¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
¿Me entiendes o te lo explico?, comedia dirigida por Jordi Calvet y protagonizada por Pablo Puyol, Octavi Pujades y Santiago Urrialde se estrena en cines de la mano de Sugar Films.
La película nos presenta una comedia gamberra y políticamente incorrecta que retrata con humor y sarcasmo la España de principios de los 90, marcada por la apertura social y la normalización del colectivo LGTBIQ+. Está dirigida por Jordi Calvet y adapta la obra de teatro del mismo título estrenada en 2024, que contó con más de 100 funciones entre Madrid y Barcelona.
Pablo Puyol (Un paso adelante), Octavi Pujades (3 bodas de más) y Santiago Urrialde (Que dios nos pille confesados), que debuta en un papel protagónico, protagonizan este título del que también forman parte Mayte Rodríguez (Coppola, el representante), Cristina Medina (La que se avecina), Ciro Miró (Hierro), Miguel Lago (Lago Comedy Club), Agustín Jiménez (Un mal día lo tiene cualquiera), Mikel Herzog Jr (Asesinato para dos), Julia Creus (Merlí), Unai Liarte (Bienvenidos a Edén), Anna Senan (La que se avecina) o Macarena Gómez (La que se avecina).
La película también cuenta con importantes cameos de destacadas personalidades de la música, influencers y actores consagrados, como el regreso al cine de Bárbara Rey, la aparición de los cantantes David Bustamente, Twin Melody o Leticia Sabater, conocidos rostros televisivos como Victor Sandoval o Quique Jiménez Torito o el repostero Jordi Roca.
De este plantel también forman parte rostros como Ciro Miro ,Mari Cielo Pajares, Christina Rapado, Inma del Moral, Javier Losan, Javier Bodalo, Montse Roura, Felix El Gato, Tony Melero, Jordi Vilches, Jorge Onieva, Manu Martínez, Miquel Sitjar, Jorge Lucas, Josema Yuste, Pascual Fernández o Maria Jesús Ruiz.
En palabras del director Jordi Calvet, ¿¿Me entiendes o te lo explico? se define como “una comedia muy loca, muy políticamente incorrecta por momentos, que busca que el espectador se divierta de principio a fin. Es el retrato de una época destinada a cambiar. Recuerdo que la acción pasa en la España preolímpica. En el fondo la película es una mirada crítica sobre la España de ayer y su relación con la diversidad, los derechos LGTBIQ+ y los reflejos incómodos todavía presentes a diario”.
¿Me entiendes o te lo explico? es una producción de ÚNICO Y SINGULAR FILMS y EMEDIA CANARY PROJECTS bajo la producción ejecutiva de Carmen Aguado, Malena González y el propio director y guionista, Jordi Calvet.
Sinopsis: Primavera de 1992, Madrid, Chueca, en pleno bullicio previo a un verano que promete ser histórico para España. Pepe regenta una taberna catalana que no puede estar peor: su local está en las últimas, las deudas le quitan el sueño, y por si fuera poco, su mujer lo deja… ¡por otro! Desesperado y al borde del abismo, Pepe toma una decisión drástica. Pero sus amigos, llegan justo a tiempo para evitarlo. Y aquí es donde arranca la locura: para salvarlo —y de paso salvar el bar— le proponen darle un giro total y convertirlo en algo revolucionario para la época. Un pub de ambiente gay.
Jordi Calvet debuta como director de largometrajes después de una gran carrera como cortometrajista con más de 200 premios nacionales e internacionales desde el 2023, debutando con su primer cortometraje “Takbir”, fue candidato a los Premios Goya 2024. También ha destacado como escritor, así como director y autor de teatro.
Gracias a nuestras amigas de DYP Comunicación, hemos tenido la oportunidad de entrevistar al director de la cinta, Jordi Calvet,y al actor y actriz, Octavi Pujades y Júlia Creus.Este es el resultado de la entrevista:
Carlos Penela.- Jordi, la película nace de una obra teatral que ya había conectado con el público. ¿Qué te llevó a pensar que esta historia también podría funcionar en el cine y qué necesitabas cambiar para para adaptarla al lenguaje cinematográfico?
JORDI CALVET.- Bueno, pues eso precisamente, como el teatro funcionó bien, después de dos temporadas en Barcelona y una en Madrid, vimos claro que la historia estaba aceptada y que podía tener su éxito en cine. Básicamente, lo que ha cambiado es el lenguaje, el lenguaje es diferente. Entonces hemos puesto más localizaciones y muchos más personajes que ayudan a enriquecer la obra.
Carlos Penela.- La versión teatral original de la historia transcurría en Barcelona, en una taberna gallega. En la película nos trasladamos a Chueca y a una taberna catalana. ¿Qué te aportaba ese cambio de escenario?
JORDI CALVET.- Bien, piensa que cuando se estrenó la obra, ésta era en catalán y transcurría en Barcelona. La historia estaba centrada en la Barcelona preolímpica y en los cambios que sufrió esta ciudad. Creímos que traspasar eso a Madrid no tendría tanto sentido, así que lo adaptamos a Chueca, que sufrió también una transformación muy grande precisamente en los 90, con lo cual nos encajaba. Esta versión es la que se ha decidido mantener para toda España porque es más reconocible para todos.
Carlos Penela.- Octavi, tú ya conocías esta historia desde el teatro, llegaste a interpretar a varios personajes de la obra. ¿Cómo cambia tu manera de trabajar cuando pasas de la energía inmediata del escenario a la precisión que exige una cámara?
OCTAVI PUJADES.- Pues creo que es lo más complicado, porque el personaje ya estaba desde Barcelona, luego en Madrid también, pero después, claro, hay que adaptarse al ritmo de cine, que es donde los imperativos técnicos tienen una importancia enormemente mayor que en teatros. En teatro tienes la continuidad de contar la historia de principio a final y rescatarte cuando te equivocas o cuando pasa algo, y, en cambio en cine, todo está supeditado a un arranca-para constante, y en el que se consigue mantener el tono teniendo el personaje bien afianzado y apoyándote en el director y en el resto de compañeros.
Carlos Penela.- Júlia, tú naciste después del 92. ¿Qué fue lo que más te sorprendió al acercarte a una época en la que determinadas actitudes y prejuicios estaban mucho más normalizados?
