ESTRENOS DE CARTELERA - 1 DE ENERO DE 2026

LA ASISTENTA

La Asistenta ya es un fenómeno viral en todo el mundo. Cuenta la historia de Millie, una joven con un pasado problemático que encuentra la oportunidad de trabajar en la lujosa mansión de los Winchester. Pero no todo es tan perfecto cómo parece.

Basada en el increíble fenómeno literario escrito por Freida McFadden.

Sinopsis: Una joven (Sydney Sweeney), con un pasado complicado comienza a trabajar como asistenta en la lujosa casa de los Winchester, interpretados por Amanda Seyfried y Brandon Sklenar. A medida que se adentra en la vida de la familia, descubrirá secretos oscuros que pondrán en peligro su seguridad, pero quizá ya sea demasiado tarde...

La Asistenta ya llega a nuestros cines distribuida por Diamond Films.

RONDALLAS

Rondallas es la nueva película dirigida por Daniel Sánchez Arévalo y protagonizada por Javier Gutiérrez, María Vázquez, Fer Fraga, Judith Hernández, Tamar Novas y Carlos Blanco, entre otros. 

Sinopsis: Dos años después del trágico naufragio de un barco pesquero que sacudió a un pequeño pueblo marinero gallego, algunos miembros de la rondalla, una agrupación de música tradicional en la que participan desde niños hasta ancianos, deciden que ya es hora de recuperar la ilusión y dejar el luto atrás. Por ello vuelven a unirse para ponerla en marcha con la intención de competir en un concurso contra los pueblos vecinos, pero sobre todo de empezar a mirar hacia delante de nuevo.

Rondallas llega a nuestras carteleras distribuida por Beta Fiction Spain.

ABUELA TREMENDA

Abuela tremenda, el primer largometraje de la cineasta Ana Vázquez ("Élite", "Olympo"), llega a los cines este jueves 1 de enero con distribución de Buena Vista International. Se trata de una comedia familiar protagonizada por Elena Irureta y Toni Acosta.

La película está protagonizada por Elena Irureta (Premio de la Unión de Actores, Feroz, Forqué y Platino por "Patria"), Toni Acosta (saga "Padre no hay más que uno", "Fenómenas") y Carla Pastor ("La sospecha de Sofía"). Les acompañan Carlos Serrano ("Sin cobertura"), Santiago Alverú ("Reina Roja"), Gorka Aguinagalde ("El cuarto pasajero"), Kandido Uranga ("Hil Kampaiak"), Esperanza Elipe ("Camera Café: la película"), Ramón Ibarra ("El hombre de las mil caras") y los niños Darío Moncloa, Adrián Gámiz y Sofía González.

Abuela tremenda es una producción de Feelgood Media, Kowalski Films, Atresmedia Cine y Abuela Tremenda AIE con la participación de Atresmedia y Netflix. Además cuenta con el apoyo del ICAA y Crea SGR. Distribuye Buena Vista International Pictures.

Dirigida por Ana Vázquez a partir de un guion de Roberto Jiménez ("El casoplón"), el film cuenta con Andalu Vila-San-Juan ("Anatomía de...") como Directora de Fotografía. Óscar Sempere ("Alimañas") es el Director de Arte. Larisa Balinge ("The Walking Dead: Daryl Dixon") se encarga del Vestuario. Clara Rollán ("La que se avecina") y Natalia Barrios ("Física o Química: La nueva generación") se ocupan del Maquillaje y la Peluquería. Paco Alonso Perdiguero ("Alimañas") se encarga del Sonido. Alex Martín es el director de Producción. Juan Moreno, Guillermo Sempere, Koldo Zuazua y Jaime Ortiz de Artiñano son los productores. Virginia Hernando es la productora ejecutiva.

Sinopsis: Toñi no es una abuela cualquiera. Es un torbellino, un alma libre que se mete siempre en líos. A su hija Daniela la trae un poco de cabeza, pero su nieta Alexia la adora. Por eso, cuando Daniela se lleva a Alexia a un retiro rural de su empresa, Toñi no duda en presentarse allí con su caravana para pasar tiempo con su nieta y animar el cotarro a toda costa. Toñi pondrá patas arriba el retiro y el trabajo de Daniela y, sin querer, también pondrá algunas cosas en su sitio.

LA DIRECTORA: ANA VÁZQUEZ

Profesional de amplía experiencia en la dirección, ha desarrollado su carrera en televisión durante los últimos 15 años, en algunas de las producciones más exitosas de diferentes géneros.

Las últimas series que ha dirigido son "Ayla y los Mirror", una original de Disney Plus que mezcla musical, comedia y actores infantiles; y el éxito de Netflix "Olympo". "Abuela Tremenda" será su debut en la dirección de largometrajes.

FILMOGRAFÍA (series TV):"Olympo" – 2025 (2 capítulos)

• "Ayla y los Mirror" – 2024 (10 capítulos)
• "Élite" – 2023 (1 capítulo)
• "Zorras" – 2023 (4 capítulos)
• "Escándalo, relato de una obsesión" – 2023 (4 capítulos)
• "Madres, amor y vida" – 2020-2022 (10 capítulos)
• "Dos vidas" – 2021 (6 capítulos)
• "El secreto de Puente Viejo" – 2011-2019 (86 capítulos)
• "Bandolera" – 2011 (6 capítulos)
• "Valientes" – 2010 (2 capítulos)
• "Lalola" – 2008-2009 (33 capítulos)

EL MÉDICO II

El Médico II, la esperada secuela de la epopeya histórica que cautivó al mundo entero en 2013, llega este jueves 1 de enero a la cartelera española. Convirtiéndose rápidamente en un fenómeno internacional, la primera parte superó el millón de espectadores en España y recaudó más de 50 millones de euros a nivel mundial. Beta Cinema, Constantin Film, Zeitsprung Pictures y UFA Fiction producen la cinta. Dirige Philipp Stölzl, quién ya estuvo al frente de El médico hace más de 10 años.

