¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
Blancanieves, la reinterpretación musical en acción real del clásico de 1937 de Walt Disney Studios, nos transporta a la historia intemporal conRachel Zegleren el papel principal yGal Gadotcomo su madrastra, la Reina Malvada.
Blancanieves está dirigida por Marc Webb (The amazing Spiderman), escrita por Erin Cressida Wilson (La Chica del tren) y producida por Marc Platt (La Sirenita) y Jared LeBoff (Cruella), con Callum McDougall (El regreso de Mary Poppins), como productor ejecutivo, y con canciones nuevas de Benj Pasek y Justin Paul (Dear Evan Hansen), así como una música original compuesta por Jeff Morrow. La película también está protagonizada por Andrew Burnap como Jonathan, Andrew Barth Feldman como Mudito, Tituss Burgess como Tímido, Martin Klebba como Gruñón, Jason Kravits como Mocoso, George Salazar como Feliz, Jeremy Swift como Sabio y Andrew Grotelueschen como Dormilón.
"Estoy deseando que el público y los fans de todo el mundo vean este avance y vuelvan a visitar el mágico mundo de Blancanieves", afirma Webb. "Nuestro objetivo siempre ha sido rendir homenaje a la película de animación original y estamos muy orgullosos del equipo de increíbles artistas, desde marionetistas hasta actores de doblaje y técnicos de captura de movimiento, que han sabido dar vida a estos personajes mágicos y entrañables de una manera tan especial".
La película animada original de "Blancanieves y los siete enanitos" se estrenó el 21 de diciembre de 1937 en el Carthay Circle Theatre de Los Ángeles. Fue producida por Walt Disney y se convirtió en un hito en la historia del cine de animación, siendo el primer largometraje de animación a color de la historia. Dentro del canon de los clásicos animados de Walt Disney Animation Studios, "Blancanieves y los siete enanitos" es considerada el primer largometraje clásico de Disney. Su producción fue una apuesta arriesgada para la época, pero resultó ser un éxito rotundo, recaudando en su estreno inicial alrededor de 8 millones de dólares a nivel mundial, una cifra enorme para la época. A lo largo de los años, con sus diversos reestrenos, la película ha acumulado una recaudación global estimada de más de 184 millones de dólares. Su repercusión cultural fue inmensa, estableciendo los estándares para las futuras películas de animación y consolidando a Disney como un líder en la industria del entretenimiento familiar. La película fue aclamada por su innovadora animación, su entrañable historia, sus memorables personajes y sus icónicas canciones, ganando un Óscar especial por su significativa innovación cinematográfica.
Sobre la película
Para analizar la película, voy a basarme en lo que considero los tres aspectos claves de la misma: la modernización de la historia y los cambios respecto al cuento original, las interpretaciones femeninas, y por último, lo que considero los dos aspectos más controvertidos del film (la creación de los enanitos y la música creada para la película)
Modernización de la historia y los cambios respecto al cuento original
La nueva película de Blancanieves en imagen real refleja una evolución en los valores en comparación con el clásico animado de 1937, adaptándose de manera más explícita a los tiempos actuales y a las sensibilidades contemporáneas, especialmente en lo que respecta al feminismo y los roles de género.
En el clásico animado, Blancanieves era presentada como una figura arquetípica de la princesa en apuros: hermosa, bondadosa y pasiva, cuyo destino dependía en gran medida de la llegada de un príncipe que la rescatara de la malvada madrastra. Sus aspiraciones parecían centrarse en encontrar el amor verdadero y vivir feliz para siempre. Los roles de género estaban claramente definidos: el príncipe era el héroe activo y el salvador, mientras que Blancanieves representaba la pureza y la inocencia que necesitaban ser protegidas.
La versión en imagen real, por otro lado, busca subvertir estos roles tradicionales y presentar a una Blancanieves con mayor agencia y determinación. Se la muestra como una líder potencial, preocupada por el bienestar de su reino y con una visión más allá del matrimonio. El personaje de Jonathan, que reemplaza al príncipe tradicional como interés romántico, es presentado como un bandido, lo que sugiere una dinámica de relación diferente, posiblemente menos centrada en el estatus social y más en la conexión personal.
Blancanieves ya no espera ser rescatada, y se sugiere que su "felices para siempre" no depende necesariamente de un príncipe, sino de su capacidad para influir positivamente en el mundo que la rodea. Las nuevas canciones también parecen reflejar esta evolución, con letras que hablan de desafíos y de la búsqueda de la propia voz.
En cuanto a los roles hombre-mujer, la película parece alejarse de la dicotomía tradicional del héroe masculino y la damisela en apuros. La relación entre Blancanieves y Jonathan se insinúa como una colaboración, donde ambos personajes pueden tener fortalezas y debilidades, y donde el apoyo mutuo es más importante que el rescate unilateral.
Personalmente he de decir que esta "modernización" me ha parecido superficial en ciertos momentos, momentos en los que hubiera agradecido más contundencia respecto este mensaje, aunque no es menos cierto que el intento de actualizar los valores del cuento clásico es innegable y refleja un esfuerzo por parte de Diseny hacer la historia más relevante para el público contemporáneo.
La película se adecua a los tiempos actuales al presentar una visión de la princesa de Disney menos centrada en la belleza pasiva y más en el potencial de liderazgo y la búsqueda de un propósito más allá del amor romántico.
Las interpretaciones femeninas
Respecto a los papeles, destacar tanto a Rachel Zegler en el papel de Blancanieves como a Gal Gadot en el papel de la malvada Reina.
Rachel Zegler antes de asumir el icónico papel de Blancanieves, ya había demostrado su talento y carisma en la aclamada adaptación cinematográfica de "West Side Story" (2021) dirigida por Steven Spielberg. En esta película, Zegler interpretó a María, obteniendo elogios generalizados por su poderosa voz, su presencia escénica y su capacidad para transmitir la vulnerabilidad y la fuerza del personaje. Su actuación le valió el Globo de Oro a la Mejor Actriz en una Película de Comedia o Musical, consolidándola como una joven promesa de Hollywood. A
Su interpretación en la nueva Blancanieves se ha centrado en darle al personaje una mayor agencia y determinación, aportando una frescura y una modernidad necesarias al personaje, convirtiéndola en una Blancanieves más proactiva y menos dependiente de un príncipe para su rescate, como he comentado con anterioridad.
Por su parte, Gal Gadot, conocida mundialmente por su papel de Wonder Woman en el Universo Extendido de DC, asume el papel de la icónica Reina Malvada en esta nueva versión. Su trayectoria cinematográfica la ha consolidado como una actriz de gran presencia y carisma en la pantalla. Al interpretar a la madrastra malvada, Gadot aporta una mezcla de sofisticación y amenaza, con una presencia imponente y una capacidad para encarnar la vanidad y la crueldad del personaje. Su vestuario y su porte contribuyen a crear una imagen visualmente impactante de la Reina. Sin embargo, creo que el guion no profundiza lo suficiente en la motivación y el desarrollo psicológico de la Reina, hecho que, de haberse producido, hubiera hecho destacar más aún su interpretación, así como aportado un toque moderno y empoderado a un personaje tradicionalmente unidimensional.
Aspectos controvertidos del film: la creación de los enanitos y la música
Inicialmente, se filtraron imágenes del set que mostraban a actores de diversas alturas y complexiones interpretando a los compañeros de Blancanieves, lo que desató críticas por alejarse de la representación tradicional de los enanitos como personas con enanismo. Estas críticas se intensificaron cuando se confirmó que los personajes serían creados digitalmente (CGI) y que no se utilizarían actores con enanismo.
Mi principal objeción al respecto es la falta representación auténtica y en la oportunidad perdida de dar visibilidad y empleo a actores con enanismo en una producción de gran escala.
Diferentes personalidades y organizaciones que abogan por los derechos de las personas con enanismo han expresado su decepción y preocupación por la perpetuación de estereotipos y la exclusión de actores capacitados.
