¡Bienvenid@s al blog! En él intentaré poneros al día de noticias de cine y series televisivas. El cine es cultura, y la misma nos une y define como personas. Aquí hablaremos tanto de cine comercial como de cine independiente, tanto del americano como del europeo, con especial cariño para nuestro cine español. Somos lo que comemos, pero también somos la cultura que consumimos. Devoremos la y seamos más sabios. Luces, cámara.... ¡y acción!
La Sala Berlanga de Madrid acogerá, el próximo 17 de septiembre, el estreno oficial de OXFORD, un cortometraje musical dirigido por Víctor López, que competirá en la Sección Oficial de Cortometrajes PNR del 34 Festival de Cine de Madrid – Plataforma Nuevos Realizadores, que se celebrará del 15 al 21 de septiembre-. Se trata del debut cinematográfico del prestigioso realizador publicitario, en una producción conjunta de 39 Escalones Films y New Drama con la producción creativa de Cristina Ruiz y la música original de Ferran González.
OXFORD se ha rodado íntegramente con música interpretada en directo y sin instrumentos digitales y está protagonizado por Cristina Ruiz, Íñigo Etayo y Gallo Ryan, con coreografías de Gregory Campillo.
DECLARACIONES
Carlos Guerrero, productor de títulos como Todo lo que no sé (ficción), Gora Automatikoa (animación) o Solo pienso en ti (documental), y fundador de 39 Escalones Films, explica por qué decidió apostar por OXFORD: “Cuando leí el guion lo que más me atrapó fue lo diferente que era de lo que había producido hasta el momento, más centrado en el drama. Pese a su aparente ligereza la historia conecta con lo universal -el amor, el ansia de descubrir cosas, la importancia de ser uno mismo- pero lo hace a través de un lenguaje musical y visual que tiene una fuerza única. Desde la primera lectura sentí que era un proyecto diferente, con una sensibilidad artística que merecía ser llevada a la pantalla. Como productor, me interesaba apoyar un cortometraje que no solo fuese técnicamente impecable, sino que también dejara una sensación de felicidad en el espectador. OXFORDtiene esa cualidad especial de conectar con el público”.
La actriz y productora Cristina Ruiz (New Drama), confiesa que OXFORD nace con el deseo de reactivar el cine musical español desde una mirada joven y actual. “Es una propuesta que une música, danza, comedia y narrativa cinematográfica para contar una historia que emocione y entretenga.” Y reconoce que, como mujer joven, “echo en falta relatos donde las protagonistas de mi edad no sean solo románticas o víctimas, sino valientes, activas, y con conflictos propios de su etapa vital. OXFORD habla de independencia, de salir de casa, de construir una identidad lejos de la familia, del amor, la amistad y la búsqueda de la felicidad sin dejar de ser una misma.”
Con guion de Cristina Ruiz y el galardonado Ferran González (Pegados, el musical) quien también firma las canciones originales, el proyecto apuesta por una mirada femenina, diversa y abierta al mundo. “El personaje principal nunca pierde su individualidad, aunque la historia incluya figuras masculinas. Desde el guion quisimos mantener esa perspectiva integradora, incorporando otros idiomas, culturas y puntos de vista.”
Ruiz concluye que OXFORD rinde homenaje al teatro musical español que tanto admira: “Aspira a que algún día podamos hablar de un cine musical nacional a su altura. Inspirado en películas como La La Land o West Side Story, Oxford busca conectar con el espectador a través de la emoción, la ilusión… y el deseo de olvidarse por un momento de todo lo que hay fuera.”
El proyecto da origen también al largometraje La canción de Alba, actualmente en desarrollo, seleccionado en el Warmi Lab Málaga 2025 y en Iberseries & Platino Industria.
PROYECCIÓN Y FESTIVAL
Foto: Albino Hernández
La proyección tendrá lugar el miércoles 17 de septiembre a las 18:00 h en la Sala Berlanga, como parte de la Sección Oficial de Cortometrajes en Competición del Festival de Cine de Madrid – Plataforma Nuevos Realizadores (PNR). El certamen, que celebra este año su 34ª edición, es una de las citas imprescindibles del nuevo talento del cine español y es festival seleccionador para los Premios Goya 2026.
🎟 Entradas a la venta en taquilla y en la web del Festival: https://festivalcinemadrid.es/ (Sección Oficial Cortometrajes III) - Precio: 3,50 €
📍 Sala Berlanga – C/ Andrés Mellado, 53. Madrid
SINOPSIS | UNA HISTORIA DE LIBERTAD Y AUTODECUBRIMIENTO
Alba busca romper con la rutina y, tras una discusión con su padre, decide ir a Oxford a trabajar como au pair con la excusa de mejorar su inglés. Allí conoce a Gabriel, un encantador pastelero que intenta conquistarla, aunque ella queda cautivada por Marcos. En medio del triángulo amoroso, Alba decide seguir su propio camino. Con ritmo contagioso y melodías vibrantes, este corto musical celebra la independencia y el poder del autodescubrimiento.
UN EQUIPO CREATIVO DE PRIMER NIVEL
OXFORD ha sido rodado durante cinco días intensos a finales de noviembre de 2024. Además de su reparto principal, destacan las coreografías de Gregory Campillo, habitual de artistas como Paulina Rubio, Luis Fonsi y Álvaro Soler; el trabajo vocal de Xenia García quien ha participado en el musical Anastasia, y el director de fotografía Fernando Gil (Asuntos Internos), quien aporta al filme una estética visual cinematográfica. La dirección de producción ha recaído en Alejandro Viyuela.
El cuerpo de baile está compuesto por campeones del mundo en distintas disciplinas, lo que suma espectacularidad y nivel técnico a cada escena.
FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA
Foto: Albino Hernández
Protagonistas: Cristina Ruiz, Íñigo Etayo, Gallo Ryan
Dirección: Víctor López
Producción creativa: Cristina Ruiz | Guion: Cristina Ruiz y Ferran González
Productoras: 39 Escalones Films y New Drama
Producción ejecutiva: Cristina Ruiz y Carlos Guerrero | Dir. de producción: Alejandro Viyuela | Dir. de fotografía: Fernando Gil | Montaje: José Antonio López y Pedro J. Ruiz | Dir. de arte: Clara Ángel San José | Jefe de vestuario: Emilio Núñez | Maquillaje y peluquería: Christian Cerezo | Sonido directo: Gerardo Manuel Truyol | Diseño y mezcla de sonido: Fernando Cano | Dirección musical: José Ángel Navarro | Letras y música: Ferran González | Canciones originales: Ferran González | Coreografías: Gregory Campillo | Coaching vocal: Xenia García | Coord. artística y coaching actoral: David Berbel | Casting: New Drama.
Música interpretada por músicos profesionales, sin instrumentos digitales.
DEL CORTO AL LARGOMETRAJE
OXFORD forma parte del universo creativo de Cristina Ruiz, actriz y productora murciana formada en interpretación musical, que actualmente desarrolla el largometraje La canción de Alba, una expansión natural del corto, con el que ha sido seleccionada en el Warmi Lab Málaga 2025 y en el foro de industria Iberseries & Platino Industria.
El proyecto confirma la proyección nacional e internacional de su apuesta artística y de su productora New Drama, en alianza con 39 Escalones Films, compañía madrileña con dos nominaciones a los Premios Goya y sólida trayectoria en el circuito de festivales.
LAS PRODUCTORAS
Foto: Albino Hernández
39 ESCALONES FILMS, inició su labor como productora en 2019 y, desde entonces, ha cosechado más de 50 premios y 130 selecciones en festivales, incluyendo dos nominaciones a los Premios Goya: Gora Automatikoa (Mejor Película de Animación) y La Entrega (Mejor Cortometraje de Ficción).
Entre sus producciones más recientes destaca el documental El último arrebato, realizado junto a Apache Films y seleccionado en los festivales de San Sebastián y Sitges. Además, ha presentado en Sección Oficial a concurso del Festival de Málaga la película Todo lo que no sé, con el respaldo del ICAA, Movistar+ y RTVE.
Fundada en 2011, la compañía desarrolla también una intensa actividad como distribuidora, con estrenos en más de 150 salas de clásicos como Pulp Fiction, La historia interminable, La princesa prometida, Dirty Dancing, Reservoir Dogs, Amélie, El Padrino, Terminator 2, Acorralado, Gremlins o Moonwalker.
Algunos de sus títulos han alcanzado el top 3 de Amazon Prime Video (Desechos, Desmadre Incluido, El hombre de la tierra) y ha distribuido documentales entre los más vistos del año como Eterna o Nacido en Siria.
NEW DRAMA es una productora y escuela murciana fundada por Cristina Ruiz y David Berbel, especializada en proyectos musicales con identidad escénica y narrativa propia. Con sede en Murcia y vocación autoral, combina la creación de contenidos con formación artística, desarrollo de nuevos talentos y presencia activa en foros de industria como Iberseries, Platino Industria y Warmi Lab.
Ya está disponible en Filmin "Una quinta portuguesa", la nueva película deAvelina Prat("Vasil"). Protagonizada porManolo Solo(“Cerrar los Ojos”) yMaria de Medeiros(“Pulp Fiction”), esta coproducción hispano-portuguesa ha superado los100.000 espectadores en cines en España.La película, que participó en laSección Oficial del Festival de Málaga 2025, explora con delicadeza las segundas oportunidadesy la posibilidad de reinventarse siendo otro.
La desaparición de su mujer deja a Fernando, un tranquilo profesor de geografía, completamente devastado y sin rumbo. En plena crisis personal, decide suplantar la identidad de otro hombre y se traslada a trabajar como jardinero en una quinta portuguesa. Allí establece una inesperada amistad con la dueña del lugar, Amalia, adentrándose poco a poco en una vida que no le pertenece. En ese nuevo entorno, Fernando busca reconstruirse y encontrar sentido, mientras los secretos y enigmas que rodean su pasado y el de Amalia emergen lentamente, en una historia íntima sobre la identidad y la necesidad de pertenencia.
Avelina Prat, que debutó en 2022 con "Vasil", encontró la inspiración para "Una quinta portuguesa" en una noticia: "Se trataba de la historia de un hombre que lo había dejado todo atrás, se había marchado a Venezuela y, cuando quiso volver, no podía hacerlo porque su familia lo había dado por muerto”, explica. Eso le hizo pensar en qué podía pasar por la cabeza de alguien que decide hacer algo así, y se adentró en esta historia que aborda los elementos del thriller con un tratamiento particular: "Creo que se puede hablar de temas serios con cierta hondura y proponer también un juego y un tono diferente. No hace falta hacer grandes dramas y grandes tragedias para hablar de cosas importantes", comenta.
La directora reconoce que, cuando estaba escribiendo, pensaba en Manolo Solo todo el rato como protagonista, actor que hemos visto en películas como “Cerrar los Ojos” o “El buen patrón”. Solo comenta: "El personaje que interpreto tiene un toque literario, de cuento y de mitología, al que los dioses castigan y luego le ponen delante un elemento de redención". Junto a él, la veterana actriz portuguesa Maria de Medeiros ("Pulp Fiction") interpreta a Amalia, la enigmática propietaria de la quinta: "Se van contando historias uno al otro y, a través de esas historias, se van dando indicios de quiénes son realmente", explica la actriz.