Tom Payne (Horizon: An American Saga, "The Walking Dead") repite en el papel del apasionado médico Rob Cole en esta fascinante aventura que cuenta con la participación de las estrellas de la aclamada serie de HBO "Juego de tronos" Aidan Gillen, Liam Cunningham y Owen Teale y de las actrices Emily Cox (Alma Mahler: La pasión) y Áine Rose Daly (Hierve).

Entusiasmado con el proyecto, Payne afirma: "No muchos actores tienen la oportunidad de volver a un papel que han interpretado. Y mucho menos 10 años después. Es un honor para mí poder retomar un personaje tan querido y compartir una nueva aventura que explore temas significativos y universales dentro de una historia épica y absorbente. Estoy deseando que la gente vuelva a entrar en el mundo de Rob Cole y disfrute de una experiencia cinematográfica apasionante."

El director alemán Philipp Stölzl comenta: "En El Médico II se estudia el alma y la vida interior de los seres humanos. En la primera película nos centramos en la sanación del cuerpo y ahora la mirada se torna hacia dentro, para cuestionar cómo se sana el espíritu. ¿Hasta dónde llega la medicina convencional y dónde empieza lo inexplicable o aquello que aún no se ha investigado? ¿Cómo nos podrían ayudar las religiones naturales o chamanísticas?".

Sinopsis: Ispahán, 1034. Rob Cole y su familia se ven obligados a huir de la Madraza y poner rumbo a occidente junto a sus estudiantes de medicina. Al llegar a Londres, descubren que musulmanes y judíos tienen prohibida la entrada a la ciudad y que no pueden ejercer como médicos dentro de ella. Sin dejarse intimidar, Cole y sus pupilos establecen un hospital improvisado a las puertas de Londres. Cuando Cole es llamado por el Rey para que atienda a su hija enferma, sus excepcionales habilidades como curandero le aseguran un puesto en la corte. A medida que se vea envuelto en luchas de poder e intrigas políticas de la casa real, el médico deberá guiarse por su instinto para sobrevivir en una Inglaterra al borde del colapso.

El Médico II es una épica histórica arrolladora sobre el amor, el dolor, las religiones del mundo y la medicina que, en esta ocasión, pone el foco sobre los primeros estudios sobre salud mental.

DeAPlaneta estrena El Médico II este jueves, 1 de enero, en cines

LOS GUARDIANES DEL DIENTE MÁGICO

Sinopsis: Van, un joven hada de los dientes con espíritu rebelde, sueña con descubrir qué hay más allá de los límites de su estricta y aislada civilización. Su mundo cambia para siempre cuando conoce a Rupee, el trol más adorable del mundo, y a Gemma, una ingeniosa goblin apasionada por la ciencia. A pesar de los prejuicios que han separado a sus pueblos durante generaciones, los tres emprenden una misión épica para unir sus reinos mágicos y demostrar que la amistad puede derribar cualquier frontera. Pero la temible Reina Araña y sus secuaces no piensan ponérselo fácil, y tratarán de detenerlos a toda costa. Entre humor, emoción, descubrimientos y un toque de romance juvenil, esta aventura celebra la diversidad, el valor y la importancia de mirar más allá de las diferencias.

Distribuye Flins y Pinículas.

Ficha técnica

• Título original: A Tooth Fairy Tale
• Título en español: Los Guardianes del Diente Mágico
• País: Estados Unidos
• Estreno en USA: 20/05/2025
• Estreno en España: 01/01/2026
• Director: Michael Johnson
• Reparto: Animación
• Producción: Rebellion Animation

'KILL BILL: THE WHOLE BLOODY AFFAIR", 10 DE ABRIL ESTRENO EN CINES DE LA MANO DE ELASTICA

Antes de despedir el año, nos entusiasma desenvolver todo un regalo de cine de la mano de ELASTICA.

La versión original y definitiva del clásico moderno 'Kill Bill' llegará a los cines el próximo 10 de abril de la mano de ELASTICA: Kill Bill: The whole bloody affair. 

Tras más de dos décadas de espera, el Volumen 1 y el Volumen 2 en una única película, presentada tal y como Quentin Tarantino la concibió desde el principio, con una nueva secuencia de anime nunca antes vista.

Uma Thurman interpreta a La Novia, dada por muerta después de que su antiguo jefe y amante, Bill, organizase una masacre durante el ensayo de su boda, disparándole en la cabeza y arrebatándole a su hija nonata. Al despertar del coma, emprende una implacable venganza contra los miembros del Escuadrón de Asesinato de las Víboras Mortales, decidida a ajustar cuentas uno a uno hasta llegar al propio Bill.

Con su desbordante estilo y brutalidad, Kill Bill: The whole bloody affair se erige como una de las grandes sagas de venganza, y de las más icónicas, en la historia del cine.

Más de veinte años después, llega por fin a las salas como fue pensada desde el inicio. Su silbido resuena y su sangre salpica desde la gran pantalla: por primera vez en su versión íntegra.

"Kill Bill" fue concebida, rodada y montada inicialmente como un solo largometraje. Ante su duración y ambición, el proyecto se dividió en dos partes para su estreno en 2003 y 2004. Desde entonces, el montaje completo se convirtió en una obra casi mítica, reclamada durante años por los seguidores del director y rara vez exhibida en su forma íntegra.

The whole bloody affair integra por completo los dos volúmenes de "Kill Bill" en un único relato continuo, recuperando la estructura narrativa original concebida por Quentin Tarantino. Esta versión incluye además una secuencia de animación ampliada que profundiza en el pasado de O-Ren Ishii (Lucy Liu), así como la legendaria escena de la Casa de las Hojas Azules presentada íntegramente y a color. En su estreno original, esta secuencia fue parcialmente recortada y mostrada en blanco y negro para evitar una calificación +17 en Estados Unidos debido a su violencia gráfica. The whole bloody affair restituye ahora su intensidad visual y narrativa tal y como fue concebida originalmente.

