ENTREVISTA A HORACIO ALCALÁ - DIRECTOR DE "FRAGMENTOS"

Fragmentos, producida por AF, Match Point y E Media Canary, dirigida por Horacio Alcalá y escrita por Frank Ariza, la película es un drama emocional que retrata la complejidad de las relaciones humanas. La historia se construye a partir de silencios, reproches y gestos que revelan heridas profundas en dos parejas: una joven al borde del colapso y otra adulta que descubre que la felicidad también puede ser frágil.

Con un enfoque sobrio y realista, Fragmentos se adentra en los territorios del amor, la frustración, la dependencia emocional y las falsas expectativas. Una película sobre lo que no se dice, sobre el desgaste, y sobre la necesidad (o no) de salvar lo que queda.

En palabras del director Horacio Alcalá: "Fragmentos es un espejo despiadado que refleja la complejidad del amor contemporáneo. Quería crear una película que no juzgara a sus personajes, sino que los desnudara hasta mostrar sus heridas más profundas. En este paisaje volcánico de Lanzarote, donde la lava petrificada convive con la belleza, nuestros protagonistas descubren que el amor verdadero a veces requiere la valentía de soltar. Es una historia sobre la necesidad de romperse para poder reconstruirse."

Protagonizada por Emma Suárez, Manu Vega, Asia Ortega y José Luis García Pérez, la película tuvo su estreno mundial en la sección MADE IN SPAIN del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que recoge una muestra de las películas españolas del año. 

Sinopsis: Diego decide poner rumbo a la roca volcánica paradisíaca con su mujer Alba para probar suerte por enésima vez en su matrimonio. Una relación sin sexualidad y discusiones continuas, de idas y venidas con personas de por medio, sin importar el daño que esto les causa. Alba permanece con su coraza cerrada, sin ver que su actitud es la causa del naufragio de su relación. Irene y Ben son los anfitriones de "La Geria", donde se hospedan. Una pareja de prometidos cuya felicidad tiende de un hilo con la llegada de sus invitados. “Siete preguntas para salvar tu matrimonio” en una revista de prensa rosa será lo que destape la verdad de ambas relaciones.

Fragmentos se estrena en cines de toda España de la mano de AF Pictures.

Esta semana, gracias a nuestr@s amig@s de DYP Comunicación, tuvimos la oportunidad de entrevistar al director de la cinta, Horacio Alcalá. Este es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- Veo Fragmentos como una película que se construye como un mosaico emocional. ¿Cuál fue el primer fragmento real que detonó la necesidad de contar esta historia?

HORACIO ALCALÁ.- Bueno, en realidad es un guion de Frank Ariza. El guion ha llegado por medio de Manu Vega, que además de ser uno de los personajes principales es también productor. Yo estaba en México cuando ellos me contactaron, me llegó el guion y cuando lo estaba leyendo sentía que esas frases las había dicho yo en algún momento de mi vida, pero también que me las habían dicho a mi. Son frases y situaciones que gente allegada a mí también ha estado viviendo. Sentí que es una historia que podía contar porque he vivido cosas muy similares, y creo que la mayoría de las personas que vean la película se pueden sentir identificados con alguno de los personajes, todos hemos estado en este tipo de relaciones. A mí no me gusta hablar de relaciones tóxicas porque creo que no lo son, son simplemente situaciones que no sabemos llevar. A todo esto, nunca quise hacer los personajes como personajes buenos ni malos, sino personajes que son víctimas de sus situaciones y quizá no saben ver por lo que están pasando, el daño que hacen o el daño que les hacen.

Carlos Penela.- En ese sentido, en la película los personajes parecen sostenerse con hilos muy finos, casi invisibles. ¿Cómo trabaja con los actores para conseguir esa vulnerabilidad contenida tan física y tan silenciosa?

HORACIO ALCALÁ.- Lo primero que hicimos fue contarnos las situaciones emocionales que habíamos vivido. Una vez que nos hemos compartido todo esto, hemos hecho un trabajo muy individual con cada personaje. Solamente hemos hecho un ensayo todos juntos ya cuando estábamos en Lanzarote, precisamente porque queríamos mantener esta individualidad con los personajes. Por ejemplo, la escena de la comida que has visto es muy complicada, podría resultar muy teatral y queríamos evitar eso. Ha sido un trabajo, primero, desde lo que hemos vivido yo y los actores, y luego, muy individual.

Carlos Penela.- En la película vemos que hay situaciones en las que los personajes no hablan mucho, pero dicen muchísimo. ¿Cómo encuentras ese equilibrio entre lo que se calla y lo que se muestra? ¿Y qué papel juega para ti el silencio como herramienta dramática?

HORACIO ALCALÁ.- En mi trabajo siempre he trabajado con el silencio porque creo que el silencio dice muchas cosas. Muchas veces lo que se dice a través del silencio es más pesado que todo lo demás. Precisamente en esta película, una película de relaciones, el silencio es ensordecedor. Necesitábamos mucho de estos espacios, muchas veces porque también durante el trabajo con los propios actores, los actores decían "es que mi personaje, yo creo que aquí no diría nada." Entonces, donde había esas frases, las quitábamos.

Carlos Penela.- ¿Y cómo ha sido ese trabajo con Emma Suárez, Manu Vega, Asia Ortega y José Luis García Pérez?

HORACIO ALCALÁ.- Para mí ha sido maravilloso. Yo siempre quise trabajar con Emma Suárez, se ha hecho mi sueño realidad, y he aprendido muchísimo de todos ellos, han sido muy pacientes conmigo. Y sobre todo creo que para todos el hacer esta película ha sido una ejercicio de catarsis.

Carlos Penela.- El paisaje, la naturaleza, es un personaje más en la historia. ¿Puedes hablarnos de ello?

HORACIO ALCALÁ.- Cuando me llegó el guion la historia estaba planteada en un bosque. Yo sentía que en el bosque los personajes iban a tener donde protegerse. Quería llevármelos a un sitio donde no hubiese protección de ninguna manera. Conozco muy bien Lanzarote, cuando estaba leyendo el guion ya me venían a la cabeza las localizaciones de cada escena. Quería tener a los personajes caminando sobre la lava, ya que siento que lo que corre por sus venas en ese momento es lava, es un simbolismo, por supuesto, al igual que la noria representa otro simbolismo, ellos están en un área que no saben cuándo va a parar ni cómo va a parar, y sobre todo creo que estos personajes no saben en qué momento se han subido a la relación o a la novia. Como ves, es una película de simbolismos. Y en una isla, ¿a dónde se van? Están forzados a encontrarse el uno con el otro.

Carlos Penela.- En ese sentido, el montaje es esencial en esta película. ¿Cómo fue el proceso de edición? ¿Te encontraste con una película diferente a la que habías imaginado durante el rodaje?

HORACIO ALCALÁ.- Realmente no. Hemos rodado en tres semanas, no teníamos mucho tiempo, y de esas tres semanas una semana entera se ha dedicado a la escena de la comida. El montaje ha sido bastante fácil, teníamos lo justo y necesario, no hay escenas que se hayan quedado fuera. El montaje tampoco tenía mucho misterio, es decir, es muy esencial pero tampoco había mucha maniobra con el material que teníamos.