JÚLIA CREUS.- Yo lo que llevo diciendo durante todo este tiempo es que, obviamente, oír los testimonios de compañeros que sí que lo experimentaron, precisamente de esto hace cuatro días, pero a nuestra generación nos parece muy lejano, gracias a Dios también porque ahora lo vemos y porque yo soy una generación que no ha experimentado nada de esto, y que fuimos privilegiados en poder disfrutar, amar, querer y vivir la vida de una manera mucho más libre y diferente. Entonces, para mí, obviamente, lo hago con mucho respeto, sobre todo, y lo hago también con mucha necesidad de que entendamos que esto sucedió porque mucha gente lo luchó, que de esto hace muy poco y que a veces nos olvidamos de dónde venimos y empezamos a cometer otra vez errores y a coger otra vez dinámicas que claramente no nos hacen ningún favor. Creo que es una buena manera también de recordar lo que muchos han tenido que pasar para conseguir unos derechos y poder amar libremente.
Carlos Penela.- Creo que ese es uno de los aciertos de la película, esa crítica a aquel momento. Jordi, tú has definido la película como políticamente incorrecta. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre retratar el humor y los prejuicios de 1992 y conseguir que el espectador de ahora entienda que también hay una mirada crítica detrás de estos chistes?
JORDI CALVET.- El equilibrio es muy relativo, depende de los ojos del que lo mira. Hay gente que a lo mejor entiende que no hay equilibrio. Para mí sí que lo hay. Yo creo que queda claro que es una crítica. Se habla como se habla, sin edulcorarlo, porque es como se hablaba en esa época. Claro, a los ojos de ahora, a la gente joven sobre todo, pues le choca, y dice "ostras, qué burrada acaba de decir". Pero es que en aquella época se decían, se normalizaba y no pasaba nada. Y precisamente lo bueno es que ahora nos choca y eso es lo que pretendemos, el poner ese espejo delante para que la gente se dé cuenta de qué tipo de actitudes evidentemente son odiosas, están muy mal y yo creo que la película al final lo acaba reflejando.
OCTAVI PUJADES.- Aquí el tema es que los prejuicios se retratan solos, lo que pasa es que a veces hace falta la perspectiva del tiempo. Creo que esta peli evidentemente, no es una peli reivindicativa de nada, es una película para entretener y para divertir, pero sí que es cierto que viendo de un plumazo la historia trasladada treinta y pico años atrás, y viendo que realmente hablábamos así, y que se trataba al que no era como tú con esta falta de tacto y falta de respeto, podemos ver que ahora por suerte hemos cambiado, no lo suficiente, pero se ha avanzado, así que creo que, mira, al menos te llevas eso, darnos cuenta de lo cafres que éramos en aquel entonces.
Carlos Penela.- En ese sentido Octavi, en la película aparecen personajes que hoy consideraríamos bastante desfasados. Como actor, ¿cómo consigues que el público se ría de sus contradicciones y no necesariamente comparta los prejuicios?
OCTAVI PUJADES.- Se consigue porque al final son personajes muy humanos, desde el esperpento y hasta lo grotesco que podemos ser, es una comedia muy disparatada. Al final son personajes bastante mezquinos en muchas cosas, pero es que es una película de amigos, es una 'body movie' en la que al final, al final, lo que importa es la relación que tienen entre ellos, que se respaldan entre ellos, que consiguen superar sus prejuicios en ese espacio tan cerrado y tan inmovilista en el que vivían. Y bueno, luego cada cual tiene sus consecuencias, en esta película a cada cerdo le llega su San Martín. El que más burro ha sido en un sentido es el que acaba pillando más, con lo cual, eso también está bien, es decir, se retrata una idiosincrasia y una manera de ser muy retrógrada, pero al más burro es al que le acaban pasando más cosas.
Carlos Penela.- Júlia, venimos de una época en la que muchas comedias utilizaban estereotipos que hoy miramos de otra manera. ¿Crees que vuestra generación ha aprendido a reírse de cosas diferentes o simplemente ha cambiado la forma de contar los chistes?
JÚLIA CREUS.- Yo no puedo hablar por mi generación entera porque cada uno tiene su gusto particular y su manera de afrontarlo. Siempre digo que gracias a mi profesión he desarrollado un nivel de empatía, de poder entender distintos puntos de vista, que no necesariamente tengo por qué compartir. Estoy en un momento de mi vida en el que no puedo juzgar nada respecto lo que no tenga yo toda la información de ese tema. Al final me puedo reír yo con todo esto, puedo ver el personaje de Carlos y pensar que me parece dantesco y una locura, pero a la vez disfrutar con ello y reírme, ver el lugar desde donde lo hace, desde sus carencias y desde sus necesidades, su falta de tacto y manera de hacer. No sabe hacerlo mejor, es una elección. Creo que al final exigimos mucho a los demás y nos exigimos mucho a nosotros mismos, pero sobre todo exigimos mucho a los demás. Hay que aprender un poco a abrazar la variedad, la imperfección, un sentido de las cosas, y sobre todo hacerlo siempre desde el respeto y la empatía con los demás. Es muy fácil defender un discurso, pero a veces creo que nos falta la conexión real del por qué estamos defendiendo cierta cosa y la empatía para con la persona que estamos intentando defender. Son cosas diferentes, puedes ser políticamente incorrecto y a la ves ser una persona que colabora y contribuye socialmente.
Carlos Penela.- Octavi, en 1992 tenías 18 años y viviste de cerca aquella efervescencia olímpica. Mirando la película desde hoy, ¿Qué crees que hemos dejado realmente atrás y qué actitudes de entonces siguen presentes, aunque de manera más disimulada?
OCTAVI PUJADES.- Pues mira, yo nací en 1974, España en ese momento empezaba a salir de una época muy oscura, bueno, le quedaban un par de añitos. En el 92 España era una democracia joven todavía, era una sociedad joven y madura en ciertas cosas, pero que empezaba a crecer. Era también un país con muchos complejos (venía de donde venía), y en ese momento lo que hubo fue como una especie de sensación de que se podían hacer cosas, cosas a nivel mundial. Fue un momento en el que por una vez, tal como es la gente en este país, estaba todo el mundo a favor. No era criticar tanto al vecino, sino 'vamos todos a remar en conjunto para que esto salga bien', para que los Juegos Olímpicos salgan bien, para que la Expo de Sevilla salga bien. En Madrid, Chueca pasar a de ser un barrio degradado a ser un modelo de libertad y de entender las cosas de forma distinta. Creo que ese impulso lo hemos perdido hoy en día, se ha perdido en general. Ahora mismo el enfrentamiento vende mucho más que la unión y eso es algo que se echa de menos.
Carlos Penela.- Júlia, además de actriz, también has explorado la escritura cinematográfica y tengo entendido que has terminado tu primera novela. ¿Qué te permite expresar la literatura que quizás no encuentras en la interpretación?