La decisión de Disney de optar por el CGI se justificó por la búsqueda de una representación más "mágica" y menos literal de los personajes, pero creo que esta argumentación carece de fuerza, y es uno de los motivos que me han llevado anteriormente a expresar que disney podía haber sido más contundente a la hora de "modernizar" la historia, pues si bien es cierto que el feminismo es un aspecto de importancia vital, no es menos importante que la inclusión y la igualdad en el ámbito laboral es una meta en la que también queda mucho por caminar.
Respecto a la banda sonora, para esta nueva versión en imagen real de Blancanieves, se crearon nuevas canciones originales con música de Benj Pasek y Justin Paul, el aclamado dúo de compositores detrás de éxitos como "La La Land" y "El Gran Showman". Estas nuevas canciones incluyen títulos como "Waiting on a Wish" y "Princess Problems", entre otras.
Dichas melodías buscan reflejar la evolución de Blancanieves como un personaje más independiente y con aspiraciones más allá del matrimonio, sin embargo creo que estas nuevas canciones no alcanzan el nivel de iconicidad y el encanto atemporal de los temas clásicos de la película animada original, como "Someday My Prince Will Come", "Heigh-Ho" o "Whistle While You Work". En conclusión, las nuevas composiciones, aunque competentes, carecen, en mi opinión, de la magia y la perdurabilidad de las canciones que marcaron a generaciones.
Ya está en marcha el rodaje en Barcelona y Valencia de Femení, Sigular, el cuarto largometraje de Xavi Puebla (A puerta fría, Bienvenido a Farewell-Gutmann, Noche de fiesta).
Protagoniza la película la joven mexicana Vico Escorcia (¡Que viva México!), junto a Nora Navas (dos Premios Goya a mejor actriz, por Pa negre y por Libertad) y Antonio Dechent (Mar de plástico, Solas, A puerta fría).
Sinopsis: Nayeli, una joven mexicana que trabaja como empleada doméstica en Barcelona, se enfrenta a un sinfín de adversidades cuando su vida da un vuelco inesperado. Mientras lucha por recuperar el control de su vida, su fe, sus vínculos sociales y su determinación, la llevarán contra una sociedad que la juzga y limita. En su camino, encontrará el apoyo y la fuerza, que no sabía que tenía, para transformarse.
Femení, Singular habla del esfuerzo y la soledad que debe afrontar una inmigrante joven, mujer, que viaja a Barcelona a trabajar para ayudar a su pareja a montar un negocio. Es la historia de tantas mujeres valientes, humildes y trabajadoras, que cargan con el peso de sacar adelante los sueños y los logros de los demás. Y a esta mujer, que no se cuestiona nada, le ocurre algo muy importante que, por primera vez, termina con esa posición de resignación y sometimiento donde siempre ha vivido y se enfrenta a la necesidad de tomar su propia decisión. Al fin y al cabo es la historia de una mujer subyugada por el sistema, que se atreve a ser libre.
Foto: Xavi Berdala
Xavi Puebla explica el origen del proyecto: “Movidos por la situación personal de uno de los guionistas decidimos indagar sobre la falta de reconocimiento de unos derechos y de unas capacidades por el hecho de ser pobre y de ser mujer. “FemenÍ, singular” es una historia de superación. Habla de la lucha permanente por mantener la dignidad en una sociedad que en ocasiones discrimina a las personas por motivos de género, económicos o de procedencia”.
SOBRE XAVI PUEBLA
Nacido en Barcelona en 1969, Xavi Puebla es licenciado en Ciencias de la Comunicación por la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB) y diplomado en Dirección Cinematográfica y Guión por el Centro de Estudios Cinematográficos de Cataluña (CECC). Miembro de la Academia del Cine Catalán, ha desarrollado una destacada trayectoria en el cine de ficción.
Ha escrito y dirigido tres largometrajes de ficción: A puerta fría (2012), Bienvenido a Farewell-Gutmann (2008) y Noche de fiesta (2000), obteniendo múltiples premios y reconocimientos. Su trabajo en el ámbito del cortometraje y el documental también ha sido relevante, destacando Viernes (2003), nominado al Goya a mejor cortometraje de ficción. Es una producción de A Lot of FIlms AIE, constituida por Loto Films y Gaia Audiovisuals, y cuenta con la financiación de TV3, À Punt, ICEC (Instituto Catalán de las Empresas Culturales) e IVC (Institut Valencià de Cultura).
Tierra de nadie es un trepidante thriller de suspense dirigido porAlbert Pintó, uno de los directores de las series de renombre internacionalLa Casa de PapelyBerlín y del reciente éxito de Netflix OriginalNowhere. Una original y sorprendente historia escrita porFernando Navarro(Verónica,Bajo cero).
Protagonizado por Luis Zahera (As Bestas), Karra Elejalde (Mientras dure la guerra) y Jesús Carroza (Modelo 77). Completan el reparto, Emilio Palacios, Vicente Romero, Paco Mora, Antonio Gil, Antonio Gómiz, Paula Díaz, Tamara Casellas, Mona Martínez, Jero Medina y Damián Alcázar.
Tierra de nadie, es la historia de tres viejos amigos: un narco, un guardia civil y un depositario judicial, que tendrán que poner a prueba su amistad. El traslado rutinario de un yate incautado a un peligroso cártel se convierte en una aventura entre la vida y la muerte.
Sony Pictures International Productions presenta una producción de Esto También Pasará (La Infiltrada, La Familia Benetón, Sin ti no puedo, Lobo Feroz, De Caperucita a loba, La Navidad en sus manos, Ya no quedan junglas adonde regresar), liderada por el gaditano Álvaro Ariza, en coproducción con Glow (El sueño de la sultana, Buñuel el laberinto de las tortugas, Me he hecho viral), En Tierra de Nadie Films AIE y con la mexicana SDB Films (La Navidad en sus manos, Sin ti no puedo, La Octava Cláusula), con la participación de Prime Video, RTVE, Canal Sur, Mogambo, Vodafone TV y CREA SGR, en asociación de Film Factory y con el apoyo del ICAA.
La película se estrenará en cines de toda de la mano de Sony Pictures.
Sinopsis: Esta es la historia de tres amigos. Mateo el Gallego, un heróico -a su pesar- guardia civil, Juan El Antxale, un pescador convertido en narco por la mala suerte y en el paro, y Benito el Yeye, un resignado e inteligente depositario judicial siempre a medio camino entre la ley y la delincuencia. Tres amigos separados por un lugar, Cádiz y un momento, el presente. Atrapados los tres entre el abandono de las instituciones, el violento e imparable ascenso del narco en la provincia y el peligroso aumento del descontento social. Tres amigos atrapados en un polvorín que pondrá a prueba su amistad.
LA FURIA
La Furia, el debut en el largometraje de ficción de Gemma Blasco, ha recibido 3 premios en el Festival de Málaga: Ángela Cervantes, mejor actriz (ex aequo), Álex Monner, mejor actor de reparto y mejor montaje (Didac Palou y Tomás López).
La película llega a los cines de la mano de Ringo Media y Filmax. Estrenada mundialmente en el Festival South by Southwest de Austin, inaugura el 27 de marzo el Festival D’A en Barcelona.
Una tragedia moderna con una personal mirada sobre la violencia sexual, el asco y la vergüenza protagonizada por Ángela Cervantes (ganadora de dos Premios Gaudí consecutivos a Mejor Actriz Secundaria por Chavalas y La Maternal), que interpreta a Alexandra; y Álex Monner (Pulseras rojas, Bajocero, ganador del Premio Gaudí a Mejor Interpretación Masculina Protagonista por Los niños salvajes), que da vida a su hermano en la ficción. La Furia cuenta con la colaboración especial de la actriz Ana Torrent (Cerrar los ojos).
Sinopsis: Alex, una joven actriz, es violada en una fiesta en Nochevieja y no reconoce a su agresor. Cuando acude a su hermano Adrián en busca de abrigo y compresión, éste reacciona cuestionándola y presionándola. Así, Alex se distancia de su hermano y de todo lo conocido. A lo largo de un año vive sola el asco, la vergüenza y la culpa. Adrián, consumido por la rabia, toma sus propias decisiones en un camino cada vez más oscuro, muy lejos de lo que Álex necesita. Mientras, ella interpreta al vengativo personaje de Medea y encuentra en el teatro la única forma de canalizar su dolor y su ira.