"MARBELLA. EXPEDIENTE JUDICIAL" - ESTRENO EL 22 DE ENERO EN MOVISTAR PLUS+

Llega una nueva oportunidad para acabar con el crimen organizado: Marbella. Expediente judicial, se estrena el 22 de enero en Movistar Plus+. Los seis episodios se estrenan al completo en la plataforma. La gran novedad de esta segunda temporada es el cambio de protagonista y de perspectiva. Natalia de Molina da vida a Carmen Leal, la fiscal antidroga de Marbella, que está decidida a acorralar al polémico abogado César Beltrán, interpretado por Hugo Silva.

Sinopsis: Cesar Beltrán (Hugo Silva) tiene que enfrentarse a un nuevo enemigo, más implacable y determinado que cualquier otro policía, competidor o criminal con quién se ha cruzado en el pasado: la fiscal antidroga de Marbella, Carmen Leal (Natalia de Molina). Carmen está convencida de que muy poco se puede hacer contra las organizaciones criminales que lideran el tráfico en la Costa del Sol, si no se erradica antes a los responsables de muchos fracasos recientes de la justicia: los tres principales abogados que defienden a la mayoría de los criminales.

Reparto

Natalia de Molina ('Fácil', 'Desmontando un elefante') y Hugo Silva ('La buena suerte') encabezan el elenco que completan Elvira Mínguez ('La sombra de la tierra), Manuela Calle ('Marbella' T1), Agustín Domínguez (su debut en ficción), Ignacio Mateos ('La maniobra de la tortuga'), Juanlu González ('Políticamente incorrectos'), Cristalino ('Segundo Premio'), Claudia Galán ('La Caza. Guadiana), Antonio Araque ('Te estoy amando locamente') y Fernando Cayo ('La huella del mal').

Ficha técnica

'Marbella' es una serie original Movistar Plus+ producida por Buendía Estudios Canarias.

Creada por: Alberto Marini y Dani de la Torre.

Argumento: Alberto Marini y Dani de la Torre.

Dirección: Dani de la Torre y Oskar Santos.

Guion: Alberto Marini.

Producción ejecutiva: Fran Araújo, Ignacio Corrales, Pepe Ripoll, Dani de la Torre, Alberto Marini, Arturo Lezcano y Nacho Carretero.

Dirección de producción: Juanma Pagazaurtundua.

Dirección de fotografía: Josu Inchaustegui, Ibon Antuñano Totorika.

Dirección de Arte: Julio Torrecilla.

Género: Thriller.

Episodios: 6 x 45'.

Estreno: 22 de enero de 2026.

La distribución internacional correrá a cargo de Movistar Plus+ International.

ESTRENOS DE CARTELERA - 25 DE DICIEMBRE DE 2025

HOMO ARGENTUM

Homo Argentum, la esperada comedia dirigida por Gastón Duprat y Mariano Cohn y protagonizada por Guillermo Francella ("El secreto de sus ojos", "El clan", "El encargado") se estrena en cines este jueves 25 de diciembre de la mano de A Contracorriente Films.

Los realizadores, responsables de éxitos internacionales como “El hombre de al lado”, “El ciudadano ilustre”, “Mi obra maestra”, “Competencia oficial” y de series aclamadas como “El encargado”, “Nada” y “Bellas Artes” vuelven a reunirse con Francella en un proyecto que ya es un fenómeno en Argentina: superó el millón de espectadores en solo 11 días de exhibición y lleva cerca de dos millones de espectadores hasta la fecha. Homo Argentum es la película argentina más taquillera de los últimos años en su país.

La película propone un mosaico de relatos en los que Guillermo Francella interpreta a personajes radicalmente distintos, desde un director de cine internacional hasta un vendedor de dólares callejero o un millonario, desplegando un rango interpretativo inusual en el cine argentino reciente. Los relatos se entrelazan para ofrecer una reflexión colectiva sobre la sociedad argentina. Cada segmento aborda dilemas morales, situaciones cotidianas al borde del absurdo y tensiones reconocibles de la vida urbana, siempre desde una perspectiva humorística y con una marcada crítica social.

Sinopsis: Varios relatos satíricos en los que Guillermo Francella encarna a una galería de personajes tan distintos como reconocibles. A través de situaciones cotidianas, explora las contradicciones del ser argentino: el oportunismo, la doble moral, la idolatría futbolera o la amistad interesada. Un espejo incómodo y divertido en el que cualquiera puede reconocerse.

FATHER MOTHER SISTER BROTHER

Jim Jarmusch, icono del cine independiente estadounidense, regresa con Father Mother Sistes Brother, ganadora del León de Oro a la Mejor  Película en el Festival de Venecia.  

Con Father Mother Sistes Brother Jarmusch disecciona los vínculos familiares, esos que nadie elige, en forma de tríptico. Tres historias sobre relaciones distantes entre padres e hijos. Todas tienen lugar en la actualidad, pero cada una en un país diferente. Y, por supuesto, todas y cada una de ellas con el característico humor irónico del cineasta.

Father se desarrolla en el noreste de Estados Unidos, Mother en Dublín, Irlanda, y Sister Brother en París, Francia. Se trata de un estudio de personajes tranquilo, observacional y sin prejuicios. Una comedia, pero entretejida con hilos de melancolía.

Para Father Mother Sistes Brother, el célebre autor de "Noche en la Tierra", "Flores rotas", "Ghost Dog" o "Coffee and Cigarettes", entre otras, se ha vuelto a rodear de un cast estelar. Un reparto coral que supone el gran comeback del legendario músico y actor Tom Waits, al que le acompañan Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Cate Blanchett, Vicky Krieps, Sarah Greene, Indya Moore, Luka Sabbat y Françoise Lebrun.

"Father Mother Sistes Brother es una especie de antipelícula de acción; su estilo sutil y silencioso está cuidadosamente construido para permitir que los pequeños detalles se acumulen, casi como flores colocadas con delicadeza en tres arreglos frágiles. Las colaboraciones con los magistrales directores de fotografía Frederick Elmes y Yorick Le Saux, el brillante montador Afonso Gonçalves y otros colaboradores habituales elevan lo que comenzó como palabras en una página hasta convertirlo en una forma de cine puro". Jim Jarmusch.

