sábado, 16 de mayo de 2026

ENTREVISTA AL DIRECTOR NACHO LA CASA Y AL ESCRITOR ALEJANDRO PALOMAS - "UN HIJO"

La película Un hijo, dirigida por Nacho La Casa, se ha estrenado en cines este viernes de la mano de Filmax, tras haber tenido su premiere mundial en el prestigioso Festival Internacional de Cine de El Cairo. Nacho La Casa, productor y coguionista de 'Sevillanas de Brooklyn', productor de 'El plan' y codirector de la película de animación 'Ozzy', debuta con Un hijo en el largometraje de ficción.

La película cuenta con la participación de RTVE, Movistar+ y Canal Sur, con el apoyo de la Junta de Andalucía, la Comunidad de Madrid, la Diputación Foral de Álava y el programa Europa Creativa MEDIA, y con financiación del ICO. Las ventas internacionales de Un hijo corren a cargo de Filmax.

Protagonizada por la ganadora del Premio Goya Macarena García ('Blancanieves'), el nominado al Premio Goya Hugo Silva ('Un amor') y el debutante Ian Cortegoso, Un hijo es una producción de Capitán Araña, Guion Alto, Veleta Films AIE y Vicinema.

Juan R. Apolo firma el guion junto a Nacho La Casa a partir de la novela homónima de Alejandro Palomas, obra galardonada con el Premio Nacional de Literatura y traducida a más de 18 idiomas.

En su recorrido por festivales, Un hijo ha tenido su presencia en la Competición Oficial del Annaba Film Festival (Argelia), que se celebró del 24 al 30 de abril, considerado uno de los certámenes cinematográficos más importantes del continente africano. La película tuvo su estreno mundial dentro de la International Official Competition del Festival Internacional de Cine de El Cairo y formó parte de la Sección Oficial del Festival de Málaga. Además, ha participado recientemente en la Sección Oficial Fuera de Concurso del Barcelona Film Festival.

Sinopsis: María, una psicóloga escolar sin experiencia, intuye que tras la aparente felicidad de un niño de 8 años recién llegado al colegio se esconde un secreto de imprevisibles consecuencias. Para descubrirlo deberá descifrar lo que la mente de Guille traduce en dibujos y, además, enfrentarse a la intransigencia de su padre.

Capitán Araña es una productora audiovisual liderada por Nacho La Casa, con más de dos décadas de trayectoria en la creación y producción de contenidos cinematográficos y televisivos. Bajo la premisa de contar historias de calidad que conecten con el público, independientemente de su formato, la productora ha producido hasta la fecha seis largometrajes que han participado en festivales como San Sebastián, El Cairo, Shanghái, Mar del Plata o Málaga, entre otros, y que han recibido seis nominaciones a los Premios Goya.

En el ámbito de la animación, Capitán Araña se ha consolidado como una de las productoras de referencia en España con títulos como 'Ozzy' (2016), uno de los mayores éxitos de la animación nacional de la última década y distribuido en más de 100 territorios, y con largometrajes como 'Superklaus' (2024) y 'Norbert' (2025), ambos nominados a Mejor Película de Animación en los Premios Goya. En la actualidad, se encuentra produciendo 'Like!', su cuarto largometraje de animación.

En ficción, la productora ha firmado películas como 'El plan' (2020) y 'Sevillanas de Brooklyn' (2021), con destacada presencia en festivales nacionales como Seminci, Málaga o Sevilla, y reconocidas con nominaciones a los Premios Goya, ASECAN, Carmen y Gaudí. El 8 de mayo de 2026, la productora estrena 'Un hijo', tras su premiere mundial en la Competición Internacional Oficial del Cairo International Film Festival. Asimismo, Capitán Araña amplía además su mirada hacia el cine de no ficción con 'América Pachalum', primer largometraje documental de la productora cuyo estreno está previsto para 2026.

Guion Alto es una productora fundada en 2010 por Nacho La Casa con el objetivo de desarrollar proyectos autorales que contribuyan a fomentar el desarrollo del tejido industrial andaluz. La compañía combina su experiencia en producción y desarrollo creativo en largometrajes, series y formatos de entretenimiento con una clara vocación por impulsar coproducciones nacionales e internacionales en Andalucía. 'Un hijo' es la primera producción de largometraje que inaugura esta nueva etapa.

Gracias a nuestras amigas de Revolutionary Press hemos podido entrevistar, en el marco del BCN Film Fest, al director de la cinta, Nacho La Casa, así como al autor de la obra literaria, Alejandro PalomasÉste es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- Alejandro, cuando escribiste Un hijo, ¿en algún momento imaginaste que esta historia podía tener vida cinematográfica? 

ALEJANDRO PALOMAS.- 
Sí. Fíjate, estaba pensando esta mañana que yo la primera vez que vi a Macarena (García) en una pantalla dije "yo con esta mujer voy a hacer algo". De esto me he acordado esta mañana. Yo la vi algo en antes de 'Blancanieves' y pensé "hostia, yo quiero trabajar con alguien que tenga esa mirada", y es que Macarena tiene algo muy especial. Cuando yo empecé a escribir siempre tenía esta cosa como de "ojalá mis libros se lleven al cine"; luego eso se me pasó, y cuando escribí 'Un hijo', alguien me dijo (no se me ocurrió a mí) "hostia, esto es una peli, pero es una peli difícil". Y yo pensé, "¿peli difícil?, pues no entiendo por qué es peli difícil, porque es un niño que hace cosas". Luego me he dado cuenta gracias a él que es una peli muy difícil de hacer. Y creo que de toda mi obra 'Un hijo' es la obra más difícil de llevar a peli, pero sí, siempre hubo algo en Guille, porque siempre que estaba escribiendo lo veía en carne. Entonces sí, creo que había como una necesidad de que esta historia saliera del libro y fuera más allá.

Carlos Penela.- Nacho, ¿Qué fue lo primero que te hizo pensar 'esta historia necesita convertirse en película'?

NACHO LA CASA.- Creo que lo primero es que la historia te conmueva a ti a nivel interior, entonces eso te crea una necesidad de compartirlo desde tu lado. Eso fue lo que me impulsó a intentar levantar el proyecto.

Carlos Penela.- Planteabais el tema de la dificultad de trasladar la obra a la pantalla. En ese sentido la novela trabaja mucho desde lo no dicho y desde el mundo interior de Guille. ¿Cómo se aborda ese reto desde dos lenguajes tan distintos como la literatura y el cine, sin que en el cine pierda su esencia? Alejandro, ¿Cómo lo trabajas a nivel de escritura?, y Nacho, ¿Cómo lo has trasladado a la pantalla?

ALEJANDRO PALOMAS.- 
A nivel de escritura es más fácil porque en un libro cabe todo. En un libro tienes una cantidad de recursos que no existen en el cine. En el cine tienes que ver, es un lenguaje como más restringido, pero por otro lado en el cine luce más, y también se ve más lo que no luce. Para el creador creo que es más duro el cine que la literatura, yo tengo muchos más recursos y por eso me doy cuenta de lo bien que está la peli. Yo sufría mucho por anticipado, pensaba, ¿Cómo Nacho va a hacer esto?, la lista de cosas, las voces, etc. Yo tengo una forma de escribir muy peculiar, hablan todos en primera persona siempre, es una perspectiva complicada, y llevar eso al cine, tienes que querer mucho, mucho, muchísimo esta historia para llevarla al cine, y Nacho lo ha hecho.

NACHO LA CASA.- Si, un poco en la línea de lo que ha explicado Alejandro, en la literatura hay unas herramientas que no tenemos a la hora de plasmar en imágenes una historia. Yo creo que aquí mucho de lo que piensan, de lo que sienten los personajes, en la literatura lo puedes expresar por escrito, pero eso no se puede hacer en imagen. ¿Qué está pensando este personaje? Salvo que le hagamos aquí un bocadillo y lo dibujemos o lo visualicemos de alguna manera es imposible. Entonces, yo me detuve mucho en intentar sacar matices en la expresión de Guille (Ian Cortegoso), en cada una de sus sesiones con la psicóloga del colegio (Macarena García), en las pausas, en las miradas, en cómo él tenía que ir digiriendo ese diálogo. Y eso, como un ejemplo de lo que fui intentando trasladar a cada uno de los momentos claves de la película para que ese personaje tuviera la profundidad necesaria para conectar con el espectador y que el espectador sintiera lo que él está sintiendo. Entonces hay mucho de pausas, de miradas, de cosas que tuvimos la fortuna de contar con un chaval que supo hacerlo, porque en realidad es muy difícil.

Carlos Penela.- ¿Cómo disteis con Ian Cortegoso? Para mí Ian es la película. ¿Qué buscabas en el actor que interpreta a Guille para sostener un personaje tan complejo?