"Con esta película tratamos de abrir más caminos narrativos, aportando una mirada sucia y rabiosa, o profundizando en cómo el entorno a menudo actúa y se impone sin tener en cuenta el dolor, las necesidades y los deseos de la víctima, robándole su lugar.” comenta la directora.
“Pero esta no es una película sobre la superación de un trauma, sino sobre la oscuridad que éste genera. No está contada desde la delicadeza ni la fragilidad. Ni mucho menos desde lo panfletario. Se acerca a una furia que nosotras, las mujeres, también llevamos por dentro y tenemos derecho a transitar. Esta película es mi venganza creativa y me moría de ganas de contarla gritando, rugiendo, desde la garra.” añade Blasco.
Gemma Blasco (1993) se graduó en 2014 en dirección y guión cinematográfico en Bande à Part, Escuela de Cine de Barcelona. Ha escrito y dirigido cortometrajes, publicidad y audiovisuales para teatro. En 2017 dirigió su primer cortometraje Jauría, estrenado dentro de la Sección Oficial del Festival de Málaga de 2018 y seleccionado en festivales nacionales e internacionales como Gijón, ALCINE, Almería o Bogoshorts. En 2018 dirigió su primera película experimental El Zoo, estrenada en el Festival de Cine de Gijón-FICX 2018.
La Furia es una producción de Ringo Media y cuenta con la participación de RTVE, 3CAT, Aragón TV, FIlmin y con la financiación del ICAA, Gobierno de Aragón e ICEC. Será Filmax quien la distribuya en cines y esté a cargo de las ventas internacionales.
El proyecto se ha desarrollado en Torino Film Lab Extended, New Horizons Studio+, CIMA Mentoring, Dama Ayuda o Mallorca Talents Labs. Además de asistir a los mercados de FICG México y Brussels Coproduction Market, donde se alzó en ambos eventos con varios premios de industria.
Ringo Media es una productora de cine independiente que nació en 2017 en Barcelona con el objetivo de producir películas originales, agitadoras y con una mirada autoral para llevarlas a sus audiencias.
UNA BALLENA
Elastica y La Aventura estrenan en cines de Una ballena, el nuevo largometraje de Pablo Hernando (Cabás, Berserker). Hernando firma un thriller noir protagonizado por Ingrid Garcia-Jonsson, que interpreta a una misteriosa asesina a sueldo. Completan el reparto Ramón Barea y Kepa Errasti, entre otros y otras.
Tras presentarse en el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, la película ha seguido un circuito de festivales nacionales e internacionales entre los que destacan el Festival Internacional de Cine de Gijón, el Thessaloniki Internacional Film Festival o el Festival Isla Calavera, donde fue distinguida con el premio a la mejor interpretación para Ramón Barea.
Sinopsis: Cuando Ingrid aprieta el gatillo, sus víctimas no saben quién les ha disparado. Su habilidad para infiltrarse y desaparecer sin dejar rastro la convierte en una asesina a sueldo implacable. Pero ese poder viene de otro mundo. Ingrid recibe el encargo de Melville para eliminar a un poderoso hombre de negocios que ha llegado a la ciudad y quiere hacerse con el control del puerto. El empresario vive atrincherado en un edificio repleto de vigilantes y guardaespaldas armados. Matarlo es un trabajo que sólo Ingrid puede hacer.
Una ballena es una producción de Señor y Señora, en coproducción con Sayaka Producciones y Orisa Produzioni (Italia). Una coproducción entre España e Italia con la financiación del Instituto de la Cinematografía (ICAA)/Ministerio de Cultura y Deporte/Gobierno de España, con la colaboración del Departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco, con el apoyo de la Diputación Foral de Gipuzkoa, del Ministero dei Beni delle Attività Culturali e del Turismo (Italia), Lazio y con la participación de EITB y Filmin.
PABLO HERNANDO, BIOFILMOGRAFÍA
Pablo Hernando (Vitoria-Gasteiz, 1986). Ha escrito y dirigido varios cortometrajes. En 2015 escribió y dirigió el largometraje Berserker, estrenado en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, dónde ganó el Premio Especial Las Nuevas Olas. Posteriormente fue seleccionado en numerosos festivales, incluyendo el Festival de Cine de San Sebastián.
En 2016 coescribe y codirige Esa sensación, junto a Julián Génisson y Juan Cavestany, que se estrenó en el Festival de Rotterdam, fue seleccionado en BAFICI y ganó el premio Movistar+ en el Festival de Cine de Málaga. Ese mismo año el Festival de Cine de Gijón le dedicó una retrospectiva a toda su carrera.
Su cortometraje Salió con prisa a la montaña se estrenó en 2017 en la sección oficial del Festival de Cine de Gijón y fue seleccionado en varios festivales, entre ellos el Festival de Málaga y el Festival Cinespaña de Toulouse. En 2020, escribe y dirige El ruído solar, que es seleccionado como uno de los siete cortometrajes de la edición de Kimuak de ese año. Se estrenó en la selección oficial del Festival de Sitges y ha sido seleccionado en Zinebi, Cinespagnol de Nantes, Go Short Nijmegen o Festival de Málaga, entre otros.
PRODUCTORA SR. & SRA.
Señor y Señora es una productora que empieza a brillar con luz propia. Creada por Leire Apellaniz y Aritz Moreno en 2013 con el fin de producir sus propios proyectos y hacer un cine vasco de gran calidad artística que sea un referente dentro del cine europeo. El amor al cine amplió pronto los intereses de la empresa, que sumó el propósito de acompañar al talento más peculiar y escondido que existe su región, el País Vasco, produciendo a otros cineastas cuya obra, por más que se encontrara escondida en los márgenes, les permitiera intuir que están ante autores con talento y voz propia. Apasionados por el cine, en su infatigable búsqueda para encontrar nuevos horizontes han producido títulos como Ventajas de viajar en tren (Aritz Moreno, 2019), Canto cósmico. Niño de Elche (Marc Sempere-Moya y Leire Apellaniz, 2021), La Concha (Leire Apellaniz, 2022) o Samsara (Lois Patiño, 2023) entre otros.
A WORKING MAN
Jason Statham vuelve para protagonizar A Working Man, el último thriller de acción cargado de adrenalina de Amazon MGM Studios, del director de Escuadrón suicida y Beekeeper: El protector. La película cuenta la historia de un obrero de la construcción que una vez más se ve envuelto en una batalla.
Además de Statham, el reparto internacional de la película lo integran Jason Flemyng, Merab Ninidze, Maximilian Osinski, Cokey Falkow, Michael Peña y David Harbour. La película también está protagonizada por Noemi González, Arianna Rivas, Emmett J. Scanlan y Eve Mauro.
Sinopsis: Levon Cade (Statham) ha dejado atrás una laureada carrera militar en operaciones encubiertas para llevar una vida sencilla trabajando en la construcción. Pero el día que unos traficantes de personas secuestran a la hija de su jefe, a la que considera como de la familia, su búsqueda para rescatarla le descubre un mundo de corrupción mucho mayor de lo que jamás hubiera podido imaginar.
Dirigida por David Ayer a partir de un guion de Sylvester Stallone y Ayer, basado en el libro Levon's Trade de Chuck Dixon, A Working Man está producida por Chris Long, Jason Statham, John Friedberg, David Ayer, Sylvester Stallone, Bill Block y Kevin King Templeton. Los productores ejecutivos son Teddy Schwarzman, Michael Heimler, Mike Shanks, Jill Silfen, Volodymyr Artemenko, Yevgen Stupka, Alexis Garcia, Rachael Cole y Thomas Zadra.
El equipo del realizador Ayer está formado por el director de fotografía Shawn White, el diseñador de producción Nigel Evans, la diseñadora de vestuario Tiziana Corvisieri, el montador Fred Raskin y el compositor Jared Michael Fry.
A Working Man se estrena en España de la mano de Warner Bros.