Avalon la estrena en cines de toda España.

ARIEL

Protagonizada por Irene Escolar, se trata de la nueva película del director de Samsara, basada en La Tempestad de William Shakespeare. Estrenada en el Festival Internacional de Cine de Róterdam

Ariel, la nueva película de Lois Patiño tras el excelente resultado de Samsara (mejor estreno de 2023 en España para una película lanzada con menos de 30 copias), llega a los cines el  de la mano de Atalante.

El film, estrenado mundialmente en la sección Harbour del Festival Internacional de Cine de Róterdam, inauguró el 1 de julio el Festival Internacional de Cine Curtocircuíto en Santiago de Compostela y pudo verse también en el Festival Lo Que Viene Tenerife y en el Atlàntida Mallorca Film Fest (AMFF).

Sinopsis: Una actriz viaja a las Azores para actuar en La Tempestad de William Shakespeare, pero al llegar no encuentra ni compañía ni teatro. Tras conocer a Ariel, descubre que la obra ya comenzó: la isla entera es un teatro y sus habitantes son personajes.

Ariel está protagonizada por Irene Escolar (Tenéis que venir a verla, Las chicas están bien) y Agustina Muñoz (Rara, Viola). Está inspirada en La tempestad de William Shakespeare. Completan el reparto Hugo Torres, Diego Anido, José Díaz, Marta Pazos, Susana Salema, César Lima y Felipe Porteiro, entre otros.

La película, creada a partir de una idea de Matías Piñeiro y Lois Patiño, es una producción de Filmika Galaika y Bando à Parte.

SOBRE LOIS PATIÑO. Lois Patiño (Vigo, 1983), cineasta y artista, ha mostrado su trabajo en festivales como Cannes, Berlinale, Locarno, Toronto, Rotterdam, New York, Viennale, IDFA, Oberhausen. Sus películas más recientes Sycorax (2021) y El sembrador de estrellas (2022) se han estrenado en la Quincena de Cannes y en Berlinale Shorts. Su primer largometraje Costa da morte (2013) se estrenó en Locarno, donde obtuvo el Premio a Mejor Director Emergente, y el segundo, Lúa vermella (2020), se estrenó en Berlinale Forum. Su largometraje Samsara (2023) se estrenó en Berlinale Encounters donde consiguió el Premio Especial del Jurado. Ariel, llegará a los cines el 25 de diciembre.“Nos interesaba girar sobre la idea de libertad también desde la perspectiva del miedo a la libertad y la invitación a la aventura de vivir. Nuestros personajes, conscientes de la falta de libre albedrío, y llenos de dudas existenciales, se debatirán en torno a esta idea” comenta el director.

ELOY DE LA IGLESIA, ADICTO AL CINE

El documental de Gaizka Urresti, nominado a Mejor Largometraje Documental en los Premios Forqué, llega a salas tras su paso por San Sebastián y Sitges y alzarse con el premio a Mejor Documental Vasco Zinemastea 25. Opta a Mejor película documental en los GOYA 2026.

Tras emocionar en su estreno mundial en el Festival de San Sebastián, formar parte de Sitges Documenta y alzarse con el Premio del Público en la Semana del Documental Vasco, Eloy de la Iglesia, adicto al cine, dirigido por el doble ganador del Goya Gaizka Urresti, llega hoy a los cines, convirtiéndose en una de las últimas citas imprescindibles del año para entender la figura de uno de los cineastas más valientes y necesarios de la Transición. 

La película, producida por Altube Filmeak, Urresti Producciones y Allmura Films reconstruye el universo íntimo, político, incómodo y profundamente humano de Eloy de la Iglesia: un autor que hizo del cine -realista, fantástico, marginal y libre- su refugio, su forma de resistencia y su única adicción verdadera. “Lo único que nunca me ha fallado es el cine”, dejó escrito. Ese vínculo feroz es el punto de partida del acercamiento directo, sin filtros, con el que Urresti revisita la figura del director vasco a través de quienes compartieron con él rodajes, conversaciones, vida e investigación, y de quienes han estudiado su obra como una pieza esencial para entender la España de la Transición y sus sombras.

Sinopsis: Un director de cine valiente, un enfant terrible en sus inicios, combativo contra la censura, buscando siempre los límites de la libertad de expresión, cronista dela parte más oscura de la Transición, caerá en los infiernos de la drogadicción y durante más de una década será olvidado y en ocasiones repudiado, pero logrará salir del ostracismo para volver a hacer cine, esa adicción de la que jamás pudo desengancharse. Un mosaico generoso que aporta memoria, afecto, contradicción y perspectiva histórica.

Entre las personas entrevistadas en el documental figuran nombres que trabajaron con Eloy o que han investigado a fondo su obra: José Sacristán, María Luisa San José, Fernando Méndez-Leite, Marisol García Morcillo, Luis E. Parés, Pedro Olea, Claudia Gravy, Carlos Aguilar, Eduardo Fuembuena, Ángel Pardo, José Luis Garci, Fernando Guillén Cuervo, Josetxo San Mateo, Alejo Loren, Pedro Moreno, Gaspar Noé y Verónica Luján.

ANACONDA

Se estrena Anaconda, dirigida por Tom Gormican (El insoportable peso de un talento descomunal, Superdetective en Hollywood: Axel F.) y protagonizada por Jack Black (Escuela de rock, Alta fidelidad), Paul Rudd (Ant-Man, Cazafantasmas: Imperio helado), Steve Zahn (La guerra del planeta de los simios, Rescate al amanecer), Thandiwe Newton (Misión Imposible 2, Crash), Daniela Merchior (El escuadrón suicida, Road House) y Selton Mello (Aún estoy aquí, El payaso), llega exclusivamente a los cines de la mano de Sony Pictures.