JÚLIA CREUS.- Después de años trabajando como actriz me he dado cuenta que lo que más me apasiona de mi trabajo es contar historias. Luego descubrí que tienes muchas maneras de contar historias. En el proceso tedioso que es esperar a que te llamen para formar parte de cualquier proyecto, descubrí que tengo un imaginario muy grande que me permite soñar para muchas cosas, así empecé a dar forma a distintos proyectos, como bien has dicho. En realidad, los primeros guiones que hice fue alrededor de 2016, donde tuve una nominación por un cortometraje que era 'A Look to the Past'. Había dejado la escritura un poco aparcada porque siempre había dado prioridad a mi carrera como actriz, pero a veces la vida te fuerza a explorar nuevas vías y ahora he descubierto que estoy disfrutando mucho de eso, de poder explayarme, contar una historia, enriquecerla y hacer algo que a mí me gustaría consumir también. Así que veremos qué tal y espero poderte contar más cosas en un futuro.
Carlos Penela.- Para terminar, os propongo un pequeño viaje en el tiempo. Si pudiéseis entrar hoy en aquella taberna de Chueca de 1992, ¿Qué consejo le daréis a Pepe para sobrevivir en el 2026?
OCTAVI PUJADES.- Le diría "no te mates", lo primero, y luego "cuando oigas por ahí, cuando empieces a oír por ahí la palabra Bitcoin, ¡invierte!" (risas).
JORDI CALVET.- Pues que esté abierto de mentes, porque el mundo ha cambiado tanto que su mundo con el de ahora no tiene nada que ver. Que se prepare.
JÚLIA CREUS.- Yo le diría que dentro de la imperfección de sus amistades, siga con sus amigos y con su grupo, porque creo que al final, aunque lo hacen de una manera muy torpe, tienen una manera particular de quererse y acompañarse, y son personas que vale la pena conservar en la vida.
Clanes de Dios es la ópera prima del director y guionista Tino de la Huerta. La película tuvo su estreno este miércoles en la 23.ª edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla. El thriller criminal coral, producido por Garajonay Producciones, supone el regreso de Juan José Ballesta a la gran pantalla. El ganador del Goya al mejor actor revelación por «El Bola» encarna a José Turro, un inspector de policía marcado por una tragedia familiar que debe investigar la guerra desatada entre organizaciones criminales en un barrio de población inmigrante. El reparto cuenta también con Mala Rodríguez, reconocida figura del rap español y ganadora de dos Grammy Latinos.
Ambientada en El Hoyo, un barrio ficticio construido por generaciones de migrantes, Clanes de Dios sitúa su conflicto en un entorno marcado por el abandono institucional y la falta de oportunidades. Cuando una orden de muerte rompe el equilibrio entre los clanes, estalla una disputa por el control de las calles. A través de jóvenes de segunda generación, familias y líderes de las distintas organizaciones, la película explora cómo la violencia y la necesidad de protección y pertenencia pueden convertir a las bandas en un refugio para quienes han crecido al margen de las instituciones. La historia combina acción, investigación policial y una mirada social al contexto inmigrante del barrio.
JUAN JOSÉ BALLESTA REGRESA AL CINE COMO EL INSPECTOR JOSÉ TURRO
El regreso de Juan José Ballesta al cine es uno de los grandes reclamos de Clanes de Dios. El actor interpreta a José Turro, un inspector que arrastra las consecuencias de una tragedia familiar mientras investiga una guerra entre clanes rivales. Ballesta saltó a la fama con «El Bola» (2000), de Achero Mañas, por la que obtuvo el Premio Goya al mejor actor revelación, y consolidó su carrera con títulos como «7 vírgenes», de Alberto Rodríguez, que le valió una nominación al Goya al mejor actor protagonista, y «Mentiras y gordas». En esta nueva película se adentra en un conflicto policial atravesado por la violencia y las fracturas sociales.
Junto a él destaca la participación de Mala Rodríguez, que interpreta a María Piña. Pionera del rap en español y una de las artistas que más han contribuido a su proyección internacional, la cantante cuenta con dos Grammy Latinos, entre ellos el de mejor álbum de música urbana por «Bruja», y recibió en 2019 el Premio Nacional de las Músicas Actuales. Su presencia aporta al reparto una figura estrechamente vinculada a la cultura urbana, uno de los universos que atraviesan la película.
Ana Verónica Schultz interpreta a Magdalena, líder de los Latinos Unidos y una de las figuras centrales del conflicto. La actriz hispanovenezolana cuenta con experiencia en cine y teatro y ha participado en series como «Machos Alfa», «Deudas», «Desaparecidos» y «El Inmortal».
Roberto Oliveri, conocido por su participación en la serie italiana «Gomorra», da vida a Gaetano. El rapero Ergo Pro, una de las voces reconocidas del rap español contemporáneo, interpreta a Chidi; el artista creció en el mismo barrio en el que se rodó la película. También participan Jorge Rapela, Macarena de Rueda e Issa Ndiaye, entre otros intérpretes. El rodaje se desarrolló en localizaciones de Madrid y las Islas Canarias.
SINOPSIS
En El Hoyo, un barrio levantado por generaciones de migrantes y marcado por el abandono institucional, los clanes imponen su propia ley. Una orden de muerte desata una guerra entre organizaciones criminales. Mientras se disputan el control de las calles, José Turro, un inspector marcado por una tragedia familiar, investiga el conflicto. Un thriller coral sobre la violencia, la falta de oportunidades y la necesidad de pertenecer a un grupo.
TINO DE LA HUERTA
Director y guionista mexicano-español, Tino de la Huerta ha desarrollado una trayectoria marcada por su interés en las historias de los márgenes, la violencia urbana y los conflictos de identidad. Su trabajo combina una aproximación realista a los personajes con una puesta en escena de fuerte componente visual.
En 2013 obtuvo el Young Director Award en Cannes por «No More Attacks to Journalists», convirtiéndose en el primer realizador mexicano en recibir este reconocimiento. Más recientemente, su cortometraje «La ira del olvido» (2025) fue presentado en el Short Film Corner de Cannes y obtuvo reconocimientos a la mejor dirección en Cannes Film Awards, Reale Film Festival Milano y Barcelona Film Awards.
A lo largo de su carrera ha trabajado también en proyectos audiovisuales para marcas y organizaciones internacionales como Nike, Coca-Cola, Red Bull, Amnistía Internacional, Chelsea FC, LaLiga y Google. Su formación incluye estudios en la Universidad Bocconi de Milán y The New School de Nueva York, ciudad en la que trabajó en VICE Media.
Con Clanes de Dios, De la Huerta da el salto al largometraje con una historia que reúne algunos de los temas recurrentes de su trabajo y los traslada al terreno del cine criminal.