Las quintas portuguesas son un tipo de fincas rústicas típicas de Portugal, generalmente compuestas por una casa señorial, amplios jardines, huertos y terrenos de cultivo. El contraste entre la ciudad española y el mundo rural portugués se convierte así en un elemento clave para mostrar la transformación de un hombre que, prácticamente trasplantado, se ve en un entorno totalmente distinto al que conocía. La directora destaca que Portugal, pese a su cercanía, es un país al que a menudo se le da la espalda, pero que esa proximidad geográfica resulta fundamental. "El personaje, marcado por un miedo profundo a viajar, huye, pero solo a un lugar cercano, cruzando la frontera hacia el país vecino. Para él, eso supone suficiente distancia para empezar de nuevo”, resume también el actor protagonista.
El nuevo largometraje de terror del director estadounidense Nathan Hertz y la guionista Avra Fox-Lerner es “Thinestra”. La película, protagonizada por las hermanas gemelas Melissa y Michelle Macedo, ha sido seleccionada dentro de la sección Brigadoon del Festival de Sitges, que se celebrará del 9 al 19 de octubre.
Sinopsis: Un fármaco milagroso promete la pérdida de peso instantánea con la que siempre has soñado. Pero ¿podría convertirte en una auténtica pesadilla andante? Es una sofocante Navidad en Los Ángeles. Penny—acosada por dismorfia corporal y ciclos de atracones—toma impulsivamente Thinestra, una misteriosa droga parecida al Ozempic. Esa misma noche, expulsa violentamente masas de grasa en una purga dolorosa y grotesca. Pero su carne desechada regresa… y, como el Hyde de su Jekyll, PENELOPE nace. Mientras su voraz doble siembra un baño de sangre, Penny lucha por recuperar el control. ¿Podrá vencer su hambre antes de que sea demasiado tarde?
Con un estilo que recuerda a The Substance pero con Ozempic como trasfondo, Thinestra imagina un mundo no muy distinto al actual, en el que los fármacos para adelgazar rápidamente están al alcance de cualquiera, aunque con un alto precio a pagar. El reparto incluye además a Mary Beth Barone (Overcompensating), Brian Husky (Veep), Annie Ilonzeh (SWAT), Gavin Stenhouse (Black Mirror) y Shannon Dang (Kung Fu). La película está producida por Alexandra Lubenova (Dogplayer) y Kelly Parker (Mary Ellen Moffat), junto a Hitmaker’s Media y Stay Lucky Studios. Hertz, Joe Wesley y las hermanas Macedo ejercen como productores ejecutivos.
El film ha sido reseñado por medios internacionales como Deadline y Screen International. Los derechos de ventas mundiales han sido adquiridos por Andrew Herwitz de The Film Sales Company.
“‘Thinestra’ es mi carta de amor, inspirada en Cronenberg, a la era del Ozempic: un capítulo surrealista en el que la imagen corporal y el capitalismo colisionan, prometiendo, quizá por primera vez, una ‘cura’ fabricada contra la gordura. Para quienes hemos llevado nuestros cuerpos como una carga —mitad prisión de calorías, mitad vergüenza pública— la tentación es casi mítica. Esa dolorosa división entre carne y yo, el anhelo de escapar del recipiente que habitamos, late en el corazón del Body Horror. Raindance siempre ha sido un refugio para lo audaz y lo insólito, y me siento profundamente honrado de llevar ‘Thinestra’ a un festival que abraza lo extraño, lo urgente y lo inconfundiblemente humano.” Nathan Hertz
Director y protagonistas
Nathan Hertz estudió interpretación y dirección en la Guildhall School of Music and Drama de Londres gracias a la beca Sir John Gielgud Trust Award. Desde entonces ha proyectado obras en Slamdance, Fantastic Fest y Fantasia, mientras que su escritura ha sido reconocida por Sundance y la Blacklist. Ha dirigido campañas comerciales para LEGO, Mattel, HBO Max y Disney, acumulando cientos de millones de visualizaciones. Además, es copropietario de Stay Lucky Studios, una productora integral con sede en East LA. “Thinestra” es su debut en la dirección de largometrajes.
Melissa y Michelle Macedo son gemelas idénticas originarias de Los Ángeles, conocidas por su trabajo dinámico en cine, televisión y música. Recientemente han participado en Aristotle and Dante Discover the Secrets of the Universe, producida por Lin-Manuel Miranda (Hamilton) y protagonizada por Eva Longoria, que se estrenó en el Festival de Toronto con gran éxito de crítica. Entre sus créditos cinematográficos destacan Blood Heist junto a James Franco, Every Time I Die, Pearl junto a Anthony LaPaglia (escrita y dirigida por el veterano de Sundance Bobby Roth) y Scrambled, estrenada en SXSW. En televisión han aparecido en series de éxito como Girlboss, Goliath y High Potential. Más allá de la interpretación, las hermanas Macedo también son músicas: su banda, Macedo, ha sido destacada en medios como Billboard, Nylon, Paste Magazine, WNYC y LadyGunn, recibiendo elogios por sus armonías evocadoras y un estilo sonoro que fusiona géneros.
La entrevista
Carlos Penela.- Thinestra ha sido descrita como una carta de amor al body horror en la era del Ozempic. ¿Recuerdas el momento exacto en que se te ocurrió la idea y pensaste: “Esta es la historia que quiero contar”?
NATHAN HERTZ.- La primera vez que tomé un medicamento tipo Ozempic, subí la dosis demasiado rápido ¡y nunca en mi vida había vomitado con tanta ferocidad! Momentos después me pregunté… “¿hasta dónde estoy dispuesto a llegar para perder peso?” Para mí, esa era una historia fascinante que contar, y qué mejor formato que el body horror.
Carlos Penela.- La película es un cóctel de sátira social afilada y terror grotesco. ¿Qué fue más desafiante: encontrar el tono adecuado o asegurarte de que el público entendiera que, bajo la sangre, había un mensaje más profundo?