Sinopsis: Doug (Jack Black) y Griff (Paul Rudd) son mejores amigos desde que eran niños y siempre han soñado con hacer un remake de su película favorita de todos los tiempos: el «clásico» cinematográfico Anaconda. Cuando una crisis de mediana edad les empuja a lanzarse por fin a la aventura, se adentran en la selva amazónica para empezar a rodar. Pero las cosas se ponen serias cuando aparece una anaconda gigante de verdad, convirtiendo su cómico y caótico plató de rodaje en una situación mortal. ¿La película que se morían por hacer, podría costarles la vida?...

BOB ESPONJA: UNA AVENTURA PIRATA

Bob Esponja y sus amigos de Fondo de Bikini se embarcan en el evento cinematográfico más grande, completamente nuevo e inolvidable de todos los tiempos en la película Bob Esponja: una aventura pirata. Desesperado por demostrar que es un tío grande, Bob Esponja decide demostrar su valentía ante el señor Cangrejo siguiendo al Holandés Errante, el misterioso legendario pirata fantasma. Así comienza una aventura marítima que lo lleva a las profundidades más remotas del océano, donde ninguna esponja ha llegado jamás.

Santiago Segura es el artista elegido en esta ocasión para doblar un personaje de la película Bob Esponja: una aventura pirata de Paramount Pictures que se estrena hoy en cines. Santiago Segura tiene una dilatada experiencia en el mundo del doblaje.

Reparto en versión original: Tom Kenny, Clancy Brown, Rodger Bumpass, Bill Fagerbakke, Carolyn Lawrence, Mr. Lawrence, George Lopez, Isis “Ice Spice” Gaston, Arturo Castro, Sherry Cola con Regina Hall y Mark Hamill

Santiago Segura es un actor, director, guionista y productor español responsable de las películas más taquilleras del cine en España como las sagas de ‘Torrente’, ‘Padre no hay más que uno’ o ‘A todo tren’ que han acumulado millones de espectadores en cines. Comenzó su carrera rodando cortometrajes con una cámara de Super-8 y saltó a la fama tras recibir el Goya a Mejor Cortometraje de ficción por ‘Perturbado’ y por su papel en El día de la bestia, de Álex de la Iglesia. Como director obtendría el Goya a Mejor Dirección novel por ‘Torrente el brazo tonto de la Ley’, saga que le valdría un grandísimo éxito en las salas de cine llegando a rodar la primera película española en 4D en una de sus entregas.

ESTRENOS DE CARTELERA - 19 DE DICIEMBRE DE 2025

AVATAR: FUEGO Y CENIZA

Este viernes se estrena solo en cines Avatar: Fuego y ceniza, la esperada tercera entrega de la saga del director James Cameron.

Con Avatar: Fuego y Ceniza, James Cameron lleva al público de vuelta a Pandora en una nueva y envolvente aventura con el marine convertido en líder Na'vi Jake Sully (Sam Worthington), la guerrera Na'vi Neytiri (Zoe Saldaña) y la familia Sully. La película, con guion de James Cameron, Rick Jaffa y Amanda Silver, y una historia de James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver, Josh Friedman y Shane Salerno, también está protagonizada por Sigourney Weaver, Stephen Lang, Oona Chaplin, Cliff Curtis, Joel David Moore, CCH Pounder, Edie Falco, David Thewlis, Jemaine Clement, Giovanni Ribisi, Britain Dalton, Jamie Flatters, Trinity Jo-Li Bliss, Jack Champion, Brendan Cowell, Bailey Bass, Filip Geljo, Duane Evans, Jr. y Kate Winslet.

Avatar: Fuego y Ceniza se estrena en exclusiva en cines de todo el mundo en 3D HFR, IMAX, 4DX, SCREENX, 4DE, CINITY, ICE y otros formatos premium.

VIDA PRIVADA

Tras conseguir cambiar la imagen tópica de la madrastra con el dramedia 'Los hijos de otros', la cineasta francesa Rebecca Zlotowski vuelve con Vida privada, cuya première mundial se celebró en el pasado Festival Internacional de Cine de Cannes, en Sección Oficial Fuera de Competición. Antes de su estreno en cines, la película tuvo estreno americano en el Festival Internacional de Cine de Toronto y se presentó en Perlak del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La dos veces ganadora del Oscar Jodie Foster protagoniza este rocambolesco y trepidante thriller emocional, con tintes de comedia e intriga y de doble fondo. Le acompañan Daniel Auteuil ('Happy End', 'Caché'), Matthieu Amalric ('La trama fenicia', 'El sol del futuro'), Virginie Efira ('Los hijos de otros', 'Benedetta') y Vincent Lacoste ('Corazones rotos', 'Los buenos profesores').

Sinopsis: La reputada psiquiatra Lilian Steiner emprende una investigación privada sobre la muerte de uno de sus pacientes, del que está convencida que ha sido asesinado.

Jodie Foster, que con Vida privada realiza su primera interpretación protagonista en francés: "Había tenido papeles secundarios en películas francesas antes, pero es verdad que tenía miedo. Lo mejor es que cuando actúo en francés, soy una persona totalmente diferente. Tengo hasta una voz mucho más aguda, pero eso sí, tengo mucha menos confianza y me frustro mucho porque no puedo expresarme tan bien. Y eso crea un nuevo tipo de personaje para mí", explica la estrella estadounidense a la que hemos visto en títulos como 'El silencio de los corderos' o 'Taxi Driver', entre otras muchas.

Para Zlotowski, trabajar con Foster ha sido cumplir un sueño: “Desde que soy estudiante fantaseaba con Jodie Foster en mis películas y ahora finalmente ha sido nuestro momento, este era el filme para ella, he construido todo el andamiaje del filme a su alrededor”, apuntó la directora.

"Hay una vida privada, una vida pública y una vida secreta", explica la cineasta. Y precisamente Vida privada indaga en todas nuestras esferas, de la pública a la privada, a partir de un oscuro y cómico misterio criminal.