Carlos Penela.- Horacio, uno de los grandes aciertos de la película es que aborda heridas íntimas, pero sin caer en el melodrama. ¿Qué límites te marcaste para evitar que el dolor de los personajes se volviera demasiado explícito o manipulador de cara al espectador?

HORACIO ALCALÁ.- Digamos que el límite era mi propia experiencia con situaciones que había vivido. Quería que la película fuese lo más realista posible, prueba de eso es el final. ¡¡¡OJO SPOILER!!!!  El final no es un final feliz, es un final muy trágico. Aunque nos parezca un final feliz, es todo lo contrario, es muy trágico porque es la realidad, es así como funcionan las parejas, no voy a desvelar mucho más. pero digamos que esta película termina mal.

Carlos Penela.- Has vivido en varias partes del mundo. ¿Dirías que los fragmentos que componen las relaciones amorosas son universales?

HORACIO ALCALÁ.- Sí, no importa dónde vivas, este tipo de situaciones se dan. He vivido en más de 14 países, estuve viajando con una maleta por 7 años con el Circo del Sol. Estas situaciones se dan dentro del Circo del Sol, se dan en todos los sitios, son situaciones humanas. Esta película habla de un tema muy actual, pero es que esto siempre va a ser actual.

Carlos Penela.- Horacio, si pudieras elegir un solo fragmento, un plano, un gesto, una emoción que resuma lo que significa esa película para ti, ¿Cuál sería ese fragmento?

HORACIO ALCALÁ.- El momento en el que el personaje Irene, interpretado por Emma Suárez, dice "hemos confundido el amor con la costumbre".

Carlos Penela.-  Para finalizar, ¿Qué has aprendido y con qué te quedas de haber hecho Fragmentos?

HORACIO ALCALÁ.- He aprendido que estas situaciones que en algún momento viví al final me han servido de algo. Para mí, Fragmentos ha sido una manera de sacar pequeñas espinas del corazón de situaciones que había vivido, y eso un alivio. Ahora me pregunto, si no hubiese vivido esas situaciones si "Fragmentos" tendría esa sensibilidad. Entonces, lo que me han hecho esas situaciones ha sido mejor persona también y también me han hecho mejor director.

ESTRENOS DE CARTELERA - 12 DE DICIEMBRE DE 2025

FRONTERA

Sinopsis: 1943. Franco ha bloqueado el paso de refugiados que huyen de la represión nazi por Los Pirineos. En la aduana de un pueblo fronterizo, Manel Grau, un funcionario con pasado republicano, decide contravenir las órdenes ayudado por Juliana, una vecina del pueblo, y Jerôme, un pasador francés. Entre todos inician una cruzada para ayudar a huir de la guerra a tanta gente como sea posible. Es entonces cuando Manel se verá atrapado en una peligrosa odisea que despertará en él y en su mujer Mercè viejos fantasmas de la todavía reciente guerra civil española.

La nueva película de Judith Colell está protagonizada por Bruna Cusí, Miki Esparbé, Asier Etxeandia, Maria Rodríguez Soto, Jordi Sànchez, Kevin Janssens y Joren Seldeslachts.

Distribuye Filmax.

FRAGMENTOS

Fragmentos, producida por AF, Match Point y E Media Canary, dirigida por Horacio Alcalá y escrita por Frank Ariza, la película es un drama emocional que retrata la complejidad de las relaciones humanas. La historia se construye a partir de silencios, reproches y gestos que revelan heridas profundas en dos parejas: una joven al borde del colapso y otra adulta que descubre que la felicidad también puede ser frágil.

Con un enfoque sobrio y realista, Fragmentos se adentra en los territorios del amor, la frustración, la dependencia emocional y las falsas expectativas. Una película sobre lo que no se dice, sobre el desgaste, y sobre la necesidad (o no) de salvar lo que queda.

En palabras del director Horacio Alcalá: "Fragmentos es un espejo despiadado que refleja la complejidad del amor contemporáneo. Quería crear una película que no juzgara a sus personajes, sino que los desnudara hasta mostrar sus heridas más profundas. En este paisaje volcánico de Lanzarote, donde la lava petrificada convive con la belleza, nuestros protagonistas descubren que el amor verdadero a veces requiere la valentía de soltar. Es una historia sobre la necesidad de romperse para poder reconstruirse."

Protagonizada por Emma Suárez, Manu Vega, Asia Ortega y José Luis García Pérez, la película tuvo su estreno mundial en la sección MADE IN SPAIN del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que recoge una muestra de las películas españolas del año. 

Sinopsis: Diego decide poner rumbo a la roca volcánica paradisíaca con su mujer Alba para probar suerte por enésima vez en su matrimonio. Una relación sin sexualidad y discusiones continuas, de idas y venidas con personas de por medio, sin importar el daño que esto les causa. Alba permanece con su coraza cerrada, sin ver que su actitud es la causa del naufragio de su relación. Irene y Ben son los anfitriones de "La Geria", donde se hospedan. Una pareja de prometidos cuya felicidad tiende de un hilo con la llegada de sus invitados. “Siete preguntas para salvar tu matrimonio” en una revista de prensa rosa será lo que destape la verdad de ambas relaciones.

Fragmentos se estrena en cines de toda España de la mano de AF Pictures.

ARO BERRIA

Este viernes llega a los cines Aro Berria, la premiada ópera prima de Irati Gorostidi Agirretxe, producida por Apellaniz y de Sosa y Señor & Señora, que obtuvo una Mención Especial del Jurado en New Directors del Festival de San Sebastián y el Premio a la Mejor Fotografía en Sección Oficial Nacional del Festival de RIZOMA.

Aro Berria, distribuida en cines por ELASTICA, ahonda en el universo del anterior cortometraje de Irati Gorostidi, "Contadores", presentado en la Semana de la Crítica de Cannes.

Protagonizada por Maite Mugerza Ronse, Óscar Pascual López, Aimar Uribesalgo Urzelai, Edurne Azkarate, Jon Ander Urresti Ugalde y con la colaboración especial de Jan Cornet, Oliver Laxe y Javier Barandiaran.

Aro Berria se ambienta en el movimiento obrero de los 70 y en la reacción al desencanto político: la búsqueda de un modelo de sociedad reducido y aislado en el que poder poner en práctica los ideales políticos, ahondando en las contradicciones que acarrea ese camino.

Sinopsis​: Donostia, 1978. Los trabajadores de la fábrica de contadores de agua se reúnen en asamblea para debatir una huelga que finalmente no prospera. Decepcionados, los más inconformistas dirigen sus aspiraciones de transformación radical hacia ámbitos más íntimos. Algunos abandonan la fábrica y se integran en una comunidad aislada en las montañas, donde decenas de jóvenes emprenden una intensa búsqueda a través de experiencias catárticas compartidas.

Con Aro Berria Gorostidi sigue investigando en torno al movimiento obrero autónomo vasco y la comunidad Arco Iris, formada en 1978 por un grupo de jóvenes en Lizaso, Valle de Ultzama, a la que la directora vasca ya se había acercado en sus proyectos anteriores.

Se trata de la continuación del cortometraje "Contadores", que tuvo su estreno en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes y fue seleccionado en importantes festivales como San Sebastián (Zabaltegi-Tabakalera) o el Festival de Gijón.