GARAJONAY PRODUCCIONES
Clanes de Dios está producida por Garajonay Producciones, compañía dedicada al desarrollo y la producción de contenidos audiovisuales para cine y televisión. Su catálogo apuesta por propuestas de distintos géneros, nuevas voces e historias con una identidad narrativa propia.
Entre sus producciones recientes figuran «Desmontando a Lucía» (2024) y «Uno equis dos» (2025). También se encuentra «Nuda propiedad», estrenada en cines el 2 de octubre de 2026 y con su llegada a plataformas próximamente. Entre sus proyectos figura asimismo «La casa de los monstruos», con Antonio Resines y Jaime Lorente en el reparto.
Con Clanes de Dios, Garajonay Produccionescontinúa ampliando su filmografía con una propuesta de acción y suspense que reúne nombres reconocidos del cine y la música con la mirada de un director emergente. La producción corre a cargo de Carlota Amor y Fede Pajaro, con Juan José Amor como productor ejecutivo.
El 23 de octubre de 1980, una explosión de gas en el colegio público de Ortuella, en Bizkaia, cambió para siempre la vida de decenas de familias. Más de cuatro décadas después, Fernando Aramburu convirtió aquella tragedia en el punto de partida de su novela El niño. Mariano Barroso la lleva ahora a la pantalla con un drama íntimo que se pregunta qué ocurre en una familia cuando cada uno necesita algo distinto para seguir adelante. La película llega a los cines este viernes de la mano de Netflix, donde se podrá ver a partir del 27 de noviembre.
Sinopsis: Mariaje y Nicasio pierden al pequeño Nuco, hijo de ella y nieto de él, en la explosión del colegio. Mientras Mariaje intenta rehacer su vida, Nicasio convierte la visita de los jueves al cementerio en una cita ineludible con su nieto. Padre e hija comparten la ausencia, pero viven el duelo a ritmos distintos.
Mariano Barroso, director de Éxtasis y de series como El día de mañana y La línea invisible, firma también el guion. El cineasta vuelve a la adaptación literaria tras ganar, junto a Alejandro Hernández, el Goya al mejor guion adaptado por Todas las mujeres. Aquí, la novela de Aramburu le permite acercarse a un hecho que marcó la memoria colectiva a través de la intimidad de una familia.
Belén Cuesta (La trinchera infinita) interpreta a Mariaje y Karra Elejalde (Mientras dure la guerra) da vida a Nicasio. Completan el reparto Pep Ambròs, Raquel Ferri, Joan Solé y el joven Álex Infantes. La visita de cada jueves condensa la tensión más sugerente de la premisa. Para Nicasio, volver al cementerio es una forma de seguir siendo abuelo. Para Mariaje, rehacer su vida implica encontrar otra manera de llevar consigo el recuerdo de su hijo. De esa distancia nace la pregunta que sostiene el drama: ¿cómo acompañar a alguien cuando lo que a uno le consuela al otro le duele?
¿ME ENTIENDES O TE LO EXPLICO?
¿Me entiendes o te lo explico?, comedia dirigida por Jordi Calvet y protagonizada por Pablo Puyol, Octavi Pujades y Santiago Urrialde se estrena en cines de la mano de Sugar Films.
La película nos presenta una comedia gamberra y políticamente incorrecta que retrata con humor y sarcasmo la España de principios de los 90, marcada por la apertura social y la normalización del colectivo LGTBIQ+. Está dirigida por Jordi Calvet y adapta la obra de teatro del mismo título estrenada en 2024, que contó con más de 100 funciones entre Madrid y Barcelona.
Pablo Puyol (Un paso adelante), Octavi Pujades (3 bodas de más) y Santiago Urrialde (Que dios nos pille confesados), que debuta en un papel protagónico, protagonizan este título del que también forman parte Mayte Rodríguez (Coppola, el representante), Cristina Medina (La que se avecina), Ciro Miró (Hierro), Miguel Lago (Lago Comedy Club), Agustín Jiménez (Un mal día lo tiene cualquiera), Mikel Herzog Jr (Asesinato para dos), Julia Creus (Merlí), Unai Liarte (Bienvenidos a Edén), Anna Senan (La que se avecina) o Macarena Gómez (La que se avecina).
La película también cuenta con importantes cameos de destacadas personalidades de la música, influencers y actores consagrados, como el regreso al cine de Bárbara Rey, la aparición de los cantantes David Bustamente, Twin Melody o Leticia Sabater, conocidos rostros televisivos como Victor Sandoval o Quique Jiménez Torito o el repostero Jordi Roca.
De este plantel también forman parte rostros como Ciro Miro ,Mari Cielo Pajares, Christina Rapado, Inma del Moral, Javier Losan, Javier Bodalo, Montse Roura, Felix El Gato, Tony Melero, Jordi Vilches, Jorge Onieva, Manu Martínez, Miquel Sitjar, Jorge Lucas, Josema Yuste, Pascual Fernández o Maria Jesús Ruiz.
En palabras del director Jordi Calvet, ¿¿Me entiendes o te lo explico? se define como “una comedia muy loca, muy políticamente incorrecta por momentos, que busca que el espectador se divierta de principio a fin. Es el retrato de una época destinada a cambiar. Recuerdo que la acción pasa en la España preolímpica. En el fondo la película es una mirada crítica sobre la España de ayer y su relación con la diversidad, los derechos LGTBIQ+ y los reflejos incómodos todavía presentes a diario”.
¿Me entiendes o te lo explico? es una producción de ÚNICO Y SINGULAR FILMS y EMEDIA CANARY PROJECTS bajo la producción ejecutiva de Carmen Aguado, Malena González y el propio director y guionista, Jordi Calvet.
Sinopsis: Primavera de 1992, Madrid, Chueca, en pleno bullicio previo a un verano que promete ser histórico para España. Pepe regenta una taberna catalana que no puede estar peor: su local está en las últimas, las deudas le quitan el sueño, y por si fuera poco, su mujer lo deja… ¡por otro! Desesperado y al borde del abismo, Pepe toma una decisión drástica. Pero sus amigos, llegan justo a tiempo para evitarlo. Y aquí es donde arranca la locura: para salvarlo —y de paso salvar el bar— le proponen darle un giro total y convertirlo en algo revolucionario para la época. Un pub de ambiente gay.
Jordi Calvet debuta como director de largometrajes después de una gran carrera como cortometrajista con más de 200 premios nacionales e internacionales desde el 2023, debutando con su primer cortometraje “Takbir”, fue candidato a los Premios Goya 2024. También ha destacado como escritor, así como director y autor de teatro.
SCROOGE Y LOS FANTASMAS DE LA NAVIDAD
Johnny Depp se pone en la piel del avaro más célebre de la literatura y Ti West recupera el escalofrío del cuento de Dickens.