NACHO LA CASA.- 
Yo creo que cuando Alejandro creó el personaje él tendría un Guille en la cabeza, cuando yo leí el libro yo tenía otro Guille en la cabeza, y pueden ser varios tipos de Guilles, pero en este caso, aparte de que coincidía con lo que más o menos yo podía tener en la cabeza, hubo una conexión muy especial con él desde el primer día que apareció por el casting, y eso fue lo que me llevó a tomar la última decisión. Esa conexión que tuvimos intuí que me iba a ayudar mucho a moldearle y a que no tuviera resistencia a la hora de ir creando el personaje de una manera lúdica, no de una manera dramática porque estamos hablando de un chico que tenía ocho años cuando hicimos la peli.

Carlos Penela.- Alejandro, ¿reconoces a este Guille de tu libro?

ALEJANDRO PALOMAS.- Yo estuve al final del casting un poco, entonces yo ya vi cómo era, vi la mirada de él y era él, es raro, pero sí, no sé cuántas veces ocurre eso cuando se hace un casting en una peli, pero en este caso llegó y dije "¡está tan claro que es él!"

Carlos Penela.- Una de las cosas que más me gusta también de la película es que, por ejemplo, tanto Macarena García, Hugo Silva como Jesús Carroza los vemos en un registro que no suelen ser los habituales suyos, pero es que encima lo hacen todos con nota. ¿Es algo que habéis apreciado? ¿Os lo han dicho mucho?

NACHO LA CASA.- Bueno, también era un poco lo que yo pretendía, sacarles de los papeles donde se sienten más cómodos para tenerlos como más vírgenes en ese sentido, que no tuvieran los vicios que se van adquiriendo cuando interpretas más o menos el mismo papel. De hecho, por ejemplo, con Jesús me costó convencerle de que podía hacer este tipo de papeles porque él estaba como muy encasillado en género, y yo creo que él es uno de los grandes actores que tenemos en este país, creo que ha hecho un trabajo maravilloso.

Carlos Penela.- Nacho, ¿Nos puedes hablar de la fotografía de Santiago Racaj y de la música de Zeltia Montes?

NACHO LA CASA.- 
Pues mira, Santi fue algo que tenía súper claro porque me parece que es uno de los directores de fotografía que tiene más sensibilidad. Él en todo momento remó a favor de la película que yo tenía en mente. Yo antes de hacer la película hice un storyboard de toda la peli para que nos centráramos, sobre todo en los actores, y que Santi tuviera todos los planos. Antes de empezar a rodar ya sabíamos dónde iba la cámara, si tenía movimiento la cámara, si no, era luego una cuestión de afinar pequeños detalles en el set para yo aprovechar todo ese tiempo en trabajar con un niño de ocho años sobre todo. Me ha facilitado muchísimo las cosas, porque a partir de ahí, alguien de su experiencia, de la sensibilidad de Santi, con esas herramientas, es que va solo. En el caso de Zeltia, yo no quería una música que subrayara toda la parte emocional de la película, porque creo que la parte emocional la tiene que dar lo que ves y no lo que oyes. Hay compositores muy buenos que están habituados a crear música que apoyan las emociones, pero yo quería un tipo de música más sutil, más minimalista, que lo que hace es acompañar casi sin que te des cuenta de que está ahí. Zeltia me parece un talento descomunal, creo que ha conseguido exactamente lo que necesitaba la película, hecho con una orquesta de cuerda, muy contenido, no hay nada subrayado, es todo como orgánico a nivel musical. De esa manera evitamos el riesgo de que con otro tipo de música la peli resultara un pastel demasiado cargado.

Carlos Penela.- La película y la novela creo que están más de actualidad que nunca: un mundo donde cada vez más polarizado, donde las redes lo que están haciendo es que estemos desconectados no entre nosotros sino incluso de nosotros mismos, el poner en la palestra todo el tema de salud mental, cómo se lleva un duelo, el estar pendiente de nuestros hijos, si tienen algún problema, si lo saben expresar, el papel de las escuelas, de los padres y las madres... ¿Qué opináis de todo esto?

ALEJANDRO PALOMAS.- A mí es algo que me preocupa mucho, los duelos sobre todo, también me preocupan mucho todas las partes de vida de los niños que no pasan con sus padres sino que pasan en la escuela, en el ámbito escolar, la ayuda que necesitan y que a veces no tienen por parte de psicólogos. No todo el mundo tiene acceso a un psicólogo, pero sí están los orientadores y orientadoras escolares, siempre están presentes. Yo reivindico mucho eso, reivindico el acompañamiento en los más vulnerables, creo que eso es una necesidad, y sobre todo el papel de las maestras, creo que es importantísimo en este momento reivindicar el papel de profes. La docencia está tan maltratada en este momento en nuestro país... Está infravalorada, creo que hay que poner eso en la palestra y darle su lugar.

ENTREVISTA A JUAN MANUEL COTELO Y MAJO GIMENO - "LEONAS"

A Contracorriente Films estrena en cines Leonas, la nueva película dirigida por Juan Manuel Cotelo (La última cima, Tierra de María, Tengamos la Fiesta en Paz) presentada en la 29ª edición del Festival de Málaga.

La película presenta la historia en 2013, cuando Majo Gimeno descubre en Valencia una realidad invisible: miles de niños hospitalizados que afrontan la enfermedad completamente solos, sin familia a su lado. Esa constatación le llevó a fundar Mamás en Acción, una asociación que hoy, trece años después, moviliza a miles de voluntarios que operan en 54 hospitales de España bajo una sola misión: ningún niño solo.

Juan Manuel Cotelo construye un relato que, bajo una mirada optimista y cercana, apela a la capacidad del ser humano de cuidar al otro, evocando el instinto más salvaje de las personas: el amor.

La cinta, además, refleja el impacto científicamente acreditado de este acompañamiento. Participan en la película profesionales como el jefe de Pediatría del Hospital La Fe de Valencia o la dirección de Enfermería del Hospital Niño Jesús de Madrid, quienes atestiguan ante la cámara que un gesto tan simple como dar amor influye positivamente en la recuperación de los pequeños.

Producida por INFINITO + 1 y A Contracorriente Films, Leonas trasciende el relato social para convertirse en una cinta sobre el poder curativo del amor.

Sinopsis: En el corazón de la gran ciudad, un cachorro humano amenazado por gigantes: la soledad, la enfermedad, la indiferencia, la burocracia… El desenlace trágico parece inevitable. ¡Pero surge una joven con un arma secreta: su corazón de madre! Y sus rugidos alertan a otras hembras. Si una madre tiene tanto poder... ¿qué no logrará un ejército de madres? Tras 15 años de lucha feroz, ¡han salvado a miles de niños! Y no se rendirán hasta la victoria final: ningún niño solo. Ni uno. Parece ficción. Es realidad. David contra Goliat, versión siglo XXI.

Gracias a nuestras amigas de A Contracorriente Films hemos podido entrevistar al director de la cinta, Juan Manuel Cotelo, y a la Presidenta de "Mamás en Acción", Majo Gimeno. Éste es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- La película partía de una realidad muy dura. ¿En qué momento sentisteis que esta historia necesitaba ser contada públicamente?

JUAN MANUEL COTELO.- 
Mira, antes de hacer la película yo grabé una entrevista con Majo para un programa online. Cuando vimos los comentarios ya nos dimos cuenta que el tema, más que bonito, impactaba para bien. Cuando te escribe una persona diciendo "he adoptado un niño por lo que vi en esa entrevista", o conoces a personas que se han hecho de la asociación, voluntarios de 'Mamás en Acción", fue el momento de decir "hagámoslo más grande". La sensación que yo tuve es que en lo que hacen ellas está la receta que puede salvar al mundo, que puede s-a-l-v-a-r-n-o-s. A veces uno piensa que los problemas del mundo los tienen que resolver los de arriba y, de repente, te aparece gente como Majo, a pie de calle, y ves cómo están siendo eficaces con uno de problemas más graves del mundo, que tienen que ver con la falta de amor. Entonces dices, ostras, apliquemos esta receta cada uno en su vida y a ver qué pasa. Esto merece una película, el eco de estas mujeres merece ser amplificado para que luego cause el efecto en cada espectador, el que tenga que causar. No hubo una reflexión muy larga, fue una intuición, decir "hay que hacerlo, hay que contar esto".

Carlos Penela.- Una de las lecturas que yo me llevo después de ver la película es el tema de que muchas veces institucionalmente hay muchas trabas, mucha burocracia, y un poco en lo que comentas de suplir con amor al prójimo, viene un poco la idea de que el pueblo es el que salva al pueblo...

JUAN MANUEL COTELO.- Y tú has visto muy poquito de la burocracia que tuvo que vencer Majo, está súper resumida en la película, pero fueron meses de lucha. Ese es otro mensaje que me gustaba destacar: dejemos de mirar para arriba, a ver si los gobernantes, las multinacionales, los ricos, etc hacen algo, ¡haz tú algo! Ese algo no tiene que ser grande, tiene que ser pequeño y de poco alcance. Si cada uno hiciéramos algo pequeño, avanzaríamos mucho. Yo creo que esto contrarresta un poco esa mentalidad de queja, de frustración, de acusaciones... No pierdas tiempo, ¡ponte en acción! Me gusta el nombre que tienen, "Mamás en acción".