En palabras de Irati Gorostidi: "Aro Berria nació cuando pregunté a mis padres por la comunidad en la que vivieron poco antes de que yo naciera. Inspirándome en su recorrido, la película sigue a un grupo de jóvenes militantes que, tras el fin del franquismo, dejan atrás la lucha obrera y se adentran en una comunidad aislada en las montañas".

Y continúa: "La película se basa en la puesta en escena de situaciones históricas, partiendo del estudio de materiales documentales de la época. Combinando la recreación histórica con una voluntad inmersiva, propone un acercamiento sensible a las situaciones representadas. Explora la relación entre las movilizaciones sociales de los 70, el sentimiento de desencanto político y el auge de las experiencias de vida en comunidad. Esta mirada concreta al momento histórico me permitió comprender el valor de aquella experiencia colectiva que condensaba, tanto los anhelos como las frustraciones de la época, y que ayuda a entender el origen de debates que siguen resonando en la sociedad actual".

Producida por Leire Apellaniz, desde las empresas Apellaniz y de Sosa y Señor & Señora, Aro Berria cuenta con la financiación del Instituto de la Cinematografía (ICAA); con el apoyo de la Diputación Foral de Gipuzkoa y Creative Europe MEDIA; y con la participación de EiTB y RTVE.

Este proyecto ha participado en el Next Step Semaine de la Critique 2023, Locarno Residency 2023, FIDLab 2023, Indie Lisboa Co-production Forum 2023, Ikusmira Berriak 2022, Abycine Lanza 2022, Start Me Up ECAM 2022, Noka Mentoring 2021, MECAS Las Palmas 2021.

BALEARIC

Balearic, el nuevo largometraje de ficción del director Ion de Sosa (Sueñan los androides, Mamántula), llega a los cines de la mano de SILENCIO CINEMA. Antes de su estreno, la película tuvo su première mundial en el Festival de Locarno y ha participado en la Sección Oficial del Festival de Sitges y en el BFI (London Film Festival). Además, acaba de pasar por la Sección Generación Mutante del FICX.

El guión está firmado por el propio director junto a Chema García Ibarra y Juan González, y entre el reparto destaca la participación de Christina Rosenvinge.

Sinopsis: Tres perros feroces mantienen prisioneros a un grupo de jóvenes en una piscina perteneciente a una lujosa casa en la que se han colado, mientras los vecinos se reúnen en una fiesta en una villa cercana para celebrar el comienzo del verano. Es la víspera de San Juan, un día propicio para la magia.

“Balearic es una película veraniega sobre las brechas intergeneracionales, la desigualdad de clases y las barreras que se crean para que ese ecosistema pueda perdurar, todo ello en medio de una tarde de verano desgarrada por un dolor que atraviesa lo que es real. La película trata sobre el pasado y el futuro: los personajes hablan de lo que han sido y de lo que serán. Los jóvenes describen las vidas que les esperan con preocupación y los mayores invierten dinero en ser los dueños del futuro.” comenta el director.

Balearic es una producción de JAIBO FILMS, UMBRACLE CINE y APELLANIZ DE SOSA en coproducción con LA FÁBRICA NOCTURNA CINEMA. Cuenta con la financiación del ICAA y el Institut Valencià de Cultura, con el apoyo del Gobierno Vasco y Filmin y la participación de À PUNT MEDIA, CREA SGR y TRIODOS.

El proyecto participó en las Residencias de la Academia del Cine y en el Mallorca Talents Lab del Atlàntida Film Fest.

Ion de Sosa (San Sebastián, 1981), director y director de fotografía formado en la escuela de cine ECAM de Madrid.

Su primer largometraje de ficción, Sueñan los androides, se estrenó en el Foro de la Berlinale en 2015 y ha disfrutado de una amplia gira tanto en festivales como en centros de arte nacionales e internacionales, incluyendo la Viennale, el Lincoln Center (Art of the Real), el Barbican Centre o el Museo Reina Sofía. Se trata de una libre adaptación de la novela «¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?» de Philip K. Dick y muestra las constantes de su cine: el uso del 16 mm, el encuadre frontal y abierto que recuerda a algunas de las obras de Clarke o Leth, la mezcla de realismo con toques de ciencia ficción, un uso muy particular del tiempo y la composición y un peculiar sentido del humor.

Estas constantes también se pueden encontrar en su trabajo como director de fotografía en las películas de Chema García Ibarra, con quien Ion de Sosa lleva años colaborando estrechamente y con quien ha codirigido el cortometraje Leyenda dorada, estrenado en Berlinale Shorts 2019 y seleccionado en festivales como San Sebastián, Ann Arbor, Palm Springs o New Directors New Films en el MoMA. Su último mediometraje, Mamántula, se estrenó en el Festival de Cine de San Sebastián en 2023, ha sido seleccionado en festivales como Rotterdam o Sitges y ha sido nominado a un premio Goya.

Como director de fotografía, Ion de Sosa ha trabajado además en películas como Aliens (2017) de Luis López Carrasco o El espíritu sagrado de Chema García Ibarra, ambas estrenadas en Locarno.

Balearic cuenta con un reparto coral formado por Lara Gallo, Elías Hwidar, Ada Tormo, Christina Rosenvinge, Paula Gala, María Llopis, Luka Peros, Sofía Asencio, Manolo Marín, Moises Richart, Pilar Guerra, Federico Madrid, Héctor Arnau, Marta Bassols, Zorion Eguileor, Lorena Iglesias y Julián Génisson (estos dos útlimos también co-guionistas de la película).

ROOFMAN: UN LADRÓN EN EL TEJADO

La nueva película del director nominado al Oscar Derek Cianfrance, sobre la historia real del delincuente Jeffrey Manchester, interpretado por Channing Tatum.

Channing Tatum (Magic Mike, Dog. Un viaje salvaje) y la actriz nominada al Oscar Kirsten Dunst (El poder del perro, Civil War), se juntan en este proyecto creando un tándem excepcional. La película, está basada en las terribles decisiones reales de un criminal que, tras robar en varios McDonald’s y fugarse de la cárcel, acaba escondiéndose en una tienda de Toys R Us durante varios meses, y rehace su vida con una mujer de la que se enamora e intenta dejar atrás su pasado... aunque el pasado siempre vuelve.

Completan el espectacular reparto el cuatro veces ganador del Emmy Peter Dinklage (Juego de tronos, Cyrano), como el encargado de la tienda Toys R Us donde se esconde nuestro protagonista, el nominado al Oscar Lakeith Stanfield, (Judas y el mesías negro, Puñales por la espalda), la cuatro veces nominada al Emmy Juno Temple (Expiación. Más allá de la pasión, Fargo, Ted Lasso), quienes interpretan a los amigos de Manchester, y el ganador del Emmy Ben Mendelsohn (Rogue One. Una historia de Star Wars, El Rey), entre otros.

ROOFMAN: Un ladrón diferente, tiene tintes de comedia, pero conserva un matiz dramático y melancólico importante, derivado de la realidad de la historia de este criminal. Y es que la necesidad agudiza el ingenio, pero puede traer consecuencias drásticas.

La película, que tendrá su estreno mundial en el próximo Festival de Toronto, llega a nuestros cines de la mano de Diamond Films.