La Nochebuena de Ebenezer Scrooge empieza con la visita de un muerto. A partir de ahí, Ti West, director de X, Pearl y MaXXXine, lleva Cuento de Navidad al terreno de la fantasía gótica, con Johnny Depp al frente del reparto. Paramount Pictures presenta, en asociación con Domain Entertainment, una producción de Wattsco / IN.2 Films que llega a los cines españoles este viernes 13 de noviembre de 2026.
Sinopsis: En el Londres victoriano, Ebenezer Scrooge se dispone a pasar la Nochebuena como cualquier otra noche. La aparición de su difunto socio, Jacob Marley, rompe la rutina y anuncia la llegada de tres espíritus. Cada uno le obliga a mirar una parte de su vida que preferiría dejar a oscuras: las decisiones que tomó, el efecto que tienen sobre quienes lo rodean y el futuro que le espera si todo sigue igual.
Nathaniel Halpern adapta el relato que Charles Dickens publicó en 1843. El proyecto lo reúne con Ti West tras su colaboración en la serie Historias del bucle (Tales from the Loop). West se acerca al texto desde su experiencia en el cine de terror y encuentra en el Londres victoriano, con sus calles abarrotadas y sus desigualdades, el escenario para una historia en la que lo sobrenatural obliga a Scrooge a prestar atención a quienes lleva años ignorando.
Johnny Depp interpreta a Ebenezer Scrooge, Rupert Grint a su empleado Bob Cratchit e Ian McKellen al espectro de Jacob Marley. Andrea Riseborough y Tramell Tillman encarnan a los fantasmas de las Navidades Pasadas y Presentes, respectivamente. Sam Claflin interpreta a Fred, el sobrino de Scrooge, y Daisy Ridley a Clara, su esposa. Arthur Conti da vida al joven Ebenezer. Completan el reparto Ellie Bamber, Henry Lloyd-Hughes y Charlie Murphy.
La elección de Ti West invita a fijarse en qué puede aportar el terror a una historia cuyo desenlace conoce buena parte del público. Los fantasmas tienen una tarea incómoda: obligar a Scrooge a quedarse mirando cuando su primer impulso sería cerrar la puerta. De ahí nace la tensión más interesante de esta nueva versión: cuánto miedo puede dar reconocerse en la vida que uno mismo ha construido.
CÓMO ROBAR UN BANCO
Cómo robar un banco, frenética película dirigida por David Leitch (Bullet Train, Deadpool 2) con guion de Mark Bianculli (El buen vecino, Hunters) que también es productor ejecutivo junto a Ben Ormand (Este amor sí que duele, Hypnotic) y protagonizada por Nicholas Hoult (Mad Max: Furia en la carretera, X-Men: Días del futuro pasado), Zöe Kravitz (Mad Max: Furia en la carretera, Batman), Anna Sawai (Shōgun, Fast & Furious 9), Rhenzy Feliz (El Pingüino, Runaways), Christian Slater en el papel de Walton (La Fuga, Mr. Robot) junto a Pete Davidson (El Escuadrón Suicida, Transformers: El despertar de las bestias), y John C. Reilly (Chicago, Guardianes de la Galaxia).
Sinopsis: En Cómo robar un banco, una banda de ladrones experta en redes sociales retransmite sus atrevidos atracos sin saber que su creciente fama viral los ha puesto en el punto de mira de un veterano agente del FBI y una brillante ingeniera de software. Mientras este improbable dúo se acerca cada vez más a ellos, la organización criminal lleva sus límites al extremo, arriesgándolo todo por sus ideales y por el golpe más ambicioso de sus vidas.
Cómo robar un banco llega en exclusiva a los cines de la mano de Sony Pictures.
WILD HORSE NINE
Dirigida por el ganador del Óscar Martin McDonagh (In Bruges, Seven Psychopaths, Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Missouri, Las banshees de Inisherin), Wild horse nine está protagonizada por el dos veces nominado al Óscar John Malkovich (Places in the Heart, En la línea de fuego), el ganador del Óscar Sam Rockwell («Fosse/Verdon», Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Missouri, Vice), a Steve Buscemi (Fargo, Ghost World), a Mariana Di Girólamo (Ema, Kill the Jockey), a Ailín Salas (El Secreto, Monzón), junto a Tom Waits (Siete psicópatas) y a Parker Posey (The White Lotus). Con guion de McDonagh, la película vuelve a reunir al guionista y director con Searchlight Pictures, Blueprint Pictures y Film4, tras su colaboración en The Banshees of Inisherin, nominada a nueve premios Óscar, con Graham Broadbent, Pete Czernin, McDonagh y Anita Overland como productores.
Sinopsis: Poco antes del golpe de Estado chileno de 1973, los agentes de la CIA Chris (John Malkovich) y Lee (Sam Rockwell) son enviados desde Santiago a la Isla de Pascua por su jefe de oficina, MJ (Steve Buscemi). Entre las emblemáticas estatuas de la isla, y mientras los veteranos compañeros se enfrentan a sus oscuros pasados y a las conspiraciones del presente, el nuevo vínculo de Chris con dos estudiantes rebeldes (Mariana di Girolamo y Ailín Salas) amenaza con dar un giro inesperado al viaje de todos a este remoto paraíso.
La película se estrena solo en cines de la mano de Searchlight Pictures.
VICTORIAN PSYCHO
Tras su estreno oficial en la 79.ª edición del Festival de Cannes y su paso por el Festival de Sitges, llega a los cines de toda España Victorian Psycho, la nueva película de terror, humor y suspense del director Zachary Wigon (El templo; The Heart Machine), protagonizada por la scream queen Maika Monroe (Longlegs; It Follows).
Completan el reparto Thomasin McKenzie (Jojo Rabbit; Última Noche en el Soho), Jason Isaacs (Armageddon; saga Harry Potter), Ruth Wilson (El Llanero Solitario; Al encuentro de Mr. Banks), Evie Templeton (Return to Silent Hill; Ritos ocultos) y Jacobi Jupe (Hamnet; Before).
Sinopsis: En 1858, la misteriosa institutriz Winifred Notty (Maika Monroe) llega a Ensor House para educar a los hijos de la familia. Su disciplina extrema y su inquietante presencia despiertan sospechas, mientras los empleados de la mansión comienzan a desaparecer sin dejar rastro. Los dueños pronto descubren que tras su apariencia impecable se esconden secretos perturbadores.
Victorian Psycho se estrena solo en cines de la mano de Diamond Films.