Carlos Penela.- 
Majo, cuando fundaste "Mamás en Acción". ¿Imaginaste alguna vez que aquella iniciativa acabaría convirtiéndose en una película?

MAJO GIMENO.- ¡Ni en una película, ni en dos hospitales! No, que va, que va. Es que además yo nunca emprendí, ni siquiera tuve conciencia de que estaba emprendiendo una organización. Es lo que ha ocurrido cuando hemos llegado muy lejos y he mirado hacia atrás, y no la quiero mirar mucho, porque si lo miro mucho me asusto y me voy. A "Mamás en Acción" la miro de reojo, hemos llegado aquí sin darme cuenta realmente.

Carlos Penela.- Juan Manuel, tu cine suele moverse en un territorio muy delicado, emocionar sin caer en un sentimentalismo fácil. ¿Cómo se trabaja ese equilibrio en una historia tan sensible como esta?

JUAN MANUEL COTELO.- Creo que partiendo del final, aquello que buscas, a donde quieres llegar, que es ofrecer esperanza al espectador. Si tienes claro el norte vas orientando los distintos sentimientos que afloran una película para seleccionar aquellos que dan una imagen o que comunican algo positivo. Porque un niño enfermo y solo, bueno, puedes crear un final feliz que sea "vaya, vaya, pobrecito, qué mal está todo, qué mal está este niño", y acabar la película. También puedes centrarte en la administración o centrarte en la sociedad egoísta. Entonces me dije, yo tengo que pasar por ahí, no puedo evitar el problema, pero quiero llegar a que el espectador se vaya del cine contento y esperanzado. Si tienes claro ese norte, luego creo que los sentimientos los vas ordenando y dejas fuera cosas que son muy valiosas pero que despistan. Una realidad como la de "Mamás en Acción" realmente se puede afrontar desde muchos prismas y todos son interesantes. Podríamos haber hecho una película solo sobre la batalla burocrática, hubiera sido un peliculón. O una batalla solo sobre la historia de un niño y una mamá. Todas hubieran sido buenas películas. Pero nuestra decisión fue desde el principio: hagamos que la película salpique o invite a cualquier persona a hacer algo en su vida por alguien. Y que "Mamás en Acción" sea la punta del iceberg, que lo que muestra es la capacidad que tenemos todos de amar en concreto a alguien, y que amar no sea solo un sentimiento, sino un acto de servicio. Ese ha sido un poco el único guion que había antes de empezar, el resto se ha ido construyendo solo, no había una estructura clara, íbamos acumulando material y luego decidiendo cómo ordenarlo.

Carlos Penela.- Majo, después de tantos años acompañando a niños hospitalizados, ¿Qué es lo más importante que has aprendido de los propios niños?

MAJO GIMENO.- Que e
l amor cura, eso es lo más importante. Lo veo cada vez. Puede parecer una frase así como un eslogan, pero ojalá pudieras ver lo que yo veo cada vez que entro en una habitación y hay un niño herido. Da igual lo que le pase al niño, da igual si es una apendicitis, si es un maltrato o si es una fase oncológica, no importa, porque por encima de la patología por la que está en el hospital, lo que estos niños traen es una herida enorme de falta de amor. Son niños que han sido rechazados o renunciados o tutelados por la administración porque no les han sabido cuidar. Sea por lo que sea, estos niños nunca se han sentido importantes para alguien. Lo ves cada día y no solamente cuando hablan. Por ejemplo, cuando tenemos un caso de un bebé muy pequeño y te dice el pediatra "mira, estamos en una fase peligrosa porque no come, no come y está sondado, no aprende a succionar, tenemos un reto, tiene que coger peso en poco tiempo porque hay una operación muy delicada y el niño está muy débil". Entonces empiezas a dedicarle horas, estás dándole el biberón y estás dos horas para que tome 30 ml, le enseñas a succionar con un cariño, una paciencia, tú estás agotado mentalmente y la espalda te quema, pero ves como en el siguiente turno toma un poquito más y ves como al día siguiente cuando llegas te dicen "te entro un poco más porque ayer se lo acabó", y a los cuatro días vuelves y dices "me lo han cambiado", ¡ha cogido peso!. Ahí también ves el efecto del amor, el alimento físico estaba igual en la sonda, pero el niño no cogía peso. Sin embargo, el mismo alimento cuando se administra de otra forma empieza a crear efecto y el niño empieza a coger peso, a tener una mirada, conectar y es que se me ha regalado ver esto. Eso solo lo hace el cariño que tú estás inoculando ahí. Exactamente igual, por ejemplo, con los recién nacidos que nacen con síndrome de abstinencia. Es tremendo, yo no lo había visto en mi vida, ni podía pensar que un bebé de tres kilos le temblara la barbilla a esa velocidad, y tú lo achuchas, lo aprietas, mi arma secreta son los pollitos, la canción de los pollitos. ¡Los pollitos pueden con todo, es mi arma secreta! (risas). Quiero decir que todo esto es extraordinario. Para mí lo que más he aprendido es el poder transformador del amor, y ojalá llegue un momento en el que podamos trasladar esto fuera, estoy convencida que el impacto que vemos en el hospital es igual en los equipos de trabajo, en los equipos directivos, en los profesores de colegio, en los padres de familia.

Carlos Penela.- En una época donde, por desgracia, el cinismo está a la orden del día, Leonas apuesta fundamentalmente por la ternura y por la empatía. ¿Sentís que hacer una película así hoy en día también es, de alguna manera, un acto de resistencia?

JUAN MANUEL COTELO.- Yo diría que de provocación. Lo que sí creo es que hoy hay mucho ruido, todos hablamos mucho, hablamos a la vez, te llega demasiada información por redes sociales, etc. En ese ruido hay mensajes que destacan, y son los que invitan al pesimismo: "qué mal está todo, que si las guerras, que si los virus, que si la corrupción, que si la economía, que si el precio de la vivienda", etc. Entonces, hablamos mucho de lo malo y de los malos. Cuando alguien hace algo muy malo, inmediatamente es famoso y es portada,  sabemos su nombre y apellido. No le conocíamos hasta ahora, pero ahora ya es famoso porque hizo algo mal. Entonces para mi "Leonas" sí que es una provocación a decir  "bajemos el nivel de ruido", porque estoy convencido, y esto sí que es un acto de fe total, que hay mucha más gente buena que mala, ¡mucha más! Pero los buenos no llaman la atención porque hacen las cosas sin esperar un aplauso, sin esperar un premio, un reconocimiento ni una portada. Y en el caso de las Leonas, empieza Majo, pero son miles las personas que ahora están detrás. Son miles los niños acompañados, son 54 hospitales los adheridos a la Asociación. Y, efectivamente, no se habla de ello porque es como si nos hiciéramos el harakiri con la información. Al final nosotros mismos somos adictos a lo negativo, amplificamos el efecto negativo contándolo. No mires tanto lo negativo, a tu lado tienes gente buena haciendo el bien, gente sufriendo que te necesita a ti. No tienes que irte muy lejos, no tienes que irte a otro país, a una guerra, lo tienes en tu casa, lo tienes en tu barrio, lo tienes en tu ciudad. Si este mensaje cala en una persona y en otra, y en otra y en otra, yo me doy por satisfecho. España es líder mundial de trasplantes de órganos, no ya en términos relativos, sino en términos absolutos, más que Canadá, más que Estados Unidos, más que Francia, ¿no podríamos ser entonces líderes mundiales en adopciones de niños? Yo creo que sí, lo podríamos ser. 

Carlos Penela.- ¿Qué tipo de impacto real puede tener esta película para asociaciones y proyectos sociales como "Mamás en Acción"?

JUAN MANUEL COTELO.- Es imprevisible, será un efecto obvio, va a pasar, no hay posibilidad de que no suceda. Ahora, la cantidad de bien que pueda hacer no te sé decir, pero pequeña no va a ser. Lo he visto en los tres pases que ha habido, en el Festival de Málaga, en Madrid y en Barcelona, tres pases con público. veo los comentarios que hace la gente, como aquella persona que te dice que adoptó a un niño tras ver la película, lo cual para mí es una bomba de amor. Su expansión es imprevisible, pero es real, va a impactar, va a suceder y ojalá suscite otros movimientos que no se llaman "Mamás en Acción", sino "Mamás por los Ancianos", por ejemplo.