Sinopsis: Basada en una historia real contada por un mentiroso. Chaning Tatum, Kristen Dunst y Peter Dinklage protagonizan la extraordinaria y divertida historia de Jeffrey Manchester (a quien da vida Tatum), un criminal que asaltó más de 60 McDonald's entrando por un agujero que hacía en el techo en medio de la noche. Tras ser arrestado, se escapó de prisión y vivió escondido en una tienda de Toys R Us durante seis meses.

EL SENDERO AZUL

Este viernes llega a los cines El Sendero azul, película dirigida por el cineasta brasileño Gabriel Mascaro que recibió el Oso de Plata Gran Premio del Jurado en la 75ª Berlinale y el Premio del Jurado Joven a la Mejor Película de la Sección Oficial Internacional de la 70ª SEMINCI de Valladolid.

El Sendero azul acompaña a Tereza, una mujer de 77 años que recibe una notificación oficial del gobierno para trasladarse desde el pequeño pueblo donde vive, a una remota colonia de viviendas para jubilados. Allí, podrá disfrutar de “sus últimos años” mientras las generaciones más jóvenes se concentran plenamente en ser productivos. Pero Tereza se niega a aceptar este destino impuesto y decide embarcarse en un viaje transformador por el Amazonas para cumplir un último deseo. Esto marcará su vida para siempre.

Escrita y dirigida por Gabriel Mascaro, El Sendero azul está interpretada por el popular actor brasileño Rodrigo Santoro (`300´; `Love Actually´) y la veterana Denise Weinberg en el papel de una septuagenaria que se rebela contra un destino elegido para ella por los demás y decide embarcarse en un viaje en busca de libertad. Una road movie por el Amazonas con una protagonista llena de energía y ganas de vivir, en un papel pocas veces representado en el cine. Una reivindicación de que nunca es tarde para dar un nuevo sentido a tu vida y descubrir nuevos senderos.

Gabriel Mascaro ha ganado más de 50 premios internacionales a lo largo de su carrera. En 2016, su segunda película `Boi Neon´ fue seleccionada como una de las mejores del año por el periódico The New York Times y tres años después, su tercer trabajo `Divino Amor´ se presentó en premiere mundial en la sección Panorama a competición de la Berlinale. Con El Sendero azul ha cautivado nuevamente a crítica y público a nivel internacional. Distribuye Karma Films.

KONTINENTAL'25

Sinopsis: Orsolya es alguacila en la ciudad de Cluj, en Transilvania. Fiel a su cargo, debe ejecutar el desahucio de un hombre sin techo que vive en el sótano de un edificio del centro destinado a convertirse en un hotel de lujo. Pero un suceso inesperado la confronta de pronto con sus propias contradicciones desencadenando en ella una profunda crisis moral.

Dirigida por Radu Jude, la película está protagonizada por Eszter Tompa, Gabriel Spahiu, Adonis Tanța, Oana Mardare y Șerban Pavlu.

Distribuye Atalante Cinema.

LA VIDA FUERA

La vida fuera, dirigida Mario Martone (Nostalgia) y presentada mundialmente en la Sección Oficial de la última edición del Festival de Cannes, tuvo su estreno en España en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, donde participó en Sección Oficial.

Protagonizada por Valeria Golino (Rain Man, Retrato de una mujer en llamas), Matilda de Angelis (Dracula: A Love Tale, Una librería en París) y la cantante y actriz italiana Elodie, ha recibido varios premios y nominaciones importantes, incluyendo el Nastro d'Argento a la Mejor Actriz Protagonista para Valeria Golino y el Nastro d'Argento a la Mejor Actriz de Reparto para Matilda De Angelis y para la -también cantante- Elodie, otorgados por el Sindicato Nacional de Periodistas Cinematográficos Italianos. Además, fue nominada a otros premios, como Mejor Película y Mejor Director, en la misma ceremonia.

Se trata de la adaptación cinematográfica de la novela autobiográfica de Goliarda Sapienza, L'università di Rebibbia, de 1983. La autora fue una actriz, escritora y pensadora autodidacta, fue una voz adelantada a su época. Marginada durante años por su audacia literaria y su compromiso feminista, su legado ha adquirido en las últimas décadas una relevancia creciente, convirtiéndose en símbolo de resistencia y libertad creativa. Fuori retoma ese espíritu para traducirlo al lenguaje cinematográfico contemporáneo, rindiendo homenaje a una autora que rompió silencios y abrió caminos.

Sinopsis: Una escritora acaba en prisión por un acto loco e inesperado, donde se reúne con unas jóvenes reclusas. Una vez fuera, la escritora y las otras mujeres mantienen su amistad, un auténtico vínculo que nadie más podrá entender.

La vida fuera llega a nuestros cines de la mano de AVALON.

El director de teatro y cine Mario Martone nació en Nápoles en 1959. Desde 1977 trabajó en el teatro de vanguardia, típico de la época, y fundó la compañía teatral False Movement. Las obras que dirigió con esta compañía se han convertido en referentes en el mundo del teatro, el cine y las artes visuales, por ejemplo: Tango Glacial, Le Désir pris par la queue, inspirada en Picasso, y Retour à Alphaville, de Godard. Diez años más tarde creó United Theatres, una compañía abierta a artistas de diversas disciplinas. No se limita a producir obras de teatro con esta compañía, sino que también dirige sus películas. Su primer largometraje, Death of a Neapolitan Mathematician, recibió el Premio del Jurado en Venecia en 1992. L'Amore molesto (1995) y Theatro di guerra (1998) se presentaron en Cannes. También ha dirigido varios cortometrajes, documentales y obras de teatro filmadas, entre ellas el famoso manifiesto de United Theatres, Rasoi. Desde enero de 1999 es director del Teatro de Roma. En 2022 realiza Nostalgia, adaptación cinematográfica de la novela homónima de 2016 de Ermanno Rea, protagonizada por Pierfrancesco Favino, que se presenta a concurso en el Festival de Cannes 2022. El 26 de septiembre de 2022 es seleccionada para representar a Italia en los Premios Óscar 2023. En 2023 dirige el documental sobre Massimo Troisi, Laggiù qualcuno mi ama, escrito en colaboración con Anna Pavignano, galardonado como mejor documental en los David di Donatello 2024.

QUEER ME

El largometraje documental Queer me de Irene Bailo se estrena en cines este viernes de la mano de Nueve Cartas. El film, protagonizado por la propia directora, es un testimonio íntimo, político y generacional del movimiento queer en Toulouse.

Queer me está producida por la productora aragonesa Du Cardelin Studio y la francesa Corpus Films. Además, cuenta con el apoyo del CNC (Centre national du cinéma et de l'image animée), las regiones Nouvelle - Aquitaine y Occitanie, Toulouse Métropole, el Gobierno de Aragón, el Ayuntamiento de Zaragoza, y la colaboración de ARAGÓN TV, TV7 y Kanaldude.

Sinopsis: Desde sus primeros amores adolescentes hasta el descubrimiento de la comunidad queer de Toulouse, Irene explora su relación con las normas sociales y las del propio colectivo. “Queer me” es un viaje vital, político y generacional que, a través de material de archivo, recuerdos personales y registro documental actual, construye una mirada íntima y coral del movimiento transfeminista desde la casa okupa TDB.

EL CANTO DE LAS MANOS

El canto de las manos (Song of the hands), el debut en la dirección de María Valverde, llega a nuestras salas de cine de la mano de Filmin.