STING. ARAÑA ASESINA
La película es una monster movie que te pondrá los pelos de punta: una araña mutante con un apetito insaciable no para de crecer, atemorizando a toda una comunidad de vecinos. Esta producción australiana cuenta con la dirección de Kiah Roache-Turner (saga Wyrmwood) y con un reparto excepcional: Alyla Browne (Furiosa; Sonic 3), Jermaine Fowler (El Rey de Zamunda), Robyn Nevin (Matrix Reloaded; Matrix Revolutions) y Ryan Corr (Holding the man; María Magdalena).
Sinopsis: Charlotte, una rebelde niña de 12 años, adopta una pequeña araña que encuentra en su ruinoso edificio como mascota. Esta empieza a adquirir un tamaño gigantesco y su apetito es cada vez más insaciable. Es entonces cuando Charlotte y su familia se ven atrapados y obligados a luchar por su supervivencia.
Sting. Araña asesina llega a nuestros cines de la mano de Diamond Films.
POR TODO LO ALTO
Por todo lo alto, la nueva película de Emmanuel Courcol, se estrena en cines este viernes de la mano de Caramel Films y Karma Films. Este nuevo fenómeno cinematográfico ya cuenta con más 2 millones de espectadores en Francia y en Alemania, recaudó 1 millón de euros en los primeros 10 días de su estreno, convirtiéndose en la comedia de la temporada.
Por todo lo alto no solo obtuvo el Premio del Público a mejor película en el pasado Festival de San Sebastián (consiguiendo la mejor nota de la historia del festival con un 9,32 sobre 10); sino que también cuenta con más de 10 premios del público en festivales de todo el mundo, demostrando una vez más la gran acogida que tiene la película para los espectadores.
Se trata del tercer largometraje de Courcol, que con Por todo lo alto regresa a la comedia humanista que tan buenos resultados le ha dado con su anterior trabajo, la taquillera e inspiradora comedia sobre el teatro y reinserción El Triunfo (2020), Mejor Comedia Europea en los Premios del Cine Europeo (EFA Awards 2020).
Por todo lo alto está protagonizada por Benjamin Lavernhe (Jeanne du Barry, La crónica francesa, Delicioso), Pierre Lottin (La noche del 12, El triunfo, la serie Lupin) y Sarah Suco (El brindis, Las invisibles, 50 primaveras; y directora de The Dazzled).
Sinopsis: Thibaut (Benjamin Lavernhe) es un director de orquesta de renombre internacional que viaja por el mundo. Cuando se entera de que fue adoptado, descubre la existencia de un hermano menor, Jimmy (Pierre Lottin), que trabaja en la cafetería de una escuela y toca el trombón en una pequeña banda de música. Todo parece diferenciarlos, excepto su amor por la música.
Lo nuevo de Courcol es una divertida y conmovedora historia de descubrimiento y superación alrededor de una tardía e inesperada conexión que surge a través de la pasión por la música. Una gran aventura fraternal, social y musical.
En palabras de su director, con "'Por todo lo alto abordo temas que me son muy queridos, como los lazos fraternales, el azar y el determinismo social, y los reúno en una sola historia. Mi punto de partida fue una idea que tuve hace mucho tiempo, durante una consulta sobre una película que nunca vio la luz, ambientada en Tourcoing, en el mundo de las majorettes. Fui allí para conocer a una banda de música y a su grupo de majorettes, las 'Cht'is lutins'. Nadie sabía leer música, ni siquiera el director. Todo el repertorio de la banda estaba compuesto por piezas que él adaptaba de oído. El director desglosaba las piezas por secciones y los demás reproducían lo que habían oído". Y así fue cómo surgió la génesis del proyecto: "Mientras observaba a su director, me preguntaba cuál habría sido su destino de haber nacido en un entorno más privilegiado. Fue entonces cuando me vino a la mente la imagen de un gran director de orquesta que descubre la existencia de un hermano que toca en una banda de música: un choque cultural, emocional, social y musical".
Emmanuel Courcol firma el guion de Por todo lo alto junto a Irène Muscari, con quien ya colaboró en El triunfo: "Quise escribir con un guionista desde el principio. Conocí a Irène cuando trabajaba en 'El triunfo', mi anterior película. Trabajaba como coordinadora cultural en las cárceles del centro penitenciario de Meaux y me dio muy buenos consejos sobre el guion y la realización de la película. Cuando empezamos a hablar de mi próximo proyecto, su punto de vista femenino me pareció indispensable, así que nos pusimos manos a la obra. Yo tengo el bagaje técnico, el sentido de la estructura general y del diálogo, mientras que ella tiene un enfoque muy afinado de la psicología de los personajes y de la interacción humana".
Según sus creadores, Courcol y Muscari, "los dos hermanos representan dos mundos diferentes: uno, de clase obrera, toca el trombón en una banda popular, y el otro, un reputado director de orquesta de música clásica, pertenece a un entorno más privilegiado y de la élite".
Un emocionante viaje musical en pantalla grande para el que "abordamos registros musicales muy diferentes, pero intenté mantenerme fiel a nuestros gustos ofreciendo al mismo tiempo un paisaje musical variado", reconoce su director. "Ya sea la música clásica que dirige Thibaut y que Jimmy descubre a través de él, o el jazz que comparten los dos hermanos, o melodías más inesperadas como la canción de Aznavour... Escucho mucha música, e Irène también es una gran melómana. Aun así, contamos con la ayuda del compositor Michel Pétrossian".
GHOSTLIGHT
Este viernes llega a los cines españoles Ghostlight, una conmovedora película dirigida por Kelly O'Sullivan (Saint Frances) y Alex Thompson (Rounding, Saint Frances).
Ghostlight ha conquistado al público en el prestigioso Festival de Málaga al hacerse con la Biznaga de Plata Premio del Público en la sección Mosaico: Panorama Internacional. Este reconocimiento refuerza el impacto emocional y cinematográfico de la cinta, que ha cautivado tanto a espectadores como a críticos.
Este drama estadounidense narra la historia de Dan, un trabajador de la construcción que, tras una tragedia familiar, encuentra consuelo y una nueva perspectiva al unirse inesperadamente a una producción local de "Romeo y Julieta". A través del teatro, Dan descubre una comunidad que le ayuda a enfrentar sus propios conflictos internos. La película está protagonizada por Keith Kupferer en el papel de Dan, acompañado por Dolly de León (El triangulo de la tristeza) como Rita, y Katherine Mallen Kupferer y Tara Mallen interpretando a su hija y esposa, respectivamente.
Ghostlight, elegida como Película de Inauguración en el Sundance Film Festival 2024, ha sido aclamada por su emotiva narrativa y actuaciones auténticas, destacando la capacidad del arte para sanar y transformar vidas. Una inspiradora historia sobre la redención y el poder del teatro.
Sinopsis: Ghostlight narra la vida de Dan (Keith Kupferer), un peón de la construcción de mediana edad afligido por una tragedia familiar. Alejado de su abnegada mujer Sharon (Tara Mallen) y su talentosa pero problemática hija Daisy (Katherine Mallen Kupferer), Dan encuentra consuelo y comunidad en una compañía amateur de actores inadaptados. El protagonista se ve obligado a afrontar sus emociones más profundas en una representación de bajo presupuesto de la mayor tragedia de Shakespeare. Los Mallen Kupferer, que son familia en la vida real, aportan autenticidad y ternura a este sobrecogedor retrato, mientras Dolly de León, también conocida por su destacado papel en El triángulo de la tristeza, representa a la desternillante e irascible compañera de teatro de Dan.
PREMIOS Y FESTIVALES
Festival de Málaga 2025: Biznaga de Plata Premio del Público (Sección Mosaico: Panorama Internacional).
Sundance Film Festival 2024: Opening Film.
Seattle International Film Festival 2024: Mejor Dirección y Mejor Interpretación.
Chicago Film Critics Association Award 2024: Nominada a Mejor Actor (Keith Kupferer).
Cleveland International Film Festival 2024: American Independents Competition.
Film Independent Spirit Awards 2025: 8 nominaciones.
UN HOMBRE LIBRE
Un hombre libre, el último documental de la cineasta Laura Hojman, se estrenará en cines este viernes de la mano de Surtsey Films. El filme nos sumerge en la vida del escritor almeriense Agustín Gómez Arcos (El cordero carnívoro, Ana no), un autor que alcanzó el éxito en Francia en los años 70 mientras permanecía en la sombra en su tierra natal, España.