MAJO GIMENO.- Creo que dar visibilidad a las situaciones que no se sabe que ocurren siempre es bueno, y, por ende, poder ver que hay alguien que sí que mira hacia ahí, ello siempre va a favorecer las organizaciones que trabajamos en estas situaciones, que no dejan de ser carencias sociales, que la gente no conoce y que la Administración no atiende. Sufrimos de soledad no deseada, porque en el Tercer Sector, por ejemplo, yo no quepo. No tengo un lobby en el Tercer Sector porque no comparto la forma de trabajar en general. Nos toca ser muy valientes muchas veces para no perdernos en la forma de trabajar generalista del resto de ONG's para mantener nuestros valores. Lo fácil es sostenerte de fondos públicos y acomodarte, tienes un modelo de negocio montado y dices "¿estoy haciendo un bien?" ¡Claro que sí! Pero es que yo quiero dejar de existir, es que yo no quiero hacer falta. Entonces, para eso, no puedo estar sostenida por fondos públicos porque pierdo libertad, ya no voy a trabajar para mis niños sino para donde me diga la Administración, y eso me dificulta, con lo cual no puedo vivir de fondos públicos. Me hace tener que trabajar más como una empresa y conseguir lo que necesito para poder llegar dónde mi niño necesita. Si la película nos ayuda también con la transparencia, fenomenal.

Carlos Penela.- La película tiene un título muy poderoso, Leonas, ¿Qué significa exactamente esa palabra para vosotros dentro de la historia?

JUAN MANUEL COTELO.- 
Bueno, es una palabra sugerente que no hay que explicar. Está en la mente colectiva, cuando se dice "esta persona es una leona" es un piropo que se asocia, creo yo, a la fuerza y a la ternura en igual medida. Esa mezcla de fuerza y ternura es lo que tienen las leonas y hace que se convierta en un piropo. A mí me gusta contar que yo tenía otro título (que no era especialmente bueno), era el que se me ocurrió, y cuando una de las protagonistas le pedí que se presentara como ella quisiera, "cuéntame lo que quieras de ti", le dijo, y sin dudarlo dijo "yo soy una leona", empezó a describir toda su biografía, desde que no sabe que tiene garras, hasta que las utiliza para defenderse, las utiliza para atacar y finalmente para trepar en la larga escalera de la vida y en la escalera del amor. Cuando la escuché me dije, "tengo título", lo cambié así sin decir nada. 

Carlos Penela.- Majo, convivís diariamente con historias emocionalmente muy intensas. ¿Cómo se protege una psicológicamente para poder seguir ayudando sin romperse por dentro?

MAJO GIMENO.- No te proteges, si te proteges no puedes hacerlo. Muchas veces me dicen "¿cómo lo haces para no involucrarte?". Pero es que si yo no me involucro, cómo voy a darle cariño, cómo voy a darle darle amor a ese niño/niña que lo necesita. Lo que no podemos perder de vista es nuestra misión, qué es lo está en tu mano, en la mía, en la tuya, en la de los voluntarios, y ojalá esto se lo preguntaran los políticos, porque cada uno tenemos que hacer únicamente lo que está en nuestra mano. En mi mano no está que se curen, en mi mano no está que se salven, en mi mano está que el tiempo que esté conmigo se sienta seguro, acompañado, que se sienta importante y, si puedo, hasta que se sienta querido. Si yo consigo eso he cumplido mi misión y ahí tengo que descansar. Entiendo que esa es la forma más fácil de protegerte, quiero decir, cuando tú sales del hospital y, a veces, tardas mucho rato en subir a tu casa, o te quedas en el garaje mucho rato porque tienes que llorar todo lo que necesitas sacar, porque las emociones están ahí y hay que gestionarlas y no pasa nada, pero luego vuelves a tu centro pensando "he hecho lo que estaba en mi mano y nadie me pide más, ni puedo hacer más". Creo que muchas veces lo que nos lleva a claudicar, lo que nos lleva a desesperarnos es cargar con unas maletas que no nos corresponden, vamos por la vida pensando que tenemos un poder que no tenemos, y cuando puedes mirar y decir "bueno, es que no podía hacer más", tengo que dejar de culparme y tengo que dejar de culpar a nadie, porque esta situación simplemente es como es, pero mi impacto ahí ha estado y he de agradecerlo. La mejor terapia para mí es agradecer siempre, da igual cómo tú acabes, da igual cómo te sientes después de esa reflexión, siempre, siempre, vas a tener algo que agradecer. A mí me gusta llegar ahí, agradecer lo que el niño me ha enseñado, agradecer su vida porque es buena igualmente, agradecer que hoy se me ha regalado poder servir y pensar que llegará un día en el que me tendrán que servir a mí, y entonces creo que las cosas serán más difíciles.

Carlos Penela.- 
La película pone en valor algo aparentemente sencillo, estar al lado de alguien. ¿Se está infravalorando el poder de la presencia humana en una sociedad tan acelerada y digitalizada?

JUAN MANUEL COTELO.- Tal vez no a nivel teórico, no se cuestiona a nivel teórico, pero en la práctica vamos tan despendolados que se nos olvida lo importante. No es que no queramos, sino que no nos paramos. Uno de los protagonistas, Pablo, en la película lo expresa así de un modo muy espontáneo, dice "che, párate, párate". Cuando dices que tengo que hacer esto y tengo que hacer lo otro piensa qué es lo importante, en un instante se va esa niebla y lo pillas. Tal vez lo que se nos olvida es el valor de la pausa y del silencio, que al final es lo que puedes hacer cuando estás con un enfermo, estar y escuchar. Cuántas veces también hemos oído que solamente el hecho de ser escuchado a veces disipa el problema, la facultad de ver que no era tan grave. El valor de la escucha. Esto sí creo que es importante, escuchar más, hablar menos.

MAJO GIMENO.- Yo creo que se nos ha vendido un modelo de éxito que se aleja totalmente de lo que proyecta "Leonas". Creo que la sociedad ha comprado un modelo de éxito en el que el éxito son TUS logros personales, TUS metas, alcanzar TUS objetivos, TU desarrollo personal, TU proyección, y claro, para todo eso eres tú tu propio ídolo, tienes que vivir para ti y tienes que vivir para lo que tú quieres conseguir. Yo creo que cuando tú tienes un objetivo personal está genial, porque te da fuerza para un tiempo, pero pueden pasar dos cosas, que lo consigas y entonces tienes que fijarte otro objetivo, o que no lo consigas y tengas que recalcular con el correspondiente duelo que vas a pasar ahí. En cambio, cuando tú trabajas por un propósito mayor que tú mismo el motor no se apaga nunca, porque tú quieres rendirte, tú quieres abandonar, tienes tentaciones de "guay, creo que aquí hemos llegado bien, si yo ahora me voy esto lo he dejado fenomenal. Creo que a mí me darían otra oportunidad y ganaría más y sufriría menos", pero es que en nuestro caso los niños y niñas se quedarían solos, ya está, no hay más. Entonces, creo que la sociedad vive en el modelo de éxito del yo para mí, y eso tiene una fecha de caducidad, vas a tener que seguir buscando tu propia gasolina para no apagarte. Creo que es importante que todo el mundo descubra cómo cambia tu motor, lo que a ti te lleva, lo que a ti te impulsa, cuando estás agotado, cuando no puedes más, y cuando lo haces por tus hijos no hay fin, cuando lo haces por tus padres, nunca se acaba, cuando lo haces por tu ciudad, no puedes rendirte porque sabes que hay muchas más personas que dependen de ti. Creo que sí, que es un poco acto de valentía el salir al mundo diciendo que este es el éxito cuando la sociedad está vendiendo otra cosa. Por ejemplo, en mi oficina, para que no se me olvide nunca, tengo una pizarra donde tenemos puesto en grande "no somos croquetas", es decir, no vas a gustar a todo el mundo. Ese es otro peligro, el ir perdiendo tu esencia y adaptando tu mensaje para gustar a todos, y al final te diluyes y, ¿quién eres? No lo sabes ni tú. Para mí lo más importante es esto, tener claro qué es el éxito para ti, da igual lo que diga el mundo, para ti, ¿qué es el éxito? ¿Te vale la pena tener un puesto de responsabilidad, irte a otro país a viajar, a otra ciudad, trabajar a costa de ver a tus hijos un día a la semana, un día al mes? Si es lo que a ti te mueve, fenomenal, pero igual es que lo estás haciendo por inercia y no has mirado hacia adentro, porque mirar hacia adentro incomoda. Por eso siempre digo que "Mamás en Acción" nació de una pregunta muy incómoda. Yo no buscaba emprender, yo me encontré en una situación y dije, ¿y ahora qué hago? Y eso te interpela. ¿Ahora qué vas a hacer? ¿Te vas o te quedas? Me podía haber ido, nadie me debía nada, yo no debía nada a nadie, ni nadie me pagaba, y hubiera estado bien. Las personas que han visto situaciones y no han hecho nada no son culpables de nada. Pero fíjate, si es que lo único diferente que yo hice fue quedarme, ni soy extraordinaria, ni soy una santa, ni soy súper buena, ni es que Majo es maravillosa por ello. Majo es como tú, solo que bueno, más imprudente igual. Lo único que yo hice diferente fue quedarme, pero para quedarte tienes que ser consciente de que hay una pregunta dentro de ti que tienes que responder. Y creo que la gente va evitando esas preguntas, vamos en piloto automático, proyectándonos hacia lo que la sociedad nos vende como éxito, y estoy segura de que si tú te preguntas qué no quieres mirar, ahí, ahí, empieza tu nueva etapa personal creo.

jueves, 14 de mayo de 2026

ESTRENOS DE CARTELERA - 15 DE MAYO DE 2026

UN HIJO

La película Un hijo, dirigida por Nacho La Casa, se estrena en cines  de la mano de Filmax, tras haber tenido su premiere mundial en el prestigioso Festival Internacional de Cine de El Cairo. Nacho La Casa, productor y coguionista de 'Sevillanas de Brooklyn', productor de 'El plan' y codirector de la película de animación 'Ozzy', debuta con Un hijo en el largometraje de ficción.