LOS RIVALES DE AMZIAH KING
Los rivales de Amziah King, segundo largometraje dirigido por Andrew Patterson (The Vast of Night) y protagonizado por el ganador del Óscar Matthew McConaughey, llega a los cines españoles de la mano de Versión Digital y Yoda Films.
Respaldada por los mismos productores de Érase una vez en Hollywood (Quentin Tarantino, 2019) y Sueños de trenes (Clint Bentley, 2025), tras su extraordinaria acogida en el festival South by Southwest de Austin, SXSW (uno de los certámenes de cine, música y televisión más influyentes de Estados Unidos), la película se presenta como uno de los grandes estrenos de cine independiente del otoño: un thriller con alma de neowestern rural que combina suspense, crimen y música en la inconfundible atmósfera de la América profunda de Oklahoma.
La película supone el esperado regreso a las salas españolas de Matthew McConaughey en un gran papel protagonista. El actor, ganador del Óscar por Dallas Buyers Club, encuentra en Amziah King un personaje complejo, magnético y profundamente humano, construido alrededor de elementos muy próximos a sus raíces: el lenguaje, la música, el humor irreverente y la cultura del sur de Estados Unidos. McConaughey vuelve al tipo de personajes y paisajes que marcaron algunos de los títulos más celebrados de su filmografía, como Mud, en una interpretación que la crítica estadounidense ya sitúa entre las más destacadas de su carrera reciente.
Junto a McConaughey destaca Angelina LookingGlass, actriz y cantante de ascendencia indígena estadounidense, que debuta en el cine con una interpretación contenida y llena de matices. El reparto se completa con Kurt Russell (La cosa, Los odiosos ocho), Jake Horowitz (Hasta los huesos), Rob Morgan (No mires arriba), Tony Revolori (El gran hotel Budapest), Owen Teague (It) y Cole Sprouse (Riverdale), reuniendo a intérpretes consolidados con algunos de los rostros más interesantes de la nueva generación del cine estadounidense.
Los rivales de Amziah King es una historia de gran personalidad en la que la miel, la música bluegrass y los paisajes rurales de Oklahoma se integran en un universo tan cálido y comunitario como misterioso y peligroso. Bajo su apariencia de crónica costumbrista, la película descubre un mundo de rivalidades, riesgos y violencia alrededor de un humilde negocio familiar.
“Aprecio la originalidad, una voz propia, el lugar, el espacio, el humor, la inocencia... las distintas historias de amor, el grupo de inadaptados que acaban juntos... somos un grupo de perdedores, me gustan las historias de gente que nadie da como ganadora.” comentó Matthew McConaughey en el estreno de la película en SXSW.
Sinopsis: En lo más profundo de los bosques rurales de Oklahoma, el carismático músico Amziah King lidera una banda de inadaptados que toca bluegrass mientras dirige la principal empresa productora de miel del pueblo. Cuando la hija de acogida de Amziah, de la que se había distanciado, regresa inesperadamente, él ve una oportunidad para reconstruir su vínculo y crear un negocio familiar. Pero el mundo de la miel es implacable, y los rivales de Amziah amenazan con destruir todo lo que él ha construido.
WHASINGTON: EL ORIGEN DE UN LÍDER
Jon Erwin retrocede hasta 1754 para retratar al futuro primer presidente de Estados Unidos cuando todavía era un joven oficial de la milicia de Virginia. Con William Franklyn-Miller al frente del reparto, Washington. El origen de un líder convierte los primeros años militares del personaje en una aventura histórica sobre la ambición, la inexperiencia y el peso de las decisiones. La película llega a los cines españoles este viernes de la mano de A Contracorriente Films y Selecta Visión.
Sinopsis: En el valle del Ohio, las tensiones entre británicos y franceses están a punto de estallar. Una decisión del joven George Washington lo sitúa en el centro de los acontecimientos que desembocan en la guerra franco-india. A medida que las alianzas se resquebrajan, el oficial debe decidir en quién confiar y asumir las consecuencias de sus órdenes.
Jon Erwin sitúa la acción dos décadas antes de la Declaración de Independencia, cuando Washington aún servía a los intereses de la Corona británica. La película, rodada entre Irlanda y Virginia, parte de su participación en los choques por el control del valle del Ohio. Su preestreno en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando se enmarca en la conmemoración del 250.º aniversario de la independencia estadounidense.
William Franklyn-Miller (Medici) interpreta al joven George Washington. Ben Kingsley (Gandhi) encarna al gobernador de Virginia, Robert Dinwiddie, y Andy Serkis (El señor de los anillos) al general británico Edward Braddock. Mary-Louise Parker interpreta a Mary Washington, madre del protagonista, y Kelsey Grammer da vida a lord Fairfax.
El atractivo de la premisa está en el margen de error que Erwin concede a una figura tan mitificada. Sabemos en quién se convertirá Washington, pero el drama se juega mucho antes, cuando la seguridad con la que un joven da una orden supera su experiencia para medir lo que esa orden puede desencadenar.
LA VIOLINISTA
La violinista, la película de Ervin Han y Raúl García que ha hecho historia en el Festival de Cine de Animación de Annecy. Por primera vez una película española ha obtenido el Premio Cristal al Mejor Largometraje, máximo galardón en el festival más prestigioso del mundo dedicado al cine de animación. Además de este premio, La violinista también ha sido reconocida con el Premio SACEM a la Mejor Música Original compuesta por Ricky Ho e Isabel Latorre.
Este aclamado, y tan espectacular como emotivo, largometraje de animación ha celebrado su premier nacional en la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI), en Sección Oficial. Además, acaba de ser presentado también en el Festival de Cine Europeo de Sevilla - SeFF: formando parte de la sección EFA del festival, que recoge las obras más relevantes del cine europeo de la temporada.
En su periplo internacional, La violinistaha hecho una parada en Busan International Film Festival (BIFF), uno de los festivales de cine más importantes y prestigiosos del mundo, y entre otros hitos, la película ha sido nominada a los Golden Horse Awards como Mejor Largometraje de Animación, Mejor Música Original y Mejor Guion Adaptado.
Sinopsis: Un joven periodista español se adentra en las vidas entrelazadas de dos amantes mientras investiga el origen de un viejo violín. La investigación le lleva al Singapur de 1941, donde el sueño de dos jóvenes violinistas, Kai y Fei, se ve truncado por la invasión japonesa de Malasia durante la Segunda Guerra Mundial. Kai se une a la Resistencia y promete a Fei que regresará, pero desaparece sin dejar rastro. Durante los siguientes veinte años, Fei recorre los escenarios de todo el mundo, convertida en una reconocida violinista, mientras mantiene viva la esperanza de reencontrarse con él.