NATHAN HERTZ.- En mi trabajo intento evitar la aplastante responsabilidad de tener que dar un mensaje (en el sentido político o de impacto social). En su lugar, trato de centrarme en mi verdad, en lo que encuentro gracioso, en lo que me resulta conmovedor. El mensaje se cuida solo.
Carlos Penela.- Cronenberg es una referencia obvia, pero… ¿qué otras influencias cinematográficas, literarias o incluso personales forman parte del ADN de Thinestra?
NATHAN HERTZ.- Por raro que parezca, 'El diario de Bridget Jones' fue una gran influencia en esta película. También transcurría en Navidad, se centraba en un personaje con dismorfia corporal y, lo más importante, es una película increíble (y a veces muy problemática). Creo que películas como 'Barbarian' y 'Fresh' me dieron la confianza para explorar cambios de tono (entre la comedia, el terror y lo absurdo), y me hicieron sentir que el género era lo suficientemente amplio para albergar mis gustos cinematográficos personales.
Carlos Penela.- La relación entre Penny y su doble, Penelope, se siente como un espejo de nuestros demonios internos. ¿Cómo trabajaste ese simbolismo para que fuera tanto físico como emocional?
NATHAN HERTZ.- A veces la conexión mente-cuerpo puede sentirse como una guerra mente-cuerpo. Por ejemplo, cuando estás a dieta y desesperadamente quieres comer, pero tu mente dice: “¡Ni hablar, acuérdate de esas vacaciones en la playa el mes que viene!”. Nos dividimos en dos yoes. Representamos la ira, el hambre y la repugnante vergüenza viscosa en la alter ego de Penny, Penelope: dos versiones de la misma persona. Como describe Penny: “¡MI GEMELA GORDA!”.
Carlos Penela.- El cuerpo humano se convierte aquí en un campo de batalla. ¿Temiste que algunas escenas pudieran ser demasiado extremas incluso para el público de festivales como Sitges o Raindance?
NATHAN HERTZ.- ¡De ninguna manera! Lo fantástico de estos festivales es que fomentan asumir riesgos y tomar decisiones audaces. ¡Es parte del viaje!
Carlos Penela.- Elegiste a las gemelas idénticas Melissa y Michelle Macedo para los papeles principales. ¿Qué aportaron ellas a la película que no podrías haber conseguido con otra elección de casting?
NATHAN HERTZ.- Escogerlas fue la mejor decisión que tomamos en todo el proceso de creación de Thinestra. Constantemente están siendo comparadas físicamente, así que se identificaron de inmediato con los papeles y se lanzaron a la historia por completo. Además, tienen una increíble banda llamada MACEDO y son músicas talentosas. Usamos sus voces para algunas versiones inquietantes de clásicos navideños que ELLAS mismas escribieron. ¡Talento a raudales!
Carlos Penela.- La historia transcurre en una sofocante Navidad en Los Ángeles. ¿Qué importancia tuvo el contraste entre una época supuestamente alegre y el descenso al lado más oscuro de uno mismo?
NATHAN HERTZ.- Creo que la Navidad es el peor momento para estar a dieta… tienes toda la comida y las resoluciones de Año Nuevo del pasado cayendo sobre ti como un tren de mercancías. Además, cuando en Los Ángeles hace un calor sofocante y ves a la gente con jerséis navideños, te das cuenta de lo raro que es todo… y lo raro no fue algo de lo que huyéramos en esta película.
Carlos Penela.- Muchos críticos han señalado que Thinestra también funciona como metáfora del capitalismo y la cultura de la gratificación instantánea. ¿Esa crítica social fue un punto de partida o surgió de forma orgánica en el proceso creativo?
NATHAN HERTZ.- Creo que vivimos en una cultura en la que las probabilidades de tener una relación “normal” con la comida y con tu cuerpo están en tu contra. ¿Quién podría culpar a alguien que busca una solución rápida a un problema que puede estar impidiéndole encontrar amor, ser respetado en el trabajo, sentirse seguro por la calle o quitarse la camiseta en una piscina? Vale, esto se va a volver más y más personal… ¡mejor lo dejamos aquí!
Carlos Penela.- Este es tu debut como director de largometraje, pero ya tenías una sólida trayectoria en cortos y publicidad. ¿Cuál fue el mayor reto en dar el salto y qué de tu experiencia previa resultó más valioso?
NATHAN HERTZ.- “Saltar” es una gran forma de describir la transición… o mejor dicho, ¡saltar contra una farola! O incluso convencer a todos los que confías, amas, con los que trabajas y respetas para apuntar a la farola más grande y fea de la calle… organizar a todos en el círculo más perfecto que puedas… gritar “¡acción!” y convencer al resto para lanzarse de cabeza también. Nada te prepara para ese golpe.
Carlos Penela.- Thinestra juega con el asco, el miedo y la risa incómoda. ¿Cómo se dirige una película para provocar emociones tan opuestas en tan poco tiempo?
NATHAN HERTZ.- Hay que confiar en las tripas (en todos los sentidos).
Carlos Penela.- Después de Sitges y otros festivales, ¿cuál sería tu mayor sueño para Thinestra? ¿Verla en cines, que se convierta en película de culto o que despierte un debate real sobre la imagen corporal?
NATHAN HERTZ.- Creo que 'Thinestra' es una película que encontrará a su público de una manera u otra. Lo más importante para mí es que la gente la vea y que se sienta reflejada en ella.
Carlos Penela.- Finalmente, si Thinestra fuera una advertencia escrita en grandes letras de neón, ¿qué frase pondrías para que la gente entendiera su esencia sin haberla visto?
Los Rose es la nueva película de Jay Roach, el director y productor de comedias de éxito como Austin Powers, Borat y Los padres de ella.