Este documental, que ha sido aclamado por la crítica y el público, tiene como protagonista a un hombre que desafió los silencios impuestos por el franquismo. A través de su obra, Agustín Gómez Arcos dio voz a las víctimas, disidentes y marginados por el régimen, como los homosexuales, las mujeres y los exiliados. La película profundiza en su legado literario y su lucha por mantener viva la memoria de los vencidos.
Un hombre libre tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial (Fuera de Competición) del Festival de Cine Europeo de Sevilla, donde se alzó con el Premio Queer Ocaña a la Libertad como Mejor Película LGTBIQ, y una semana después, recibió el Premio Queer Camilo en el Festival de Huelva. Además, ha sido galardonada con el Premio del Público a Mejor Documental en la 29ª edición del festival Lesgaicinemad en Madrid. La película también ha sido reconocida en festivales como el Festival Internacional de Cine de Almería (FICAL) y la Semana del Cine de Córdoba.
En este proyecto, Laura Hojman, conocida por su trabajo en documentales como A las mujeres de España. María Lejárraga y Antonio Machado. Los días azules, reflexiona sobre la historia reciente de España, la importancia de la memoria histórica y el papel crucial de la cultura en la construcción de relatos alternativos.
Un hombre libre es una película que reúne entrevistas a importantes figuras del panorama cultural, como Pedro Almodóvar, Paco Bezerra, Marisa Paredes, Bob Pop, y Alberto Conejero, quienes aportan su visión sobre la figura de Gómez Arcos, un hombre adelantado a su tiempo que tocó temas como la memoria democrática, el feminismo y la identidad de género.
Un aspecto clave del legado de Agustín Gómez Arcos es la recuperación de su obra en España, un proceso que comenzó en 2006, cuando la editorial Cabaret Voltaire empezó a traducir y publicar sus novelas por primera vez en el país. Gracias a su esfuerzo, las nuevas generaciones han podido redescubrir su figura y su trabajo, contribuyendo al reconocimiento de su importancia dentro de la literatura española y francesa. La labor de Cabaret Voltaire ha sido fundamental para dar a conocer la obra de Gómez Arcos, que fue finalista del prestigioso Premio Goncourt en seis ocasiones.
El documental, producido por Summer Films y distribuido por Surtsey Films, cuenta con el apoyo de RTVE, Canal Sur Radio y TV, el ICAA, la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, y la financiación de ICO, Crea SGR, y Triodos Bank.
MODIGLIANI, TRES DÍAS EN MONTPARNASSE
Modigliani, tres días en Montparnasse se estrena en cines de la mano de A Contracorriente Films. Dirigida por Johnny Depp, la película tuvo su première mundial en la pasada edición del Festival de San Sebastián y participó en el Festival de Cine de Roma y el Festival de Cine Europeo de Sevilla.
El film cuenta una historia de arte, amor y rechazo centrada en 72 intensas horas de frenéticos acontecimientos por las calles y bares del París desgarrado por la Gran Guerra.
En su segundo trabajo como director tras su ópera prima The Brave (1997), el tres veces nominado al Oscar Depp ha confiado el papel del artista bohemio Amedeo Modigliani a Riccardo Scamarcio (Romanzo criminale, Misterio en Venecia).
El reputado intérprete italiano encabeza un reparto internacional completado por Stephen Graham (Adolescencia, Hierve), el ganador del Oscar Al Pacino (El Padrino, El Irlandés) y Antonia Desplat (Los Durrell), entre otros.
Sinopsis: París, 1916. En un ambiente de vanguardia y bohemia, el artista Amadeo Modigliani vive días turbulentos recorriendo las calles, galerías y bares de la ciudad. Cuando su musa Beatrice Hastings y algunos fieles colegas le hacen replantearse su tentación de poner fin a su carrera y abandonar la ciudad, el enfrentamiento con un famoso coleccionista pondrá en jaque su destino.
DIPLODOCUS
Diplodocus, la divertidísima historia sobre las aventuras del pequeño dinosaurio inspirada en los cómics del legendario Tadeusz Baranowski, que ha cautivado a público de todo el mundo, llega por fin a España.
Presentada en el pasado festival de Sitges, Diplodocus es una singular película familiar en la que los personajes animados se mezclan con la imagen de su propio dibujante, saltando de un lado al otro de la viñeta mientras viajan por un onírico mundo de cómics y meta animación.
Hocus Pocus, el mago más torpe del Planeta Miedo, un científico cabezota, el profesor Nervekowsky, y una inteligente piloto Entomología serán los compañeros de viaje de Diplodocus, un joven y valiente dinosaurio que cruzará un sorprendente y extraordinario universo de dibujos para salvar a sus padres de la misteriosa “blancura”. Juntos, atraviesan paisajes extraordinarios, enfrentan criaturas fantásticas y desentrañan secretos que los pondrán a prueba. Entre desafíos y descubrimientos, este valiente grupo aprenderá en su viaje el verdadero significado de la amistad, la familia, y la importancia de creer en uno mismo.
Mientras trabajaban en Diplodocus, el director Wojtek Wawszczyk y el equipo de Human Film asumieron el reto de crear una película de aventuras y comedia para toda la familia. Juntos han conseguido ofrecer una calidad de animación que cabría esperar de una producción de Hollywood. «Aprendí a dibujar calcando los eternos cómics de Tadeusz Baranowski en mi papel de sándwich. Para mí, esta película es un diálogo entre mi infancia y yo, con los cómics de Tadeusz que despertaron mi guionista interior, pero también con las películas de Pixar que me formaron como director». Wojtek Wawszczyk, director y guionista de Diplodocus, director artístico de Human Film y cocreador del célebre «George el erizo» (2011).
Sinopsis: Diplodocus es un pequeño y curioso dinosaurio cuyos padres desaparecen en misteriosas circunstancias. Vive en un cómic dibujado por un artista infravalorado llamado Ted. Convencido por su editora de que su cómic de dinosaurios le está frenando, Ted coge una goma de borrar… Y el mundo de Diplodocus comienza a ser engullido por la “blancura”. Huyendo, Diplodocus descubre que puede teletransportarse de un cómic a otro. Por el camino, conocerá al torpe mago Hocus Pocus, al estrafalario científico Profesor Nervekowsky y a la animosa piloto Entomología. Juntos se embarcan en una gran aventura llena de criaturas fantásticas y lugares asombrosos. Pero para salvar a los padres de Diplodocus, primero deben creer en sí mismos y convencer a Ted de que haga lo mismo.
Vendida en más de 100 países de todo el mundo, desde el Reino Unido a Corea del Sur, la película fue coproducida por especialistas internacionales del estudio checo PFX, está coproducida con la Televisión Polaca y cofinanciada por el Instituto Polaco de Cinematografía.
Diplodocus llega a los cines españoles de la mano de Vértigo Films.
Lo han vuelto a hacer. Después de el éxito, y de dejarnos boquiabiertos y con el corazón encogido, con su anterior cortometraje, "El Semblante", Raúl Cerezo y Carlos Moriana vuelven por la puerta grande con su nuevo cortometraje, "Mimo", protagonizado por los menores Leire Marín Vara y el debutante Eduardo Aguilar.
Sinopsis: Lucía, de nueve años, y Saúl, de seis, juegan como muchos hermanos de su edad a ser papá y mamá. No obstante, ambos tienen el mismo problema, y es que ninguno de los dos quiere ser mamá. Mientras juegan, Lucía y Saúl tratarán de desentrañar el misterio detrás del carácter distante e inaccesible de su madre, y los motivos que le llevan a encerrarlos en su habitación.
Leire Marín Vara, es una joven actriz con una trayectoria destacada desde muy temprana edad. Su debut cinematográfico fue a los 5 años como protagonista en la película “Ama”, dirigida por Julia de Paz y producida por La Dalia Films. Leire participó como protagonista en dos cortometrajes: “Los veranos de tu invierno”, dirigido por Nei Loya y producido por Nerium Films, y “Mentiste, Amanda”, producido por Nexus Creatividad. Además, ha tenido un papel recurrente como Iris en la serie “Machos Alfa”, dirigida por Laura y Alberto Caballero.