La violinista está dirigida por el realizador singapurense Ervin Han y por el español Raúl García, uno de los directores, productores y animadores más influyentes y prestigiosos de la historia de la animación. Raúl García, después de trabajar en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, fue el primer animador español en colaborar con Walt Disney Animation Studios en títulos como La bella y la bestia, Aladdin, El rey león, El jorobado de Notre Dame, Hércules y Pocahontas.
La violinista es una coproducción internacional entre Robot Playground Media (Singapur), TV ON Producciones (España) y Altri Occhi (Italia) y será distribuida en España por Wanda Visión.
Raúl García es uno de los directores, productores y animadores más influyentes y prestigiosos de la historia de la animación.
Después de trabajar en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, fue el primer animador español en colaborar con Walt Disney Animation Studios en títulos como La bella y la bestia, Aladdin, El rey león, El jorobado de Notre Dame, Hércules y Pocahontas.
Codirector de la película ganadora del Goya El lince perdido, productor del cortometraje nominado al Oscar La dama y la muerte y candidato al Annie Award como mejor director con Extraordinary Tales.
RATONES AL ATAQUE: OPERACIÓN NAVIDAD
Ratones al ataque: operación Navidad llega a las salas españolas este viernes dispuesta a convertirse en el regalo de Navidad perfecto para los más pequeños de la casa. Esta divertida película infantil arrasó en los cines noruegos en 2025, superando todas las superproducciones de Hollywood y fenómenos cinematográficos patrios como la oscarizada Valor sentimental. Ratones al ataque: operación Navidad se alzó como la más taquillera de país alcanzando los 450.000 espectadores.
Premiada doblemente en la Academia de cine Noruega (mejor película infantil y mejores efectos visuales) y nominada a 9 categorías incluyendo mejor película, mejor director y mejor interpretación de reparto, Ratones al ataque: operación Navidad mezcla de forma muy original el tono gamberro y pícaro de Solo en casa (Chris Columbus, 1990) con la estética de entrañables cintas infantiles como Stuart Little (Rob Minkoff, 1999) y Como perros y gatos (Lawrence Guterman, 2001).
El cineasta Henrik Martin Dahlsbakken, nacido en 1989 pero con una larga y galardonada carrera cinematográfica a sus espaldas (The Arctic Convoy, De fredløse, Munch), es el responsable de dirigir la simpática comedia. Escribe el guion la debutante Susanne Skogstad a raíz de una historia de Sebastian Torngren Wartin (Narvik, Harajuku).
El reparto, que combina actores de carne y hueso con intérpretes que prestan su voz a la traviesa familia de ratones está encabezado por Pål Sverre Hagenm (Kon-tiki, Redención: Los casos del Departamento Q), Flo Fagerli (La hermanastra fea, "A better man"), Jakob Oftebro (Magrete, reina del norte, Traicionados) y el actor Jon Øigarden (La batalla de Oslo, 22 de julio), nominado a mejor interpretación de reparto por la Academia Noruega por su papel como el excéntrico exterminador de plagas.
La versión doblada al español cuenta con la participación de la actriz, presentadora y cantante Masi Rodríguez, conocida por presentar programas como "Fuera de tono" y las post-galas oficiales de OT 2023 (ambos formatos para Amazon), "Disaster Chef" con Ibai Llanos, y protagonizar la exitosa obra de teatro "No me toques el cuento".
Inspirada, ligeramente, en un villancico noruego compuesto por Alf Proysen en 1946, Ratones al ataque: operación Navidad es una comedia familiar que combina humor e ingenio con una emotiva reflexión sobre la unión familiar, la cooperación y el significado del hogar. DeAPlaneta estrena el filme este viernes en cines.
Sinopsis: Una familia de ratones se prepara para celebrar la Navidad perfecta en una casa de ensueño. Sin embargo, todo se trunca cuando llegan unos humanos dispuestos a pasar las fiestas en esa misma morada. Lo que en principio iba a ser una encantadora escapada navideña se convertirá rápidamente en una divertidísima y épica batalla entre ambas familias por defender el control del hogar.
DeAPlaneta estrena Ratones al ataque: operación Navidadeste viernes en cines
NOOR: COCINAR PASADOS POSIBLES
¿Cómo se cocina un pasado del que apenas quedan recetas? ¿Qué ocurre cuando la historia, la arquitectura, un documento, una pieza de artesanía o incluso aquello que no sabemos se convierten en ingredientes? Noor - Cocinar pasados posibles entra en el universo creativo de Paco Morales y Paola Gualandi para descubrir todo el proceso de investigación, pensamiento y creación que existe detrás de NOOR, el restaurante cordobés reconocido con tres estrellas Michelin.
La película acompaña a Paco, Paola y su equipo en un viaje que comienza en Córdoba y se extiende por diferentes lugares, disciplinas y formas de mirar el pasado. En el Archivo General de Indias de Sevilla, los documentos se convierten en una puerta para entender ingredientes, intercambios y formas de vida. En la Alhambra de Granada, la arquitectura, la geometría, la artesanía y el patrimonio abren nuevas líneas de investigación. El viaje llega también a Milán, donde el diseño y la creación contemporánea forman parte de la construcción del universo visual de NOOR.
La cultura y la herencia de Al-Ándalus forman parte del territorio de investigación de NOOR, pero la intención de Paco Morales nunca ha sido reproducir literalmente una cocina desaparecida. De hecho, ahí está una de las ideas más interesantes de su trabajo. Quedan documentos, ingredientes, objetos, edificios, relatos y huellas, pero también enormes espacios vacíos. Hay muchas cosas que sencillamente no sabemos y NOOR trabaja precisamente ahí. Paco, Paola y su equipo investigan esas huellas para imaginar qué pudo haber existido y trasladarlo al presente a través de la gastronomía, el diseño, la artesanía, la arquitectura o la música. De ahí nace también el título de la película: Cocinar pasados posibles, no se trata de reconstruir el pasado sino de investigarlo para poder imaginar algo nuevo.
A lo largo de los años, NOOR ha construido en Córdoba un proyecto en el que cada temporada supone una nueva investigación. Historiadores, investigadores, diseñadores, artesanos, músicos y creadores participan en un proceso en el que prácticamente nada es casual. Los ingredientes y las técnicas son importantes, pero también lo son una vajilla, una textura, un sonido, un objeto, una geometría o la manera en la que se presenta un plato. Noor - Cocinar pasados posiblesabre por primera vez ese proceso y muestra todo aquello que normalmente permanece invisible para quien se sienta a la mesa. La cámara observa las conversaciones, los viajes, las dudas, los descubrimientos y también las decisiones que finalmente terminan construyendo una experiencia. El resultado es una película sobre gastronomía, pero también sobre creación, memoria, diseño, historia y la necesidad de seguir haciéndose preguntas.