Sinopsis: La vida parece fácil para la pareja perfecta que forman Ivy (Olivia Colman) y Theo (Benedict Cumberbatch): carreras de éxito, un matrimonio feliz y unos hijos estupendos. Pero detrás de la fachada de su supuesta vida ideal, se avecina una tormenta: la carrera de Theo se desploma mientras que las ambiciones de Ivy despegan, lo que desencadena una caja de Pandora de competitividad y resentimiento ocultos.
The Roses es una reinterpretación del clásico de 1989 La guerra de los Rose, basada en la novela de Warren Adler.
Searchlight Pictures presenta Los Rose, dirigida por Jay Roach (El escándalo, Austin Powers). La película está protagonizada por Olivia Colman, ganadora del Premio de la Academia (Pequeñas cartas indiscretas, La favorita) junto al nominado al Oscar Benedict Cumberbatch (Dr. Strange, El poder del perro). La película también cuenta en su reparto con Andy Samberg (Palm Springs, Popstar), la ganadora del Premio de la Academia Allison Janney (Yo, Tonya), Belinda Bromilow (The Great), Sunita Mani (GLOW), Ncuti Gatwa (Barbie, Doctor Who), Jamie Demetriou (Fleabag), Zoë Chao (Canina) y Kate McKinnon (Barbie, Los cazafantasmas). El guion es obra de Tony McNamara (Pobres criaturas, La favorita), nominado al Premio de la Academia.
SIN OXÍGENO
Una carrera contrarreloj, basada en una historia real, cargada de emoción sobre el trabajo en equipo y la resistencia, que llega a los cines españoles de la mano de Vértice 360. Este thriller de misterio y alta tensión está protagonizado por el tres veces nominado al Oscar Woody Harrelson (Fly me to the Moon, El triángulo de la tristeza), Finn Cole (Peaky Blinders, Fast & Furious 9) y Simu Liu (Arthur, Barbie) y dirigido por Alex Parkinson (Lucy, the Human Chimp, Último aliento) quien además es autor del guion junto con Mitchell LaFortune (Operación Kandahar) y David Brooks (Reza por el diablo).
Sinopsis: Sin oxígeno es un thriller de acción cargado de adrenalina que narra la increíble historia real de Chris Lemons (Finn Cole), un buzo profesional que, tras un extraño accidente, queda atrapado en el fondo del Mar del Norte. Con tan solo 10 minutos de oxígeno de emergencia y a más de media hora de cualquier esperanza de rescate, esta es la lucha imposible de un hombre por sobrevivir a 90 metros de profundidad. Mientras tanto, en la superficie, sus compañeros Duncan (Woody Harrelson) y Dave (Simu Liu) lucharán contra una feroz tormenta y harán todo lo posible por rescatarlo con vida.
Alex Parkinson, director del filme, ya codirigió junto a Richard da Costa el documental Último aliento (2019), en el que se basa la película. Ahora, dirige en solitario la versión ficcionada de la historia vivida por el buzo británico Chris Lemons.
Un 90% de la película se rodó en Malta entre los meses de mayo y julio de 2023 y contó con un equipo de más de 120 profesionales malteses, británicos y alemanes. Una de las razones fundamentales por las que se eligió este país fue la disponibilidad de dos tanques de agua que se utilizaron para rodar las escenas subacuáticas. Escocia (Reino Unido) fue otra de las localizaciones elegidas para el filme.
Sin oxígeno cuenta con David Brooks (Reza por el diablo, The Boy Downstairs), Paul Brooks (Dando la nota, Mi gran boda griega), Norman Golightly (El aprendiz de brujo, Ghost Rider. El motorista fantasma) y Stewart Le Marechal (23 paseos, Último aliento) como productores. El director Alex Parkinson es también productor ejecutivo de la cinta.
CAMPAMENTO GARRA DE OSO
Campamento Garra de Oso está dirigida por Sílvia Quer (Velvet, Élite, Gran Hotel) y escrita por Daniel González (La mujer dormida, Donde caben dos) y Marta Armengol Royo (La Mujer Dormida, Yo, Elvis Riboldi).
La película cuenta con la participación de destacados actores del panorama nacional como Anabel Alonso (Padre no hay más que uno, Buscando a Nemo), Edu Soto (Mortadelo y Filemón, Los Rodríguez y el más allá) y Elisabet Casanovas (Chavalas, Fuimos canciones, Cerdita). Carlos Latre se une al elenco como la voz de Fritz, la divertida y gruñona mofeta que acompaña a los protagonistas en sus aventuras. Protagonizada por los jóvenes talentos Júlia Raya y Martín Abello, y muchos más.
Sinopsis: Maia (9), una imaginativa y alborotada niña, y Jan (9), un niño miedica de ciudad, lucharán a contrarreloj para salvar el campamento de verano amenazado por el excéntrico constructor Sebastián Sebastián. Para ello, buscarán sin descanso un oso que creen que todavía habita en el valle pero que nadie ha visto. En esta intrépida aventura les ayudará Fritz, una divertida y gruñona mofeta… ¡que habla! y que se unirá al equipo para salvar el valle y sus animales.
Campamento Garra de Oso es un largometraje de ficción de aventuras que divertirá a niños y adultos. Juntos pasarán un buen rato siguiendo las peripecias de nuestros jóvenes protagonistas y Fritz, la mofeta parlante y aprenderán el valor del respeto hacia los animales y la naturaleza, la importancia de colaborar con los compañeros, la imaginación, la autoestima y el poder de creer en uno mismo.
La producción de Campamento Garra de Oso ha supuesto uno de los mayores retos tecnológicos del cine familiar realizado en nuestro país. Más de 500 profesionales han participado a lo largo de todo el proceso creativo y técnico, desde las primeras fases del desarrollo hasta la postproducción final.
Uno de los principales desafíos ha sido la integración de animales generados por ordenador con un nivel de realismo inédito. Esta apuesta por una estética hiperrealista no tiene apenas precedentes en el cine infantil español y sitúa la película como un referente tecnológico dentro del sector audiovisual.
