso estoy de toda mi vida, el plano comiendo la carne.
Carlos Penela.- ¿Qué habéis aprendido de todo el proceso? ¿Creéis que Silencio puede marcar un punto de inflexión en el panorama audiovisual español?
OMAR AYUSO.- Pues mira, yo lo que he aprendido es que el riesgo merece la pena, y que por desgracia el riesgo exige el cuádruple de trabajo para un creador, el cuádruple de disgustos y el cuádruple de horas de comerte la cabeza, pero que el resultado es, tanto para el equipo como para el que lo ve muy agradecido. Yo creo, como fan de Eduardo, que estamos asistiendo a una madurez muy interesante de un creador que no tiene límites. Ojalá nos llame para todo lo que haga.
CAROLINA RUBIO.- Yo siempre admiro mucho a los creadores, a los directores que se comprometen con las historias que les tocan y que van más allá de lo que se lleva o los patrones que se supone que funcionan. Entonces, no sé, decir que va a marcar un antes o un después es poner una expectativa que es mejor no tener, pero sí que creo que Eduardo ha hecho algo, ha creado como que mezcla muchísimas cosas, muchísimos conceptos y que creo que lo ha hecho muy bien y que no se había hecho antes aquí nunca.
MARIOLA FUENTES.- Pues sí, yo también, no sé si "Silencio" creará un antes y un después, pero creo que Eduardo Casanova sí crea un antes y un después en lo que es toda su trayectoria y el tipo de cine que hace en este país. No sé dónde vamos a llegar con "Silencio", pero que él va a llegar a un lugar muy lejano, lo tengo claro.