La película cuenta con la participación de RTVE, Movistar+ y Canal Sur, con el apoyo de la Junta de Andalucía, la Comunidad de Madrid, la Diputación Foral de Álava y el programa Europa Creativa MEDIA, y con financiación del ICO. Las ventas internacionales de Un hijo corren a cargo de Filmax.

Protagonizada por la ganadora del Premio Goya Macarena García ('Blancanieves'), el nominado al Premio Goya Hugo Silva ('Un amor') y el debutante Ian Cortegoso, Un hijo es una producción de Capitán Araña, Guion Alto, Veleta Films AIE y Vicinema.

Juan R. Apolo firma el guion junto a Nacho La Casa a partir de la novela homónima de Alejandro Palomas, obra galardonada con el Premio Nacional de Literatura y traducida a más de 18 idiomas.

En su recorrido por festivales, Un hijo ha tenido su presencia en la Competición Oficial del Annaba Film Festival (Argelia), que se celebró del 24 al 30 de abril, considerado uno de los certámenes cinematográficos más importantes del continente africano. La película tuvo su estreno mundial dentro de la International Official Competition del Festival Internacional de Cine de El Cairo y formó parte de la Sección Oficial del Festival de Málaga. Además, ha participado recientemente en la Sección Oficial Fuera de Concurso del Barcelona Film Festival.

Sinopsis: María, una psicóloga escolar sin experiencia, intuye que tras la aparente felicidad de un niño de 8 años recién llegado al colegio se esconde un secreto de imprevisibles consecuencias. Para descubrirlo deberá descifrar lo que la mente de Guille traduce en dibujos y, además, enfrentarse a la intransigencia de su padre.


Capitán Araña es una productora audiovisual liderada por Nacho La Casa, con más de dos décadas de trayectoria en la creación y producción de contenidos cinematográficos y televisivos. Bajo la premisa de contar historias de calidad que conecten con el público, independientemente de su formato, la productora ha producido hasta la fecha seis largometrajes que han participado en festivales como San Sebastián, El Cairo, Shanghái, Mar del Plata o Málaga, entre otros, y que han recibido seis nominaciones a los Premios Goya.

En el ámbito de la animación, Capitán Araña se ha consolidado como una de las productoras de referencia en España con títulos como 'Ozzy' (2016), uno de los mayores éxitos de la animación nacional de la última década y distribuido en más de 100 territorios, y con largometrajes como 'Superklaus' (2024) y 'Norbert' (2025), ambos nominados a Mejor Película de Animación en los Premios Goya. En la actualidad, se encuentra produciendo 'Like!', su cuarto largometraje de animación.

En ficción, la productora ha firmado películas como 'El plan' (2020) y 'Sevillanas de Brooklyn' (2021), con destacada presencia en festivales nacionales como Seminci, Málaga o Sevilla, y reconocidas con nominaciones a los Premios Goya, ASECAN, Carmen y Gaudí. El 8 de mayo de 2026, la productora estrena 'Un hijo', tras su premiere mundial en la Competición Internacional Oficial del Cairo International Film Festival. Asimismo, Capitán Araña amplía además su mirada hacia el cine de no ficción con 'América Pachalum', primer largometraje documental de la productora cuyo estreno está previsto para 2026.

Guion Alto es una productora fundada en 2010 por Nacho La Casa con el objetivo de desarrollar proyectos autorales que contribuyan a fomentar el desarrollo del tejido industrial andaluz. La compañía combina su experiencia en producción y desarrollo creativo en largometrajes, series y formatos de entretenimiento con una clara vocación por impulsar coproducciones nacionales e internacionales en Andalucía. 'Un hijo' es la primera producción de largometraje que inaugura esta nueva etapa.

HUGO 24

El nuevo largometraje de Luc Knowles ('Libélulas', Biznaga de Plata al Premio del Público y la Biznaga de Plata a la Mejor Interpretación Femenina ex aequo para Milena Smit y Olivia Baglivi en la Sección Zonacine ), se presentó en la Sección Oficial del Festival de Málaga (Fuera de Concurso). La película se estrenará en cines el próximo 15 de mayo distribuida por Caramel Films. Rodada el verano pasado en diferentes localizaciones del norte de Madrid, principalmente en el barrio de Tetuán, la película está protagonizada por Arón Piper ('El correo', 'Élite'), que da vida a Hugo, un joven atrapado entre la adolescencia tardía y una adultez que no espera más.

El filme transcurre en un solo día: el de su 24 cumpleaños. Una jornada contrarreloj en la que Hugo debe conseguir el dinero para pagar el alquiler antes de ser desahuciado junto a su hermana. Completan el reparto Marco Cáceres, Marta Etura, Greta Fernández y Javier Pereira.

Sinopsis: En las 24 horas previas a su cumpleaños, Hugo, un joven perdido entre la inseguridad y el vértigo a crecer, se enfrenta a un inminente desahucio y a la sensación constante de abandono. Con la ayuda de su mejor amigo, emprende una carrera contrarreloj para salvar su hogar y, sin saberlo, dar el primer paso hacia la madurez.

Hugo 24 cuenta con guion y dirección de Luc Knowles, quien vuelve al universo de los márgenes urbanos con un tono social marcado pero lleno de luz. Hugo 24 retrata una juventud que sobrevive entre alquileres imposibles, trabajos precarios y vínculos frágiles, sin perder la capacidad de soñar. El barrio de Tetuán, con sus calles de cemento, bares castizos y diversidad cultural, no es solo el telón de fondo de esta historia: es un personaje más, vivo, ruidoso, en constante transformación. La música, acompaña a Hugo en su viaje interior. Además, el propio Arón Piper firma una canción original, aportando un sello personal y emocional a la banda sonora.


La película es una producción de Clapham Films, RV Entertainment, Dadá Films, NonStop Studios y Caramel Films, con rodaje íntegro en Madrid y distribución a cargo de Caramel Films.

PIZZA MOVIES

El Cansancio, Bambina, Scorpora y Pioneros-Media Offline se complacen en presentar las primeras imágenes de Pizza Movies, la nueva comedia de Carlo Padial (Dr. Portuondo, Algo muy gordo), protagonizada por Judit Martín y Berto Romero, a partir de un guion original de Desirée de Fez, Carlos de Diego y Carlo Padial.

Judit Martín, una de las cómicas más conocidas en Catalunya por sus colaboraciones en programas como ‘Polònia’ y ‘Està passant’, recientemente descubierta por el público nacional por su intervención en la gala de los Premios Feroz, debuta en el cine de la mano de Berto Romero, uno de los cómicos más importantes a nivel nacional.

En esta comedia indie, que bebe de la comedia norteamericana de los 70-80, Padial une el ingenio y conexión de Martín y Romero, con la participación de actores y actrices como Raúl Arévalo, Joaquín Reyes, Bruna Cusí, Melina Matthews, Javier Botet, Tamar Novas, Belén Barenys, Miguel Noguera y Llimoo en una tierna y divertida comedia sobre la importancia de perseguir los sueños.

Pizza movies narra las vicisitudes de una pareja que, en plena crisis profesional, deciden dejarlo todo y montar un nuevo negocio. Pero no un negocio cualquiera…

En palabras de su equipo creativo, “Pizza Movies es una comedia alocada y muy humana sobre la importancia de perseguir los sueños y realizarse como persona, incluso cuando esos sueños parecen absurdos e imposibles”, comenta Padial. Por su parte, de Fez incide en que “la película parte del deseo de hacer una comedia positiva, feliz, alegre. Una película que sirva de vehículo a grandes actores de comedia como Berto Romero y Judit Martín, en la línea de las maravillosas comedias de Mel Brooks, Hal Ashby o Albert Brooks de finales de los 60, de los 70 e incluso de los 80, cuando la comedia americana respiraba un aire de libertad contracultural.” Por su parte, Carlos de Diego añade: “Pizza Movies se hace eco del desencanto de una generación que ha encadenado varias crisis económicas y sufre las consecuencias de la insatisfacción personal. Pizza Movies funciona como alegoría de un presente muy abrasivo donde el ser humano y sus sueños cada vez importan menos, donde no hay lugar para soñar y, por tanto, no hay lugar para el cine.”



Pizza movies es una producción de El Cansancio, Bambina, Scorpora y Pioneros-Media Offline y tiene su estreno previsto para los próximos meses.