Eduardo Aguilar, hijo de un reconocido director de fotografía, hace su debut en la industria cinematográfica con “Mimo”, su primer cortometraje. Con este trabajo, Eduardo inicia su carrera artística, mostrando su propio talento y una perspectiva fresca que promete un futuro brillante en el mundo del cine.
Raúl Cerezo (Madrid, España, 01/07/1976) es director, productor y guionista. Fundador de la productora cinematográfica de género Eye Slice Pictures junto a Helion Ramalho, es una figura clave y reconocida en el mundo del cortometraje y el fantaterror español, productor de más de un centenar de obras y director de títulos emblemáticos como «Escarnio» u «8», ganador del Melies d’argent y del premio Paul Naschy en el Festival de Sitges, entre otros muchos reconocimientos. También ha dirigido exitosos cortometrajes como «El Semblante» (2021), «Caraoscura» (2022) o «La nueva» (2022). Su debut en el largometraje llega con «La Pasajera» (2021), codirigida con Fernando González Gómez y estrenada en el Festival de Sitges, de la que es creador de la idea original y coproductor. En 2022 coescribe y rueda su segunda película, «Viejos», también codirigida con Fernando González Gómez. Ambos largometrajes han sido distribuidos en más de 70 países, obteniendo numerosos premios.
Carlos Moriana (Madrid, España, 10/05/1979) es director y guionista. Tras diversos cortos de aprendizaje, debuta en el cortometraje profesional de alto presupuesto escribiendo y dirigiendo «La Habitación Blanca» (2019), un thriller fantástico que recorre el mundo entero, consiguiendo más de 40 premios y selecciones en festivales de todo el mundo. Después de «El Semblante» (2021), también codirigido con Raúl Cerezo, «Mimo» es su tercer cortometraje.
La Dalia Films es una productora audiovisual de cine independiente que destaca por crear y producir contenidos innovadores y de alta calidad, apoyando y descubriendo jóvenes talentos. Especializada en cine, la productora lidera proyectos propios y colabora en coproducciones nacionales e internacionales. También ofrece servicios integrales de producción, incluyendo coproducción, producción ejecutiva, financiación y tax credit. En 2021, su película Ama, fue nominada a Mejor Guión Adaptado en los Premios Goya. “Olvido”, “Viejos” y “La Pasajera”, han sido distribuidas en más de 70 países y han cosechado numerosos premios.
Carlos Penela.- Raúl, sin hacer mucho spoiler, ¿qué puedes adelantarnos sobre la historia y la temática del cortometraje?
RAÚL CEREZO.- Pues mira, a mí lo que me interesó de Mimo, cuando me llegó el guión de David Verdugo, es más o menos lo que veis, pero sí que estuve metiendo mano en el guión con David porque me apetecía contar algunas cosas que no estaban en un principio. Yo soy padre de dos niños, y entonces lo que me hizo reflexionar bastante, y es por eso por lo que hice el corto, es que vas a darte cuenta como padre de que la educación a tus hijos viene mucho más cuando no la das que cuando la das. Cuando la das, eres como muy consciente de ello, les dices "no hagas esto, no hagas lo otro", incluso les dices un montón de cosas que no te crees o que tú no practicas. Pero cuando estás relajado, todo lo que haces en casa, todo lo que realizas, cómo interactúas con tu pareja, etc., eso es otra manera de que ellos se empapen y digan "vale, esto es lo que tengo que hacer porque esto es lo que hace mi padre o mi madre". Entonces, ¿qué pasa con esto? Que me interesó mucho la historia de estos dos niños, de que a lo mejor esos padres, o ese padre o esa madre, no se daban cuenta (o se daban cuenta y no les importaba), de cómo las acciones, de alguna manera, les estaban influyendo a los chavales. Me encantaba ver la historia de esa pareja a través de un juego de niños, casi desde que empiezan hasta que termina la historia como termina, que no lo voy a contar, claro. Me encantaba usar cada frase para ver cómo han ido progresando, cómo se han ido fijando en papá y mamá. Ellos no tienen valores aún, con lo cual no saben qué es bueno y qué es malo. Me interesó mucho ese juego de niños y ese reflejo al final de un matrimonio y una casa sin ver a los adultos, me gustaba mucho la idea.
Carlos Penela.- ¿Puedes explicarme el proceso de casting y la elección del niño y de la niña protagonistas?
RAÚL CEREZO.- Pues mira, siempre que se trabaja con niños tienes un problema, y es que al final, por regla general, tienes que buscar a un niño que te sirva por espontáneo, porque entienda las cosas, porque claro, como actor o actriz, tampoco han tenido tiempo de formarse. La niña fue fácil, ella es Leire Marín, la niña que aparece en la serie "Machos Alfa". Es una niña que, a parte de niña, ha trabajado ya delante de cámara, ha trabajado en "Ama", película que también produjo la productora del corto y que estuvo nominada a mejor guión en los Goya, y está ya, como te decía, consagrada en "Machos Alfa". Entonces, bueno, eso fue fácil. Pero con el niño estuvimos mucho tiempo buscando. Nos mandaban vídeos de niños pero no nos convencía ninguno. Entonces ocurrió lo siguiente. Yo trabajo mucho con Nacho Aguilar, que es mi director de foto de "La Pasajera", de "Viejos", o del cortometraje que hice con Carlos Moriana, "El Semblante". Es un director de foto que es referente y muy amigo, él tiene tres hijos, y uno de ellos, el mayor, que es como de mi familia, es un niño muy cinéfilo, muy inteligente, muy reflexivo. Él nunca había comentado de actuar, pero siendo un niño que es tan esponja y tan amante del cine, yo le dije al padre, "oye, ¿por qué no probamos a ver qué pasa?" Y efectivamente, salió muy bien, tanto que la representante de Leire, que estaba en el rodaje, dijo "oye, este niño me encanta, me lo quedo para mí". Y el niño ya está en casting de películas grandes, y le va muy bien, por lo menos en esta etapa. No sé si luego querrá seguir siendo actor, pero le está yendo muy bien. El niño tiene madera, le encanta y le funciona. A veces al final es eso. Es más, tengo un niño, cómo se va a acoplar a la cámara, que no ver muchos niños actores y llamar a representantes. Hay veces que todos los niños suenan igual, y aquí hacía falta la naturalidad total de un niño, además con la complejidad del papel que tiene este niño, esa tormenta interior de quién es papá, quién es mamá, etc.
Carlos Penela.- Raúl, ¿puedes hablarme de la dificultad para rodar las escenas más físicas?
RAÚL CEREZO.- La verdad es que fue un reto. En los ensayos dices "cómo saco todo lo que yo quiero de los niños, contándoselo, pero sin contárselo", porque claro, no vas a traumatizar a unos niños. Entonces, ¿qué es lo que hicimos? Contarles como la mitad de lo que ocurría, no llegar a contar todo. Lo que hicimos es, por ejemplo, si ocurrían cuatro cosas físicas, yo les pedía veinte cosas físicas, luego en el montaje ya vería. Lo grabé como desde varios puntos de vista, para captar varias reacciones, pero he de decir, y aquí está el truco, que hubo un punto en que cuando no se veía al otro niño, para que hubiera una fuerza física grande, era yo el que estaba ahí. Todo lo que pasa al final con alguien que no se ve, soy yo la persona que está ahí, le podía hablar y con la niña igual. Y eso funcionó muy bien. Incluso hay una cosa que está muy bien, y es que dimos varias sorpresas, sobre todo al niño, le decíamos que le iba a ocurrir esto, pero le ocurría otra cosa, le decíamos que le iban a pasar tres cosas físicas, pues la niña le daba seis, y el niño tiene una cara que me fascina en el corto, me fascina directamente, la cara del niño en algunas secuencias es de sorpresa absoluta porque no se lo esperaba. Siempre que entra esa cara, ahí es cuando te metes al público en el bolsillo, porque dicen 2esto está pasando de verdad". Resumiendo, fue muy complicado pero muy bonito a la vez.
Carlos Penela.- ¿Y respecto al simbolismo de la canción que cierra el corto?