Cada plano ha sido cuidadosamente planificado mediante storyboards detallados y supervisado en set por especialistas en efectos visuales, asegurando así una fusión perfecta entre imagen real y animación digital. La creación de ciertas secuencias ha requerido hasta 25 horas de renderizado por fotograma, un dato que ilustra el nivel de ambición.
Adicionalmente, fiel a su mensaje de respeto por el medio ambiente y la fauna, en esta película no han participado animales reales durante el rodaje.
La película cuenta con distribución de Filmax y ventas internacionales de Film Factory. Campamento Garra de Oso es una producción de A film About Quiet Jazz AIE, Set Màgic Audiovisual, Rodar y Rodar, Euskalreel, The Fly Hunter y Boavista Filmes Lda con la participación de RTVE, Movistar +, TV3, À Punt, EITB, Crea SGR, Kutxa Bank y LKS Next Legal.
LA TERRA NEGRA
La Terra Negra, de Alberto Morais (La Madre, Las Olas), llega a los cines españoles de la mano de SYLDAVIA.
Tras su premiere mundial en el Festival de Málaga, este drama en el que dos personajes exiliados y sin destino se encuentran en un pueblo perdido, tuvo su estreno en Estados Unidos en el Chicago Latino Film Festival. Pudo verse más recientemente en la Sección Premiere del Festival CINEMAJOVE en Valencia.
Narra la historia de María, que regresa a su pueblo natal para trabajar con su hermano en el molino familiar. Aislada del mundo y marcada por su pasado, encuentra en Miguel, un hombre reservado como ella, una inesperada conexión. Juntos, desde el silencio y el trabajo diario, emprenden un sutil viaje de redescubrimiento personal.
Sergi López (Ganador de 1 Premio César) interpreta el personaje de Miguel, mientras que Laia Marull (Ganadora de 3 Premios Goya) y que ya trabajó con Alberto Morais en la película Las olas y La Madre, interpreta en esta ocasión el papel de María. Andrés Gertrúdix (Morir, ¡García!) y Hwidar Abdelatif (Élite) componen el resto del elenco de la película que se enmarca en el género del neorrealismo mágico.
Sinopsis: María trabaja con su hermano Ángel en un negocio familiar, el molino industrial del pueblo, que la vio salir cuando era joven. Ella, exiliada de todos y todo, trabaja metódicamente para sobrevivir, aunque los viejos amigos de Ángel miran satisfechos la vuelta de María, como saboreando un fracaso vital que en realidad ellos también sufren. Como necesita mano de obra, Ángel contrata a Miguel, un hombre que como María, trabaja mucho y habla poco. Así que codo con codo María y Miguel salen cada uno de su retiro personal para conocerse en una epifanía compartida.
La Terra Negra es una coproducción hispanopanameña (Olivo Films, Elamedia Estudios, Dexiderius Producciones y Garra Producciones). Cuenta con la ayuda a producción del ICAA (Ministerio de Cultura) y del IVC (Instituto del Cine de Valencia), además de haber sido adquirido por televisiones tales como TVE y À Punt (Televisión pública valenciana).
Alberto Morais es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, Diplomado por la Cátedra de cine de Valladolid, Diplomado por el Master de Guión Luis García Berlanga perteneciente a la UIMP y Diplomado por la Escuela de cine TAI. Ha producido y dirigido varios cortometrajes y cuatro largometrajes. En 2008, crea la productora Olivo Films, S.L.
Con su segundo largometraje, Las olas (2011), recibió 3 premios en el Festival de Moscú (Mejor Película, Mejor Actor y Premio FIPRESCI) y participó en el BFI London Film Festival, Lincoln Center (New York), Sevilla y Gijón Festival entre otros.
Los chicos del puerto (2013) se estrenó Toronto y fue premiado en Tirana (Mejor Guion), Tübingen (Premio del Público) y en Valencia (Premio Turia Nuevo Realizador y Cartelera Levante).
Su última película, La Madre (2016), se presentó en el Cannes Ecran Junior dentro del Marco del Cannes International Film Festival y compitió en Sección Oficial en el Festival de Montreal, en la SEMINCI y en el Festival de Miami entre otros. Obtuvo el Premio Especial Turia y el Premio del Festival de Cine Solidario 2017.
MADRID, EXT
Llega a los cines una película sinfónica dirigida por el cineasta y dramaturgo Juan Cavestany con música de Guille Galván, compositor y músico de Vetusta Morla y escritor.
Madrid, Ext. es un ensayo fílmico acerca de la ciudad y el paso del tiempo, de sus transformaciones y sus contradicciones. Es un homenaje a Madrid a modo de gran archivo visual y sonoro de sus habitantes y localizaciones donde se cruza comercio y fauna, arquitectura y señoras, mercerías y poetas, constructores y destructores de la ciudad… Madrid como nunca se ha visto/oído.
Por la propia esencia del proyecto, a caballo entre el documental y el experimento visual, Juan Cavestany y sus colaboradores quieren dar a Madrid, Ext. una vida singular, más allá de las salas de cine. De este modo, tras su estreno comercial en salas, se irán sucediendo algunas proyecciones en espacios singulares que se irán anunciando puntualmente, desde un huerto urbano al hospital de la Princesa…: “museos, terrazas, mercados, barrios… que es de donde salió la película y donde me gustaría volver a dejarla. Donde la encontré, dando las gracias después de haberla tomado prestada”, propone Cavestany.