Carlo Padial (Barcelona, 1977) es director de cine, escritor y guionista. Ha escrito y dirigido las películas Mi loco Erasmus (Greatest Hits, SL, 2012), Algo muy gordo (Zeta Cinema, 2017) y Vosotros sois mi película (Youplanet Pictures 2019).

También es el director y co-guionista de la serie de ficción Doctor Portuondo (Filmin y La Chica de la curva, 2021) y de la serie documental Crímenes Online (Atresmedia, 2022). También ha dirigido el programa Git Gud (2023), para la productora Alguna Pregunta SL, emitido en 3Cat.

Ha publicado cuatro libros, entre ellos Contenido (2023, Blackie Books) y Doctor Portuondo (2017, Blackie Books), adaptación dirigida por él mismo en una serie producida por Filmin y La chica de la curva. También fue colaborador de Late Motiv con Andreu Buenafuente, en #0 de Movistar+ durante tres temporadas y de APM? de TV3 durante dos temporadas. Además, ha sido director de vídeo de Grupo Zeta (El Periódico, Sport, Cuore, etc.) y director de vídeo y de producción original de PlayGround. Muchos de sus vídeos han sido virales de enorme éxito, como ‘Quiero ser negro’, la serie de reportajes sobre los ‘Swaggers’, ‘Go, Ibiza, ¡Go!’ o ‘La vergüenza de existir’, entre otros.

LEONAS

A Contracorriente Films
estrena en cines Leonas, la nueva película dirigida por Juan Manuel Cotelo ("La última cima", "Tierra de María", “Tengamos la Fiesta en Paz”…) presentada en la 29ª edición del Festival de Málaga.

La película presenta la historia en 2013, cuando Majo Gimeno descubre en Valencia una realidad invisible: miles de niños hospitalizados que afrontan la enfermedad completamente solos, sin familia a su lado. Esa constatación le llevó a fundar Mamás en Acción, una asociación que hoy, trece años después, moviliza a miles de voluntarios que operan en 54 hospitales de España bajo una sola misión: ningún niño solo.

Juan Manuel Cotelo construye un relato que, bajo una mirada optimista y cercana, apela a la capacidad del ser humano de cuidar al otro, evocando el instinto más salvaje de las personas: el amor.

La cinta, además, refleja el impacto científicamente acreditado de este acompañamiento. Participan en la película profesionales como el jefe de Pediatría del Hospital La Fe de Valencia o la dirección de Enfermería del Hospital Niño Jesús de Madrid, quienes atestiguan ante la cámara que un gesto tan simple como dar amor influye positivamente en la recuperación de los pequeños.

Producida por INFINITO + 1 y A Contracorriente Films, Leonas trasciende el relato social para convertirse en una cinta sobre el poder curativo del amor.

SinopsisEn el corazón de la gran ciudad, un cachorro humano amenazado por gigantes: la soledad, la enfermedad, la indiferencia, la burocracia… El desenlace trágico parece inevitable. ¡Pero surge una joven con un arma secreta: su corazón de madre! Y sus rugidos alertan a otras hembras. Si una madre tiene tanto poder... ¿qué no logrará un ejército de madres? Tras 15 años de lucha feroz, ¡han salvado a miles de niños! Y no se rendirán hasta la victoria final: ningún niño solo. Ni uno. Parece ficción. Es realidad. David contra Goliat, versión siglo XXI.


EL BESO DE LA MUJER ARAÑA

Película dirigida por el ganador del Oscar Bill Condon (Dreamgirls, Dioses y monstruos) y protagonizada por Diego Luna (Y tu mamá también, El libro de la vida), Tonatiuh 
Elizarraraz (Equipaje de mano, Vida) y Jennifer López (Estafadoras de Wall Street, Jefa por accidente), entre otros. 

El oscarizado Bill Condon dirige esta nueva adaptación de la célebre novela de Manuel Puig, considerada una de las obras fundamentales de la literatura latinoamericana del siglo XX. Tras la inolvidable versión cinematográfica de Héctor Babenco de 1985 —que le dio el Oscar a William Hurt—, esta reinterpretación apuesta ahora por un tono mucho más cercano al musical de Broadway del que también bebe directamente la película.

Ambientada en una prisión argentina durante los años más duros de la dictadura militar, la historia sigue el encuentro entre Valentín, un preso político interpretado por Diego Luna, y Molina, un peluquero homosexual encarcelado por “escándalo público”, al que da vida Tonatiuh Elizarraraz en uno de los papeles más comentados del año. Para escapar del horror cotidiano, Molina se refugia en las películas imaginarias protagonizadas por una diva clásica llamada Aurora, interpretada por Jennifer Lopez.

Precisamente Jennifer Lopez se convierte aquí en uno de los grandes atractivos del proyecto. Lejos de su faceta más comercial, la actriz y cantante parece encontrar en Aurora uno de los personajes más sofisticados y teatrales de toda su carrera, combinando glamour clásico, melodrama y números musicales con una presencia casi fantasmal dentro del relato. Algunas de las primeras críticas internacionales ya hablan de una de sus interpretaciones más arriesgadas hasta la fecha.

Condon apuesta por una puesta en escena que alterna la crudeza carcelaria con secuencias musicales de inspiración claramente hollywoodiense, evocando el Technicolor clásico y el cine escapista de los años cuarenta y cincuenta. El resultado, según las primeras impresiones tras su paso por Sundance, es un musical adulto, político y emocionalmente muy ambicioso.


Más allá de su componente romántico o musical, El beso de la mujer araña habla sobre identidad, resistencia, imaginación y supervivencia emocional. Sobre cómo el cine, incluso dentro de una celda, puede convertirse en refugio, en arma política y en una forma de seguir soñando cuando todo alrededor parece derrumbarse. Llega a nuestras pantallas de la mano de Sony Pictures.

MOVIDA CELESTIAL

Os presentamos una comedia fresca y gamberra, llena de humor absurdo, escrita dirigida y coprotagonizada por el reconocido comediante y habitual doblador en series y películas de animación Aziz Ansari (Parks & Recreation, Master of None) en su debut como director.

Seth Rogen (The Studio), Keanu Reeves (Ballerina, John Wick 4), Keke Palmer (¡Nop!), Sandra Oh (Killing Eve), y, el propio Ansari completan el reparto de esta divertidísima fantasía moderna en la que el ángel Gabriel, insatisfecho con realizar pequeños actos de intervención divina, intenta mejorar la vida de varios mortales en apuros.

Lionsgate presenta Movida Celestial en asociación con Media Capital Technologies, una producción de Garam Fiilms / Keep Your Head /Yang Pictures.

Movida Celestial es un sátira irónica sobre nuestra época de crecientes desigualdades sociales que el 15 de mayo llegará a los cines españoles de la mano de Vértice 360.

SinopsisGabriel (Keanu Reeves), un ángel bienintencionado, pero bastante inepto, baja a la Tierra con el propósito de ayudar a Arj (Aziz Ansari), un hombre que encadena trabajos temporales para sobrevivir, y Jeff (Seth Rogen), un rico inversor de capital riesgo. Aunque las intenciones del angelical Gabriel son buenas, las consecuencias de sus actos no serán las esperadas…

Movida Celestial tuvo un rodaje accidentado. Fue anunciada por primera vez en abril de 2023, y tras sufrir varios retrasos por la huelga de Hollywood de 2023, y una lesión de Reeves (una fractura de rótula), tres años después llegará a los cines de todo el mundo.

En 2024 Lionsgate presentó imágenes del filme en la CinemaCon, donde Ansari explicó que, “esta película trata sobre lo que mucha gente está viviendo: atravesar dificultades" y con la que busca revivir el género de la comedia para adultos en la pantalla grande, “quiero que la gente vuelva a ver este tipo de películas en cines, como hacíamos antes”.


Los inicios de Aziz Ansari en la industria, delante de las cámaras, los encontramos en el programa de sketches Human Giant (2007) y en la divertida serie Parks & Recreation (2009). En la gran pantalla, algunos de sus primeros papeles fueron, como aquí, junto a Seth Rogen, en películas como Juerga hasta el fin (2013) o Cuerpos de seguridad (2009).

JUGADA MAESTRA

La pregunta de siempre es… ¿puede el dinero comprar realmente la felicidad? Para nuestro protagonista, Becket Redfellow, todo apunta a que sí, y hará todo lo posible para recuperar la herencia millonaria que le fue negada al nacer.

Glen Powell se pone en el papel de un tipo carismático pero despiadado, capaz de incomodar al público mientras lo sumerge en ese tipo de laberinto amoral que te hace pensar cuál es realmente el lado bueno de la historia. Una película que desbordará los límites del género y que dejará a la audiencia debatiendo mucho después de que acaben los títulos de crédito. Powell llevaba tiempo buscando meterse en un personaje algo más profundo de lo que estaba haciendo hasta el momento, con sus actuaciones en Top Gun: Maverick, Hit Man. Asesino por casualidad y Cualquiera menos tú.