La película narra la extraordinaria historia detrás de la producción de la ópera Fidelio desde la génesis del proyecto hasta su emocionante estreno en la ciudad de Caracas.

El canto de las manos recorre la vida de Jennifer, Gabriel y José, tres músicos sordos de Venezuela, que deben superar adversidades para dar vida a Fidelio de Beethoven, en su primera puesta en escena en lengua de signos, bajo la dirección del mundialmente reconocido director de orquesta, Gustavo Dudamel.

Desde su estreno en el Festival de Málaga, El canto de las manos se ha presentado en festivales como el Festival de Guadalajara (México), Atlàntida Mallorca Film Fest, Festival de Morelia, Muestra de Valencia y recientemente en el Festival In-Edit donde ha sido reconocida con el Premio del Público y Mención Especial del Jurado.

Además, el documental ha tenido su estreno internacional en Lincoln Center de Nueva York, dentro de la competición oficial de DOC NYC, en un evento apadrinado por el actor y director Bradley Cooper, y una presentación especial en Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles, que ha contado con la participación de la directora y guionista Ava DuVernay. Las premieres de Nueva York y Los Ángeles han reunido a más de 3.300 personas y han contado con la presencia de personalidades de la industria del cine nortemericano.

La película propone un viaje que descubre el poder transformador que tiene la música para la comunidad Sorda y cómo la música y el arte pueden cambiar el mundo.

Según su directora, María Valverde, “La música no es solo la inspiración y el motor en la vida de estos brillantes artistas sordos, sino también su refugio y su salvación. Esta es una historia de justicia, de como el arte transciende el visible y transforma a sus protagonistas en guías que iluminan una nueva manera de sentir la música, desde un nivel más profundo de conciencia; una declaración de libertad y dignidad”.

EL REY DE REYES

El Rey de Reyes llega a las salas tras su excelente acogida en Estados Unidos, donde la película lleva recaudado más de 60 millones de dólares, convirtiéndose en el mejor estreno de la historia para una película bíblica animada, superando el récord que mantenía “El Príncipe de Egipto” desde 1998.

Angel Studios produce esta película para toda la familia, inspirada en la tradición de Charles Dickens de contar el Evangelio a su familia cada Navidad. El Rey de Reyes presenta al propio Dickens como narrador y personaje central en la historia, relatando la vida de Jesucristo a su hijo Walter como un cuento antes de dormir. La película, que cuenta en su versión original con las voces de Kenneth Branagh, Uma Thurman, Mark Hamill, Pierce Brosnan, Roman Griffin Davis, Forest Whitaker, Ben Kingsley y Oscar Isaac, ha sido destacada por la crítica americana por su calidad artística y su capacidad de conectar con todo tipo de públicos.

Sinopsis: En la víspera de Navidad, Charles Dickens cuenta a su hijo la historia más grande jamás contada: lo que comienza como un cuento antes de dormir se convierte en un viaje que cambiará sus vidas para siempre. A través de la imaginación, el niño camina junto a Jesús, en una historia llena de aventuras, ángeles, reyes malvados y milagros.

Selecta Visión y A Contracorriente Films estrenan en cines El Rey de Reyes  en su versión doblada al castellano y al catalán y subtitulada al castellano.

ENTREVISTA A MARIOLA FUENTES, CAROLINA RUBIO Y OMAR AYUSO - SERIE "SILENCIO" - MOVISTAR PLUS+

Escrita y dirigida por Eduardo Casanova, Silencio es una miniserie Movistar Plus+ que reimagina el mito del vampiro con una impactante puesta en escena. La serie está protagonizada por Lucía Díez, Ana Polvorosa, María León, Mariola Fuentes, Leticia Dolera, Omar Ayuso y Carolina Rubio.

Sinopsis: En las sombras de la historia, el secreto late como un pulso. Unas hermanas vampiras sobreviven a la escasez de “sangre humana limpia” debido a la Peste Negra, pero el verdadero veneno es el silencio que las rodea. Siglos después, una de sus descendientes se enfrenta al mismo conflicto en la pandemia del SIDA en España, y descubre que la condena social sigue siendo la misma. Y que el amor entre “enfermos” y “sanos”, humanas y vampiras sigue provocando el mismo terror. ¿Qué sucede cuando la eternidad se mide en siglos de silencio?

Ficha técnica

• Director y guionista: Eduardo Casanova.
• Producción ejecutiva: Javier Prada y Eduardo Casanova.
• Productores: Javier Prada (Gamera Studios) y Reyes Velayos (Apoyo Positivo).
• Coordinador de producción: Juan Mata.
• Reparto: Lucía Díez, Ana Polvorosa, María León, Mariola Fuentes, Leticia Dolera, Omar Ayuso y Carolina Rubio.
• Dirección de fotografía: Marino Pardo.
• Montaje: Ángel Pazos.
• Sonido: Dani Bravo.
• Música: Joan Vilà.
• Vestuario: Carolina Galiana.
• Dirección de arte: Melanie Antón.
• Efectos especiales: Óscar del Monte.
• Efectos visuales: Daniela Castro.
• Formato: 3 episodios (69' total).

En el pasado Festival de Sitges, y gracias a nuestras amigas de DYP Comunicación, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Mariola Fuentes, Carolina Rubio y Omar Ayuso. Este es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- ¿Cuál fue vuestra primera reacción cuando leísteis el guion?

MARIOLA FUENTES.- Felicidad absoluta. Yo confío plenamente en Eduardo, todo su universo me parece una fantasía, me parece que está muy cercano a mí, lo entiendo mucho, creo que tiene mucho de trash y de mucho tipo de cine que a mí ya me fascinaba desde que era adolescente, tipo el cine de John Waters, todo el universo Divine, creo que tiene mucho que ver. Entonces pues yo estoy encantada de la vida pudiendo participar en toda esta locura.

CAROLINA RUBIO.- A mí me estimuló muchísimo, me hacía muchísima ilusión. Yo le dije a Edu que sí antes de haber leído nada, cuando lo leí me volvió loca y pensaba todo el rato en mi cabeza pero esto cómo se va a hacer. Participar en este proyecto ha sido una maravilla.

OMAR AYUSO.- Pues yo muy feliz porque Edu es uno de mis directores españoles favoritos, ya lo era en la universidad y el hecho de que me llamara fue tener la oportunidad de trabajar con un referente que ha conformado mi memoria cinematográfica, entonces, pues imagínate.

Carlos Penela.- ¿Sentisteis un peso especial al hablar a través de vuestros personajes y dar voz a temas que siguen siendo, alguno de ellos, tabúes sociales: el VIH, la discriminación, etc.? ¿Hubo mucho diálogo con Eduardo en este sentido? 

MARIOLA FUENTES.- Sí, con Eduardo siempre hay mucho diálogo, pero yo no siento ningún peso, en absoluto. Para mí hablar de estos temas es algo muy natural. Es que yo llevo viendo el tema del VIH desde que empezó, se me han muerto muchos amigos. Para mí de hablar de esto es natural, porque además considero que ya han pasado muchísimas décadas y seguimos con el estigma, cosa que es muy absurda ya, creo que ya va siendo hora de que la gente, queémínimo que se informe un poquito y deje ya de estigmatizar a la gente como si fuera leprosa.