Surgida como una suerte de “cara B” de la película colaborativa “Madrid, INT.”, Cavestany se planteó este proyecto movido por la necesidad de “redescubrir” la ciudad tras la pandemia. “Filmar qué había quedado y qué pinta tenía el futuro inmediato. (…) Me movía una nostalgia por Madrid, un anhelo de lo que recordamos como “más bonito”, pero con la precaución de la nostalgia fácil. No todo tiempo pasado fue mejor. Perseguía también una idea fantasiosa: ¿cómo sería combinar la ambición de un gran documental sinfónico con la bajada a tierra del testimonio encontrado casi al azar?” afirma.
¿A qué suena Madrid? ¿Cuál es su ritmo interno? ¿Cómo puede ser ordenado y reinterpretado?
Hace cuatro años arranca este rodaje/indagación, vagando por la ciudad con una cámara y acumulando cientos de horas e imágenes a las que Guille Galván ha ido poniendo música para componer una sinfonía poliédrica y sorprendente. Una suerte de banda sonora de la ciudad, en la que la música se mezcla con los sonidos de la propia ciudad. Una música que parte de la observación, la escucha y la investigación de los lugares y los barrios… y que se publicará también en formato discográfico.
“Tenía que construir la banda sonora no de una ciudad existente sino de su experiencia, subjetiva y única”, dice Guille Galván. “No se trataba de hacer arqueología ni folklore, sino de armar a través de la música y el sonido, la forma de mirar esa ciudad, de quererla y respetarla. Para ello he tratado de lavar el ruido para obtener sus pepitas de oro: las pistas de sonido, del afilador, las churrerías, las máquinas tragaperras, el metro…”
En Madrid, Ext. han sido y son muy importantes las complicidades establecidas en la ciudad y entre ellas la de Paco Graco, proyecto de defensa y protección del patrimonio gráfico de Madrid que ha organizado importantes muestras de letreros rescatados en Centro Centro y actualmente en La Casa Encendida pero cuya energía va mucho más allá de la admiración de la rotulación comercial.
Con un rodaje rabiosamente “sostenible”, hecha en bici, en metro y sobre todo a pie, Madrid, Ext. cuenta con Javier Bermejo en la dirección de fotografía y supervisión técnica. En el montaje, aparte del propio Cavestany han trabajado Cristóbal Fernández y Raúl de Torres. Pelayo Gutiérrez y Valeria Arcieri en el montaje de sonido y mezclas.
Producida por CUIDADO CON EL PERRO, la compañía creada por Juan Cavestany junto a Alicia Yubero y Álvaro Fernández Armero, la película tiene el apoyo del ICAA, del Ayuntamiento de Madrid y la colaboración de la Madrid Film Office. La distribución correrá a cargo de La Vida.
El cartel de la película, es un diseño gráfico de Susana Blasco.
“Ojalá esta película pueda llegar también más allá de los límites de nuestra ciudad y conversar no sólo con los que puedan reconocer en ella su vida diaria” concluye Juan Cavestany.
AMOR EN CUATRO LETRAS
Sinopsis: Nicholas e Isabel están hechos el uno para el otro, pero el destino no siempre elige el camino más fácil hacia el amor verdadero. Mientras el destino los acerca, la familia, la pasión y la fe los empujarán en direcciones opuestas.
El padre de Nicholas, William, regresa un día a casa cualquiera a casa contándoles que, tras una revelación divina, ha decidido dedicar su vida a la pintura. Renuncia a su trabajo y parte hacia la costa, dejando a su esposa e hijo, atónitos y a su suerte.
Mientras tanto, Isabel y su familia viven en una remota isla del oeste, en una casa llena de música y poesía. Pero cuando una tragedia les golpea y su hermano sufre un accidente terrible, la música se detiene, y sus padres, destrozados por el dolor, deciden enviar a Isabel a un internado de monjas en tierra firme.
Los jóvenes emprenden sus propios caminos, marcados por los amores equivocados, hasta que el destino conspira para entrelazar los hilos de sus vidas. Cuando por fin se encuentren, será como un milagro.
La película, dirigida por Polly Steele, está protagonizada por Pierce Brosnan, Helena Bonham Carter, Gabriel Byrne, Ann Skelly y Fionn O'Shea. Llega a nuestras pantallas de la mano de Beta Fiction Spain.
LOCAMENTE
La comedia LocaMente(FolleMente) es ya la película italiana más taquillera dl año en Italia con más de 20 millones recaudados desde su estreno en febrero de 2025, y este viernes a nuestro país distribuida por LAZONA Pictures. Tras este gran éxito se encuentra el cineasta Paolo Genovese (El primer día de mi vida, Una historia de amor italiana), creador de Perfectos Desconocidos, película que tiene el récord Guinness con más remakes en la historia del cine.
Ahora, Genovese ha vuelto a firmar otro éxito rotundo que ha conquistado tanto al público como a la crítica, que ha definido unánimemente la película como "el Inside Out (Del revés) adulto".
Genovese apela a la identificación y la empatía con dos personajes cuyos pensamientos bien podrían estar en nuestras propias cabezas. Protagonizada por dos de los actores más queridos de Italia, el ganador del David di Donatello Edoardo Leo (Perfectos desconocidos, La diosa fortuna), y Pilar Fogliati (Odio la Navidad, Romantiche) que dobla a la emoción 'Ansiedad' en la versión italiana de Del Revés 2; acompañan a cada uno "sus cuatro personalidades", formando un elenco coral que dinamiza la trama con un toque picante, divertido y original: Claudia Pandolfi, Marco Giallini, Emanuela Fanelli, Claudio Santamaria, Maria Chiara Giannetta, Rocco Papaleo, Vittoria Puccini y Maurizio Lastrico.
La película está producida por Lotus Production (Locas de alegría, Inmaduros).
Sinopsis: En su primera cita, Piero y Lara intentan impresionarse, pero dentro de sus cabezas reina el caos. Las múltiples personalidades que ocupan su mente — la romántica, la racional, la insegura y la pasional— pelean por el control de la situación. Discuten, seducen, sabotean y a veces pierden los nervios. ¿Quién ganará la batalla interior? ¿El corazón o el deseo? Las expectativas son altas y la noche promete.