Jugada maestra tiene una absorbente trama de venganza y un ingenio afilado, con un concepto tremendamente atractivo y un reparto de personajes fantástico.

La película tiene un reparto destacado, encabezado por Glen Powell (Hit Man. Asesino por casualidad; Cualquiera menos tú), Margaret Qualley (Érase una vez en… Hollywood; La Sustancia), Ed Harris (Pollock. La vida de un creador; El show de Truman) y Topher Grace (Amenaza en el aire; Spiderman 3). La dirección corre a cargo de John Patton Ford (Emily la estafadora) en lo que supone su segundo largometraje.

Jugada Maestra se estrena solo en cines de la mano de Diamond Films.

Sinopsis: Becket Redfellow (Glen Powell) es el heredero repudiado de una familia obscenamente rica. Para recuperar la fortuna que le fue negada al nacer, llevará a cabo un ambicioso plan: eliminar a los siete familiares que se interponen en su camino, incluyendo a su propio abuelo (Ed Harris). Aunque también tendrá que lidiar con la complicada relación con Julia (Margaret Qualley), su primer amor.


EL AMIGO INESPERADO

Uno es un famoso escritor sepultado entre llamadas constantes y compromisos sociales. El otro es un imitador en ciernes, capaz de reproducir cualquier tipo de voz. Uno necesita un descanso del teléfono para poder ocuparse de lo que de verdad importa. El otro necesita trabajo. Así que... ¿por qué no usar un doble de voz para atender las múltiples llamadas? -dice uno-. ¿Por qué no aceptar el encargo más surrealista, si me va a dar dinero? -medita el otro-.

La directora Fabienne Godet parte de la exitosa novela de Luc Blanvillain, Le répondeur, para explorar en la gran pantalla un argumento que describe como "totalmente inverosímil, pero muy divertido, que da pie -asegura- a múltiples malentendidos y giros inesperados". Pero la cineasta añade capas: "Es una historia muy contemporánea que cuestiona nuestra dependencia del teléfono móvil, siempre estamos conectados con todo, excepto con nosotros mismos".

Premio del Público en el prestigioso festival de cine de comedia L'Alpe d'Huez, el film ha sido un éxito de taquilla en Francia conquistando a los espectadores por su manera de abordar, desde la comedia, asuntos como la presión social, la impostura o los límites de las mentiras llamadas "piadosas".

Tras su paso por la Sección Oficial Mosaico. Panorama Internacional del Festival de Málaga, la distribuidora Surtsey Films estrena la película en salas.

SinopsisBaptiste es un brillante imitador de famosos, pero no consigue vivir de su oficio. Un día conoce a Pierre Chozène, un famoso escritor cuya vida diaria se ve constantemente interrumpida por las llamadas de su editor, de su hija, de su ex mujer... Pierre, que necesita paz y tranquilidad para escribir su nueva novela, propone a Baptiste que se convierta en su "contestador automático", haciéndose pasar por él al teléfono... Pero las cosas se complican cuando Baptiste se mete demasiado en el personaje y empieza a tomar sus propias decisiones.


IRON MAIDEN: BURNING AMBITION

Este viernes se estrena exclusivamente en cines Iron Maiden: Burning Ambition, una película que recorre la trayectoria de la banda Iron Maiden desde sus inicios hasta su consolidación como uno de los grandes nombres de la historia de la música. La cinta cuenta además con testimonios de destacados seguidores de la banda como Javier Bardem, Lars Ulrich y Chuck D.

SinopsisCon un acceso sin precedentes a los archivos oficiales y a los recuerdos íntimos de los miembros de la banda, tanto actuales como pasados, Iron Maiden: Burning Ambition invita a los fans a experimentar uno de los viajes más icónicos de la historia de la música.

Este electrizante documental recorre, a lo largo de cinco décadas, el ascenso de la banda desde los pubs del este de Londres hasta los estadios más grandes del mundo. Con entrevistas exclusivas a los miembros del grupo y declaraciones de personas como Javier Bardem, Lars Ulrich y Chuck D, así como nuevas secuencias de Eddie, el legendario icono de la banda, la película ofrece una mirada excepcional e íntima de la visión transgresora de Iron Maiden y de su inquebrantable conexión con su fiel ejército de fans en todo el mundo.


Iron Maiden: Burning Ambition llega a nuestras pantallas de la mano de Universal Pictures.

HOKUM

Sinopsis
Cuando un novelista se recluye a una posada remota en Irlanda para esparcir las cenizas de sus padres, las historias sobre una bruja ancestral que ronda la suite nupcial empiezan a obsesionarlo. Pronto, visiones inquietantes y una desaparición inesperada lo arrastran a un enfrentamiento aterrador con los rincones más oscuros de su pasado.

Dirigida por Damian Mc Carthy, la película está protagonizada por Adam Scott, Peter Coonan, David Wilmot, Florence Ordesh, Will O’Connell y Michael Patric.

Hokum llega a nuestras pantallas de la mano de Beta Fiction Spain.


LA CHICA DEL CORO

La chica del coro, ópera prima de la realizadora eslovena Urška Djukić, llega a cines de la mano de ATALANTE. Ganadora del Premio FIPRESCI en la Sección Perspectivas de la Berlinale 2025, obtuvo 5 premios en el Festival de Cine Esloveno (incluyendo Mejor Película, Mejor Actriz Protagonista, Mejor Actor y Actriz Secundarios y Mejor Sonido).

En España, la película participó en la Sección Punto de Encuentro de la SEMINCI y en la Sección EFA del Festival de Sevilla. A lo largo de su recorrido por festivales internacionales, también fue seleccionada en el Festival de Tribeca, donde recibió el premio a la Mejor Fotografía, en el Festival de India, galardonada con el premio a Mejor Actriz (Jara Sofija Ostan), en el Festival de Nashville, de Jerusalem y de Tromsø (en este último consiguió el premio Faith in Film)

Después del éxito internacional del cortometraje La vida sexual de la abuela —ganador del European Film Award al Mejor Cortometraje en 2022—, Djukić vuelve a explorar la condición femenina desde una estética audaz y un enfoque crítico. La obra narra, presenta un relato sensible y dotado de una seductora narrativa visual. La puesta en escena, aclamada en su recorrido en festivales por lograr un exquisito equilibrio entre sensibilidad e irreverencia, opta por otorgar intimidad y respeto a sus protagonistas que, en una etapa crucial en el desarrollo de la adolescencia, se acompañan en la revelación de sus pasiones.

El corto más reciente de Urška Djukić, Granny’s Sexual Life ha ganado más de 50 premios, incluyendo el Premio de la Academia de Cine Europea a Mejor Corto en 2022 y el César a Mejor Corto de Animación en 2023. La obra anterior de Djukić también incluye el corto The Right One, parte de la antología SEE Factory Sarajevo mon amour, estrenada en la Quincena de los Realizadores de Cannes en 2019. Ese mismo año, Djukić participó en la 39ª edición de la Residencia Cannes Cinéfondation, donde desarrolló La chica del coro, que más tarde ganó el premio a mejor work-in-progress en el Les Arcs Film Festival en diciembre de 2023. La chica del coro es su primer largometraje.


SinopsisLa chica del coro es un coming-of-age sobre el despertar sexual de Lucía, una adolescente eslovena, durante su estancia en un convento con el coro de su escuela católica. Lucía tendrá que enfrentarse a las contradicciones que su fe y su naciente deseo despiertan en ella, a la vez que navega las turbulentas aguas de la amistad adolescente.

EL AMIGO SILENCIOSO

Se estrena en cines la nueva película de la cineasta húngara Ildikó Enyedi, una de las voces más singulares del cine europeo contemporáneo. Tras conquistar el Oso de Oro en Berlín con En cuerpo y alma y participar en la sección oficial de Cannes con La historia de mi mujer, la directora regresa con una propuesta tan ambiciosa como inclasificable, que además supone la primera incursión de Tony Leung en el cine de autor occidental.

Presentada en el Festival de Venecia, donde se alzó con el premio FIPRESCI y el Marcello Mastroianni a la mejor interpretación emergente para Luna Wedler, y reconocida en la Seminci (Semana Internacional de Cine de Valladolid) con la Espiga de Plata, El amigo silencioso ha sido celebrada por su capacidad para expandir los límites del lenguaje cinematográfico y ofrecer una experiencia profundamente sensorial.

SinopsisEn el corazón de un jardín botánico en una ciudad universitaria medieval de Alemania se alza un majestuoso ginkgo. Este testigo silencioso ha observado durante más de un siglo los tranquilos ritmos de la transformación a lo largo de tres vidas humanas. En 2020, un neurocientífico de Hong Kong, explorando la mente de los bebés, inicia un experimento inesperado con el viejo árbol. En 1972, un joven estudiante cambia profundamente por el simple acto de observar y conectar con un geranio. En 1908, la primera estudiante universitaria descubre, a través del lente de la fotografía, los patrones sagrados del universo ocultos en las plantas más humildes.