CAROLINA RUBIO.- Yo estoy totalmente de acuerdo con lo que ha dicho Mariola. La verdad es que no sentí un peso especial, fíjate, más que nada sentí un alivio de poder hacer una historia que hablase de esto abiertamente desde un lugar muy respetuoso y muy comprometido, sentí eso.

OMAR AYUSO.- A mí me estimuló mucho, tener la oportunidad de hacer un acto profundamente político desde una mirada y una voz absolutamente bella, esa combinación inusual, es un sueño, es que te da la vida.

Carlos Penela.- Desde temas de vestuario, maquillaje, etc. ¿Hubo alguna escena que os pusiera a prueba técnica o emocionalmente? En tu caso Omar, ¿la escena del desnudo y todo lo que pasa en ella?

MARIOLA FUENTES.- Yo creo que lo que más, a mí por lo menos, no sé si técnicamente o de tener que aguantar la risa o que no te saque de la seriedad del diálogo, los dientes, sin duda alguna. Yo me escuchaba, me daba la risa, de repente, según qué palabras pronuncias, el diente se ha caído, se te ha movido, tu compañera se ha reído, tú te has reído porque la otra le ha pasado lo mismo, estás escuchándola y te estás escuchando a ti misma, escuchas hablar a todos como familia de Rajoy, etc. Entonces, todo como complicado, pero a la vez es muy divertido.

CAROLINA RUBIO.- Para mi, la dificultad de llevar las prótesis: los ojos (no ves con un campo visual tan abierto), la nariz (no te puedes sonar los mocos), la boca, las prótesis... Todo eso fue como la gran dificultad, pero luego la verdad que los últimos días ya éramos unas profesionales y hacíamos de todo con los dedos, con la prótesis, con la boca, ya era todo para arriba, totalmente integradas.

OMAR AYUSO.- Yo te diría que se me complica lo de desnudarme, pero no, soy muy exhibicionista, por lo que esa escena no fue una complicación. Era consciente de que estábamos haciendo algo tan bonito que estaba absolutamente entregado a la causa. Tener a estas señoras detrás mía, devorándome, cayendo chorros de sangre, cantando "Muera el amor" de Rocío Jurado, mientras Edu desde el combo gritaba "Mariola, ¡a comer!", "Venga chicas, ¡cachondas como perras", "¡Viva la muerte, viva la sangre!", fue brutal. Así que, la verdad, por otro lado, yo vestido de campesinito... Es que fue muy fácil. ¡Ah!, una cosa que no he contado en ninguna entrevista: ¡Eduardo me hizo comer carne cruda!. Me empezaron a entrar arcadas y le dije a Edu, "Edu que poto", y el maricón me dice "si potas me haces padre". Pero te digo una cosa, ese plano es de lo que más orgulloso estoy de toda mi vida, el plano comiendo la carne.

Carlos Penela.- ¿Qué habéis aprendido de todo el proceso? ¿Creéis que Silencio puede marcar un punto de inflexión en el panorama audiovisual español?

OMAR AYUSO.- Pues mira, yo lo que he aprendido es que el riesgo merece la pena, y que por desgracia el riesgo exige el cuádruple de trabajo para un creador, el cuádruple de disgustos y el cuádruple de horas de comerte la cabeza, pero que el resultado es, tanto para el equipo como para el que lo ve muy agradecido. Yo creo, como fan de Eduardo, que estamos asistiendo a una madurez muy interesante de un creador que no tiene límites. Ojalá nos llame para todo lo que haga.

CAROLINA RUBIO.- Yo siempre admiro mucho a los creadores, a los directores que se comprometen con las historias que les tocan y que van más allá de lo que se lleva o los patrones que se supone que funcionan. Entonces, no sé, decir que va a marcar un antes o un después es poner una expectativa que es mejor no tener, pero sí que creo que Eduardo ha hecho algo, ha creado como que mezcla muchísimas cosas, muchísimos conceptos y que creo que lo ha hecho muy bien y que no se había hecho antes aquí nunca.

MARIOLA FUENTES.- Pues sí, yo también, no sé si "Silencio" creará un antes y un después, pero creo que Eduardo Casanova sí crea un antes y un después en lo que es toda su trayectoria y el tipo de cine que hace en este país. No sé dónde vamos a llegar con "Silencio", pero que él va a llegar a un lugar muy lejano, lo tengo claro.

ENTREVISTA A VENTURA DURALL Y ANNA ALARCÓN - "SUPERNATURAL"

NANOUK FILMS, en coproducción con GLIA FILMS, HARALD HOUSE y MASSALA, producen Supernatural, la nueva película del prestigioso director Ventura Durall (La Ofrenda, Els anys salvatges).

Protagonizada por Mathurin Malby, Anna Alarcón (Desayuna conmigo, Mamífera) y André Malby, Supernatural llegará a los cines invitando al público a sumergirse en una experiencia tan emocional como intelectual.

La película aborda la figura de André Malby, un famoso chamán a quien muchos atribuyen curaciones milagrosas. Su leyenda se ve puesta en duda por el conflicto entre su hijo, un médico escéptico que ha rechazado su herencia espiritual, y una devota admiradora convencida de que Malby le salvó la vida telepáticamente.

A partir de este enfrentamiento, la película explora las fronteras entre lo visible y lo invisible, la razón y la intuición, la ciencia y la fe.

Sinopsis: Anna Alarcón, actriz convencida de que André Malby, chamán famoso a quien muchos atribuyen curaciones milagrosas, le salvó la vida de niña, se encuentra con Mathurin, el hijo médico de Malby que ha renegado de su legado. El conflicto entre ambos los impulsa a un viaje íntimo para sanar heridas del pasado y desvelar la verdad oculta de Malby, indagando en los límites entre ciencia y magia.

Supernatural es un viaje entre dos mundos: el de lo tangible y el de lo inexplicable, un relato sobre la necesidad de creer y el miedo a hacerlo.

En palabras del director: “Supernatural comenzó como un viaje personal. Cuando mi amiga Anna me contó cómo André Malby, un famoso chamán, le había salvado la vida a través de una curación telepática, mi mente no podía concebirlo. Como persona que cree firmemente en la ciencia, siempre he sido escéptico ante las ideas esotéricas. Pero me encontré preguntándome: ¿Me estoy perdiendo algo?”

Con esta premisa, Durall propone una reflexión sobre la necesidad humana de encontrar sentido en lo inexplicable, abriendo un diálogo entre razón, emoción y espiritualidad.

Ventura Durall es productor, guionista y director de cine. En el año 2000 fundó la productora Nanouk Films con el objetivo de crear una plataforma artística de referencia en el panorama audiovisual catalán y europeo, y establecer nuevos canales de comunicación entre el documental y la ficción cinematográfica.

Sus producciones han sido seleccionadas y galardonadas en festivales internacionales como Sundance, Locarno, San Sebastián, IDFA y HotDocs, consolidando su trayectoria como una de las voces más singulares del cine autoral contemporáneo.

Además, su labor pedagógica se refleja en su trabajo en la escuela de cine ESCAC, donde fue jefe del Departamento de Documental durante 10 años, y en su paso como presidente de PRODOCS, la asociación de productores de documentales en España.

Durall combina una mirada profundamente humana con una puesta en escena visualmente poética, explorando siempre los límites de la realidad y la ficción.