El filme se acerca al proyecto desde un lugar diferente al documental gastronómico convencional. Más que explicar los platos terminados, acompaña a sus protagonistas durante el proceso que los hace posibles: archivos, viajes, espacios patrimoniales, talleres, cocinas y encuentros con otros creadores, como Andoni Luis Aduriz, del restaurante Mugaritz, o el chef malagueño Dani García.
Tras su estreno mundial en Donosti, el documental participará en la 22.ª edición del Zurich Film Festival donde inaugurará el 30 de septiembre la sección ZFF Genuss Film.
Noor - Cocinar pasados posibles es una producción de Godello Entertainment, con la producción ejecutiva de Carlota Amor, Fede Pájaro y Paco Morales. Dirigido por Carlos Velasco y Kate Hu.
Concebida como una experiencia cinematográfica inmersiva,Noor - Cocinar pasados posibles aspira a acercar al público internacional la riqueza cultural de Córdoba, la herencia de Al-Ándalus y la mirada de uno de los chefs más innovadores de la cocina contemporánea mundial. La película iniciará su recorrido en festivales antes de su estreno comercial previsto para el último trimestre de 2026.
Sinopsis: ¿Qué ocurre antes de que una investigación termine convertida en un plato? Noor - Cocinar pasados posibles entra en el universo creativo del restaurante cordobés reconocido con tres estrellas Michelin para acompañar a Paco Morales, Paola Gualandi y el equipo de NOOR en su particular forma de investigar el pasado para crear desde el presente. Desde Córdoba hasta el Archivo General de Indias, la Alhambra, Milán o Euskadi, la película descubre un proceso en el que gastronomía, historia, arquitectura, diseño, artesanía, música y pensamiento se cruzan constantemente. Frente a la imposibilidad de reconstruir una cocina desaparecida, NOOR trabaja con sus huellas, pero también con sus ausencias, para imaginar aquello que pudo haber existido. Cocinar el pasado para imaginar algo nuevo.
Paco Morales y Paola Gualandi están detrás del universo de NOOR, restaurante cordobés reconocido con tres estrellas Michelin y convertido en uno de los proyectos de investigación gastronómica más singulares de la cocina contemporánea.
Su trabajo conecta gastronomía, historia, patrimonio, diseño y creación contemporánea. Documentos, ingredientes, técnicas, arquitectura, objetos, artesanía y cultura forman parte de un proceso de investigación que termina construyendo un lenguaje propio.
En NOOR, mirar al pasado nunca significa reproducirlo, sino utilizarlo como un punto de partida para imaginar nuevas posibilidades.
VELASCO & HU es el colectivo formado por Carlos Velasco, Madrid, 1981, y Kate Hu, Taipei, 1982. Desde hace más de ocho años desarrollan juntos un trabajo marcado por la precisión estética, la atención al detalle y una mirada contemporánea sobre la cultura visual.
Su obra combina fotografía, cine, danza, diseño y lenguaje documental. Su serie de bodegones fue reconocida con el Gold Winner en los Tokyo International Foto Awards y con el Segundo Premio en los Fine Art Photography Awards de Londres.
Tapas Magazineseleccionó y publicó su trabajo en su edición de febrero de 2024. Sus cortometrajes y largometrajes documentales han sido seleccionados y proyectados en festivales internacionales como Aesthetica Short Film Festival, Barcelona Fashion Film Festival, Dansmuseet en Estocolmo, Lisbon InShadow ScreenDance, Berlín Commercial Film Festival y Galacticat Tàrrega, entre otros.
MUGURUZA FM 40 TOUR
De Kortatu y Negu Gorriak a su carrera en solitario, Fermin Muguruza ha hecho del escenario un lugar de encuentro. El documental que codirige con Ander Merino Etxebeste acompaña al músico vasco en la gira internacional con la que celebró cuarenta años de trayectoria. Tras su estreno mundial en el Velódromo del Festival de San Sebastián y su paso por el In-Edit de Barcelona, llega a salas este viernes de la mano de Barton Films, con el lanzamiento anunciado inicialmente en Hegoalde.
Sinopsis: La cámara sigue a Muguruza y a su banda por Europa, América Latina y Asia en su última gira de gran formato. Entre conciertos multitudinarios, trayectos y conversaciones fuera del escenario, el documental intercala imágenes de archivo de Kortatu y Negu Gorriak con los directos actuales. El viaje recorre así cuarenta años de música y compromiso cultural a través de quienes han tocado, escuchado y hecho suyas esas canciones.
Muguruza ocupa un doble lugar, delante y detrás de la cámara. Comparte la dirección con Ander Merino Etxebeste, que también firma el montaje, a partir del guion de Laia Urtizberea. Junto al músico intervienen Oihana Barrena y los integrantes de la banda de la gira, entre ellos la baterista Gloria Maurel, la guitarrista y cantante Lide Hernando, la vocalista Matah y el acordeonista Xabi Solano.
El cruce entre archivo y presente ofrece una forma de escuchar el paso del tiempo. Una canción nacida en la escena vasca de los ochenta puede volver décadas después en las voces de un público que ni siquiera había nacido entonces. Ahí está uno de los atractivos de esta road movie musical: descubrir qué viaja con una canción en euskera cuando cambia de ciudad, de público y de generación.
JALEOS
Tras el reciente estreno de Flores para Antonio, el director Isaki Lacuesta, doble ganador de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por Los pasos dobles y Entre dos aguas, presenta Jaleos, un documental que se adentra en las raíces y la evolución del flamenco a través de algunas de sus figuras más representativas. La película cuenta con la participación de personalidades como C. Tangana, Alba Flores, Soleá Morente, Rocío Molina, Georges Didi-Huberman y Pedro G. Romero, y tuvo su paso por el Festival de San Sebastián 2026 en la sección Zabaltegi-Tabakalera.
Sinopsis: ¿Qué puede contar el flamenco sobre el mundo en que vivimos? Jaleos redescubre este arte universal a través de un fascinante viaje por su historia más desconocida. Con las voces de C. Tangana, Alba Flores, Soleá Morente, Rocío Molina, Georges Didi-Huberman y Pedro G. Romero, la película revela sus inesperados vínculos con el cine, la tecnología, las vanguardias artísticas e incluso el nazismo. Un documental sorprendente que conecta flamenco, política, arte e historia para descubrir un legado más vivo y contemporáneo que nunca.
Jaleos es una producción de Lastor Media, La Termita Films y Goroka Content, que cuenta con el apoyo de ICEC, ICAA, la producción asociada de Caixa Fórum y la participación de RTVE.
Bteam Pictures estrena Jaleos este viernes en cines.