LAZONA nace en 2003 como productora de artes audiovisuales y escénicas, aunando cine, series y teatro. En 2023 amplía su horizonte con la creación de una nueva línea de distribución cinematográfica con LAZONA Pictures y una productora afincada en el País Vasco, LAZONA Zinema. Desde entonces y con la previsión del presente año, habrá producido casi 30 películas, 4 series, estrenado más de 70 obras de teatro y distribuido 12 largometrajes. En todo este recorrido, el grupo ha combinado tanto éxitos de taquilla, como de crítica y premios.
EL VOLCÁN
Drama familiar y social con la guerra en Ucrania como telón de fondo, la película está dirigida por el joven cineasta Damian Kocur, una de las voces cinematográficas más representativas del nuevo cine polaco.
Aunque ha sido objeto de numerosos aclamados documentales, la invasión rusa en Ucrania en 2022 ha dado lugar a escasas obras de ficción.
El Volcán, elegida como representante oficial de Polonia para el Óscar a la Mejor Película Internacional, nos sumerge en el drama de una familia ucraniana que es víctima del estallido de la guerra cuando se encuentra de vacaciones en la isla de Tenerife.
Desafiando la inminente guerra, la familia Kovalenko decide igualmente tomarse unas vacaciones; antes de que se desarrollen los bélicos acontecimientos, el viaje resulta especialmente incómodo para los implicados; Roman (Roman Lutsky) ha traído a su nueva esposa Anastasiia (Anastasiia Karpenko), para gran disgusto de su hija adolescente Sofiia (Sofiia Berezovska), quien se ve obligada a cuidar a su hermano pequeño Fedir (Fedir Pugachov). Cuando están a punto de regresar, la guerra en su país estalla y los turistas pasan a convertirse en refugiados. Aunque están a salvo del peligro, se sienten indefensos al no estar allí para apoyar a sus compatriotas.
El relato se va centrando en las vivencias de la joven adolescente Sofia, quién toma contacto con todo tipo de personas de la isla, desde gente autóctona hasta inmigrantes subsaharianos que presuntamente han tenido que huir de sus países en guerra en busca de una vida mejor. El Volcán es una exploración tensa de las difíciles relaciones familiares como reflejo de las fricciones del mundo exterior; la culpa interior contrasta con la imagen idílica del lugar de vacaciones perfecto. Este choque hace que las relaciones familiares empiecen a deteriorarse y viejos conflictos no resueltos vuelvan a estallar como un volcán inactivo.
La fuerza de la película de Kocur reside en lo implícito, ya que la palabra "guerra" prácticamente no se menciona durante el film, y las imágenes que contemplan los personajes son oblicuas y borrosas. La sutil estética, coordinada con la dirección de fotografía en un contexto aparentemente paradisiaco como es la isla de Tenerife, hace del film una película sencilla pero no banal.
El Volcán se estrenó mundialmente en el Festival de Cine de Toronto y se convirtió en una presencia habitual en el circuito de festivales de prestigio, donde compitió en Londres, São Paulo, Marrakech, Zúrich, Varsovia, así como el Festival de Cine Europeo de Sevilla y el Atlántida Film Festival en Mallorca.
Sinopsis: Una familia ucraniana está disfrutando de sus últimos días de vacaciones en Tenerife. Ignoran completamente que su vida dará un vuelco inesperado cuando llegan al aeropuerto y les informan que su vuelo ha sido cancelado: Rusia ha invadido Ucrania. Atrapados en la isla, la familia de turistas pasa de convertirse de la noche a la mañana en refugiados.
La película llega a nuestras pantallas de la mano de Reverso Films.
Damian Kocur (Katowice, 1983), guionista y director de fotografía polaco, estudió en la prestigiosa escuela de cine de Lodz (donde estudió Roman Polanski). Su debut como director Bread and Salt (2022), fue premiado con el Premio especial del Jurado en la sección Orizzonti del Festival Internacional de Cine de Venecia, así como en otros certámenes de renombre como El Cairo IFF, Antalya IFF, Cottbus Film Festival, entre otros. Su último cortometraje As it Was fue seleccionado en el Festival de Cannes 2023.
“Ninguno de nosotros sabe aún cómo terminará el conflicto en Ucrania. Sin embargo, reconocemos perfectamente la situación en la que nos encontramos. Una mezcla de incertidumbre, miedo al futuro y una montaña rusa de emociones. Como polaco, vivo esta situación de una manera muy particular: todo esto ocurre más allá de la frontera oriental de mi país, donde nuestra sensación occidental de seguridad puede ser peligrosamente engañosa. Sin embargo, ciertamente no experimentamos la situación como lo hacen los ucranianos. Sienten miedo, preocupación por la salud y la vida de sus seres queridos e incertidumbre sobre lo que les deparará el mañana. Pero la película, de alguna manera, logra salvar esa brecha. La pregunta es: "¿Estamos realmente a salvo?". El mundo nunca ha estado tan cerca de una erupción volcánica como ahora, pero todos nos dormimos sabiendo que no ocurrirá durante nuestra vida.
Los conflictos sociales sin resolver y el cambio climático quedan para que los afronte la próxima generación.”Damian Kocur
EL GRAN PREMIO: A TODO GAS
Sinopsis: Edda sueña con convertirse en piloto de carreras. Inesperadamente, su deseo se hace realidad: ¡éste pasa de ser un parque de atracciones en decadencia a un circuito de competición! Junto a su ídolo, el piloto Ed, afrontará los desafíos del Gran Premio de Europa y descubrirá un complot para sabotear la carrera. ¿Conseguirán salvar la competición y evitar el cierre del parque?
La película llega a nuestras pantallas de la mano de Flins y Pinículas
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