Supernatural cuenta con la coproducción de 3CAT y la participación de RTVE y FILMIN, además del apoyo de ICEC, ICAA, MEDIA y Eurimages. Su producción destaca por la colaboración internacional y el cuidado estético característico de Nanouk Films, reafirmando el compromiso del equipo con un cine de autor arriesgado, reflexivo y profundamente humano.

Gracias a nuestrxs amigxs de MADAVENUE Pr Communications hemos tenido la oportunidad de entrevistar al director de la cinta, Ventura Durall, así como a la actriz Anna Alarcón. Éste es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- Ventura, tu cine siempre ha explorado los pliegues más frágiles de la identidad, en Supernatural das un paso hacia lo invisible. ¿En qué momento sentiste que este viaje hacia lo no racional debía convertirse en película? ¿Cómo surge Supernatural?

VENTURA DURALL.- Pues la película surge a partir del asombro y la perplejidad cuando Anna me cuenta su historia de infancia. Me cuenta que sufrió una anorexia muy severa cuando era niña, que la llevaba al borde de la muerte casi, y que sus padres desesperados contactan a un chamán que la salva a través de una curación a distancia con una fotografía. A esta incredulidad que me provoca la historia, se le suma el hecho de que veo que esta historia es compartida por mucha otra gente, o historias similares que cuentan casos de curaciones milagrosas, de telequinesis, de telepatía, de evidencia de este personaje, de este chamán que es André Malby. Empiezo a investigarlo y veo que es un personaje fascinante, entonces decido explorar este mundo, una parte por curiosidad y una por preguntarme a mí mismo si me estaba perdiendo alguna cosa en este mundo, pensando desde mi punto de partida racional qué podía encontrar.

Carlos Penela.- Anna, en Supernatural te adentras en un territorio emocional y conceptual poco habitual. Haces un ejercicio de generosidad enorme, nos muestras aspectos de tu vida muy íntimos y personales. ¿Cómo te preparaste para habitar un espacio tan difícil de clasificar?

ANNA ALARCON.- Bueno, piensa que al final preparación no hubo. Hay una decisión, más que una preparación. Es una decisión que surge de una necesidad, una necesidad de trascender mi historia y, antes que trascenderla, poder comprenderla, aceptarla y sanarla. Todo esto parte de que yo quería hacer un documental sobre André Malby en el que yo no apareciera. Lo que pasa es que en un viaje en tren con Ventura Durall, donde estábamos haciendo la promoción de 'La ofrenda' (una película que habíamos hecho conjuntamente), yo le comenté que estaba haciendo un documental sobre André Malby, rollo amateur, con mi hermano, y le dije si él quería ser el productor y dirigir este documental. Entonces, en ese momento, cuando yo le expliqué mi historia y le pasé un relato que yo había escrito sobre los recuerdos que tenía de mi infancia y de lo que me había sucedido, él me dijo "yo creo, Ana, que aquí hay un documental, pero tú tienes que ser el vehículo que nos lleve en este viaje". Aquí a mí me aparecieron todos los miedos, pero después, como te decía, me conecté con esta necesidad de la que te hablaba. Al final, en el momento en que yo escribí un relato sobre todo lo que recordaba de mi infancia, en relación a la enfermedad, yo ya tenía ganas de poner orden un poco en mi vida. Tenía una especie de angustia vital y necesitaba ordenar unas piezas, por eso escribí el relato, luego, dar el paso y hacer el documental, al final era un paso más para enfrentarme a mis fantasmas en relación a mi infancia.

Carlos Penela.- ¿Cómo fue todo el proceso de documentación para la película?

VENTURA DURALL.- Pues ha sido un proceso larguísimo, de dos, tres años, que ha consistido básicamente en contactar a la gente del círculo más íntimo de Malby: pacientes suyos, amigos, familiares, por un lado y, por el otro, de sumergirme en los archivos de Malby, porque él fue un personaje muy popular en los 80 y 90, salía en programas de Sánchez-Dragó en Televisión Española, también tenía un programa de radio en Cataluña Radio que se llamaba Sintonía Alfa. Los vimos todos, los transcribimos, empezamos a contactar a toda la gente que nos contaba estas historias increíbles, había gente conocida y gente no conocida, gente que participaba con él en las tertulias, pero también gente que lo tenía casi como en un altar, le tenían una devoción casi divina. Encontramos también el personaje del hijo, que era lo opuesto a toda esta gente que creía en él. Mathurin Malby había estudiado medicina convencional, había huido de casa a los 16 años y se había convertido de alguna forma en todo lo opuesto a su padre, no creía para nada en los supuestos poderes sobrenaturales de su padre.

Carlos Penela.- Anna, además de tus fantasmas, como decías, en la película se ven testimonios de diferentes personas que tuvieron contacto con André. Desde este punto de vista, creo que para algunas personas quizás la película plantea más preguntas que respuesta. ¿Hubo algún proceso que te removiera personalmente de las otras personas? ¿Alguna idea que sigas pensando aún a día de hoy, después del rodaje?

ANNA ALARCON.- Por una parte es bonito encontrarte a personas que han conocido a André y que tienen experiencias similares a las tuyas. Por otro lado, también me encontré una especie de veneración que a mí esto me tiraba un poquito para atrás, me hacía más entrar en un terreno de duda o de cuestionamiento que otra cosa. A medida que avanzaba, en mí aparecían como dos fuerzas, y había una fuerza que en realidad me hacía hacer una relectura de las vivencias que tuve en mi infancia.

Carlos Penela.- En Supernatural aparecen personas que han vivido experiencias difíciles de explicar para algunos. Ventura, ¿cómo gestionaste esa responsabilidad ética de filmar testimonios tan íntimos sin caer en lo sensacionalista ni en una desmitificación fría? Se muestra todo con mucho respeto. Anna, tú, como persona implicada, ¿también lo has sentido así durante el momento del rodaje?

VENTURA DURALL.- Pues sí, gracias por decirlo, quisimos ser muy respetuosos con todos los personajes, pero en mi intención más íntima, en mi intención más oculta estaba el intentar entender por qué toda esta gente creía en el relato que nos contaba, qué se escondía detrás de este pensamiento mágico y del convencimiento detrás de estas historias que para mí eran increíbles. Intentar entender el núcleo de la existencia del pensamiento mágico está un poco en el propósito de la película, y en este intento de comprensión es donde creo que surge este respeto que comentabas.

ANNA ALARCON.- En el rodaje tú te lanzas y vas, sin más, yo nunca había rodado un documental, no tiene nada que ver con la ficción, no teníamos un guion preestablecido, tú vas rodando, vas pasando etapas y luego una etapa te abre las puertas de otra, se va direccionando a medida que vas avanzando. Yo no sabía que me iba a encontrar al final, cuál sería el montaje final. Piensa que al final desestimamos muchísimas horas de rodaje, muchísimas. Al final el resultado me enorgullece muchísimo y lo veo igual que tú lo ves. Creo que está súper equilibrado y sobre todo lo que impera en toda la película es el respeto por todas las opiniones y todos los puntos de vista que se transmiten en la película. Y esta fase que hizo Ventura del montaje le estoy profundamente agradecida, porque era muy fácil caer en ridiculizar a una de las dos partes, ¿sabes? Normalmente la parte que habla de lo sutil es más fácil de ser ridiculizada porque no tiene la validación de la ciencia, al final vivimos bajo una dictadura racional. La dictadura del racionalismo es un poco los parámetros donde nos encontramos. Y al final, pues bueno, me gusta que la película plantee más preguntas que dogmas.