Vida privada llega a los cines de la mano de Caramel Films y YouPlanet

KEEPER

Después de deslumbrar a toda la crítica y el público el verano pasado con la inquietante Longlegs, Osgood Perkins presenta su nueva película, Keeper, un oscuro viaje que llega exclusivamente a los cines españoles este viernes de la mano de DeAPlaneta.

Protagonizada por la ganadora de un Emmy, Tatiana Maslany ("She-Hulk, Abogada Hulka", "Orphan Black") y Rossif Sutherland ("El cuento de la criada", La huérfana: primer asesinato), Keeper promete convertirse en la gran película de terror de las Navidades, fascinando y estremeciendo a todos los amantes del género.

Sinopsis: Una escapada romántica a una cabaña aislada se convierte en una auténtica pesadilla cuando una presencia oscura obliga a la pareja a enfrentarse al inquietante pasado de la propiedad.

El director, Osgood Perkins, hijo del mítico protagonista de Psicosis, Anthony Perkins, ya se ha convertido en una de las voces más eclécticas y estimulantes del cine de terror estadounidense.

Tras debutar en el mundo del cine interpretando a Norman Bates de niño en Psicosis II: El regreso de Norman (1983), en 2015 presentó su ópera prima como director, La enviada de mal. Le siguieron Soy la bonita criatura que vive en esta casa (2016) y Gretel & Hansel. Un oscuro cuento de hadas (2020). Su cuarta película, Longlegs, batió múltiples récords de taquilla en Estados Unidos, superó los 100 millones de euros recaudados mundialmente y obtuvo el aplauso unánime de la crítica y público.

Después de presentar la sádica y ocurrente The Monkey el pasado mes de febrero, Perkins estrena su tercera película en menos de un año y medio. Tras la publicación de sus enigmáticos teaser tráilers, Keeper ya ha despertado la curiosidad de la prensa especializada y de un público entregado que espera con ansias la nueva propuesta de este cineasta único e infalible.

EMERGENCY EXIT

Este 17 de diciembre se cumplió el aniversario de la muerte de Marisa Paredes, una de las figuras más emblemáticas y queridas del cine español. Coincidiendo con esta fecha significativa, llega este viernes a las salas Emergency Exit, la nueva película de Lluís Miñarro, que adquiere una dimensión especialmente emotiva: se trata de la última película interpretada por Marisa Paredes, un cierre profundamente simbólico a una carrera artística excepcional.

Su interpretación, contenida y luminosa, funciona como un testamento artístico: una despedida serena y poderosa de una actriz que marcó de forma decisiva varias generaciones de espectadores, cineastas y creadoras. El filme se inscribe así, no solo como una nueva pieza en la filmografía de Miñarro, sino también como un homenaje involuntario y profundamente conmovedor a Marisa Paredes, cuya huella en el cine español permanece intacta.

Emergency Exit es una road movie coral que explora la dicotomía entre sueño y realidad, vida y muerte, desde un tono guiado por la ironía y el absurdo.

Cuenta con un reparto coral formado por Marisa Paredes, Emma Suárez, Oriol Pla Albert Pla, Francesc Orella, Gonzalo Cunill, Aida Folch, Miquel Barberà, Lu Colomina, Laia Brugarolas, las actrices y cantantes francesas Arielle Dombasle y Myriam Mézières, el brasileño Jhonattan Burjack y cuenta también con la participación de la realizadora japonesa Naomi Kawase.

Emergency Exit propone un viaje a través de la intimidad emocional de sus personajes, explorando el impulso de escapar —del lugar propio, de las circunstancias, incluso de uno mismo— y el deseo de encontrar una salida que redefina la existencia. La película combina elementos narrativos con una poderosa dimensión visual, sello característico del universo de Miñarro, en el que la experiencia cinematográfica se vive desde la sensibilidad y la libertad formal.

Con esta nueva obra, Miñarro vuelve a desplegar su mirada poética, transgresora y profundamente humana, consolidando un estilo que ha marcado su trayectoria en el cine de autor europeo.

Sinopsis: 14 personajes viajan en un vehículo misterioso del que no pueden bajar fácilmente. Durante el trayecto, fabulan sobre su identidad. Los personajes avanzan entre paisajes irreales en una travesía sorprendente entre vida y muerte, sueño y vigilia. Una tragicomedia sin certezas. Un nexo con el cine de los setenta.

Emergency Exit ha sido filmada en localizaciones de Catalunya, Tenerife y La Gomera. Es una producción de Lluis Miñarro en coproducción con El Viaje Films y cuenta con el apoyo del ICEC, la Corporació Catalana de Mitjans Audiovisuals y el Cabildo de Tenerife.

Miñarro comenta: “Mi interés en esta propuesta es el de aportar un registro singular; una visión actualizada del llamado realismo mágico que tan bien han sabido plasmar escritores como Arturo Uslar Pietri, Gabriel García Márquez, Alejo Carpentier o cineastas como Luis Buñuel, Raoul Ruiz o João César Monteiro. Hay una imaginería fascinante no representada cinematográficamente que corresponde a pintoras como Remei Varo o Leonor Carrington, a las cuales también nos aproximamos a nivel estético. Es mi interés poder ofrecer una visión personal que entronque con esta esencia del cine primigenio: sus luces y sus sombras.”

EL EXTRANJERO

El extranjero, se posiciona como favorita en los Premios Lumière con un total de 6 nominaciones en las principales categorías: Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Guión, Mejor Actor (Benjamin Voisin) Mejor Fotografía y Mejor Música.

La nueva película del director francés François Ozon se sitúa por delante de otros títulos como Nouvelle Vague de Richard Linklater (cinco nominaciones) o Dossier 137 de Dominik Moll (cuatro nominaciones), que partían como grandes competidoras, consolidando así sus buenos resultados dentro de la taquilla francesa, donde ya ha superado las 730.000 entradas.