RAÚL CEREZO.- ¡OJO! SPOILERS Pues mira, necesitaba una canción de esta tipología. Desgraciadamente aún tenemos ese tipo de reacciones tóxicas, dependientes, en este caso, según la canción de "A tu vera", de mujeres que decían "haz de mí lo que quieras, que aquí estoy para ti". Yo creo que eso va cambiando, evolucionando y vamos saliendo. Sí que queda mucho por recorrer, pero esto ya no es lo mismo, gracias a Dios. Volviendo a la pregunta, había dos canciones que me encantaban, la que sale en el cortometraje, que es de Lola Flores, donde la letra es brutal, "A tu vera", simplemente haz lo que quieras de mí a tu vera, que siempre estaré ahí hasta la muerte. Yo desgraciadamente he tenido mujeres familiares donde era así la situación. Luego la canción de Conchita Piquer, "Y sin embargo te quiero", que luego la hizo Sabina, que cuenta lo mismo, pero desde el punto de vista del hombre. Era una cosa como aceptada. En el caso de "Mimo", fuera de la habitación, también cuenta un poco esto. ¿Y por qué sigues ahí? Bueno, pues porque sigues. El caso es que yo lo que quería era, si bien Sabina dio más la visión del hombre y Conchita Piquer la de la mujer, me apetecía mucho ver el punto de vista de unos niños que están presenciando eso. ¿Qué pasa? ¿Qué pasa en ese cuarto de juegos? ¿Cómo reflejas esto? ¿Juegas a ello? ¿No juegas? ¿Hasta dónde llega? Y a lo mejor puede llegar hasta un principio de psicopatía directamente, es muy complicado. Entonces me interesó mucho el guión de David, trabajamos mucho en él, y llegamos a este resultado.
Carlos Penela.- Raúl, respecto al proceso creativo y de producción, ¿encontrasteis algún desafío particular?
RAÚL CEREZO.- Pues sí, por un lado, contarlo todo en una estancia y que visualmente fuera algo con ritmo y algo con la dinámica que se requería. Realmente los niños no salen de la habitación, esa es un poco la gracia, viven en una prisión de colores. ¿Y entonces qué se hizo con esto? Yo siempre he sido muy fan de Roman Polaski, él dice que planificar en un papel es una falta de respeto para el actor, que realmente habría que planificar en el rodaje. Eso está muy bien y tiene toda la razón, pero para eso te hace falta mucho presupuesto, para que en vez de seis, siete, ocho semanas, ruedes en dieciséis o en veinte semanas, que es el dinero con el que él cuenta, cosa que me encanta. Aquí en "Mimo" es lo que hicimos un poco en los ensayos. Fue decirles a los niños, "oye, ¿cómo os sentís cómodos? La cámara va a estar aquí, aquí, aquí y aquí". Y luego en rodaje hicimos un poco eso, es decir, de qué manera se puede seguir a los niños, estar con ellos y vivir un poco todo lo que les ocurre, pero dejándoles un poco de libertad. Yo nunca había trabajado así. Yo siempre he trabajado con planificación milimétrica y me encanta que se improvise sobre lo muy cerrado. Pero aquí sí se ha improvisado, también es mi primer drama, por así decirlo, es mi primer trabajo donde sí he trabajado con una cámara más libre, cogiendo los movimientos, no es todo planificación, porque sí que había un story, y tampoco quería llegar a improvisar a lo loco, que ahora está muy de moda, yo no soy nada fan de eso de "sigue venga, que te sigo". Creo que el lenguaje cinematográfico, si no lo preparas un poquito, no hay expresión. Entonces, con esa combinación tuve un estilo que yo nunca había hecho y me gustó, porque encima eran niños, libres y salvajes, con lo cual funcionaba muy bien esa cámara con ellos. Estoy contento, muy contento la verdad. Tampoco quería algo muy preciosista, muy estético y muy alejado de la realidad que se quería contar. O sea, que tuviera cierto estilo con la historia, pero no me quería alejar mucho, como en otras obras que he hecho de género, donde sí que me gusta la estética, la atmósfera y todo lo que conlleva. Aquí no quería eso. Como exclusiva que no sabe nadie te diré algo, vamos a estrenar otro corto, cuando llegue el periodo del cine fantástico, creo que será después de verano. Carlos Moriana y yo hemos hecho otro corto, de hecho lo que hicimos es rodar los dos cortos juntos. Este, "Mimo", lo rodamos en una habitación de una casa gigante, en el Pardo, y todo el resto de la casa, que es una casa enorme, lo utilizamos para rodar "Tinieblas", un corto de género que, como te digo, estrenaremos después de verano.
Carlos Penela.- ¿Lo vais a llevar a Sitges?
RAÚL CEREZO.- Eso quiero, ahora que me lo cojan, que ya sabes que llevan miles. Me encantaría estrenar en Sitges, la verdad es que es el sitio que yo querría. Además, que me da mucha rabia, porque "Mimo" acaba de empezar, ya lo han cogido en un festival muy interesante, que tiene 14 sedes y que está muy bien, pero yo quería haber estrenado en Málaga o en Medina del Campo, pero no llegamos macho, por nada, no llegamos por nada. Entonces "Mimo" ha tenido que estrenar en un festival que está bien, pero que no es uno de los pelotazos, cosa que no pasa nada, porque ahora espero que tenga su recorrido, pero "Tinieblas", si no es en Sitges, espero que sea en un sitio referente, para que pegue un buen pelotazo de estreno y la gente pueda verlo.
Carlos Penela.- Sin intentar hacer spoilers, ¿qué mensaje o reflexión esperáis que el público se lleve después de ver Mimo?
RAÚL CEREZO.- ¡OJO! SPOILERS La verdad que yo tengo varias. Una es la que ya te contaba antes, tengamos mucho, mucho cuidado con lo que hacemos cuando tenemos a los niños en casa, cuando creemos que no les educamos. Esa fue la que más me llegó, toda la enseñanza indirecta. Y luego ahí hay una también que me interesaba, de hecho hubo una curiosidad y es que una amiga mía, muy feminista, como tiene que ser todo el mundo, pero esta chica es muy sensible, a ella le molestaba algo que a mí me encanta, le molestaba que la madre, por así decirlo, no fuera un ser puro, un ser bueno. Precisamente eso es lo que yo quería contar. Lo que quiero contar es que por culpa de una persona en casa te contagia al resto. A lo mejor la madre puede ser una tipa de malas pulgas, incluso una tipa que se le vaya un poco la mano en algunas ocasiones por la situación que está viviendo. Entonces, eso es lo que quiere contar un poco el corto, la herencia genética, educativa y de convivencia que tenemos a veces, donde somos víctimas. A lo mejor esa madre es una persona que nadie quiere tener al lado y es por culpa de todo lo que está viviendo, pero claro, ya estás pringao de ello, tú sales a la calle y eso no lo tiene que saber nadie. Entonces cuando me criticó eso me gustó mucho, le dije "pues que sepas que me encanta que me digas esto". Ella me decía, "pero la madre es una víctima", digo "sí, claro, es una víctima, pero precisamente esa forma de contarlo es lo que yo quiero". Cuántos hemos tenido abuelas de esa época que eran unas tías muy ariscas y muy amargadas y joder, si es que no era culpa de ellas, era culpa de quien tenían al lado, pero eran unas ariscas y unas amargadas, eso ya no se lo quitaba nadie, incluso algunas eran personas nada recomendables por culpa de esto. Y sí, no es culpa suya, pero los niños del cuarto se lo están comiendo. Entonces, toda esta reflexión de que lo que tenemos al lado tenemos que tener mucho cuidado de cómo somos, todo ese contagio educativo, social o de convivencia, me interesaba muchísimo a través del juego de los niños.
Carlos Penela.- Mimo, evidentemente, es un cortometraje de ficción, pero ¿qué ventajas y desafíos encuentras al trabajar en este formato en comparación con el largo?