En El amigo silencioso, uno de los protagonistas es un majestuoso ginkgo que observa, paciente y silencioso, el paso del tiempo y las vidas que se cruzan a su alrededor, convirtiéndose en el eje de una obra que invita a replantearse nuestra relación con la naturaleza. Para dar al árbol ese peso narrativo, la dirección de fotografía fue clave: “Es difícil filmar un árbol de una manera sensual y sensible. No tiene rostro. Pasamos mucho tiempo con mi director de fotografía, Gergely Pálos, pensando en ello”, comenta la directora. El resultado es un filme hipnótico que hace del silencio y la contemplación un lenguaje en sí mismo, donde el espectador aprende a escuchar y a sentir más allá de lo evidente.

Con esta premisa, Enyedi construye una obra de marcada vocación sensorial en la que la forma es tan importante como el fondo. Cada una de sus tres líneas temporales adopta un registro visual distinto: el blanco y negro en 35mm para los comienzos del siglo XX, el grano cálido del 16mm para los años 70 y una estética digital más experimental para el presente, en el que irrumpen estallidos de color y recursos gráficos que traducen en imágenes las conexiones invisibles entre plantas y seres humanos. Una propuesta que transforma cada escena en un espacio para la contemplación y la emoción, reforzando la mirada de la directora sobre la naturaleza como un organismo vivo, complejo y profundamente interconectado.


Al frente de un reparto que incluye nombres como Léa Seydoux o Luna Wedler se encuentra Tony Leung Chiu-Wai, uno de los rostros más emblemáticos del cine asiático. Es conocido principalmente por sus interpretaciones en el cine de Wong Kar-wai ("Deseando amar", "Chungking Express", entre otros), pero también por la superproducción de Marvel "Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos", además de numerosos otros proyectos. Aquí, el actor se adentra por primera vez en el cine europeo (y de autor occidental). Enyedi escribió el papel específicamente para él, pese a las dudas iniciales de su equipo: el actor, conocido por su exigencia a la hora de elegir proyectos, aceptó el reto. “Fue una de las preparaciones más largas de mi carrera como actor”, recuerda.

Su interpretación, contenida y magnética, aporta el equilibrio necesario a una película donde incluso un árbol milenario adquiere protagonismo. Leung encarna a un neurocientífico introvertido cuya relación con el mundo natural se convierte en el eje emocional del relato. “Trabajar con Ildikó se siente como trabajar con Wong Kar-wai o Ang Lee. Los buenos directores son buenos dirigiendo a sus actores”, señala, subrayando la sensibilidad y precisión de una directora que confirma aquí su lugar entre las grandes autoras del cine contemporáneo.

GIGANTE

Sinopsis
Inspirada en la historia real del príncipe Naseem "Naz" Hamed, un boxeador británico-yemení, y su trayectoria desde unos orígenes humildes hasta convertirse en campeón del mundo y su entrenamiento con Brendan Ingle, que desempeñó un papel crucial en su triunfo.

Dirigida por Rowan Athale, la película está protagonizada por Pierce Brosnan, Doren John Farmer, Amir El-Masry, Arian Nik, Rocco Haynes, Austin Haynes, Elliot Benn e Isabelle Bonfrer.

Gigante llega a nuestras pantallas de la mano de Flins y Piniculas.


SERÁS FARRUQUITO

“Dentro de 100 años se hablará de Paco de Lucía, se hablará del cante de Camarón y se hablará del baile de Farruquito”, afirma una voz flamenca en la pantalla.

Serás Farruquito recorre la intensa y azarosa trayectoria de Juan Manuel Fernández Montoya, Farruquito, considerado “el mejor bailaor flamenco de este siglo” por The New York Times. Pero Serás Farruquito es mucho más que el retrato de un genio; es el recorrido por la historia de una de las grandes dinastías gitanas del flamenco, donde el peso del legado se transmite generación tras generación, desde el mítico abuelo Farruco, creador de un estilo único, hasta El Moreno, hijo de Farruquito y joven promesa de este arte centenario.

La película llega a los cines tras un importante recorrido por festivales internacionales que aún continúa y que incluye el prestigioso DOC NYC, donde se presentó para el mercado americano, FIPADOC en Francia, RedSea en Arabia Saudí y su preestreno español en el Festival de cine Europeo de Sevilla.

“La primera vez que presenciamos de cerca una actuación de Farruquito fue una revelación: comprendimos que estábamos ante un artista cuya genialidad entronca profundamente con una tradición antigua y poderosa. Cada uno de sus movimientos lleva el peso de una herencia cargada de historia y emoción. Aún no alcanzábamos a entender del todo cómo su linaje gitano se manifestaba en esa forma de crear y sentir el arte, pero ya intuíamos que su figura había quedado opacada por la sombra del juicio público.” Afirman los directores.

Dirigida por Santi Aguado y Reuben AtlasSerás Farruquito invita al espectador a sumergirse en el espíritu mágico y visceral del flamenco y de la cultura gitana. La película no solo retrata la grandeza artística de Farruquito, sino que también recorre las huellas profundas de una estirpe flamenca marcada por el talento, el sacrificio y la tragedia, en una búsqueda constante del eterno sucesor.

El documental propone de esta forma un juego de espejos entre generaciones: la relación que Farruquito mantuvo con su abuelo, el legendario Farruco, y la que ahora cultiva con su hijo, El Moreno, heredero natural del linaje. A través de esta transmisión del arte y la identidad, la película explora cómo el tiempo transforma, pero también perpetúa, la esencia de una familia destinada a vivir y morir por el compás. Asimismo, el documental explora las tragedias que han marcado su vida.

“El documental trata también, inevitablemente, sobre cómo la identidad gitana de Farruquito ha moldeado la forma en que ha sido percibido por el gran público. En ese sentido siempre tuvimos claro que queríamos hacer una película desde dentro: que fuera la historia de los Farruco contada por los Farruco”, destaca Santi Aguado.

En esta línea, el proyecto ha contado con el asesoramiento de la escritora y activista por los derechos del pueblo gitano Noelia Cortés, cuya mirada ha contribuido a construir un retrato respetuoso, profundo y comprometido. Serás Farruquito se convierte así en una reflexión sobre el significado de la identidad gitana y su vínculo indisoluble con el arte flamenco, entendido no solo como expresión artística, sino como una forma de resistencia y de vida.

En la pantalla, voces imprescindibles del flamenco ponen palabras a la grandeza de Farruquito. Desde la pasión de Antonio Canales, que lo describe como “una estatua de carne y sangre, la más perfecta que se ha conocido en el baile flamenco”, hasta la disección técnica de Rubén Olmo, director del Ballet Nacional de España, que afirma: “De cintura para arriba es un pájaro que vuela y de cintura para abajo un puma, algo con mucha fuerza y a la vez elegante”. Y todos coinciden en una misma idea: el legado de Farruquito es eterno.

La obra, que cuenta con la colaboración de grandes nombres del flamenco y un extraordinario equipo creativo y técnico, ha sido producida por CAPA España (la división de documentales del Grupo iZen), Jondo Productions y Documentales en Canarias, en asociación con Pandora Film Center y la participación de Movistar Plus+ que estrenará la película tras su paso por salas.

Serás Farruquito es una celebración de la fuerza, la elegancia y el arte incomparable de Farruquito, un torrente creativo que sigue inspirando generaciones, manteniendo vivo el latido del flamenco, hoy y siempre.

SinopsisSerás Farruquito cuenta el ascenso, la caída y la redención de uno de los mejores bailaores de todos los tiempos, así como el relato de una saga familiar en busca del eterno heredero. Un viaje al espíritu mágico del baile flamenco y la cultura gitana.


Sobre FARRUQUITO

Nacido en el seno de una dinastía flamenca legendaria —hijo del cantaor Juan “El Moreno”, de la bailaora Rosario “La Farruca” y nieto del mítico “El Farruco”—, Juan Manuel Fernández Montoya “Farruquito”, encarna el legado de una de las estirpes gitanas más célebre del flamenco.

Con un talento innato prodigioso, debutó en Broadway a los cuatro años, participó a los once en la icónica película Flamenco de Carlos Saura y a los quince creó Raíces Flamencas, su primer éxito internacional. Desde entonces, ha protagonizado temporadas con entradas agotadas en España, además de deslumbrar al público de fuera de nuestras fronteras- especialmente estadounidense-, protagonizando una fama creciente que le llevó incluso a ser considerado por la revista People como una de las 50 personas más bellas del mundo.

Sus producciones revolucionarias, donde también es músico y compositor, han redefinido el arte flamenco, fusionando la tradición más pura con una innovación vibrante. Ha colaborado con grandes figuras como Carlos Saura y Gustavo Dudamel, brillando en cuatro conciertos con entradas agotadas junto a la Filarmónica de Los Ángeles en el Walt Disney Concert Hall.

Como heredero de la sangre más ilustre del flamenco, Farruquito reina en los escenarios más prestigiosos del mundo, encarnando el pasado, el presente y el futuro del flamenco con una pasión, carisma y arte incomparables.






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