BTEAM PICTURES estrena El extranjero tras haberse presentado mundialmente en la Sección Oficial del Festival de Venecia, donde compitió por el León de Oro y tras participar en la Sección Perlak de la 73ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Basada libremente en la célebre novela El extranjero de Albert Camus, la película supone una reinterpretación contemporánea del texto existencialista, con el estilo provocador e íntimo que caracteriza a Ozon. Protagonizada por Benjamin Voisin (que ya colaboró con Ozon en Verano del 85) y Rebecca Marder (Fantasías de un escritor), cuenta con la participación de Denis Lavant (Holy Motors, Beau Travail) y Swann Arlaud (Anatomía de una caída).

Sinopsis: Argel, 1938. Meursault (Benjamin Voisin), un hombre tranquilo y reservado de unos treinta años, asiste al funeral de su madre sin derramar una lágrima. Al día siguiente, inicia una aventura con Marie (Rebecca Marder), una compañera de trabajo, y vuelve a su rutina con aparente normalidad. Pero su vida se ve alterada por su vecino, Raymond Sintès (Pierre Lottin), que lo involucra en sus oscuros asuntos personales. Bajo un sol sofocante, en una playa desierta, un encuentro fortuito desencadena un trágico suceso que cambiará su destino…

François Ozon (París, 1967) es uno de los directores más influyentes y versátiles del cine francés contemporáneo. Formado en La Fémis (Escuela de Cine de París), Ozon ha desarrollado una filmografía singular marcada por su capacidad para explorar las relaciones humanas, la identidad y el deseo con una mezcla de elegancia visual, ironía y profundidad emocional. Su obra abarca desde el drama intimista hasta la comedia musical y el thriller psicológico, convirtiéndolo en un autor reconocido internacionalmente.

A lo largo de su carrera ha firmado títulos emblemáticos como Sitcom (1998), Sous le sable (2000), 8 femmes (2002), Swimming Pool (2003), 5×2 (2004), Le temps qui reste (2005), Angel (2007), Ricky (2009), Potiche (2010, con la que ganó el Premio Robero Bognanno en el Festival de Venecia), Dans la maison (2012, ganadora de la Concha de Oro en San Sesbastián), Jeune & Jolie (2013), Une nouvelle amie (2014), Frantz (2016), L’amant double (2017), Grâce à Dieu (2018), Été 85 (2020) y Peter von Kant (2022), entre otros. Su cine ha sido regularmente celebrado en festivales como Cannes, Berlín y Venecia, consolidándolo como una figura esencial del panorama europeo.

ENTREVISTA A HORACIO ALCALÁ - DIRECTOR DE "FRAGMENTOS"

Fragmentos, producida por AF, Match Point y E Media Canary, dirigida por Horacio Alcalá y escrita por Frank Ariza, la película es un drama emocional que retrata la complejidad de las relaciones humanas. La historia se construye a partir de silencios, reproches y gestos que revelan heridas profundas en dos parejas: una joven al borde del colapso y otra adulta que descubre que la felicidad también puede ser frágil.

Con un enfoque sobrio y realista, Fragmentos se adentra en los territorios del amor, la frustración, la dependencia emocional y las falsas expectativas. Una película sobre lo que no se dice, sobre el desgaste, y sobre la necesidad (o no) de salvar lo que queda.

En palabras del director Horacio Alcalá: "Fragmentos es un espejo despiadado que refleja la complejidad del amor contemporáneo. Quería crear una película que no juzgara a sus personajes, sino que los desnudara hasta mostrar sus heridas más profundas. En este paisaje volcánico de Lanzarote, donde la lava petrificada convive con la belleza, nuestros protagonistas descubren que el amor verdadero a veces requiere la valentía de soltar. Es una historia sobre la necesidad de romperse para poder reconstruirse."

Protagonizada por Emma Suárez, Manu Vega, Asia Ortega y José Luis García Pérez, la película tuvo su estreno mundial en la sección MADE IN SPAIN del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que recoge una muestra de las películas españolas del año. 

Sinopsis: Diego decide poner rumbo a la roca volcánica paradisíaca con su mujer Alba para probar suerte por enésima vez en su matrimonio. Una relación sin sexualidad y discusiones continuas, de idas y venidas con personas de por medio, sin importar el daño que esto les causa. Alba permanece con su coraza cerrada, sin ver que su actitud es la causa del naufragio de su relación. Irene y Ben son los anfitriones de "La Geria", donde se hospedan. Una pareja de prometidos cuya felicidad tiende de un hilo con la llegada de sus invitados. “Siete preguntas para salvar tu matrimonio” en una revista de prensa rosa será lo que destape la verdad de ambas relaciones.

Fragmentos se estrena en cines de toda España de la mano de AF Pictures.

Esta semana, gracias a nuestr@s amig@s de DYP Comunicación, tuvimos la oportunidad de entrevistar al director de la cinta, Horacio Alcalá. Este es el resultado de la entrevista:

Carlos Penela.- Veo Fragmentos como una película que se construye como un mosaico emocional. ¿Cuál fue el primer fragmento real que detonó la necesidad de contar esta historia?

HORACIO ALCALÁ.- Bueno, en realidad es un guion de Frank Ariza. El guion ha llegado por medio de Manu Vega, que además de ser uno de los personajes principales es también productor. Yo estaba en México cuando ellos me contactaron, me llegó el guion y cuando lo estaba leyendo sentía que esas frases las había dicho yo en algún momento de mi vida, pero también que me las habían dicho a mi. Son frases y situaciones que gente allegada a mí también ha estado viviendo. Sentí que es una historia que podía contar porque he vivido cosas muy similares, y creo que la mayoría de las personas que vean la película se pueden sentir identificados con alguno de los personajes, todos hemos estado en este tipo de relaciones. A mí no me gusta hablar de relaciones tóxicas porque creo que no lo son, son simplemente situaciones que no sabemos llevar. A todo esto, nunca quise hacer los personajes como personajes buenos ni malos, sino personajes que son víctimas de sus situaciones y quizá no saben ver por lo que están pasando, el daño que hacen o el daño que les hacen.