RAÚL CEREZO.- Pues mira, ventajas, la libertad, pero a la vez es un inconveniente, te explico. Tienes libertad porque no tienes casi posibilidad de que te vea nadie. La libertad termina cuando tienes mucha gente que le interesa lo que estás contando o exponiendo porque se gana dinero con ello. Por ejemplo, si tienes una película, el productor o los productores van a querer llegar al máximo sitio posible y van a opinar, "quita esto que no va a dar dinero", "quita esto que va a ofender", "quita esto que tal". Como en el corto eso casi no lo tienes, digo casi porque hay muchos productores que a veces sí que miran los cortos para los festivales, pero bueno, eso tampoco es tan agresivo como una película. Entonces eso te deja mucha más libertad. A mí es algo que me encanta, porque vas a un corto y vas a un sitio donde la expresión cinematográfica es plena y no tienes ese problema. Luego yo siempre digo que los cortos son piezas narrativas perfectas para ir al gimnasio mientras haces pelis. Yo no puedo entender, la media española de los directores, los que mejor les va, entre peli y peli son cuatro o cinco años. ¡Joder, ruédate unos cortos! Yo por eso hago tantos. Hay gente que dice "no, es que no tienen tanta distribución o tanta recepción". ¿Y qué? Ya estás en el gimnasio, gimnasio, gimnasio, y ya te llamarán para ir al ring. Entonces, es una cosa que me encanta. Y luego hay otra cosa que me fascina, y es que la mayoría de cortos son por amor al arte o por muy poco dinero. Entonces, estás con gente absolutamente apasionada, trabajando contigo de una manera absolutamente entregada y excesivamente pasional y amorosa. Eso te hace estar en un sitio increíble, entre la libertad, esa gente entregada y que lo que se cuenta no tiene tantos cortapisas de televisiones y de productoras, pues es un acto de amor al cine maravilloso. Yo sigo haciéndolo por eso. Por otro lado, es verdad que luego frustra bastante. Yo lo noto, mira, con "Mimo" voy consiguiendo poco a poco entrevistas, y de verdad, muchas gracias Carlos por este espacio, pero con una película es todo mucho más fácil. Tú dices "tengo una película de estreno ahora", y todos tenemos la suerte de que muchos medios estais ahí. Con un corto tiene que ser igual, gente muy entrenada, muy pasional como eres tú, que digas "oye, es un corto, me ha gustado y voy a hacer un espacio, voy a dar un espacio a ese corto en mi medio", pero la verdad Carlos es que es muy difícil. Hemos llamado algunas puertas, sí que tenemos algunas, pero otras directamente no es que no quieran hacerte entrevista, es que ni lo han visto, entonces es complicado. Pero gracias a eso tienes lo otro que te he dicho, toda la libertad. Luego hay una cosa muy buena con los cortos y es que como se nutren de los festivales, porque no pueden ir por cine ni nada, pues si te va bien, vas por muchas provincias, muchos países, tiene muchas proyecciones, diferente gente, etc. Eso está muy bien porque a veces las películas te pueden ir muy bien, pero hoy en día con el streaming, pases de cine igual si te va bien, en el mejor de los casos pasas por siete o ocho festivales, y eso cuando te va muy bien. Pero luego ya las películas tú no las disfrutas con nadie porque las ven en casa o lo que sea, con cortos normalmente sí, porque que hay pases colectivos y es una maravilla.
Carlos Penela.- Pues mira, lo que comentas me va genial, e hilvana con la siguiente pregunta que tenía, que es ¿cómo ves el panorama actual del cortometraje en España y qué crees que se podría hacer para apoyarlo más?
RAÚL CEREZO.- Respecto al panorama del cortometraje en España, no puede ser mejor en cuanto a cantidad de gente haciendo cortometrajes, nivel de producción, tanto la gente que está viniendo como la gente que ya estamos dentro y que vamos para allá. O sea, hay una entrega al formato verdadera. España puede ser, yo creo, sin exagerarte, el país de más calidad y más entrega y más producción de cortometrajes que hay en el mundo. Los logros de Festivales, nominaciones y prenominaciones al Oscar están ahí. Que tampoco tenemos que mirar solo eso, pero bueno, es un dato que está ahí. Yo creo que eso funciona muy bien, tenemos buenas subvenciones, buenas ayudas, es verdad que, como siempre, el género de terror y comedia les cuesta más, paradójicamente son los géneros que más dinero dan, pero parece que los sitios solemnes y las subvenciones no nos quieren porque tienen que apoyar siempre cosas sociales. Ese es un problema que tenemos también con las películas. Ahora acaba de salir algo que lo conoce muy poca gente, y está muy bien que en esta entrevista se diga, que es la plataforma Divergente, gratuita, de cortometrajes y mediometrajes hasta 59 minutos. Están dedicando muchísima inversión de dinero, muchísima. Flipas con los cortazos que hay. Esta gente va muy fuerte, parece que tienen ya muchos abonados, además, insisto, gratuitos a cambio de ver publi, y eso está muy bien. Lo del corto antes de película ya no va a existir, los cines necesitan publicidad antes de sus pelis porque no sobreviven, porque cada vez va menos gente al cine y eso ya no va a volver. Pedir algo que no va a volver es tontería, yo me peleé mucho por esto en los 90 y no va a volver. Ya los distribuidores decían "¿qué me estás contando?". Entonces el streaming es la respuesta, ya tenemos plataforma. Movistar tiene su sección también de cortometrajes, también tenemos Filmin, tenemos algunas plataformas también por Internet. Lo suyo sería, que no creo que llegue tampoco, pero por pedir que no quede, que Netflix y sitios parecidos tuvieran su sección de cortometrajes. Pero yo creo que eso a ellos no les interesa. Yo hay muchas cosas que te podría pedir que yo creo que son quimera y no van a ocurrir. Yo creo de verdad que el corto en España evoluciona muy bien y que es un formato maravilloso, pero es lo que hay, inviertes en tu carrera y en tu futuro porque no tienes sitios de exhibición, pero insisto, vamos muy bien.
Carlos Penela.- Raúl, después del éxito de "El Semblante", cómo surge esa posibilidad de volver a trabajar juntos Carlos Moriana y tú?
RAÚL CEREZO.- Pues la verdad, no te voy a engañar, pero la capacidad de Carlos de financiación y las ganas de él de que trabajemos juntos, que yo no tengo problema, es donde funcionamos realmente. Es un tío que consigue de alguna manera bien la financiación y yo me muevo muy bien para coproducciones. En el primer cortometraje de "El Semblante" puse mi productora y él puso su financiación y lo hicimos. En este segundo y tercero, él ha puesto su financiación y yo le he puesto a La Dalia, que es la productora con la que ahora hago mis películas y esa unión ha funcionado bastante. Entonces es una especie de interés mutuo, dicho sea de una manera muy sana, pero eso es lo que que funciona. Entonces, bueno, funciona, trabajamos bien juntos y no hay ningún problema en hacerlo. Es sobre todo la capacidad que tenemos ambos cuando nos juntamos de hacer que el producto sea realidad. Y como es tan complicado hoy en día el tema de financiación, y más para cortos, si el hecho de unirnos consigue que exista el cortometraje y además nos toleramos bien, pues bueno, pues de vez en cuando nos cascamos unos cortitos. Hemos hecho ya tres juntos, no sé si habrá más en el futuro, pero sí que nos llevamos bien.
Carlos Penela.- Esa era mi siguiente y última pregunta, si tenéis planes futuros de seguir colaborando.
RAÚL CEREZO.- Como te he dicho antes, tenemos el cortometraje "Tinieblas", es un cortometraje de género donde estamos juntos. De cara a futuro, pues la verdad es que mucha gente nos ha pedido la película de "El Semblante". No sé si la haríamos juntos o no, eso ya sería ver si la productora querría, pero sí que es un proyecto que siempre nos piden. A mucha gente le gustó mucho ese corto y decían que había una intrahistoria ahí que contar muy interesante. Entonces, bueno, ese es el proyecto más o menos que tenemos juntos. Luego estamos siempre hablando para cortometrajes. Yo hago muchos cursos y Carlos siempre viene de alumno, es muy fan de mis cursos y siempre tengo ahí con él un contacto. Más allá de eso, entre la distribución de "Mimo" que será de un año, y luego "Tinieblas", que será otro año, sí que va a haber un par de años ahí que sí que se escuche que Carlos y yo estamos juntos, así que todo bien.
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