Carlos Penela.- En ese sentido el film plantea un diálogo y una reflexión interior entre ciencia y espiritualidad, casi como dos lenguajes que intentan entender lo mismo por caminos opuestos. Ventura, ¿Qué descubriste tú al poner a conversar a estos dos mundos?

VENTURA DURALL.- A ver, yo partía (y sigo) del mundo racional, que, de alguna forma, al encontrar al personaje de Mathurin, el hijo, se convirtió en mi alter ego en la película. Al final la película es una aproximación a este chamán fascinante pero también muy contradictorio desde estos dos mundos que representan los dos personajes que vemos en la película, el de Anna, que representa el mundo de la magia, el esoterismo; y el de Mathurin, que es el de la ciencia y la racionalidad. Los dos personajes tienen que poner en juego sus creencias y enfrentarse, de alguna forma, poner sus creencias al lado de las del otro. Al final todos son relatos que nos construimos, la ciencia es un relato con unas verificaciones, que tiene un respaldo empírico muy fuerte, pero no deja de ser un relato. La fe, la magia, la creencia en la existencia de otros mundos, de otras dimensiones, también es un relato que nos permite de alguna forma construir nuestra identidad.

Carlos Penela.- Ventura, tu cine a menudo funciona como un espejo. ¿Hubo algo en este rodaje que te interpelara personalmente? ¿Alguna revelación, duda, algo que no esperabas encontrar?

VENTURA DURALL.- Pues sí, muchísimas cosas. El hecho de explorar un mundo desconocido y de poner en juego tus propias creencias, por ejemplo. Poner tus creencias, contraponerlas con las que son lo opuesto a las tuyas, creo que ese es el juego que establece la película y que se le propone al espectador, que la película funcione casi como un espejo, pero un espejo cóncavo en el que se reflejan tus propias creencias, pero las devuelve de una forma distinta, obligándote a cuestionarlas de alguna forma. Ese ha sido un poco el esquema mental que hemos planteado a la hora de hacer la película.

Carlos Penela.- Anna, después de haber hecho la película, ¿Qué dirías qué representa para ti Supernatural?

ANNA ALARCON.- Madre mía, yo aún estoy movida por dentro, ayer hicimos el preestreno y estoy removida. Lo que ha sido para mí ha sido un camino de transformación profundo porque me ha permitido aceptar la herida de infancia y reconciliarme con ella. Ha sido un camino duro en muchos momentos, hemos tenido momentos de tensión reales, en el documental aparecen y todo es real. Ventura también es mucho más racional que yo. Han habido muchos momentos muy incómodos, pero por suerte siempre hay este cariño y este amor que tenemos entre ambos. También con Mathu, pero claro, yo con Mathu en realidad conviví la primera parte del documental, después ya no. Al final en realidad ha habido mucho respeto con Ventura. Ha sido un camino duro, pero al final ha sido un camino durante estos cuatro años de pasar por un vacío, también un vacío vital, y de no tener miedo a mirar la propia herida, hablo de la mía, pero en realidad todos tenemos una herida. Hay que aprender a mirarla y a aceptarla. Al final yo creo que en la aceptación está la sanación. Es muy fácil decir perdón, pero para perdonar hay que atreverse a mirar, a ver y aceptar, luego ya hablaremos del perdón.

Carlos Penela.- Ventura, si tuvieras que invitar a la espectador/a a ver Supernatural con una única frase, ¿Cuál sería la puerta de entrada ideal para este viaje?

VENTURA DURALL.- Pues que vengan con el corazón y la mente abiertos, porque les proponemos un viaje intenso, reflexivo y emocional.

Carlos Penela.- Creo que la película adquiere una trascendencia especial por el momento social en general que vivimos de agitación constante, polarización y discusión continua. Mientras veía la película pensaba que la sociedad está demasiado acelerada y no nos paramos a auto cuidarnos, a pensar en nosotros mismos, a dedicarnos el tiempo que necesitamos. 

VENTURA DURALL.- Sí, creo que es una película que por lo menos invita al debate, que te obliga de alguna forma a cuestionarte tus propias creencias y que también tiene este viaje que es absolutamente universal de reconciliación de uno mismo, con su pasado, con esta dimensión vertical que es la familia y que nos atraviesa de alguna forma, donde a veces para curar estas heridas la única forma es enfrentarse a las causas, donde estaba el dolor e intentar abrazarlo de alguna manera.

ANNA ALARCON.- Estoy absolutamente de acuerdo. Hay un tema para mí que me genera mucha tristeza, también a raíz de esta vida tan supeditada a la tecnología en la que estamos en este momento, se está perdiendo lo que es el diálogo interior. Ahora mismo, estoy aquí, contigo, y estoy viendo toda esta gente que pasa por la calle, toda persona tiene un móvil en la mano, eso nos está ocasionando que no tengamos ese diálogo con nosotros mismos, esa voz interior. Al final creo que esta película te da un tiempo y un espacio de reflexión, de reflexión con uno mismo, porque al final estás todo el rato pivotando de un lugar a otro, y creo que te invita a este estado de reflexión. Sobre todo lo que tú decías también, vivimos en un momento muy polarizado donde enseguida te tienes que posicionar y decir sí o no, los matices o la gama de grises parece que no puedan existir, que no haya espacio para ello, y en esta película es todo lo contrario. Yo soy muy partidaria de estar en el no sé, no pasa nada, no hace falta continuamente poner un like o un no like, ¡basta! Basta también de la tiranía del posicionamiento, de esta forma tan polarizada, es muy pobre a nivel humano, nos empobrece. Creo que el diálogo y la reflexión es lo único que nos hace un poquito humanos.

Carlos Penela.- Anna, si tuvieras que definir con una palabra o una frase André Malby, ¿Qué dirías?

ANNA ALARCON.- Diría que lo que tenía era una capacidad de percepción superior, diferente a la media, sumada a una gran generosidad.

Carlos Penela.- Para finalizar, ¿Qué habéis aprendido y con qué os quedáis de haber hecho Supernatural?

VENTURA DURALL.- Realmente ha sido un viaje muy gratificante. Me quedo con muchísimas cosas, con aprender a mirar el mundo de otra forma, con una percepción más sensible, por ejemplo. Me quedo también con un agradecimiento casi infinito a Anna y Mathurin, ellos se han expuesto, han sido súper valientes, mi agradecimiento es por haberse mostrado, por haber compartido, por su honestidad en este viaje. Me siento satisfecho porque creo que les ha servido, ha sido un viaje terapéutico para ellos. Y si este viaje puede ser compartido y ayudar a otra gente, pues bienvenido sea. Ha sido un viaje muy gratificante en muchos sentidos.

ANNA ALARCON.- Yo me quedo con que cada uno de nosotros somos diferentes y que la creencia de cada uno de nosotros es igual de válida que la del otro. Creo que realmente todos vivimos sometidos a nuestro propio relato, y ese relato tiene que ver con las experiencias que hemos vivido, y eso nos da una capacidad de percibir u otra, pero al final, nadie es superior al de al lado.