Carlos Penela.- En ese sentido, en la película los personajes parecen sostenerse con hilos muy finos, casi invisibles. ¿Cómo trabaja con los actores para conseguir esa vulnerabilidad contenida tan física y tan silenciosa?

HORACIO ALCALÁ.- Lo primero que hicimos fue contarnos las situaciones emocionales que habíamos vivido. Una vez que nos hemos compartido todo esto, hemos hecho un trabajo muy individual con cada personaje. Solamente hemos hecho un ensayo todos juntos ya cuando estábamos en Lanzarote, precisamente porque queríamos mantener esta individualidad con los personajes. Por ejemplo, la escena de la comida que has visto es muy complicada, podría resultar muy teatral y queríamos evitar eso. Ha sido un trabajo, primero, desde lo que hemos vivido yo y los actores, y luego, muy individual.

Carlos Penela.- En la película vemos que hay situaciones en las que los personajes no hablan mucho, pero dicen muchísimo. ¿Cómo encuentras ese equilibrio entre lo que se calla y lo que se muestra? ¿Y qué papel juega para ti el silencio como herramienta dramática?

HORACIO ALCALÁ.- En mi trabajo siempre he trabajado con el silencio porque creo que el silencio dice muchas cosas. Muchas veces lo que se dice a través del silencio es más pesado que todo lo demás. Precisamente en esta película, una película de relaciones, el silencio es ensordecedor. Necesitábamos mucho de estos espacios, muchas veces porque también durante el trabajo con los propios actores, los actores decían "es que mi personaje, yo creo que aquí no diría nada." Entonces, donde había esas frases, las quitábamos.

Carlos Penela.- ¿Y cómo ha sido ese trabajo con Emma Suárez, Manu Vega, Asia Ortega y José Luis García Pérez?

HORACIO ALCALÁ.- Para mí ha sido maravilloso. Yo siempre quise trabajar con Emma Suárez, se ha hecho mi sueño realidad, y he aprendido muchísimo de todos ellos, han sido muy pacientes conmigo. Y sobre todo creo que para todos el hacer esta película ha sido una ejercicio de catarsis.

Carlos Penela.- El paisaje, la naturaleza, es un personaje más en la historia. ¿Puedes hablarnos de ello?

HORACIO ALCALÁ.- Cuando me llegó el guion la historia estaba planteada en un bosque. Yo sentía que en el bosque los personajes iban a tener donde protegerse. Quería llevármelos a un sitio donde no hubiese protección de ninguna manera. Conozco muy bien Lanzarote, cuando estaba leyendo el guion ya me venían a la cabeza las localizaciones de cada escena. Quería tener a los personajes caminando sobre la lava, ya que siento que lo que corre por sus venas en ese momento es lava, es un simbolismo, por supuesto, al igual que la noria representa otro simbolismo, ellos están en un área que no saben cuándo va a parar ni cómo va a parar, y sobre todo creo que estos personajes no saben en qué momento se han subido a la relación o a la novia. Como ves, es una película de simbolismos. Y en una isla, ¿a dónde se van? Están forzados a encontrarse el uno con el otro.

Carlos Penela.- En ese sentido, el montaje es esencial en esta película. ¿Cómo fue el proceso de edición? ¿Te encontraste con una película diferente a la que habías imaginado durante el rodaje?

HORACIO ALCALÁ.- Realmente no. Hemos rodado en tres semanas, no teníamos mucho tiempo, y de esas tres semanas una semana entera se ha dedicado a la escena de la comida. El montaje ha sido bastante fácil, teníamos lo justo y necesario, no hay escenas que se hayan quedado fuera. El montaje tampoco tenía mucho misterio, es decir, es muy esencial pero tampoco había mucha maniobra con el material que teníamos.

Carlos Penela.- Horacio, uno de los grandes aciertos de la película es que aborda heridas íntimas, pero sin caer en el melodrama. ¿Qué límites te marcaste para evitar que el dolor de los personajes se volviera demasiado explícito o manipulador de cara al espectador?

HORACIO ALCALÁ.- Digamos que el límite era mi propia experiencia con situaciones que había vivido. Quería que la película fuese lo más realista posible, prueba de eso es el final. ¡¡¡OJO SPOILER!!!!  El final no es un final feliz, es un final muy trágico. Aunque nos parezca un final feliz, es todo lo contrario, es muy trágico porque es la realidad, es así como funcionan las parejas, no voy a desvelar mucho más. pero digamos que esta película termina mal.

Carlos Penela.- Has vivido en varias partes del mundo. ¿Dirías que los fragmentos que componen las relaciones amorosas son universales?

HORACIO ALCALÁ.- Sí, no importa dónde vivas, este tipo de situaciones se dan. He vivido en más de 14 países, estuve viajando con una maleta por 7 años con el Circo del Sol. Estas situaciones se dan dentro del Circo del Sol, se dan en todos los sitios, son situaciones humanas. Esta película habla de un tema muy actual, pero es que esto siempre va a ser actual.

Carlos Penela.- Horacio, si pudieras elegir un solo fragmento, un plano, un gesto, una emoción que resuma lo que significa esa película para ti, ¿Cuál sería ese fragmento?

HORACIO ALCALÁ.- El momento en el que el personaje Irene, interpretado por Emma Suárez, dice "hemos confundido el amor con la costumbre".

Carlos Penela.-  Para finalizar, ¿Qué has aprendido y con qué te quedas de haber hecho Fragmentos?

HORACIO ALCALÁ.- He aprendido que estas situaciones que en algún momento viví al final me han servido de algo. Para mí, Fragmentos ha sido una manera de sacar pequeñas espinas del corazón de situaciones que había vivido, y eso un alivio. Ahora me pregunto, si no hubiese vivido esas situaciones si "Fragmentos" tendría esa sensibilidad. Entonces, lo que me han hecho esas situaciones ha sido mejor persona también y también me han hecho mejor director.